Alison Ruttan

Alison Ruttan
Urodzić się 1954
Knoxville, Tennessee, USA
Edukacja School of Art Institute of Chicago , University of Michigan
Znany z Sztuka instalacji, rzeźba, fotografia, wideo
Styl Interdyscyplinarne , Sztuka polityczna , Materialność , Feministka
Współmałżonek Scotta Stacka
Strona internetowa Alison Ruttan
Alison Ruttan, Line in The Sand/Highway of Death , Widok instalacji, odlewane pojazdy ceramiczne, drewno, piasek, cegła, torby plastikowe, 12' x 32', 2013–204.

Alison Ruttan (ur. 1954) to amerykańska artystka interdyscyplinarna, której prace badają ludzkie zachowania, takie jak apetyt, seksualność i agresja, oraz stopień, w jakim rządzą nimi biologia lub uwarunkowania społeczne. Eksplorowała różnorodne media, od animacji, przez fotografię, po instalację, i czerpała z dziedzin, od prymatologii po teorię społeczną , tworząc prace, które obejmują zarówno beztroską krytykę płci, jak i otrzeźwiające medytacje na temat wojny. Ruttan wystawiał indywidualnie w Chicago Cultural Center , Hyde Park Art Center , Three Arts Club of Chicago i Monique Meloche Gallery oraz na wystawach grupowych w Museum of Contemporary Photography , The Drawing Center , Crystal Bridges Museum of American Art , Apexart i Minneapolis Institute of Art , wśród wielu miejsc. Występowała również na arenie międzynarodowej w Directors Lounge (Berlin) oraz w Kanadzie, Holandii, Rosji, Hiszpanii i Wielkiej Brytanii. Jej prace były omawiane w takich czasopismach jak Art in America , Flash Art , Art Papers , Sculpture i New Art Examiner , a także w głównych gazetach, magazynach oraz stacjach telewizyjnych i radiowych. Oprócz kariery artystycznej Ruttan wykładała w kilku instytucjach w Chicago, w szczególności w School of the Art Institute of Chicago . Od 1990 roku mieszka w Chicago ze swoim mężem, artystą Scottem Stackiem.

życie i kariera

Ruttan urodził się w Knoxville w stanie Tennessee w 1954 roku, ale dorastał w kilku miejscach, między innymi w Waszyngtonie, Kalifornii i na Filipinach. Po ukończeniu szkoły średniej w Twin Cities w Minnesocie, Ruttan studiowała fotografię na University of Michigan (BFA, 1976), co nadal wpływa na jej estetykę. Po ukończeniu studiów wróciła do Minneapolis, przerzuciła się na malarstwo, które łączyło figurację i abstrakcję, i poślubiła Scotta Stacka w 1980 roku. W 1982 roku urodziła się ich córka Natalie i przeprowadzili się do Williamsburga na Brooklynie, gdzie mieszkali do 1990 roku .

W 1990 Ruttan zapisał się na studia podyplomowe w School of the Art Institute of Chicago (SAIC), aby studiować malarstwo. Tam zaczęła tworzyć instalacje związane z ciałem, pod wpływem pracy na szkolnym wydziale włókienniczym, w skład którego wchodziła Anne Wilson , i kładła nacisk na konceptualizm i materialność. Po ukończeniu studiów (MFA, 1992) Ruttan zaczęła uczyć ( Columbia College Chicago , 1993; SAIC, 1994-2001) i zwróciła na siebie uwagę rzeźbą konceptualną, którą wystawiała w alternatywnych miejscach w Chicago, a także w Nowym Jorku, Minneapolis i na całym świecie. Środkowy zachód. W 2000 roku regularnie wystawiała w Monique Meloche Gallery w Chicago, wykładała na Uniwersytecie w Chicago (2001–2006) i rozwijała swoje zainteresowania prymatologią podczas rezydencji artystycznej, obserwując bonobo w Wild Animal Park w San Diego ( 2005 ) . W 2006 roku wróciła do SAIC, gdzie wykłada na wydziale Współczesnej Praktyki. W ostatnich latach Ruttan wystawiał na wielu uniwersytetach i instytucjach artystycznych, w tym w Chicago Cultural Center, Ukraińskim Instytucie Sztuki Nowoczesnej i Elmhurst Museum.

Praca i odbiór

W przeciwieństwie do większości artystów, prace Ruttana łączy tematyczna koncentracja na zrozumieniu ludzkich zachowań, a nie medium czy styl. Jej dociekania prowadzą ją do różnych dyscyplin (primatologia, biologia ewolucyjna, feminizm, politologia, historia) i często nowych mediów, które wybiera, aby najlepiej fizycznie zamanifestować konstruowaną przez siebie narrację. Ruttan opisuje swój proces jako oparty na badaniach, wciągający i niehierarchiczny; jej zamiarem jest przywołanie własnego stosunku widza do tematu, a nie wywołanie określonej odpowiedzi. Jej praktykę można podzielić na dwie kategorie tematyczne związane z ludzkimi popędami, z których każda ma odrębny zakres prac: 1) zapytania dotyczące jedzenia i seksu ; oraz 2) dochodzenia w sprawie agresji i wojny.

Alison Ruttan, bippity Bop , animacja wideo stworzona cyfrowo (zdjęcia), 2000.

Zapytania o seks i apetyt

Wczesne prace Ruttana badały apetyt i pożądanie oraz ich związek z normami społecznymi i nadmiarem, wykorzystując różne media. Krytyczka Susan Snodgrass napisała, że ​​​​jej „różnorodna twórczość” żartobliwie kwestionuje „splątany związek seksualności, konsumpcji, cenzury i tabu”. Alan Artner napotkał jednak „mnóstwo dobrych pomysłów”, których połączenie uznał za nieuchwytne. Ruttan po raz pierwszy zwróciła na siebie uwagę dzięki swoim „Dough Girls” (1994–195): rzeźby z ciasta chlebowego odlane z formy kobiecego pośladka i wypiekane w parach damskiej bielizny; krytycy zauważyli w nich zabawną, niepokojącą mieszankę „zdrowych i podłych” skojarzeń. W pracach z jej serii „Food” (1996–98), takich jak Sweet Potatoe Pie , Ruttan przywłaszczyła sobie obrazy pornograficzne, a następnie strategicznie zasłoniła je okrągłymi „wycinankami” z czasopism dla smakoszy, tworząc kuszące kompozycje, które zaprzeczały łatwemu zrozumieniu i satysfakcji z dowolnego dysku. Jej seria „Kolory” (1997) wykorzystywała podobne podejście, wykorzystując sylwetki w cukierkowych kolorach, Hansa Arpa , które stworzyły dezorientujące, wysokie / niskie zderzenie kreskówki, sztuki abstrakcyjnej i estetyki porno.

Ruttan rozszerzył tę pracę o zabawne, zapętlone animacje bippity Bop i bob bob (2000), które zostały częściowo zainspirowane badaniami biologicznymi zakładającymi zdefiniowane przez płeć, „zaprogramowane” ludzkie reakcje. Rozebrała filmy pornograficzne do płaskich, pulsujących, niewyraźnych biomorficznych kształtów, a następnie uważnie śledziła ich ruch, aby zachować rytmy i kształty seksu, aby wzbudzić w widzach budzące się uznanie. Podwójna projekcja Chromophilia (2001) również zawierała jasne, pulsujące abstrakcyjne kształty, które przypominały wycinanki z papierowych lalek lub tancerzy Matisse'a. Kształty migotały i znikały z rozpoznawalnej aktywności seksualnej - ocenianej na podstawie fragmentów Dziadka do orzechów - tworząc efekt, który krytyk Margaret Hawkins opisała jako „ Fantazja spotyka kota Fritza ”. Inni uznali to za sprytne obalenie założeń dotyczących animacji, pornografii i sztuki elitarnej, które osłabiło naładowany kulturowy i prawny dyskurs wokół pornografii, powracając do jej podstawowego, czasem niezdarnego, pierwotnego aktu.

W swojej trzykanałowej instalacji wideo „Kochaj mnie nie” (2001) Ruttan rozważała ukryte intencje w intymnej fizycznej ekspresji. Uchwyciła trzy różne pary łaskoczące się nawzajem do wyczerpania, zwiększając ładunek emocjonalny, gdy zamieniały się rolami agresora i ofiary, strzelając z bliskiej odległości otaczającą kamerą i manipulując szybkością odtwarzania.

Alison Ruttan, „Wojna czteroletnia w Gombe”: Honey Bee obserwuje koniec Willy'ego Wally'ego, dziewięć fotografii, instalacja Muzeum Fotografii Współczesnej, 2012.

Dochodzenia w sprawie agresji i wojny

Po 11 września zainteresowanie Ruttana przesunęło się na pytania o ludzką agresję i racjonalność, często w porównaniu ze zwierzętami. Praca wideo Impersonator (2005) bada pogląd George'a Lakoffa i Marka Johnsona , że ​​ludzki rozum jest kształtowany przez specyfikę ludzkich ciał, a zatem na kontinuum ze zwierzętami, a nie oddzielnie od nich. Filmy z widokiem na twarz pokazują kota przechadzającego się po obwodzie pokoju i mężczyznę naśladującego kota; rozbieżność między wrodzonymi zachowaniami kota a mimiką człowieka wzmacnia ucieleśnienie zachowania. Wideo Lapse (2005) przedstawia duże zbliżenie twarzy mężczyzny w zwolnionym tempie, gdy wybucha on wściekłością, a następnie uspokaja się w świadomości aktu, podkreślając dyslokację między dwoma stanami emocjonalnymi.

Prymas pracuje

W 2004 Ruttan zainteresował się biologią ewolucyjną i naczelnymi - najbliższymi biologicznymi krewnymi ludzkości - jako sposobem na zrozumienie ludzi. Jej rysunki w mieszanych mediach, Individuation in Bonobo Grooming Habits (2006), udokumentowały jej odkrycie (w trzech różnych społecznościach), że bonobo w niewoli wyrażają siebie poprzez odrębne, indywidualne „fryzury”. Seria chytrze porównuje gatunki, jednocześnie bawiąc się ideą, że nawyki indywiduacji i samoozdabiania mogą reprezentować, podobnie jak wytwarzanie narzędzi, uzasadnione inteligentne zachowanie obejmujące socjalizację. „Mieszkańcy krańca” (2007) wywodzą się ze statusu bonobo jako gatunku zagrożonego wyginięciem; Ruttan sfotografował ich w ludzkich przestrzeniach, wyobrażając ich sobie jako grupę imigrantów walczących o integrację z ludzką kulturą. Jej prace „Bred in the Bone” (2008) łączyły filmy i zdjęcia interakcji społecznych naczelnych, które nakręciła w Wild Animal Park, z podobnymi obrazami ludzi, aby sproblematyzować założenia dotyczące ludzkiej racjonalności.

Badania Ruttan ostatecznie doprowadziły ją do prac prymatologa Jane Goodall . Była zafascynowana opowieścią o niewyjaśnionej, śmiertelnie niebezpiecznej wojnie domowej wewnątrz niegdyś pokojowej trupy szympansów, widząc w niej „historię początków” ludzkiej historii działań wojennych. Dociekania Ruttan i jej wcześniejsze prace doprowadziły do ​​powstania epickiej serii „ Wojna czteroletnia w Gombe” (2009–2012), składającej się z siedemdziesięciu pięciu fotografii i trzech filmów wideo, w których opracowała choreografię i nakręciła rekonstrukcję wojny naczelnych z udziałem rodziny, przyjaciół i sąsiadów. Seria kontrastuje sielankowe sceny przedstawiające nienaruszoną społeczność, które wzorowała na plenerowych obrazach Corota i obrazach amerykańskiego życia społecznego z lat 60. , z obrazami morderstw (np. instalacja Honey Bee Watches the End Come for Willy Wally) , które nawiązują do filmów takich jak Wyzwolenie , West Side Story i Władca much . Historyk sztuki Lisa Wainwright opisała to jako „cudownie dziwaczne - prymitywizm oszalał w bujnie zielonym otoczeniu”. Interpretacje były różne; wielu krytyków widziało mroczną, biblijną lub szekspirowską medytację na temat być może genetycznej skłonności ludzkości do przemocy, plemienności i instynktownego działania. Inni wykryli subtelną nadzieję w dysjunkcji między rekonstrukcją człowieka a oryginalnymi zachowaniami naczelnych. Michael Weinstein napisał, że serial przywoływał „mieszankę humoru, absurdu, depresji, prawdy i samopoznania”.

Alison Ruttan, All Down the Line , Rzeźba, ceramika, 2016–7.

Prace ceramiczne na wojnie

Ruttan powrócił do spraw ludzkich w 2011 roku, aby rozważyć wojnę i jej wpływ na społeczności. Zainspirowana modelami grobowymi z czasów dynastii Han, zdecydowała się pracować w ceramice ze względu na jej fizyczność, intymność i zdolność do przełamywania odczulania obrazów medialnych w celu ułatwienia empatii. Jej cykl „Zły pomysł znów wydaje się dobry” (2011–206) składa się z około 30 małych ceramicznych makiet zdewastowanych budynków, opartych na fotografiach rozdartego wojną Bejrutu . (Seria „Dark City” z lat 2016–207 koncentrowała się na zniszczeniach w Aleppo i Homs w Syrii). Krytycy i kuratorzy różnie opisywali je jako niesamowite, dezorientujące, „niesamowicie piękne i graficzne w ich przedstawieniu”, zwracając uwagę na to, jak materiał Ruttana a wybory formalne komplikowały odbiór dzieła. W wstrząsającej mieszance estetyki, pomnika i dokumentacji rzeźby zestawiają znane stylu międzynarodowego oraz skalę i piękno dzieła sztuki z rzeczywistością gruzów, zawalenia się i (nieprzedstawionej) śmierci. Decyzje Ruttana o pozostawieniu niektórych budynków po jednej stronie w stanie nienaruszonym – przedstawiając w ten sposób przejście i ścieżkę od całości do zawalenia się – oraz umieszczenie innych na niskich stołach zorganizowanych jak siatki bloków miejskich, miały podobny efekt, ustawiając widzów tak, by ucieleśniali czas i zniszczenie jako poruszali się po pracy. Krytycy powiązali niewygodne, boskie spojrzenie z odległą, być może amerykańską perspektywą, ogólnie interpretując prace jako refleksję nad porażkami modernizmu, rozumu i podstawowej empatii.

Dla Line in The Sand / Highway of Death (2013–4) Ruttan stworzył dioramę o wymiarach 30 na 12 stóp, składającą się z ponad 600 kawałków ceramiki i piasku. Instalacja przedstawia następstwa amerykańsko-kanadyjskiego nalotu bombowego z 1991 roku na 60-milowy odcinek autostrady między Kuwejtem a Basrą, w którym zginęły setki wycofujących się irackich żołnierzy i cywilów. Ustawiony nisko nad ziemią na wystawie Chicago Cultural Center (2015), odtworzył dla zwiedzających widok z lotu ptaka, który przypominał widok pilotów bombowców. Lisa Wainwright opisała „przerażający gestalt” tego utworu jako „przykład wzniosłości”, na przemian z przyjemnością i przerażeniem, uwodzeniem i odrazą oraz estetyką i polityką.

W swoich pracach „An Unmaking” (2018) Ruttan starała się wypełnić lukę między jej zniszczonymi formami architektonicznymi a życiem domowym, a także między miejscami rzezi a amerykańskimi widzami. Seria integruje gruzy i rozbite budynki w rzeźbach typowego wyposażenia klasy średniej z Bliskiego Wschodu, takiego jak krzesła, stoliki kawowe i komody. Galeria Weinberg/Newton w Chicago połączyła tę pracę z edukacyjną organizacją non-profit Facing History and Ourselves w ramach dwumiesięcznej serii wydarzeń i wystawy zatytułowanej „Weight of the World” w 2018 roku.

Uznanie

Ruttan został wyróżniony rezydencjami artystycznymi w Wild Animal Park (Escondido, Kalifornia, 2005) i Krems, Austria (2015) oraz Rezydencją Art & Technology w Wexner Center for the Arts (2004). Otrzymała nagrody Illinois Arts Council (1993, 1996, 2002), School of the Art Institute of Chicago (1997, 2000), Jerome Foundation (1981–2) oraz Minnesota State Arts Board (1980). Jej prace znajdują się w kilku kolekcjach publicznych, w tym w Crystal Bridges Museum of American Arts, Museum of Contemporary Photography, Daniel Levinas Collection, Minneapolis Institute of Art, Gamson Art Collection i University of California, Riverside.

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Alison_Ruttan&oldid=1140050501 ”