Integracja artystyczna

Integracja artystyczna różni się od tradycyjnej edukacji tym, że obejmuje zarówno dyscyplinę artystyczną, jak i tradycyjny przedmiot jako część nauczania (np. wykorzystanie improwizowanych umiejętności teatralnych do nauki o konflikcie w formie pisemnej). Celem integracji artystycznej jest poszerzenie wiedzy z ogólnego obszaru przedmiotowego przy jednoczesnym wspieraniu większego zrozumienia i uznania dla sztuk pięknych i scenicznych. The John F. Kennedy Center for the Performing Arts definiuje integrację sztuki jako „podejście do nauczania, w którym uczniowie konstruują i demonstrują zrozumienie poprzez formę sztuki. Uczniowie angażują się w proces twórczy, który łączy formę sztuki i inny przedmiot oraz spełnia ewoluujące cele w Zarówno."

Historia edukacji artystycznej i integracji artystycznej

Integracja artystyczna jest związana z edukacją artystyczną w szkołach. Edukacja artystyczna, choć istniała w różnych formach w XIX wieku, zyskała popularność jako część progresywnej teorii edukacji Johna Deweya . Pierwszą publikacją, która opisuje bezproblemową interakcję między sztuką a innymi przedmiotami (integracja sztuk) nauczanymi w amerykańskich szkołach, był The Integrated School Art Program Leona Winslowa (1939). Przez pozostałą część XX wieku rola edukacji artystycznej w szkołach publicznych słabła i odpływała wraz z politycznymi skłonnościami kraju i dobrobytem finansowym.

Według Liory Bresler w latach 70. i 80. pojawiło się dwóch zwolenników integracji sztuki: Harry Broudy i Elliot Eisner. Broudy opowiadał się za sztuką na zasadzie wzmacniania wyobraźni. Broudy uważał wyobraźnię za niezbędny element nauki, który powinien być kultywowany w szkołach, i opowiadał się za włączeniem edukacji estetycznej do wszystkich przedmiotów w swojej pracy Enlightened Cherishing . Eisner poszedł za Broudym, powołując się na to, że sztuka była ważna dla różnych rodzajów poznania . Uważał, że sztuka umożliwia głębsze zrozumienie świata dzięki swojej interaktywności – sztuka przenosi naukę poza to, co jest napisane lub przeczytane.

Cassandra B. Whyte podkreśliła znaczenie doświadczeń artystycznych dla uczniów, aby zachęcić do kreatywnych i niezależnych procesów myślowych, które byłyby ważne przez całe życie jednostki. Sztuka pomogła uczniom w rozwiązywaniu problemów i podejmowaniu decyzji, a doświadczenia związane z przetwarzaniem można było zaadaptować w ogólnych sytuacjach życiowych. Whyte opowiadał się za włączeniem aspektów edukacji artystycznej do doświadczeń doradczych w zakresie identyfikacji umiejscowienia kontroli, aby pomóc studentom szkół wyższych rozwinąć zaufanie do ich wyjątkowych umiejętności rozwiązywania problemów w klasie iw życiu.

Wcześniej ustawodawstwo No Child Left Behind określało edukację artystyczną jako „niezbędną dla edukacji każdego dziecka” i włączało ją jako jeden z przedmiotów podstawowych. Ustawodawstwo „No Child Left Behind” kładzie również nacisk na odpowiedzialność poprzez ocenianie (często przybierającą formę standaryzowanego testu). Chociaż w żadnej sztuce nie nakazano ustandaryzowanej oceny, potrzeba odpowiedzialności akademickiej w sztuce, a także w innych przedmiotach akademickich obszarach, doprowadziła do wzmożonych badań i propagowania integracji artystycznej i jej wpływu na uczenie się uczniów.

Obecnie Common Core i jego bliskie adaptacje zmieniają sposób, w jaki szkoły podchodzą do uczenia się. Podejście Common Core do integracji sztuki polega na tym, że poprawia edukację, czyniąc naukę interesującą i zabawną. Ponieważ Common Core staje się normą w wielu okręgach szkolnych w Stanach Zjednoczonych, nauczyciele włączają sztukę do klas teraz bardziej niż kiedykolwiek. Wzrost popularności integracji artystycznej zwiększył ilość dostępnych zasobów, które można wykorzystać w klasie, dzięki czemu integracja artystyczna w klasie jest łatwiejsza niż kiedykolwiek.

Badania integracji sztuki i rzecznictwo

Dyskurs rzecznictwa artystycznego przedstawia obecnie dwa główne przeciwstawne poglądy na rzecz wspierania sztuki w edukacji. Pierwszy wskazuje na podstawy ekonomiczne, z których wynika, że sztuka uczy „umiejętności XXI wieku”, takich jak współpraca i innowacja, które są niezbędne jedynie jako środek do wzrostu produktywności dla rozwoju rynku. Drugie, alternatywne podejście koncentruje się zamiast tego na filozoficznej wartości twórczych dociekań, które sztuka wpaja uczniom, argumentując, że rozwój przez całe życie bez celu jest niezbędnym nawykiem wywodzącym się z edukacji artystycznej. Napięcie między utylitarnym, skoncentrowanym na miejscu pracy poglądem a edukacyjnymi, skoncentrowanymi na rozwoju ramami rzecznictwa nadal kształtuje i przekształca wszechświat edukacji artystycznej, ponieważ rewizje National Core Arts Standards odzwierciedlają fluktuacje retoryki rzecznictwa.

Kluczowi gracze

Impulsem do integracji przedmiotów artystycznych jest rosnąca liczba badań pokazujących, w jaki sposób uczniowie osiągają sukces, gdy uczą się, dlaczego i jak używać muzyki, sztuk wizualnych, dramy/tańca, teatru i sztuk literackich, aby zarówno wyrażać, jak i rozumieć idee, myśli i uczucia. Critical Links, kompendium opublikowane przez Arts Education Partnership ( AEP ^{[ stały martwy link ]} ), zawiera 62 badania badające związek między nauką o sztuce, osiągnięciami w nauce i rozwojem społecznym uczniów. Najważniejsze obejmują badania, które badają wykorzystanie dramy w celu zwiększenia umiejętności czytania ze zrozumieniem przez uczniów oraz badania, które badają związek między pojęciami muzycznymi i matematycznymi. Stowarzyszenie Arts Education Partnership opublikowało także The Third Space, które przedstawia profile dziesięciu szkół zintegrowanych ze sztuką w Stanach Zjednoczonych .

Inną amerykańską organizacją prowadzącą badania nad integracją artystyczną jest Chicago Arts Partnerships in Education. Opublikowała, za pośrednictwem Lawrence Erlbaum Associates, Renaissance in the Classroom: Arts Integration and Meaningful Learning. Książka pod redakcją dr Gail Burnaford, byłej profesor na Northwestern University i obecnie profesor na Florida Atlantic University; Cynthia Weiss, artystka pedagogiczna i była współpracowniczka CAPE (2000-2002); oraz Arnold Aprill, założyciel i dyrektor kreatywny CAPE, łączą wkład dwustu siedemdziesięciu dwóch uczestników partnerstw CAPE zajmujących się integracją sztuki. James Catterall, badacz edukacji artystycznej i profesor na University of California, Graduate School of Education and Information Studies w Los Angeles, współpracował z CAPE przy publikacjach.

Uniwersytecie Harvarda wspiera Project Zero , edukacyjną grupę badawczą założoną w 1967 roku przez Nelsona Goodmana, która bada naukę poprzez sztukę. Byli dyrektorzy Project Zero to David Perkins i Howard Gardner . Obecnie jest kierowany przez Steve'a Seidela i rozszerzył swoje badania w zakresie nauczania przedmiotów artystycznych o inne gałęzie edukacji. Teoria wielorakich inteligencji Howarda Gardnera została wykorzystana jako część uzasadnienia wykorzystania zintegrowanych modeli sztuki w nauczaniu i uczeniu się.

Od ponad 30 lat Centrum Sztuk Performatywnych im. Johna F. Kennedy'ego w Waszyngtonie oferuje nauczycielom możliwości uczenia się w zakresie integracji artystycznej. Lokalnie, w ramach „Changing Education Through the Arts” (CETA) , Centrum Kennedy’ego zapewnia profesjonalne kształcenie edukatorom z okolic Waszyngtonu, którzy wdrażają integrację sztuki w swoich klasach lub nauczają o jakiejś formie sztuki. Aby rozwinąć kulturę integracji artystycznej w całej szkole, sieć szkół CETA współpracuje z Centrum Kennedy'ego, aby zaangażować swoich nauczycieli w dogłębne kształcenie zawodowe skoncentrowane na integracji artystycznej. Program CETA wzbogacił badania nad wpływem integracji artystycznej na uczniów, nauczycieli i kulturę szkolną poprzez liczne badania ewaluacyjne. Aby dotrzeć do nauczycieli w całym kraju, Kennedy Center organizuje coroczną Konferencję Integracji Sztuki, podczas której nauczyciele aktywnie badają koncepcje i strategie integracji sztuki. Internetowy zasób Centrum Kennedy'ego, ARTSEDGE , zawiera również serię internetowych zasobów dotyczących integracji artystycznej, które wyjaśniają „co” i „dlaczego” integracja artystyczna, zawierają przykłady integracji artystycznej w praktyce oraz linki do szeregu zasobów. W całym kraju dostępna jest seria seminariów Kennedy Center dla nauczycieli, które koncentrują się na integracji sztuki, a także praktykach opracowywania silnych zintegrowanych ze sztuką rezydencji dla studentów i warsztatów dla nauczycieli. Latem co dwa lata w Kennedy Center organizowane jest Narodowe Seminarium dla Artystów Nauczających. Trzy inne krajowe inicjatywy Kennedy Center wspierają praktyki i partnerstwa w zakresie integracji artystycznej i edukacji artystycznej: Any Given Child , Partners in Education i VSA .

Kennedy Center Partners in Education, z siedzibą w Waszyngtonie , to organizacja, która od ponad dwóch dekad promuje integrację artystyczną. Chociaż Centrum Kennedy'ego prowadzi badania w zakresie nauczania przedmiotów artystycznych, zapewnia również możliwości nawiązywania kontaktów dla programów edukacji artystycznej w całym kraju za pośrednictwem The Kennedy Center Alliance for Arts Education Network KCAAEN . Organizacja ta opowiada się za edukacją artystyczną, wspiera współpracę między artystami i szkołami w celu wspierania nauki artystycznej, rozwija i prowadzi doskonalenie zawodowe nauczycieli w zakresie edukacji artystycznej oraz uznaje osiągnięcia artystyczne.

Od lat 80. Lesley University w Cambridge, MA, kształci nauczycieli klasowych w całych Stanach Zjednoczonych w zakresie wdrażania integracji artystycznej poprzez program studiów magisterskich poświęconych rozwojowi zawodowemu . Badanie z 2012 r. , sfinansowane przez Fundację Forda, wykazało, że nauczyciele, którzy ukończyli program i włączają sztukę do swojego nauczania, są bardziej odporni i pozostają zaangażowani w swój zawód. Ich uczniowie angażują się w głębokie uczenie się poprzez zajęcia zintegrowane ze sztuką, co prowadzi do większego zainteresowania szkołą.

College of Education na University of South Florida Sarasota-Manatee z siedzibą w Sarasocie na Florydzie wdrożył integrację artystyczną we wszystkich swoich programach przygotowujących do nauczania, zapewniając szkolenia dla nauczycieli, liderów i specjalistów, którzy pełnią role edukacyjne w swojej karierze. Poprzez swoje Centrum Partnerstwa na rzecz Nauczania Zintegrowanego ze Sztuką (PAInT) [1] , Kolegium prowadzi działalność badawczą i usługową, która przynosi korzyści studentom i całemu regionowi.

ArtsNow [2] zapewnia szkolenia z rozwoju zawodowego dla nauczycieli, koncentrujące się na budowaniu umiejętności potrzebnych do włączenia sztuki do programu nauczania. Dzięki innowacyjnemu kursowi Foundational Training nauczyciele uczą się identyfikować możliwości integracji wszystkich form sztuki - wizualnej, tanecznej i muzycznej - na lekcjach wszystkich przedmiotów klasowych dla klas K-12, spełniając zarówno stanowe, jak i krajowe standardy programu nauczania (w tym standardy Common Core) . ArtsNow oferuje darmowe przewodniki Ignite Curriculum za pośrednictwem swojej strony internetowej.

EducationCloset [3] zapewnia rozwój zawodowy w zakresie integracji artystycznej i innowacji w nauczaniu. Dzięki corocznej konferencji Arts Integration, programowi Arts Integrated Curriculum , kursom, seminariom internetowym i dostępnym publikacjom nauczyciele, artyści, edukatorzy artystyczni, administratorzy i rzecznicy sztuki mogą znaleźć rygorystyczne, wysokiej jakości zasoby dotyczące integracji artystycznej, które łączą się z Common Core State Standards i STEM .

Koncentrując się na praktyce integracji artystycznej w klasie, organizacja non-profit o nazwie Arts Integration Solutions (dawniej Opening Minds through the Arts Foundation) [ 4] zapewnia rozwój zawodowy nauczycieli oraz planowanie i wdrażanie programów dla szkół i okręgów szkolnych. AiS opracował zestaw zasad, które są podstawą integracji artystycznej oraz cykl, który pomaga nauczycielom w opracowywaniu codziennych lekcji matematyki, nauk ścisłych, czytania i pisania, które wykorzystują sztukę do pełnego zaangażowania uczniów. AiS opracowało programowanie do wykorzystania integracji artystycznej w nauczaniu przedmiotów STEM (nauka, technologia, inżynieria i matematyka) oraz umiejętności czytania i pisania.

Przeszkody w edukacji artystycznej

Trzy główne umiejętności w edukacji, które są uważane za „podstawowe” przedmioty do nauczania uczniów, to matematyka, pisanie i czytanie ze zrozumieniem. Te ważne obszary są uważane przez wielu za narzędzia sukcesu dla osiągnięć uczniów. Konsekwencją dominującego akcentowania tych trzech obszarów badań akademickich jest brak uwagi innym głównym obszarom nauki, głównie sztuce. Postrzeganie sztuki jako nieistotnej miało duży wpływ na nauczanie kreatywności uczniów.

Żadne dziecko nie zostało w tyle

Znaczenie nauczania przedmiotów artystycznych dla uczniów było ostatnio postrzegane jako mniej istotne niż nauczanie innych podstawowych przedmiotów, zwłaszcza przez administratorów szkół. Instytucje edukacyjne starają się utrzymać federalne standardy, aby otrzymać fundusze rządowe. Standardy te skupiają się głównie na przedmiotach takich jak angielski i matematyka, a także są mocno podkreślane podczas standardowych testów. Jeśli szkoły mogą poprawić wyniki uczniów w tych obszarach, nie staną się narażone na utratę lub zmniejszenie funduszy federalnych. Robin Pogrebin z New York Times stwierdza: „W czasach, gdy polityka prezydenta Busha „Żadne dziecko nie zostanie w tyle” kładzie nacisk na wyniki testów, sztuka niełatwo poddaje się wymiernym pomiarom”. Dlatego szkoły kładą duży nacisk na nauczanie uczniów, aby osiągali doskonałe wyniki w tych obszarach nauki. Obejmuje to więcej czasu przeznaczonego na nauczanie tych klas, a także znaczną część budżetu szkoły na ulepszenie tych kursów.

Budżety szkół

Podczas gdy znaczna część budżetu edukacyjnego jest wydawana na te ważne obszary studiów akademickich, szkoły odkrywają, że jest mniej pieniędzy na to, co niektórzy uważają za nieistotne kursy, takie jak muzyka i sztuka na wyższym poziomie. Według czasopisma akademickiego The Electronic Musician: „2 marca 2011 roku zarówno Izba Reprezentantów, jak i Senat zgodziły się wyeliminować szereg małych programów edukacyjnych w Departamencie Edukacji Stanów Zjednoczonych, w tym całkowite wycofanie funduszy z programu Arts in Education, 40-dolarowy milionowy fundusz wspierający konkurencyjne dotacje i inicjatywy krajowe”. Chociaż niewielkie redukcje budżetów są powszechne podczas recesji, niektóre stany drastycznie zmniejszyły swoje budżety na sztukę. Według Teaching Artists Journal: „W 2004 roku całkowite państwowe fundusze na sztukę spadną do 272 milionów dolarów, co stanowi spadek o 23% w porównaniu z ubiegłym rokiem. A prawie dwie trzecie tego całkowitego spadku pochodzi z cięć w zaledwie trzech najbardziej dotkniętych stanach: Kalifornii, Michigan i Florydzie”. Podczas gdy redukcja funduszy na sztukę została zmniejszona prawie o jedną czwartą w różnych obszarach, pedagodzy często walczą o utrzymanie programu artystycznego jako kluczowej umiejętności nauczania uczniów. Fundusze, które zostały zmniejszone, nie pozwalają teraz sztuce na zapewnienie mebli i materiałów, a także pensji instruktorów, które są niezbędne do tych programów. W rezultacie kursy sztuki nie są traktowane z takim samym szacunkiem, a studentom odmawia się twórczego ujścia w ramach ich edukacji.

Kwestie budżetowe i ograniczenie wydatków na sztukę spowodowały, że wiele szkół próbowało znaleźć dodatkowe źródła wsparcia ich programu artystycznego. Administratorzy szkół często zwracają się do funduszy państwowych, aby pomóc w finansowaniu sztuki. Coraz częściej pojawiają się dotacje i inne środki na finansowanie sztuki, ale są to rozwiązania tymczasowe w finansowaniu tych programów. Szkoły często współpracują z władzami lokalnymi i stanowymi, aby uzyskać dochód; jednak wiele rządów stanowych doświadcza innych problemów związanych z deficytem budżetowym i rzadko może sobie pozwolić na sfinansowanie takiego programu w potrzebnej kwocie. Tak więc, aby wesprzeć sztukę, często potrzebna jest pomoc prywatnych darczyńców. Jednak, podobnie jak w przypadku dotacji, prywatni darczyńcy nie mogą przekazać wystarczających środków, aby odpowiednio wesprzeć sztukę w edukacji i nie mogą wnosić wkładów tak konsekwentnie, jak mógłby to zrobić rząd. Finansowanie sztuki w edukacji nadal pozostaje dużym i nierozwiązanym problemem dla wielu okręgów szkolnych w całym kraju.

Praktyczne zastosowania

Rzecznictwo na rzecz sztuki porusza kwestię tego, jak istotne jest nauczanie sztuki dla uczniów. Ze względu na analizę statystyczną postrzeganego braku umiejętności matematycznych i czytelniczych naszej młodzieży, wielu rodziców uważa, że znaczenie sztuki jest mniej istotne niż inne podstawowe obszary studiów akademickich. Wynika to częściowo z faktu, że sztuka jest postrzegana jako mniej potrzebna na rynku pracy. Jednak wielu zwolenników twierdzi, że studenci sztuk pięknych przodują w interpretacji i analizie informacji wizualnych i przestrzennych. Według National Assessment of Educational Progress „Nauczyciele uznali, że sztuka jest podstawą zdobycia wszechstronnego wykształcenia. Sztuka nadaje sens nauce. Służą jako narzędzie do nabywania umiejętności, o których powiedzieli reformatorzy edukacji uczniowie powinni dążyć do: rozwiązywania problemów, myślenia wyższego rzędu, elastyczności, wytrwałości i współpracy”. Umiejętności nabywane przez sztukę są w rzeczywistości niezbędnymi cechami współczesnej siły roboczej. Akcent związany ze znaczeniem sztuki staje się wtedy taki, który przynosi korzyści studentom w ich przyszłej karierze. Podczas gdy wielu uważa, że sztuka nie ma zastosowania na współczesnej sile roboczej, wielu twierdzi, że sztuka zapewnia pozytywne wyniki studentom konkurującym na dzisiejszym konkurencyjnym rynku pracy.

Nauczyciele integrujący sztukę

Często zgłaszanym problemem jest to, że „nie wszyscy nauczyciele są artystami”, co oznacza, że nie ma wystarczającej liczby nauczycieli zdolnych do uprawiania sztuki, aby uczyć w każdej klasie. Tak jednak nie jest, ponieważ nauczycielem przedmiotów artystycznych może zostać każdy nauczyciel. Chociaż sztuka jest w swej istocie niewiarygodnie subiektywna, każda praktyka ma swoje podstawy. W sztukach plastycznych są elementy i zasady projektowania, koło kolorów itp. W muzyce jest podstawowa teoria muzyki. W dramie istnieje podstawowa struktura gry, teoria aktorstwa itp. To, czy nauczyciel może robić te rzeczy, nie ma znaczenia; jeśli można ich nauczyć, informacje te mogą być przekazywane uczniowi przez nauczyciela. Celem nie jest tworzenie mistrzów sztuki, ale nauczanie podstawowych umiejętności artystycznych, procesów i jakości estetycznej oraz zachęcanie do kreatywnych technik nauczania. To podstawowe zrozumienie można następnie przekazać uczniom, którzy następnie uczą się poprzez działanie. Umiejętności te są proste i łatwe do nauczenia się i nauczenia, i będą nieskończenie przydatne w tworzeniu planów lekcji iw praktyce. Po utworzeniu środowiska zintegrowanego ze sztuką można wymieniać się technikami, przykładami i informacjami między kolegami. Mogą omawiać ustalenia i dzielić się tym, co działa, a co nie w klasie.

Finansowanie i wspieranie sztuki nadal pozostaje największym problemem, przed jakim stoi obecnie nauczanie studentów tej ważnej dziedziny. Wiele dystryktów i sympatyków opowiada się za zwiększeniem funduszy, aby zapewnić postęp w sztuce, jednak jest niewiele pieniędzy, które można podzielić na wiele programów edukacyjnych. Wiele osób obawia się, że niektóre programy artystyczne mogą zostać usunięte z niektórych szkół z powodu tych obaw. Podczas gdy edukacja artystyczna jest uważana za jeden z głównych przedmiotów w ustawie No Child Left Behind, wielu obawia się o jej przyszłość.

Wkład edukacji artystycznej w rozwój dzieci

Sztuka jest często postrzegana jako hobby, zainteresowanie lub czysto rekreacyjne zajęcie. W społeczeństwie, w którym cały system edukacji opiera się na przygotowaniu przyszłej siły roboczej, nacisk kładzie się na dziedzinę STEM (Science, Technology, Engineering and Math), a zaniedbuje się sztukę. W czasach ekonomicznej niestabilności zasoby są ściśle rozdzielane, a sztuka zawsze jako pierwsza zostaje wycięta. Jednak badania nad wpływem edukacji artystycznej na uczenie się i rozwój dzieci wykazują znaczące pozytywne rezultaty w przypadku dzieci, które miały kontakt z programami artystycznymi pod nadzorem nauczyciela, w porównaniu z dziećmi, które nie miały kontaktu z edukacją artystyczną. Badania pokazują, że dzieci stykające się ze sztuką lepiej radzą sobie w szkole, rozwijają większe umiejętności społeczne, poznawcze i emocjonalne oraz mają większe szanse na zdobycie wyższego wykształcenia w późniejszym życiu.

Efekty akademickie

Uczestnictwo w programach artystycznych jest pozytywnie skorelowane ze lepszymi osiągnięciami w nauce, w tym wyższymi wynikami z matematyki i ustnych testów SAT, w porównaniu z wynikami uczniów bez wykształcenia artystycznego.

Badania przeprowadzone przez National Educational Longitudinal Survey (NELS;88), badanie panelowe, w którym przez 10 lat obserwowano ponad 25 000 uczniów amerykańskich szkół średnich, pokazują znaczące wyniki dotyczące pozytywnych wyników dzieci narażonych na kontakt ze sztuką wysoką w szkole pod nadzorem nauczyciela . Badanie obejmuje czas od 8 klasy do 10 i 12 klasy oraz przez cały okres szkoły średniej. Co więcej, badanie to, przeprowadzone przez Jamesa Catteralla i współpracowników, które rozpoczęło się w połowie lat 90., dotyczyło tych samych uczniów w wieku 26 lat w 2009 roku.

Badanie eksploracyjne opublikowane przez National Art Education Association dotyczyło integracji przedmiotów artystycznych z programem nauczania w klasie i wykazało, że integracja ta poprawiła uczenie się akademickie dzięki pełnemu zaangażowaniu w sztukę, co pozwala uczniom zrozumieć różne perspektywy, bezpiecznie podejmować ryzyko, wyrażać uczuć za pomocą mniej restrykcyjnych sposobów i rysować podobieństwa między sztuką a tradycyjnymi głównymi dziedzinami.

Fragment książki Renaissance in the Classroom: Integration Arts and Meaningful Learning

Znanym ruchem w dzisiejszych szkołach jest dostosowanie programu nauczania do inteligencji wielorakich. Teoria wielorakich inteligencji Howarda Gardnera (1983), opisana w jego książce Frames of Mind, przyczyniła się do wzrostu świadomości wartości sztuki w nauczaniu dzieci i we współczesnych szkołach. Pedagodzy tacy jak Thomas Armstrong (1994) i David Lazear (1991) pomogli w przełożeniu teorii Gardnera, która jest zasadniczo ramą psychologiczną, na świat nauczycieli szkolnych. Gardner zasugerował, że istnieje co najmniej siedem inteligencji, które większość ludzi wnosi do nauki. Spośród tych siedmiu, dwie (językowa i logiczna/matematyczna) wydają się dominować w większości klas, chociaż wiele dzieci ma dominujące inteligencje w innych dziedzinach. W odniesieniu do szkolnictwa istnieje teoria, że gdybyśmy rozszerzyli repertuar praktyk dydaktycznych i zwrócono większą uwagę na zdolności uczniów do korzystania z ich inteligencji muzycznej, przestrzennej, intrapersonalnej, interpersonalnej oraz cielesnej/kinestetycznej, moglibyśmy dotrzeć do większej liczby dzieci. Opieranie się na mocnych stronach uczniów poprzez ich bardziej dominujące inteligencje umożliwia im pełniejsze uczenie się”.

Rozwój społeczno-emocjonalny

Istnieje znaczący konsensus wśród badaczy zajmujących się edukacją artystyczną i jest on taki, że sztuka dociera do uczniów, do których w inny sposób nie można dotrzeć, oraz że sztuka dociera do uczniów w sposób, do którego nie można dotrzeć w inny sposób. Niepowodzenia uczniów są często wyjaśniane przez niezaangażowanych uczniów i stwierdzenie, że sztuka dostarcza uczniom powodu i motywacji do zaangażowania się w szkołę, a tym samym zapobiega porzucaniu szkoły przez uczniów. Tę wewnętrzną motywację można zbadać poprzez sposób, w jaki zaangażowanie w sztukę zwiększa samoświadomość, pewność siebie, zaufanie i wzmocnienie. Tworzenie sztuki jest osobistym doświadczeniem i wiąże się z osobistymi zasobami ucznia, co wiąże się z większym zaangażowaniem i inwestycją w pracę bez dobrych lub złych odpowiedzi. Inwestycje osobiste sprzyjają samodzielnemu uczeniu się i zachęcają do uczenia się jako takiego, a nie do uczenia się jako środka do osiągania wyników testów. Zaufanie, współpraca i kreatywność, które sprzyja edukacji artystycznej, mają pozytywny wpływ na pracowników akademickich, a także na zaangażowanie w kulturę.

Rozwój społeczno-kulturalny

Zmiany te zostały zmierzone za pomocą Inwentarza Wierzeń Indian Amerykańskich, który został zmierzony w czterech grupach narażonych na kulturę rdzennych Amerykanów i piątej grupie bez kontaktu kulturowego. Wszystkie cztery grupy wykazały poprawę, podczas gdy piąta grupa kontrolna nie.

Badania podłużne wykazały, że uczniowie z wykształceniem artystycznym są bardziej zaangażowani obywatelsko. Ten społeczno-kulturowy efekt integracji artystycznej jest nieproporcjonalnie silniejszy w przypadku zagrożonych uczniów.

Rozwój poznawczy

Badania nad wkładem sztuki w dziedzinę poznawczą pokazują szeroki wachlarz zmian poznawczych w zakresie zdolności przestrzenno-czasowych, umiejętności werbalnych, pamięci i rozumowania przestrzennego. Badanie przeprowadzone przez Chana i in. Badanie przeprowadzone na sześćdziesięciu studentkach college'u w Stanach Zjednoczonych wykazało związek między wykształceniem muzycznym uczniów przed ukończeniem 12. roku życia a ich pamięcią werbalną. Uczniowie z wykształceniem muzycznym wykazywali znacznie lepszą pamięć niż ci bez formalnego wykształcenia. Metaanaliza przeprowadzona przez Amerykańskie Towarzystwo Psychologiczne wykazała ponadto, że słuchanie muzyki może prowadzić do stopniowego odprężenia oraz że słuchanie muzyki klasycznej przez godzinę dziennie zwiększa spójność mózgu i więcej czasu spędzonego w stanie alfa (stan świadomego odprężenia stymulujący wyobraźnię, intuicja i wyższa świadomość). Badania przeprowadzone na wcześniakach wykazały również, że podczas specjalnej opieki i kontaktu z muzyką klasyczną rozwijały się fizycznie i umysłowo znacznie szybciej niż te dzieci, które nie miały kontaktu z muzyką klasyczną. Dalsze badania wykazały również, że włączenie sztuki do akademickiej edukacji dzieci niepełnosprawnych lepiej wspiera rozwój poznawczy i poprawia umiejętności komunikacyjne.

Integracja przedmiotów artystycznych z programem zajęć

Jessica Davis przedstawia osiem różnych ram rozważań nad rolą sztuki w edukacji. Jej kategorie i metody są następujące:

Oparte na sztuce - sztuka jest podstawą uczenia się, zapewniając soczewkę, dzięki której uczniowie mogą zrozumieć inne przedmioty. Sztuka służy jako podstawowy próg ogólnej nauki.
Arts-Injected (lub Infused) – Sztuka jest „wstrzykiwana” z zewnątrz w celu wzbogacenia (np. okres muzyki, odwiedzający artyści itp.)
Arts-Included - Sztuka jest oferowana obok tradycyjnego programu nauczania, niekoniecznie w celach interdyscyplinarnych, ale raczej jako odrębny kierunek studiów.
Arts-Expansion - Sztuka to odkrywcza przygoda, która zabiera uczniów poza szkołę (np. wycieczki do muzeum, sali koncertowej itp.)
Arts-Professional - To podejście traktuje szkolenie artystyczne jako środek do kariery zawodowej w sztuce, a głównym celem jest przekształcenie uczniów w artystów.
Arts-Extras - Sztuka jest czasami oferowana jako dodatkowe zajęcie poza normalnym szkolnym programem nauczania (np. szkolna gazetka, pozaszkolne kluby taneczne itp.).
Edukacja artystyczna — nazywana przez niektórych edukacją estetyczną, podejście to wykorzystuje sztukę jako sposób poznawania, czyniąc swoje badania bardziej filozoficznymi w celu interpretacji i zastosowania do doświadczeń.
Arts-Cultura - Sztuka łączy „kulturę” poszczególnych uczniów z „kulturami” społeczności zbiorowej, z bardziej ustrukturyzowanymi „kulturami” rasowymi / narodowymi, z ostateczną „kulturą” uniwersalną. To dzięki tej wzajemnej zależności sztuka zachęca uczniów do podejmowania ryzyka, krytycznego myślenia i nadawania znaczenia.

Często trudno jest w pełni zintegrować sztukę z tradycyjnym nauczaniem w klasie w sposób, który pozwala na model kultura-sztuka. Wynika to w dużej mierze z rozdźwięku między nauczycielami plastyki a nauczycielami innych przedmiotów, którym nie daje się czasu ani możliwości koordynowania i przeplatania planów lekcji, które stosują sztukę do przedmiotów podstawowych i odwrotnie.

Integracja technologii artystycznych

Wraz z ciągłym postępem technologii integracja sztuki ewoluuje, aby dorównać. Wyzwanie związane z włączeniem sztuki do dzisiejszej edukacji opartej na technologii nie polega na wdrażaniu laboratoriów produkcyjnych w kampusach szkolnych ani na dostępie do najnowszego oprogramowania komputerowego, ale raczej na efektywnym zarządzaniu ogromną ilością informacji udostępnianych przez technologię. Uczniowie muszą nauczyć się wybierać odpowiednie dane, oceniać te dane i krytycznie z nich korzystać, aby nadać znaczenie, odpowiedzieć na pytania lub utworzyć nowe. Technologia zapewnia również więcej kanałów ekspresji, czy to poprzez sztukę cyfrową, czy sztuczną inteligencję, które, jeśli są wspierane przez integrację sztuki i technologii, mogą kultywować to i poszukiwanie, które jest mistrzem edukacji artystycznej.

Program Integracji Sztuki UNESCO

Organizacja Narodów Zjednoczonych do spraw Oświaty, Nauki i Kultury (UNESCO), specjalna agencja ONZ działająca z Paryża we Francji, opowiada się za potrzebą integracji sztuki, kultury i kreatywności na wszystkich platformach edukacyjnych na całym świecie. Program ten jest zgodny ze strukturą „Wysokiej jakości edukacji” i „Edukacji dla wszystkich” w celu wspierania metodologii promowania i ochrony różnorodności przejawów kulturowych. Na przykład UNESCO w Bangkoku podjęło inicjatywę podtrzymania działań badawczych związanych z edukacją artystyczną i wymiany informacji wraz ze studiami przypadków wśród edukatorów, artystów i innych interesariuszy w regionie Azji i Pacyfiku. Pierwszy międzynarodowy kongres poświęcony edukacji artystycznej odbył się w Seulu (Korea) w 2006 roku, a drugi w 2010 roku.

Wniosek

Ze względu na obecną recesję gospodarczą w wielu szkołach w całym kraju rezygnuje się z programów artystycznych na rzecz przedmiotów z podstawy programowej, takich jak język angielski, matematyka i nauki ścisłe. Pomimo braku widocznych i bezpiecznych możliwości pracy w sektorze artystycznym oraz pilnej potrzeby posiadania silnej siły roboczej w dziedzinach STEM (nauki ścisłe, technologia, inżynieria i matematyka), badania pokazują, że edukacja artystyczna ma kluczowe znaczenie w procesie uczenia się i rozwoju dzieci. W 2013 roku rezolucja Kongresu miała na celu włączenie „A” dla sztuki do akronimu STEM, zmieniając go na STEAM. Badania pokazują, że dzieci wystawione na edukację artystyczną przez całe dzieciństwo poprzez szkołę podstawową, średnią i wyższą wykazują lepsze wyniki w nauce, a także większy rozwój społeczny, kulturowy, emocjonalny i poznawczy. Niektóre z mierzonych ulepszeń to większa pewność siebie, umiejętności komunikacyjne, świadomość kulturowa i wrażliwość, a także większa stymulowana kreatywność i ogólne wyniki w nauce.

Zobacz też

Linki zewnętrzne