Nestor Topchy

Nestor Topchy jest malarzem, rzeźbiarzem, instalatorem i performerem z Houston w Teksasie. Urodził się w Somerville w stanie New Jersey w 1963 roku. Jego prace przeplatają paradoksalne wątki myślowe, niepasujące do siebie techniki malarskie, odmienne tradycje artystyczne i przeciwstawne postawy malarskie, aby wyrazić spójną i panteistyczną wizję rzeczywistości.

Wczesne życie i edukacja

Topchy posiada tytuł BFA z Maryland Institute College of Art w Baltimore (1985) oraz tytuł magistra sztuki z University of Houston (1987). W 1982 roku Topchy trafił na retrospektywę Yvesa Kleina w Muzeum Guggenheima, zorganizowaną przez Dominique'a De Menila dla Rice Museum w Houston. Topchy uznaje użycie przez Kleina IKB, nasyconego ultramarynowego niebieskiego pigmentu, który reprezentował „pustkę”, jako kluczowe odkrycie. Po zastosowaniu tego koloru na kulistych rzeźbach Topchy zdał sobie sprawę z ich związku z Pysanky, ozdobnymi ukraińskimi pisankami, które wykonał w dzieciństwie ze swoim matka i rodzina ze strony ojca, którzy wyemigrowali ze stalinizmu Ukraina jako przesiedleńcy po drugiej wojnie światowej. Dalej zainspirowany Kleinem, Topchy zdobył czarny pas w judo pod okiem Karla Geisa w latach 1998-2014 i obecnie ćwiczy Tomiki Aikido i Kyudo w linii Heki Ryū Bishū Chikurin-ha z Kanjuro Shibata XX. Studiował również buddyzm, taoizm, Qigong i gnostycyzm. W latach 2003-2007 studiował malarstwo chińskie u „Franka” Chiu Ching Pinga. W 2004 roku Topchy studiował pisanie ikon w Szkole Prosopon w Nowym Jorku.

Praca

TemplO/Zocalo

W latach 1989-2001 Topchy był współzałożycielem i dyrektorem artystycznym [Zocalo/TemplO], organizacji non-profit prowadzonej przez artystów, którą dzielił z Rickiem Lowe i Deanem Ruckiem. TemplO/Zocalo był inkubatorem eksperymentalnej działalności artystycznej i dał artystom wszystkich dyscyplin forum do tworzenia, wystawiania i wystawiania eksperymentalnych i ostrych prac. Kompleks mieścił pracownie i pomieszczenia mieszkalne artystów, galerię, sceny wewnętrzne i zewnętrzne oraz ucieleśniał przekonanie, że sztuka jest kreatywnym i duchowym sposobem robienia czegokolwiek.

Wielu współpracowników TemplO/Zocalo osiągnęło rozgłos w regionie i kraju, w tym Andrea Grover z Aurora Picture Show, The Art Guys, Jason Nodler i Tamarie Cooper z Catastrophic Theatre, Kevin Cunningham z Three Legged Dog w Nowym Jorku, tancerz Richie Hubscher i projektantka oświetlenia Christina Giannelli z Metropolitan Opera, Mariana Lemesoff z Helios Arts/AvantGarden, nowojorski malarz Giles Lyon, nieżyjący już pionier wideo Andy Mann i dyrygent Jon Axelrod. Alison de Lima Greene, kustosz Muzeum Sztuk Pięknych w Houston, które posiada część wcześniejszych prac Topchy'ego, określiła TemplO jako Gesamtkunstwerk , totalne dzieło sztuki.

HIVE Houston

Na początku lat 90. Topchy zauważył rzędy kontenerów ułożonych po dziesięć w kanale Houston Ship Channel. Wyobraził sobie pojemniki jako klocki, które mogą w piękny sposób służyć potrzebom społeczności, tworząc jednocześnie sztukę użytkową i sytuacyjną.

W 2004 roku, w ramach Project Row Houses Festival (przy wsparciu Ricka Lowe'a, jego ówczesnego tymczasowego dyrektora Michaela Peranteau oraz we współpracy z architektem Cameronem Armstrongiem i artystą Jackiem Massingiem), Topchy zainstalował pojedynczy podarowany pojemnik, znany po prostu jako Seed. W ramach Seed Topchy zbudowano makiety kontenerów transportowych przekształconych w nadające się do zamieszkania pudła, które zostały ponownie wykorzystane jako szkoła, szpital, więzienie, sklep, centrum handlowe i obiekty mieszkalne. Seed stał się prototypem Organów, proponowanego żywego dzieła sztuki i architektury oraz zrównoważonej wioski, która miała zostać zbudowana z 486 stalowych kontenerów transportowych. Organy były prezentowane na wystawie „No Zoning” w 2009 r Muzeum Sztuki Współczesnej w Houston , którego kuratorami byli Toby Kamps i Meredith Goldsmith, oraz przy dalszej pomocy konsultantki Mariany Lemesoff, architekta Si Danga, inżyniera Hishama El-Chaara, a następnie dyrektora wykonawczego Heidi Vaughn, projekt stał się wyłaniającą się rzeczywistością. obecnie znany jako HIVE lub Habitable Interdyscyplinarne Wizjonerskie Środowisko, projekt ma na celu przejście do następnego etapu poza planowaniem nabycia stałej lokalizacji, powiększenia zarządu i zbudowania społeczności.

Kultowy pasek portretowy

W 2006 roku Topchy rozpoczął swój „Iconic Portrait Strand”, używając tradycyjnych bizantyjskich materiałów - tempery z octu jajecznego, minerałów, miodu, piwa, wódki, mleka figowego, goździków, oleju lnianego i płatków złota - namalowanych na drewnianych panelach w kształcie dema.

Podczas pięciominutowej sesji Topchy mierzy kompozycję aparatem Lucida, rysuje modelkę z życia i robi zdjęcie cyfrowe, aby uzyskać odniesienie do koloru. Topchy maluje obraz przez kilka miesięcy. „Po zwymiarowaniu wyciętych desek, wypolerowaniu i wypolerowaniu, na desce umieszcza się rysunek lub grafikę, która wydaje się odpowiednia dla tego konkretnego obrazu. nakłada się na obszary, które mają być pokryte złotem.Najpierw nakłada się płatki złota, a następnie wykańcza.Dwanaście warstw tempery jajeczno-octowej nakłada się w kałużach na poziomą deskę i pozostawia do wchłonięcia i wyschnięcia.Każda warstwa jest okazją do wciąż w medytacji i kontemplacji. Po zakończeniu obraz jest namaszczany olipha / olejem, aby go zapieczętować.

Według Topchy'ego, „Opiekunowie są rekrutowani pocztą pantoflową za pośrednictwem stacji 32 , haitańskiego slangu określającego liczbę zębów w naszych ustach. Bezpośredni kontakt międzyludzki i transmisja zastępują sprzęt komputerowy ludzkim oprogramowaniem. Dzięki sztuce w czasie rzeczywistym, portrety nakazują jednostkom rosnący korpus w miarę dodawania podobizny każdego nowego opiekuna”.

„Portrety należą do rodziny Demekon. Każdy pojedynczy portret działa jak pojedynczy gen utrzymujący agencję w większym korpusie, który sam w sobie jest systemem i tożsamością umieszczoną w jeszcze większej niewidocznej agencji. Jako całość cała grupa jest złożona w społeczność kulturowej nici DNA” – powiedział Topchy.

Według poety Randalla Watsona, Topchy odrzuca tradycyjne pojęcia, które dzielą sacrum i profanum, kładąc zamiast tego nacisk na równoważną konieczność zwyczajności jako pojemnika, przez który ujawnia się niezwykłość. Taka praca ma charakter epifaniczny, odkrywczy, bo chociaż wyraźnie nie kanonizowany przez oficjalny edykt kościoła, tematy Topchy'ego są beatyfikowane przez kontekst, czyli innymi słowy, przez gest artysty. Głosi, że oni także są przejawami boskiego wcielenia.

Ale nie możemy nie zauważyć z pewnym niepokojem, że wszystkie te portrety mają „wygląd” na wskroś średniowiecznych ikon! Złoto płatkowe, płaskość, abstrakcje typowe dla malarstwa ikonograficznego, styl wermikularny itp. Są tam. Co więcej, nie tylko wyglądają jak ikony, ale zostały również wykonane zgodnie z nowogrodzką rosyjską tradycją malowania ikon temperą jajeczną, którą Nestor studiował w Szkole Prosopon w Nowym Jorku. W ten sposób stajemy twarzą w twarz z najbardziej widocznymi rozbieżnościami i sprzecznościami dzieła: te obrazy są jednocześnie średniowiecznymi ikonami bizantyjskimi i współczesnymi portretami! Konflikt jest głęboki.

Portret autorstwa Topchy'ego, a dokładniej sposób, w jaki Topchy przedstawia rysy głów, często tworzy to samo charakterystyczne wrażenie zaświatów… insynuują zaświaty. Rysy twarzy artykułowane są przez „kaligrafie” różnego pochodzenia, wywodzące się nie tylko ze zdobienia jajek, ale także z ortodoksyjnego malarstwa ikonowego, kaligrafii chińskiej, ekspresjonizmu, kubizmu.

Na początku 2011 roku Muzeum Iwana Honczara w Kijowie zaprezentowało prace Topchy'ego na wystawie indywidualnej.

Archetapas

W 2012 roku Topchy otrzymał grant Idea Fund / Fundacja Andy'ego Warhola na swój projekt Archetapas-Gastronanza, we współpracy z Robertem Rosenbergiem (znanym również jako Chef Bob) w celu stworzenia całościowego, jadalnego dzieła sztuki połączonego z badaniami naukowymi do konsumpcji publicznej poprzez kontynuację serii publicznych degustacji/imprez, podczas których uczestnicy wchodzą do kontenera transportowego lub przyczepy o zmienionym przeznaczeniu, aby otrzymać szereg geometrycznie ukształtowanych, kolorowych, aromatyzowanych żelatyn i mają możliwość wypełnienia nagranej ankiety asocjacyjnej, dzięki której uzyskuje się konsensus co do przypisania jadalnych rzeźb specyficzne znaczenie archetypowe.

Archetapas to ewoluujące menu kolorowych, doprawionych kształtów geometrycznych, Demes wywodzących się z Demekosmu, systemu rysowania zazębiających się okręgów i linii, z którego tradycyjnie wywodzi się większość geometrii światów.

„Wprowadzamy element smakowy, aby stworzyć totalne, jadalne dzieło sztuki do publicznej konsumpcji i badań naukowych, aby ustanowić współzależne połączenie łączące uniwersalny projekt, kolor i smak, wyłaniający się, odrębny porządek, kultową sztukę zebraną po serii publiczne degustacje/występy/wydarzenia pasztetowe, podczas których uczestnicy wchodzą do specjalnie przystosowanej przyczepy, aby oferować im Archetapas z menu, dopóki nie zostanie osiągnięty konsensus co do tego, którym kształtom ostatecznie zostanie przypisane określone archetypowe znaczenie; wspólnie nadamy temu nazwę. Podczas badania zostanie utworzony integralny, jadalny korpus i zdefiniowany zostanie podmiot pasujący do każdego kształtu.

Na ekranie komputera prezentowana ankieta, pytanie „wygląda jak?” pojawia się pod każdym kształtem, a odpowiedzi uczestników są przechowywane w bazie danych. Dowolna uniwersalność kształtu, koloru i smaku najbardziej odpowiednia dla każdego kultowego kształtu geometrycznego jest ustalana na podstawie empirycznego konsensusu rejestrowanego w czasie. Na przykład, czy większość ludzi zgodziłaby się, że pewien pięcioboczny kształt należy nazwać domem? Powinien smakować jak czekolada czy imbir? Czy każdy pomyśli „dom”, gdy zobaczy ten kształt? Itd. Wyniki, zarówno jakościowe, jak i ilościowe, przypisując i ustalając każdemu kształtowi subiektywną tożsamość, mogą służyć do zebrania taksonomii weryfikowalnych, uniwersalnie pojawiających się podmiotów, jednocześnie do pogodzenia podmiotu i przedmiotu poprzez zbiorowy umysł podświadomy.

Oczekuje się, że projekt ten będzie obejmował i wykraczał poza dane ilościowe i znaczenie jakościowe zebrane od wielu osób z różnych środowisk; jest to polikulturowe badanie asocjacyjne, które jest przedjęzykowe i może dać archetypowe formy, które są powszechnie rozpoznawalne. Takie kształty będą miały również wiele celów konotacyjnych, z których jednym jest ustalenie tematu do malowania i przynajmniej zjednoczenie umysłów poprzez wspólne doświadczenie.

Naprawdę zaskakujące byłoby stwierdzenie, że kształt nie może przywoływać podmiotu, przedmiot nie może przywoływać koloru, a kolor nie może sugerować smaku, biorąc pod uwagę, że rzeczy zawsze znajdowały swój wyraz poprzez system wzajemnych analogii i że może to być być uniwersalną, weryfikowalną prawdą”.

Linki zewnętrzne