Płaskość (sztuka)

W krytyce artystycznej lat 60. i 70. płaskość opisywała gładkość i brak krzywizny lub szczegółów powierzchni dwuwymiarowego dzieła sztuki.

Wyświetlenia

Krytyk Clement Greenberg uważał płaskość, czyli dwuwymiarowość, za niezbędną i pożądaną cechę malarstwa , kryterium, które implikuje odrzucenie malarskości i impastu . Waloryzacja płaskości doprowadziła do wielu nurtów artystycznych, w tym minimalizmu i postmalarskiego abstrakcjonizmu .

Modernizm artystyczny miał miejsce w drugiej połowie XIX wieku i rozciągał się na większą część XX wieku. Ten okres sztuki identyfikują formy sztuki składające się z obrazu na płaskiej dwuwymiarowej powierzchni. Ta ewolucja sztuki rozpoczęła się w latach 60. XIX wieku i zakończyła 50 lat później. Do tego czasu prawie wszystkie prace trójwymiarowe zostały wyeliminowane. To nowe podejście do malarstwa polegało na stworzeniu wizualnego wyglądu realizmu. Patrząc na powierzchnię, która ma tylko dwa wymiary, nasze postrzeganie głębi jest iluzją. Konsekwencją badań było zmniejszenie głębi w malarstwie. Ta nowa esencja autoanalizy miała na celu wywołanie wrażenia lub efektu u widza obrazu.

Terminologia i historia

Termin płaskość może być używany do opisania większości popularnych amerykańskich dzieł sztuki z lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych. Sztuka tego okresu miała prosty, ale kolorowy projekt, który utrzymywał pewien stopień dwuwymiarowości. Dlatego termin płaskość jest używany do opisania tego medium. Idea minimalizmu powstała w Rosji w 1913 roku, kiedy Kazimierz Malewicz umieścił czarny kwadrat na białym tle, twierdząc, że:

„Sztuka nie chce już służyć państwu i religii, nie chce już ilustrować historii obyczajów, nie chce mieć nic więcej wspólnego z przedmiotem jako takim i wierzy, że może istnieć sama w sobie i dla siebie bez rzeczy”.

Jedno z pierwszych dzieł minimalizmu zostało stworzone w 1964 roku przez Dana Flavina . Wykonał neonową rzeźbę zatytułowaną Pomnik dla W. Tatlina . Ta praca była uproszczonym montażem rurek neonowych, które nie były rzeźbione ani konstruowane w żaden sposób. Pomysł polegał na tym, że nie miały niczego symbolizować, ale po prostu istnieć. Minimalistyczne podejście do sztuki polegało na poczęciu przez umysł przed wykonaniem. Odrzucono tradycyjne sposoby komponowania sztuki na rzecz improwizacji, spontaniczności i automatyzmu . Ten nowy ekspresjonistyczny styl polegał na improwizowanym tworzeniu wzorów, w których każde pociągnięcie pędzla było postrzegane jako ekspresja i subiektywna wolność.

Pop Art

Ta koncepcja zainspirowała zupełnie nową formę sztuki zwaną Pop Art . Zachował kolorystykę i prostotę minimalizmu , ale zapożyczył obrazy z popkultury, aby stać się relatywnym. Prace, o których teraz mowa, miały znaczenie dla widza dzięki znajomym obrazom, ale nadal zachowały awangardowe podejście minimalizmu . Pop Art to dobrze rozpoznawalny ruch w kulturze lat 60. Ten rodzaj sztuki był modny i buntowniczy w bardzo swobodnych formach. Było dziko i kolorowo, ale wiele prac zachowało ideę dwuwymiarowej płaskości.

Sztuka op

Pop Art wyszedł z mody i powstał nowy ruch. Op Art lub Optic Art był teraz najnowszym trendem w wystroju wnętrz i modzie. Ta forma sztuki współczesnej ma silny związek z myślą kulturową i projektowaniem lat 60. Ta nowa forma sztuki skupiała się na nieobiektywnym malarstwie, które skupiało się na projekcie, kolorze, formie i linii. Obrazy te były rysowane ręcznie lub tworzone przy pomocy mechanicznej. Zawierały płaski, dwuwymiarowy projekt, który mógł wydawać się wyskakiwać w prawie trójwymiarowej formie. Niektóre elementy wyglądają tak, jakby się poruszały ze względu na kształt i rozmieszczenie linii, tworząc sztuczkę oka . Ta forma sztuki powstała w celu sprawdzenia granic świadomej percepcji widza.

Jasne kolory nie były już preferowane, ponieważ większość Op Art jest czarno-biała z niewielkim użyciem koloru. Prezentowane projekty migrowały z powrotem do minimalistycznej idei sztuki, która po prostu istnieje i nie reprezentuje ideału. Znaną artystką reprezentującą ten styl jest Bridget Riley , która ukształtowała scenę sztuki współczesnej wczesnych lat 50. i 70. XX wieku. Jej prace mają na celu przyciąganie wzroku w taki sposób, aby rozciągnąć i zaburzyć zmysł percepcyjny. Uważana jest za artystkę przełomową w dziedzinie sztuki współczesnej. Jej prace składają się głównie ze szczegółowych wzorów linii i okręgów, które stanowią optyczne wyzwanie dla widza.

Riley komponuje swoją sztukę z myślą, że wszyscy mamy wąskie spojrzenie na to, jak widzimy rzeczy, a nasza wizja rzadko jest rozciągana na nowe umiejętności. Jej prace konfrontują obserwatora z nowymi doznaniami wyobraźni, a ogólny cel artystki znika i zostaje zastąpiony tym, co wyobraża sobie widz. Ta forma sztuki nie ma jasno zarysowanego tematu, dlatego pozostawia całkowitą swobodę w komponowaniu własnej wyobraźni. Prace Riley ignorują przedmiot i zamiast tego skupiają się na wizualnym ruchu, aby stworzyć pozornie niekończący się wzór. Sztuka Rileya pojawiła się w modzie tamtej epoki. Podobne wzory są nadal popularne w odzieży.