Akira Kanayama

Akira Kanayama (金山明 Kanayama Akira ; 1924–2006) był japońskim artystą awangardowym i jednym z pierwszych członków The Gutai Art Association . Aktywnie uczestniczący w wystawach i wydarzeniach performatywnych Gutai, Kanayama był jedną z kluczowych postaci grupy. Jego prace charakteryzowały się dowcipnymi eksperymentami z niekonwencjonalnymi materiałami, takimi jak samochodziki i światła sygnalizacyjne na przejazdach kolejowych. Zostawił Gutai w 1965 roku z Atsuko Tanaka , którą poślubił później w tym samym roku.

Biografia

Kanayama urodził się w 1924 roku w Amagasaki w prefekturze Hyogo. Wycofał się z Tama Art University w 1947 roku i zamiast tego uczęszczał do Miejskiego Instytutu Sztuki w Osace (szkoła artystyczna powiązana z Miejskim Muzeum Sztuk Pięknych w Osace ), gdzie kontynuował naukę do 1954 roku. W tym okresie brał udział w wystawach organizowanych przez Shin Seisakuha Kyōkai (新 制 作 協 会 Stowarzyszenie Nowej Produkcji). W 1952 roku, w celu prowadzenia bardziej radykalnych eksperymentów artystycznych, założył Zero Society (Zero-kai) wraz z innymi młodymi członkami Stowarzyszenia Shin Seisaku, w tym Kazuo Shiragą i Saburō Murakamim . Kanayama zaprosił również Atsuko Tanakę , która była wówczas również studentką Miejskiego Instytutu Sztuki w Osace. Zero Society zorganizowało swoją pierwszą wystawę zbiorową w 1954 roku.

W 1955 roku Kanayama i trzej inni członkowie Zero Society (Shiraga, Murakami i Tanaka) dołączyli do Gutai na zaproszenie Jirō Yoshihary . W czasie, gdy był członkiem Gutai, Kanayama znacznie rozszerzył swoją twórczość, eksplorując różnorodne media i środki artystycznego wyrazu. Wystawiał wielkoformatowe instalacje na wystawach plenerowych Gutai i żartobliwie wykorzystywał zdalnie sterowane samochodziki do tworzenia obrazów przypominających dzieła abstrakcyjnego ekspresjonizmu . Pokazał także dwie prace na imprezach performatywnych Gutai, „Gutai on Stage”, w 1957 i 1958 roku.

Kanayama opuścił Gutai w 1965 roku i poślubił Tanakę. Ze względu na stan zdrowia Tanaki para zdecydowała się przenieść do świątyni Myōhōji w Osace, aby odpocząć. Kanayama zajmowała się sprawami administracyjnymi Tanaki, a jej kariera artystyczna rozwijała się błyskawicznie. Para przeniosła się do Nara w 1972 roku. W późniejszych dziesięcioleciach Kanayama kontynuował tworzenie sztuki i wystawiał swoje prace na różnych wystawach. Pierwszą indywidualną wystawę otrzymał w 1992 roku w Galerii Kuranuki w Osace. Kanayama zmarł na raka płuc we wrześniu 2006 roku. Retrospektywna wystawa jego prac została otwarta w Miejskim Muzeum Sztuki Toyoty w 2007 roku.

Społeczeństwo zerowe

W 1952 roku Kanayama założył Zero Society z czternastoma innymi artystami, w tym Kazuo Shiragą i Saburo Murakamim . Nazwa kolektywu „Zero”, nadana przez Murakamiego, oddaje dążenie jego członków do prostych, niesztucznych i „pierwotnych” form wyrazu sztuki. Shiraga wyjaśnił również, że nazwa grupy kojarzy się z neutralnością i poczuciem „nowego początku”.

Kanayama podzielał zainteresowanie innymi członkami Zero Society uproszczeniami. W tym okresie tworzył niezwykle minimalistyczne obrazy, które często przedstawiały tylko kilka małych ciemnych prostokątów namalowanych na krawędziach całkowicie pustych płócien. Podczas gdy abstrakcja geometryczna przypominała Pieta Mondriana , obrazy Kanayamy pogłębiły eksplorację relacji między przestrzeniami pozytywnymi i negatywnymi. Podkreślił napięcie i wzajemne oddziaływanie między wąskimi ciemnymi kształtami a ekspansywną pustką.

Minimalistyczne obrazy Kanayamy również czerpały inspiracje z japońskiej kaligrafii i estetyki zen. Uderzająca pustka obrazów nie tylko skierowała uwagę widzów na przestrzenną grę białych płócien i ciemnych kształtów, ale także przywołała zen , takie jak „nicość” ( mu ). Asymetryczne kompozycje i przypadkowe rozmieszczenie prostokątów również nawiązywały do ​​wizualnej tradycji malarstwa tuszem inspirowanego zen.

Gutaj

Około czerwca 1955 roku Kanayama, Tanaka, Shiraga i Murakami dołączyli do Gutai, kiedy członek Gutai, Shōzō Shimamoto, zaprosił ich w imieniu Yoshihary.

Kanayama wystawił pracę B na „Eksperymentalnej plenerowej wystawie sztuki nowoczesnej w 1955 r., Aby rzucić wyzwanie letniemu słońcu”, zorganizowanej przez Gutai w Ashiya Park. Praca B przedstawiała nieumocowaną małą czerwoną kulę umieszczoną na białej drewnianej desce o wymiarach 7m x 7m. Praca ucieleśnia kontynuację eksploracji abstrakcyjnej geometrii przez Kanayamę. Język wizualny swoich wcześniejszych obrazów rozszerzył na trójwymiarową przestrzeń. Dobór kolorystyki świadczył o świadomości artysty osadzenia pracy w środowisku naturalnym, gdyż nasycona czerwień pozwoliła wyróżnić pracę na tle parkowej zieleni. Jednocześnie, ponieważ piłka była nieustannie poruszana przez wiatry i przechodniów, praca animowała statyczną modernistyczną geometrię, wprowadzając elementy ruchu, niestabilności i nieprzewidywalności. Kanayama zauważył również, że praca ta była nie tylko eksperymentem z przestrzenią fizyczną, ale także próbą uchwycenia tajemniczej równowagi ciał niebieskich.

Na plenerową wystawę Gutai w 1956 roku w Ashiya Park, Kanayama stworzył bardziej specyficzne dla miejsca prace, które dalej wchodziły w interakcje z otoczeniem. Footsteps (1954) to długi arkusz winylowej tkaniny, na którym artysta odcisnął swoje ślady. Tkanina o długości ponad setek metrów biegła przez sosnowy lasek w parku, wspinała się po drzewach i przechodziła przez inne dzieła sztuki na wystawie. Odciski stóp zarówno odzwierciedlały działania zwiedzających związane z poruszaniem się w przestrzeni, jak i rejestrowały czasowy aspekt takich ruchów.

Kolejna praca stworzona przez Kanayamę na wystawę plenerową, Zegar , również bawiła się pojęciem czasu. Był to zegar w kształcie domu na wysokim słupie. Pomimo przyziemnego wyglądu zegara, jego wskazówki poruszały się w kierunku przeciwnym do ruchu wskazówek zegara, zniekształcając w ten sposób postrzeganie czasu i jego upływu przez odwiedzających.

Na wystawie plenerowej w 1956 roku Kanayama zaprezentował również Crossing Light , zestaw świateł sygnalizacyjnych przejazdów kolejowych używanych w lokalnych kolejach. Umieszczone ponownie w zagajniku parku Ashiya, światła oznaczały zmiany w naturalnym krajobrazie spowodowane rozwojem przemysłu i urbanizacją w powojennej Japonii. Praca odzwierciedlała również zainteresowanie Kanayamy szybkim rozwojem systemu transportowego w Japonii lat pięćdziesiątych XX wieku, a zwłaszcza w regionie Kansai : pociągi ekspresowe Tōkaidō jeździły na energię elektryczną do 1956 r., A promocja Shinkansen rozpoczęła się po raz pierwszy w 1957 r.

Kanayama zaczął używać zdalnie sterowanych samochodzików do malowania w 1957 roku. Przymocował flamastry lub przebite puszki z farbą syntetyczną do automatycznego samochodzika i ustawił samochód, aby poruszał się po płótnach ułożonych na podłodze. W ten sposób Kanayama starał się całkowicie usunąć obecność artysty. Zastanawiając się nad rolą artystów, te obrazy samochodzików zarówno odwoływały się do surrealistycznego automatycznego rysunku , jak i parodiowały dziedzictwo pollockowskiego abstrakcyjnego ekspresjonizmu.

Kanayama często używał balonów do badania przestrzennego i czasowego potencjału pozornie statycznych i codziennych obiektów. Jego balon z 1955 roku był ogromną napompowaną czerwoną gumową kulą zawieszoną na środku sali wystawowej. Dwie włożone żarówki oświetlały balon od wewnątrz. Gdy żarówki świeciły jasno, balon emanował czerwoną poświatą i zabarwiał inne dzieła sztuki w przestrzeni na czerwono. Praca w ten sposób inwazyjnie zdominowała pomieszczenie, ingerując w wzrok i ruch widzów.

W 1957 roku Kanayama ponownie stworzył instalację z balonami. Tym razem położył duży eliptyczny balon na podłodze. Ponieważ ciemny balon był nieco spuszczony z powietrza, wykazywał teksturowane zmarszczki. Jej lekko spłaszczony kształt zwracał również uwagę widzów na często pomijaną powierzchnię podłogi w przestrzeniach wystawienniczych.

Na pierwszym występie Gutai, „Gutai on Stage” w 1957 roku, Kanayama zaprezentował Giant Balloon , przedstawienie, w którym stopniowo nadmuchał ogromny balon, aby wypełnić scenę. Następnie oświetlił balon światłami w różnych kolorach i przekłuł go nożem, pozostawiając go, aby wyciekał powietrze i powoli się kurczył. Chociaż w spektaklu nie było żadnych energicznych ruchów, proces nadmuchiwania i opróżniania balonu podkreślał procesowy charakter sztuki. Ponadto zmieniający się rozmiar i kształt balonu zachęcił widzów do ponownego rozważenia relacji między przedmiotami, ciałami i przestrzenią. W broszurze „Gutai on Stage” napisano, że występ Kanayamy zachęcał widzów do myślenia o znanej zabawce z dzieciństwa, balonie, z nowej perspektywy. Rok później Kanayama ponownie użył balonów do stworzenia Biological Balloon w „The Second Gutai on Stage”. Praca przedstawiała unoszący się biomorficzny balon z wieloma wyrostkami przypominającymi kończyny. Starał się przywołać istnienie nieoczekiwanych stworzeń wykraczających poza znane i wyobrażalne.

Po Gutaju

Po opuszczeniu Gutai w 1965 roku Kanayama poświęcił swój czas na wspieranie kariery Tanaki. Kontynuował jednak także własną przygodę artystyczną. Pod koniec lat 80. stworzył serię obrazów wizualizujących niewidzialne promienie światła ultrafioletowego i podczerwonego. Płótna podzielone są pionowo na bloki promiennej czerwieni, posępnego fioletu i czerni. Na niektórych obrazach ostre linie w kontrastowych kolorach przebiegają przez całą długość płócien i przenikają przez kolorowe bloki. Podczas gdy błyszcząca powierzchnia tych obrazów potęguje złożoność ich efektu wizualnego, niezwykle gładka i prawie niewidoczna praca pędzla Kanayamy zaciera ślady interwencji artysty.

Około 1992 roku Kanayama zaczął włączać muzykę i dźwięki do swoich prac. Dźwięki wydobywające się z muzyki klasycznej rejestrował w postaci fal na papierze. Fale dźwiękowe generują rytmicznie falujące linie. Równolegle z ultrafioletem i podczerwienią, te fale dźwiękowe ponownie nadają wizualne formy niewidzialnym elementom. Prace Kanayamy eksplorują artystyczny potencjał takiej wizualizacji. Później, w latach 90., powrócił do swojej wczesnej fascynacji wszechświatem i niebiańską równowagą. W swoich pracach wykorzystywał astronomiczne zapisy trajektorii asteroid, fale elektromagnetyczne i zdjęcia zmieniającego się wyglądu galaktyki. Na przykład jego Northern Galaxy Atlas (1996) to duży kolaż (101,5 cm x 201,5 cm) wielu czarno-białych fotografii osobliwych galaktyk. Zdjęcia są rozmyte i rozpikselowane, tworząc niemal nieczytelną mozaikową kompozycję.

Najnowsze prace Kanayamy, powstałe po przełomie wieków, powróciły do ​​wizualności i dwuwymiarowości. Odzwierciedlając wczesne obrazy z okresu społeczeństwa zerowego, jego najnowsze obrazy, takie jak Trzy kolory podstawowe (2004), skupiają się na płaskiej powierzchni płócien i optycznych efektach kolorów. Na tym obrazie trzy pionowe bloki w kolorze żółtym, niebieskim i czerwonym są połączone i poprzecinane licznymi poziomymi liniami w tych samych trzech kolorach. Jasne kolory podstawowe i symetryczna kompozycja charakteryzują najnowsze obrazy Kanayamy.

Wystawy indywidualne

1992 – „Akira Kanayama: 1. wystawa indywidualna”, Galeria Kuranuki, Osaka

1993 – „Akira Kanayama: 1. wystawa indywidualna”, Galeria Tagaki, Nagoya

1998 - „Sztuka Akiry Kanayamy: społeczeństwo zerowe i okres Gutai”, Galeria HAM, Nagoya

1999 - „Sztuka Akiry Kanayamy: 1966–1992”, Galeria HAM, Nagoya

2000 – „Sztuka Akiry Kanayamy: 1990 -1992”, Galeria HAM, Nagoya

2004 - „Akira Kanayama: różnica, muzyka, zanurzenie”, Galeria Mori Yu, Kioto

2005 – „Akira Kanayama: Nowy olej na płótnie: Minimal” , Galeria HAM, Nagoya

2007 – „Akira Kanayama”, Miejskie Muzeum Sztuki Toyoty, Toyota