Govind Solegaonkar

Govind Madhav Solegaonkar (1912–1986) był wszechstronnym artystą, który tworzył malowidła ścienne, portrety, pejzaże i obrazy abstrakcyjne.

Wczesne życie

Govind Solegaonkar urodził się w 1912 roku w Sehore w Indiach Brytyjskich. Ze sztuką zetknął się w bardzo młodym wieku. Otrzymał pierwsze lekcje w domu od swojego ojca, który był uczniem Sir JJ School (1905) i był częścią zespołu kopiującego Ajanta z JJ School. Podczas nauki GM Solegaonkar jednocześnie szkolił się w rysunku i malarstwie w „Devlalikar Institute” w Indore. (1927) Devlalikar też był byłym studentem Sir JJ School of Art. W ten sposób akademicki wpływ JJ School zaczął kształtować GM Solegaonkara na długo przed tym, zanim on sam dołączył do szkoły.

W 1928 r. miało miejsce ważne wydarzenie, które pośrednio wywarło wpływ na jego umysły Ruchu Odrodzenia. „Pravasi Vanga Sahitya Sammelan” odbyła się w Indore. Z tej okazji zorganizowano wystawę malarstwa z całych Indii. Uczestniczył w niej GM Solegaonkar i został uhonorowany srebrnym medalem z rąk Lady Dobson, członkini London Royal W programie Parafii znalazły się między innymi wykłady dra Cousinsa na temat sztuki indyjskiej. W swoich wykładach odwoływał się do książki Havella „Ideały sztuki indyjskiej”. Wykłady zainspirowały go, wzbudzając ciekawość walorów sztuki indyjskiej i jej filozoficznego tła, które realizował przez cały czas.

Miał doskonałe wyniki w egzaminach z rysunku podstawowego i średniozaawansowanego. W tym okresie zaczął malować portrety. Brytyjscy żołnierze w Mhow Contonment chcieli wysłać swoje małe portrety ukochanej i byli bardzo szczęśliwi, że ich miniaturowe portrety wykonał GM Solegaonkar.

Wstąpił do Sir JJ School of Art - Mumbai w 1930 roku, aby uzyskać dyplom z malarstwa i ukończył go w 1933 roku w pierwszej klasie. W tym okresie nadal zdobywał wiele nagród. Został mianowany Fellow w Sir JJ School of Art - Mumbai na lata 1935-1936 w Departamencie Mural.

Kariera

Gdy był studentem, jego wielokrotnie nagradzany obraz „Pielgrzymka miłości” był wystawiany na wystawie w Burlington Gallery w Londynie.

W 1935 roku zdobył złoty medal Bombay Art Society za obraz „Mahiyari” ^{[4] [5]} Obecnie obraz znajduje się u Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sangrahalaya - Mumbai (wówczas Muzeum Księcia Walii). To samo można było zobaczyć na niedawnej wystawie zorganizowanej jako hołd dla G. Solomona, dziekana Sir JJ School of Art. (http://www.csmvs.in/about-us/press-room/press-release/210-pravaha.html)

Przez następne dwadzieścia lat nadal otrzymywał wiele nagród, wyróżnień i trofeów od Simla Fine Art Society, Art Society of India, Bombay Art Society oraz na różnych wystawach sztuki w Indiach. Podczas wystawy w Fine Art Society, Simla. Jego plakat „Ajanta Frescos” otrzymał nagrodę specjalną od działu reklamy Kolei Indyjskich.

Po uzyskaniu niepodległości powołano komitet planistyczny, który miał sporządzić szczegółowy plan udekorowania Parlamentu Indii obrazami wybitnych artystów przedstawiającymi wielkie momenty w historii tego kraju. GM Solegaonkar został wybrany do stworzenia obrazu panelowego. Jego mural zatytułowany Bhojshala jest nadal wyświetlany w indyjskim budynku parlamentu.

Trzymał swoje wystawy indywidualne w Jehangir Art Gallery w 1954, 1957 i 1958.

GM Solegaonkar odwiedził Europę w 1958 roku, szczególnie Anglię, Belgię, Holandię. Spędził tam około dwóch lat, studiując obrazy i rzeźby, odwiedzając różne galerie i wystawy. Jego prace w tym okresie zawierały liczne obrazy w jego własnym stylu, głównie z różnymi tematami indyjskimi. Trzymał wiele wystaw w Europie, z których trzy odbyły się w Belgii.

Po powrocie z wizyty w Europie pełnił funkcję prezesa Art Society of India w 1962 roku.

Trzymał swoje wystawy w Jehangir Art Gallery w 1962 iw Taj Art Gallery w 1970.

Spędził lata badając główny klucz i technikę wykorzystaną w malowidłach w jaskiniach Ajanta i Bagh. Widząc, że to bezcenne dziedzictwo kulturowe wykazuje oznaki niszczenia przez upływ czasu, zapragnął udostępnić ten skarb przyszłym pokoleniom. Na tym tle zaplanował szczegółowy plan posiadania repliki jaskiń Ajanta. Program zapewniałby szkolenia dla studentów sztuki, a także mecenat dla malarzy. Zaczął korespondować z władzami rządowymi. Ówczesny minister edukacji Madhukarrao Chaudhary i minister obrony Yashwantrao Chavan byli pozytywnie nastawieni do programu i wyrazili na to zgodę. Niestety, ze względu na niedostatek funduszy rządu stanu Maharashtra, plan ten nie mógł ujrzeć światła dziennego.

W lipcu 1971 roku w India House w Londynie odbyła się wystawa 40 jego obrazów.

Nadal dzierżył swój pędzel i paletę do dnia, w którym wydał ostatnie tchnienie 5 stycznia 1986 r.

Następnie jego prace były wystawiane na aukcjach przez kilka domów aukcyjnych, takich jak Christie's i SaffronArt.

Styl

Poniższy akapit zaczerpnięty z jego dziennika nadaje ton jego podróży w sztuce:

„Indie miały sztukę od dawna. Wartość artystyczna niekoniecznie musi zależeć od spełnienia standardów wyznaczonych przez najnowszą modę lub teorię lub wartości obowiązujące w Europie.

Nasza działalność artystyczna zamarła praktycznie wraz z utratą wolności i upadkiem kultury. Anglia narzuciła Indiom europejskie ideały, metody i wartości sztuki. To nie tak, że kultura europejska nie przyniosła Indiom nic dobrego. Niektóre wielkie i wieczne wartości, takie jak wolność indywidualna i zbiorowa, dla ogólnego postępu, są elementami, które muszą prowadzić ludzi do postępu.

Nie bądźmy służalczymi naśladowcami martwej przeszłości lub żywej teraźniejszości Europy. Przekonajmy się, czy mamy coś do ofiarowania – dołóżmy. Uwolnijmy się od fałszywego poglądu, który trzyma się indyjskiej techniki, epoki lub szkoły. To sposób na wyrażenie duszy Indii w formach sztuki”.

Podobnie poniższy cytat z jego pamiętnika określa jego podejście do techniki i stylu:

„Panowanie nad techniką daje artyście dyscyplinę. Dyscyplina, kontrola nad materiałem, którą daje opanowanie techniki, jest bardzo cenna…

Sama technika nie jest sztuką. Artysta musi się nauczyć, a potem zapomnieć o technice”.

Przez całe życie eksperymentował z różnymi stylami. Próbował różnych rodzajów tematów od kompozycji figuratywnych w indyjskim stylu dekoracyjnym, gatunku, portretów, martwej natury, scen plenerowych - pejzaży, obrazów abstrakcyjnych i nieobiektywnych. Wszystkie one pokazały ciągłe obchodzenie się z kolorem i formami za pomocą nowych eksperymentów.

Styl we wczesnym okresie

Zaczął od portretów, jeszcze przed formalnym szkoleniem w JJ School of Art. Udało mu się uzyskać doskonałe podobieństwo, a jego portrety były znane z mistrzowskiego traktowania w realistycznym renderowaniu. W JJ School zetknął się ze stylem malarskim opartym na realizmie akademickim. Mimo to wielkie freski z Ajanta, a zwłaszcza jaskinie Bagh, wywarły na jego umysł głęboki wpływ od najmłodszych lat, kiedy przebywał w Indore. Pod wpływem książki Havella i Deana Gladstona Solomona gorliwie podążał za odrodzeniem Bombaju, a jego prace reprezentowały sztukę indyjską. Fascynacja sztuką indyjską i jej dekoracyjnym stylem została połączona z akademickim wykształceniem Bombay School.

• 

Obrazy ikonograficzne - 'Dattatreya', 'Trimurti', 'Samudra Manthan'

Obrazy te ilustrują jego mistrzostwo nad czystą, delikatną, rytmiczną, ale potężną linią, nabytą dzięki dogłębnemu studium Frescos Art. Były to bardzo niezwykłe przykłady dekoracji ściennych na tradycyjnych liniach.

Eksperymentował z obrazami iluzjonistycznymi w stylu akademickim i tworzył kompozycje w indyjskim stylu dekoracyjnym. Jego twórczość we wczesnym okresie kariery charakteryzowała się malarstwem ikonograficznym, subtelnie wykorzystującym różne style. Należał do okresu przejściowego. Był znany jako pierwszy nowoczesny artysta z JJ School of Art.

Poniżej podano ilustracje eksperckiego wykorzystania różnych stylów, jak widać w niektórych jego nagrodzonych pracach we wczesnym okresie -

„Dadhi Manthan” (Ubijanie) - w świecie sztuki praca ta została wówczas wyraźnie zauważona ze względu na swój temat. Artystycznie przedstawiał rytmiczny ruch ubijania i zawierał drobne szczegóły, takie jak płynny ruch zasłony w tle itp. Połączenie kolorów wykazywało ślady stylu Neo Rajput.

„Pielgrzymka miłości” była dużym panelem dekoracyjnym przedstawiającym boską parę – Śiwę i jego małżonkę Umę i uchwyciła ich śpiewający ruch. Ten obraz z użyciem hastmudry – gestów dłoni inspirowanych freskami Ajanta uznano za przykład obsesji na punkcie indyjskiego stylu dekoracyjnego i pomysłowego manieryzmu. Odnotowała nowe przedsięwzięcie w zakresie linii dekoracyjnej i koloru oraz zdobyła „srebrny medal Nizam” za najlepszą pracę studenta dowolnej szkoły artystycznej w Indiach na wystawie Simla Fine Art. Obraz ten był bardzo ceniony za swoją kreskę przypominającą ikonografię starożytnej sztuki indyjskiej na tle starożytnej sztuki buddyjskiej. Ostatecznie został wybrany na wystawę Modern Indian Art zorganizowaną przez Indian Society of London w Nowe galerie Burlington (1934).

Chandra Aradhana”miał pozór stylu Mogołów.

Mahiyari (1935 - obraz nagrodzony złotym medalem) Ten wyróżniający się oryginalnością obraz był uderzająco udaną próbą przedstawienia prawdziwie indyjskiej tematyki w zachodnim stylu malarstwa. Po raz pierwszy podjęto próbę wykorzystania kubizmu, który był wówczas powstającą francuską szkołą malarstwa. Efektownie uchwycono pięknie wykonaną twarz o zagubionym spojrzeniu rozmarzonych oczu oraz wyrazistą twarz oczekującej na ukochaną. Sprzyjająca atrakcyjna kolorystyka, ustawienie promieni słonecznych w tle, gra światła i cienia na wielobarwnym kostiumie Mahiyari, zachodnia proporcjonalność, kolorystyka w stylu radżputskim oraz jasne, ale miękkie tło oświetlonych słońcem budynków uwydatniły wdzięczną sylwetkę, czyniąc z tego arcydzieło estetyczne sztuka. Krytyk Karl Khandalawala zauważył: „Ten obraz stanowi doskonałą ilustrację tego, jak pewne zasady współczesnej sztuki francuskiej mogą być z wielką korzyścią stosowane przez indyjskiego artystę bez utraty indywidualności lub stania się naśladowcą”.

Artysta ten nie był przywiązany do sztywnych zasad rzeczywistości, co było głównym czynnikiem malarstwa szkoły bombajskiej. Po fazie realistycznej starał się użyć odważnej impresjonistycznej kreski. Uprościł formy , pomijając zbędne detale - odchodząc tym samym od tradycyjnego stylu wykonanego z mikroskopijnymi detalami. Na obrazach używał szerokich, odważnych i pewnych pociągnięć pędzla. Jego manewry wykazały szybkość, śmiałość i precyzję. W tym celu stosował niekiedy nawet płaskie tony i uproszczone formy. Przez całą swoją pracę kontynuował eksperymenty z wyczuciem przestrzeni, aranżacją form, aspektami światła i koloru, aby ostatecznie stworzyć dobry projekt, zachowując nienaruszony efekt przestrzeni. Jego wysiłki ujawniają się w jego linii, w poszczególnych figurach lub w całym projekcie. Eksperymenty z przestrzenią polegały na wykorzystaniu nietypowych widoków i poziomów. Z wykształcenia i jako główna siła był muralistą. W malowidłach czy linijkach, niezależnie od wielkości czy koloru, można dostrzec charakterystyczne cechy malowideł ściennych. Jego prace wykazują mistrzostwo w posługiwaniu się linią, a jej spontaniczność stworzyła poczucie objętości w jego rysunku. Jego obrazy wykazują silne wyczucie koloru i dekoracyjność.

Obrazy abstrakcyjne

W jego twórczości występuje integracja przeszłości z teraźniejszością. W jego twórczości widać żywotne zainteresowanie teraźniejszością - nowoczesnymi trendami współczesnego świata, podtrzymywane przez głęboko zakorzenione zrozumienie dawnego dziedzictwa - inspiracje Freskami Ajanta & Bagh. Zreformował swój oryginalny styl, dostrzegając nowe odniesienia i nowe kierunki. Tak zaczęła się jego przygoda z malarstwem abstrakcyjnym.

Kontakt ze współczesnymi dziełami sztuki z Zachodu pozostawił w jego twórczości wpływy impresjonistyczne z nowatorskimi trybami. Efekty dużej przestrzeni i dobrego designu osiągał poprzez ciekawe aranżacje uproszczonych form i orkiestrację kolorystyczną. Z jego pragnieniem innowacji kontynuował eksperymenty w leczeniu formy i aranżacji.

Jego podejście do sztuki abstrakcyjnej było głęboko zakorzenione w stylizowanym realizmie. Specjalizacje malarstwa nowoczesnego przyjął do tworzenia sztuk wizualnych. Jego prace odznaczały się perspektywą, wyczuciem wzoru i geometrycznym rytmem. Krajobrazy

Zafascynowany pięknem przyrody, przez całe życie starał się je eksplorować poprzez swoje pejzaże. Jego pejzaże pokazywały nowe spojrzenie na piękno natury. Większość jego pejzaży przedstawia panoramiczny widok odsłaniający rozległą przestrzeń. Jego pejzaże to uproszczone formy i pewne, odważne pociągnięcia pędzla połączone z przyjemną kolorystyką opartą na naturalnych pigmentach. Eksperymentował głównie w aspektach światła, przestrzeni i koloru. Chociaż jego szkolenie kładło nacisk na realizm akademicki, jego technika malarstwa pejzażowego wykazywała wpływ impresjonizmu i postimpresjonizmu. Kolor

Jego podejście do koloru było naukowe, a jego schemat kolorów pokazuje siłę i witalność. Ograniczona paleta i umiejętne wykorzystanie szarości wywodzących się z różnych kolorów było wynikiem inspiracji starożytnymi muralistami z Indii. Szczególnie malowidła naskalne Bagha były inspiracją dla jego eksperymentów z kolorami tempery. Z pigmentów przygotował własne kolory. Z tego powodu jego kolorystyka stała się wyróżnikiem jego twórczości. Używał akwareli w sposób nieprzezroczysty (technika gwaszu), podobnie jak indyjscy malarze miniatur. Użył rodzimych kolorów ziemi dla jasności chromatycznej.

Obrazy

Niektóre obrazy pana Solegaonkara:

• Obrazy pana GM Solegaonkara
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 

Nagrody

Govind Solegaonkar był laureatem wielu nagród, w tym:

• Nagroda Topiwala 1934 Ta nagroda była przyznawana za najlepszą kompozycję dotyczącą historii lub mitologii Indii
• Pierwsza nagroda Miss Dolly Cursetji 1934
• Medale i nagrody Towarzystwa Sztuk Pięknych, Simla w 1933,1934
• Złoty medal Bombay Art Society 1935
• Stypendium rządu Bombaju w dziedzinie malarstwa i sztuki komercyjnej 1935
• Najstarsze stypendium Lorda Hardingsa 1934
• Patel Trophy zdobywca Art Society of India 1953

Wystawy

Poniżej wymieniono niektóre wystawy prac Govinda Solegaonkara:

• Eksponaty w całych Indiach Wystawa sztuk pięknych, Indore - 1928
• Eksponaty w całych Indiach Wystawa sztuk pięknych, Simla - 1932
• Wystawa w Burlington Gallery, Londyn - 1933
• Eksponaty na 44. corocznych wystawach Bombay Art Society, zdobyły złoty medal - 1935
• Eksponaty na wystawie zorganizowanej przez Bombay School of Art - 1936
• Eksponaty na wystawie „Akademia Sztuk Pięknych, Kalkuta - 1937
• Eksponaty na wystawie z okazji Złotego Jubileuszu Bombay Art Society, która odbyła się w 1939 roku
• Wystawa w Jehangir Art Gallery - grudzień 1954, styczeń 1957, luty 1958, listopad 1962
• Pokazy w Europie podczas swojego tournée, w tym 3 Wystawy w Belgii - 1958-60
• Wystawa w Galerii Taj Art - 1970
• Wystawa w India House, Londyn, lipiec 1971
• Eksponaty w Pravaha: Wystawa podkreślająca wczesną fazę Sir JJ School of Art i Progressive Art Movement, Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sangrahalaya (dawniej Prince of Wales Museum of Western India) - 2017

Wyświetlane prace

Prace Govinda Solegaonkara na wystawie od sierpnia 2017 obejmują:

• Bhojashala - Parlament Indii - panel nr 41
• Mahiyari - Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sangrahalaya
• Gandhiji - W miejscu urodzenia Mahatmy Gandhiego w Porbandar
• Mural/malarstwo - Tata Institute of Fundamental Research (TIFR)