Helena Herzbrun
Helena Herzbrun | |
|---|---|
 | |
| Urodzić się |
Heleny Eichenbaum
5 października 1921
Chicago , Illinois
|
| Zmarł | 14 marca 1984 w wieku 62) ( 14.03.1984 ) |
| Narodowość | Obywatel USA |
| Znany z | Artysta |
Helene Herzbrun (1921-1984) była amerykańską artystką, która mieszkała i pracowała w społeczności artystycznej w Waszyngtonie. Uczennica i przyjaciółka Jacka Tworkova , była ekspresjonistką abstrakcyjną drugiego pokolenia , która rozwinęła osobisty styl, który odróżnia ją od Ruch Color School swoich czasów. Była znana z abstrakcyjnych krajobrazów o odważnych kolorach i wykorzystujących gestykulację pędzla. Mówiono również, że posiada umiejętność tworzenia iluzji głębi bez stosowania perspektywy graficznej . Oprócz malarstwa Herzbrun cieszył się długą karierą administratora galerii i profesora sztuki na Uniwersytecie Amerykańskim .
Wczesne życie i trening
Herzbrun urodziła się w Chicago 5 października 1921 roku. Jej nazwisko rodowe to Helen Eichenbaum. Jej ojcem był Edward Eichenbaum (1894–1982), architekt znany z projektowania pałaców filmowych z lat 20. XX wieku i umiejętności czytania dramatycznych. Jej matką była Lillian Smith Eichenbaum (ur. ok. 1891, zm. 1969), gospodyni domowa i funkcjonariuszka Klubu Kobiet South Shore . Nie miała braci ani sióstr. Transkrypcja jej aktu urodzenia podaje jej imię jako Helen Ruth Eichenbaum.
Po ukończeniu Hirsch High School w Chicago przez krótki czas uczęszczała do Beloit College , a następnie na University of Chicago, gdzie studiowała sztukę i na którym uzyskała tytuł Bachelor of Arts w języku angielskim. Brała również udział w zajęciach w Instytucie Sztuki w Chicago . W 1941 roku Herzbrun, wówczas znana jako Helene Eichenbaum, była artystką i członkinią Rady Ida Noyes na Uniwersytecie w Chicago, organizacji, która organizowała doroczny studencki pokaz sztuki na uniwersytecie. W 1942 roku poślubiła kolegę ze studiów, Roberta Jamesa McKinseya, w kaplicy na kampusie uniwersytetu w Chicago. Następnie studiował prawo. Później zarabiał na życie jako prawnik i ścigał się samochodami sportowymi jako zamiłowanie.
Pod koniec lat czterdziestych pracowała jako autorka tekstów reklamowych i projektantka. We wczesnych latach pięćdziesiątych, mieszkając teraz w obszarze metropolitalnym Waszyngtonu, studiowała na Uniwersytecie Amerykańskim pod kierunkiem Jacka Tworkova , Roberta Gatesa i Joe Summerforda, z których wszyscy zostali współpracownikami i przyjaciółmi podczas jej późniejszej kariery. Gates i Summerford byli całorocznymi instruktorami w szkole, podczas gdy Tworkov uczył tam w miesiącach letnich między 1948 a 1951 rokiem.
Latem 1961 roku rozwiodła się z McKinsey i tej jesieni poślubiła Philipa Herzbruna, profesora angielskiego na Uniwersytecie Georgetown. Herzbrun napisała do swojej przyjaciółki Tworkov, że kiedy sprowokowała rozwód, McKinsey był z tego miły i było niewiele oskarżeń. Ceremonia, która odbyła się w Moorefield w Zachodniej Wirginii, zwróciła na siebie uwagę jako pierwsza ceremonia cywilna, jaką kiedykolwiek przeprowadzono w tym stanie.
Inne nazwy
Chociaż Helen czasami pojawiała się w druku jako imię Herzbrun, Helene była bardziej powszechna. Podczas pierwszego małżeństwa nazywała się Helene McKinsey. Podczas drugiego nazywała się albo Helene Herzbrun, albo Helene McKinsey Herzbrun. Jeśli miała drugie imię, brzmiało to albo Ruth, jak widnieje na transkrypcji aktu urodzenia, albo Marie, jak podano w zawiadomieniu prawnym z jej majątku z 1983 r. I w rejestrze ślubów Zachodniej Wirginii.
Kariera artystyczna
W 1952 roku, na ostatnim roku studiów na Uniwersytecie Amerykańskim, Herzbrun uczestniczyła w zbiorowej wystawie w Whyte Gallery w Waszyngtonie. Właściciel galerii przygotował pokaz, prosząc o rekomendacje krytyków sztuki z lokalnych gazet. W tamtym czasie krytyk „ The Washington Post” napisał, że obraz Herzbruna „Andante” był dobrze skomponowaną abstrakcją. Inny krytyk powiedział, że wykazała się „niezwykłą kompetencją i zrozumieniem trudnego medium”. W 1953 roku była jedyną mieszkanką stanu Waszyngton, której praca została uwzględniona w 23. Corcoran Biennale odbyło się w tym roku. W 1954 roku pokazała w podmiejskim kinie niewielką grupę obrazów, wystawę, która wyróżniała się jedynie recenzją, jaką wystawił jej miejscowy krytyk, który nazwał Herzbruna wybitnym artystą. Dwa lata później została zaprezentowana na wystawie dwóch artystów w Watkins Gallery.
W 1957 roku Herzbrun pomógł założyć spółdzielnię artystów o nazwie Jefferson Place Gallery . Ona i jej koleżanka ze studiów na Uniwersytecie Amerykańskim wpadli na pomysł, by stworzyć pierwszą galerię w Waszyngtonie, która będzie wspólną własnością i będzie prowadzona przez lokalnych artystów. Dołączyło do nich ośmiu innych, wszyscy abstrakcjoniści. W tamtym czasie Herzbrun napisał Tworkovowi, że przedsięwzięcie to było „honorowym” miejscem do wystawiania: galerią prowadzoną przez artystów wśród miejskich księgarń, kawiarni espresso i sklepów jubilerskich. Herzbrun brał udział w wystawach zbiorowych i indywidualnych w galerii od jej otwarcia do 1974 roku, kiedy została zamknięta.
W latach 1953-1958 Herzbrun zarządzała Galerią Watkins na Uniwersytecie Amerykańskim. Następnie dołączyła do wydziału sztuki na uniwersytecie, rozpoczynając karierę, która trwała aż do jej śmierci w 1984 roku. W 1958 roku otrzymała indywidualną wystawę w Stable Gallery w Nowym Jorku. W następnym roku jej obrazy pojawiły się na trzyosobowej wystawie w Galerii Corcoran , na której prawie wszystkie jej obrazy zostały sprzedane lub zarezerwowane przez kolekcjonerów. Rok później Poindexter Gallery zorganizowała jej indywidualną wystawę, która zaowocowała sprzedażą dużego obrazu Lili Wallace do kolekcji sztuki Reader's Digest .
W 1969 roku, mniej więcej w połowie swojej kariery, Herzbrun wyraziła niechęć do komercyjnych wymagań związanych z karierą artystyczną. 7 grudnia tego samego roku napisała do Jacka Tworkova: „Po roku – by nagle zmienić temat – mam prawie dość obrazów na wystawę, z których część jestem bardzo zadowolona. Ale mam wątpliwości, czy je pokazywać, tylko dlatego, że naprawdę nie chcę tego gówna. Nienawidzę argumentować o ich wartości lub bronić ich zasług, robiąc wszystko, co mogłem, malując je. Ale prawdopodobnie to zrobię ”.
W następnym roku jeden z obrazów Herzbruna znalazł się na wystawie Baltimore Museum of Art , która miała dać kompleksowy przegląd sceny waszyngtońskiej w ciągu ostatnich dwóch dekad. Paul Richard, krytyk The Washington Post , dał temu programowi nieumiarkowaną recenzję, nazywając go niewrażliwym, przypadkowym i niespójnym. Powiedział w nim, że obraz Herzbruna był „mrożącym oczy płótnem”. Jego opinia na temat jej indywidualnej wystawy jakieś cztery lata później była znacznie bardziej pozytywna, opisując wystawę jako radosną, a jej obrazy jako „kolorowe, swobodne i jasne”. Dwa lata później Corcoran wybrał Herzbrun wraz z Johnem Robinsonem i Almą Thomas na wystawę zatytułowaną „Contemporary Washington Art”, sponsorowaną przez Administrację Dwustulecia Rewolucji Amerykańskiej. W 1978 roku dostała indywidualną wystawę, aw 1980 trzyosobową wystawę w Galerii Rasmussen w DC. W następnym roku choroba nowotworowa zmusiła ją do porzucenia malarstwa. Chociaż przez jakiś czas tworzyła kolaże, choroba jej nie opuściła i ostatecznie doprowadziła do śmierci w 1984 roku. Wystawy pośmiertne obejmują retrospektywę w Watkins Gallery oraz prezentację z 2019 roku zatytułowaną „Grace Hartigan i Helene Herzbrun: Reframing Abstract Expressionism” w Muzeum Sztuki Uniwersytetu Amerykańskiego.
Styl artystyczny
Herzbrun malował gestykulacją w stylu abstrakcyjnego ekspresjonizmu . Kiedy jej obraz został wybrany na 23. Biennale, które odbyło się w Galerii Corcoran w 1953 roku, krytycy komentowali okoliczności - jak wspomniano powyżej, była jedyną wybraną lokalną artystką - ale nie jej styl. Jednak trzy lata później krytyk dla The Washington Post dokładnie zbadał technikę Herzbruna, recenzując dwuosobową wystawę w Watkins Gallery. Uznała, że pomimo swojej abstrakcji obrazy wywodzą się z lirycznego spojrzenia na tematy naturalne. Podczas gdy wcześniejsze miały „jakość światła i słońca, z migoczącymi, szybko poruszającymi się wzorami”, powiedziała, że nowsze były luźniejsze i bardziej ekspresjonistyczne, miały odważniejsze wzory i mocniejszy kolor. Odnosząc się do trzyosobowego pokazu w Corcoran w 1959 roku, krytyk ten skomentował zdolność Herzbruna do stworzenia iluzji głębi bez stosowania perspektywy graficznej . Powiedziała: „Każde pociągnięcie pędzla ma znaczenie, ponieważ opisuje naprężenia w przestrzeni. Osiąga wspaniałe poczucie głębi i odległości bez uciekania się do cofających się płaszczyzn lub kolorów w sensie akademickim”. Rok później krytyk dla The New York Times dostrzegła w jej pracach „wrodzone wyrafinowanie”, pomimo oczywistego pokrewieństwa z luźną organizacją i swobodnym pędzlem abstrakcyjnych ekspresjonistów. Jej wczesny obraz „Pejzaż (Rising from Purple)” pokazuje zarówno swobodę jej gestykulacji, jak i jej zdolność do przekazywania iluzji głębi (pokazanej po lewej). Późniejszy obraz „Aeroplat” (1970, po prawej) pokazuje, jak radzi sobie z odważnymi wzorami i jasnymi kolorami, podczas gdy „Counter Plane” (1977, po lewej) pokazuje, jak używa cofających się płaszczyzn koloru.
W 1961 roku Herzbrun powiedziała, że chce być bardziej zdecydowana w swoim podejściu, aby wydobyć „ideę, która się ukrywa” w jej obrazach. O dwuosobowej wystawie w Jefferson Place Gallery, zorganizowanej dwa lata później, krytykował The Washington Post powiedział, że prace Herzbruna wykazywały integralność i były „niezmienione i niezależne od nowych małych„ izmów ”, które opanowują świat sztuki w każdym sezonie”. Podkreśliła pewność, z jaką Herzbrun pozostała oddana jej malarskiemu podejściu, ze świeżym, wyraźnym kolorem i „mocnymi, tnącymi pociągnięciami pędzla”, i zauważyła jej zdolność do „tworzenia własnego świata” i sprawienia, by działał. Odnośnie solowego występu kilka lat później krytyk dla Washington Star podziwiał radosnego ducha abstrakcyjnych pejzaży Herzbruna i widział w nich „szerokie pociągnięcia całkowicie pewnego siebie malarstwa, odzwierciedlające starożytną prostotę owczarni, ugoru i pola”. Komentując ten program, inny krytyk podkreślił jej technikę, mówiąc, że Herzbrun stworzył świeżą powierzchnię w jasnych kolorach, używając „matowego wykończenia, glazury, obszarów impastowych i delikatnych linii” na tym samym płótnie bez poświęcania jedności. W ciągu następnej dekady Herzbrun przeszedł od malowania na płótnie do techniki drukarskiej zwanej monotypią w którym każdy wyciągnięty arkusz był wyjątkowy. Malowała na szkle i nakładała papier na powierzchnię, gdy pigmenty były jeszcze mokre. Recenzja pochwaliła powstałe odbitki jako świeże, kolorowe, swobodne i jasne.
Od 1981 roku, kiedy rak i późniejsza operacja uniemożliwiły jej malowanie i wykonywanie monotypii, przez pewien czas tworzyła kolaże. Choroba jednak nadal atakowała i 14 marca 1984 roku doprowadziła do jej śmierci.
Kariera nauczycielska
W 1958 roku, po ukończeniu studiów i zakończeniu pracy jako kierownik Watkins Gallery, Herzbrun dołączył do wydziału American University jako instruktor sztuki. Awansowała do stopnia adiunkta i profesora, a po śmierci w 1984 roku uzyskała status emerita. Pełniła funkcję kierownika katedry sztuki w latach 1962, 1966-1968, 1972-1974 i 1976-1978.
Po jej śmierci jej mąż, Philip, ustanowił Stypendium Artystyczne im. Helene M. Herzbrun, aby wspierać finansowo wybranych przez wydział artystyczny studentów kierunków artystycznych.
Śmierć
Jak wspomniano powyżej, Herzbrun zachorował na raka w 1981 roku, przeszedł operację i 14 marca 1984 roku zmarł.