Jeana-Luca Moulene'a

Jean-Luc Moulène (ur. 1955) to francuski artysta współczesny mieszkający w Paryżu we Francji . Obejmując szeroką gamę mediów, takich jak fotografia, rysunek i rzeźba, praktyka Moulène'a bada relacje między systemami i porządkami. Moulène stwierdził, że zgadza się z pojęciem „rozdzielenia”, zgodnie z którym kieruje się zasadą rozbieżności jako sposobem na „znalezienie nowej wiedzy dialektycznej”. Interesuje się „symboliczną pozycją autora” i autorstwem; procesy produkcji, powtarzania i akumulacji; przestrzeń pracy i socjalna; oraz między innymi skrzyżowanie zaawansowanej technologii i współczesnej kultury materialnej. Moulène identyfikuje się jako „technicien libertaire” (samo życie jako technika), który w swojej pracy przekształca „proces percepcji jako cel estetyczny sam w sobie w taki, który obejmuje życie codzienne”.

Wczesne życie i kariera

Moulène rozpoczął studia artystyczne w 1972 roku w Académie des Beaux-Arts w Wersalu , gdzie zaprzyjaźnił się z artystą Michelem Journiacem . Journiac przedstawił Moulène artystom z Art Corporel , takim jak Gina Pane i Hermann Nitsch . Uzyskał tytuł licencjata ( 1978) i magistra (1979) na Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne . W 1983 Moulène rozpoczął Disjonctions/ (1983–99), wczesna seria sześćdziesięciu fotografii dokumentujących spokojne sceny uliczne. Yasmil Raymond zauważył, że Disjonctions „nadaje brak tożsamości i zgodności”, opierając się powszechności oczekiwanej od serii. W 1990 Moulène brał udział w wystawie De Afstand w Centrum Sztuki Współczesnej Witte de With w Rotterdamie, obok Andreasa Gursky'ego , Craigiego Horsfielda , Christophera Williamsa . Ta wystawa zachęciła praktykę Moulène'a do rozbieżności „pod względem metody produkcji” i ukształtowała jego kolejne serie.

Praca

Praca Moulène została opisana jako autorefleksyjny proces przesłuchania, który generuje wariacje; niepokój porządek; i wytwarza „pewność przez negację”. Moulène organizuje swoje prace w kategorie i podkategorie, ustanawiając dla siebie ontologiczne rozróżnienie i wskazując na swoje procesy produkcji oraz retorykę obrazów. Kilku filozofów, takich jak Reza Negarestani i Alain Badiou , pisało o Moulène, szczególnie w odniesieniu do abstrakcji. Negarestani napisał, że „jeśli abstrakcja w sztuce współczesnej jest częścią tej autorefleksyjnej historii, która przyczynia się do izolacji sztuki od innych dziedzin myśli i”, „to twórczość Moulène’a należy rozumieć jako autentyczną walkę z tym samozmiennym sekwestr." Nie zgadzając się z Negarestani, Badiou napisał, że istnieje „różnica między abstrakcją praktykowaną w naukach ścisłych a abstrakcją, która wchodzi w tworzenie dzieła sztuki”, a prace Moulène'a powracają „do oczywistości przedmiotu”.

Główne prace i serie

Dokumenty/ (1989-)

Dokumenty/ to dzieło rozpoczęte w 1989 roku z wyraźną narracją pierwszoosobową. Zawiera wielokrotne wizyty Moulène'a w określonym miejscu, systematyczną kompilację określonej kolekcji przedmiotów oraz nabywanie wytworzonych produktów. Corinne Diserens opisała tę serię jako „obalenie nawyków i kodów czytania”, które wywołują obrazy. Pod koniec lat 90. Moulène jednocześnie rozpoczął pracę nad różnymi seriami i uporządkował obrazy w podgrupy w ramach szerszej kategorii Dokumenty/ . Zawarte w tym są:

• Objets de grève (39 obiektów uderzeniowych) (1999-2000): jest to seria fotografii dokumentujących produkty wytwarzane przez strajkujących francuskich robotników przemysłowych i sprzedawane na czarnym rynku w celu sfinansowania ich sprawy. Na przykład „Bleu Gauloises bleues” (2000) przedstawia papierosa Gauloises z napisem: „Papierosy wyprodukowane przez spornych pracowników”. Ponadto zdjęcia Moulène'a zawierają zastrzeżenie, w którym zauważa, że ​​​​nie są one autorstwa Moulène'a, ale po prostu „uwidocznione przez niego”. Podkreśla to walkę o władzę w tworzeniu dzieł sztuki i postprodukcji, a także zwraca uwagę na zainteresowanie artysty „warunkami społecznymi, w jakich artysta i robotnik funkcjonują we współczesnym świecie”.
• Produits de Palestine (2004-2005): to seria fotografii dokumentujących produkty wytwarzane na okupowanych terytoriach Strefy Gazy i Zachodniego Brzegu i oznaczone jako palestyńskie. Ze względu na sankcje obiekty nie mogą krążyć po świecie „tak, jak teraz krążą jako fotografie”. Flash Art zauważył, że prace Moulène'a „niosą dziwną formę tautologii u podstaw ich istnienia… Chociaż„ nie produkują ”przedmiotów, niemniej jednak robotnicy je wyprodukowali, więc znaczniki zatrzymania muszą być przekazywane innymi środkami ”.

Opus (1995-)

W połowie lat 90. Moulène zainicjował równoległy projekt składający się z trójwymiarowych obiektów i nazwał je „Opus”. W tej serii Moulène bada materiały — zarówno produkowane, jak i znalezione, przemysłowe i organiczne. Te dzieła, w tym brąz, cement, tytoń i drewno, są identyfikowane za pomocą tytułu, a także miasta, miesiąca i roku, w którym zostały wykonane. O podwójnej praktyce Moulène'a w fotografii i trójwymiarowych obiektach Nathalie Delbard napisała, że ​​Moulène modyfikuje „reżim estetyczny, do którego należy każdy z nich, aby odsłonić jego ukryte struktury”. Podzbiory w ramach „Opus” są pod wpływem topologii oraz struktur i teorii matematycznych , z naciskiem na protokół i transformację. Szczególnie ważna jest teoria węzłów , którą Moulène uważa za „narzędzia do opisu złożoności”.

Dwie twarze (2016)

W 2016 roku, w ramach retrospektywy Jean-Luc Moulène w Centre Pompidou, Moulène stworzył trzydzieści dwie nowe prace, z których jedną była Bi-Face (2016), duża rzeźba z powlekanej i malowanej twardej pianki. Bez widocznych spoin, pęknięć i śladów obróbki Bi-Face został zaprezentowany na podłodze. W magazynie Burlington , Luke Naessens opisuje prezentację jako „minimalistyczną dosłowność”, która „była bardzo w fizycznej przestrzeni odwiedzającego”. Dalej zauważa, że ​​​​praca bada rozmycie „materiału i wyobrażenia, seksualności i mechaniki, cielesności i abstrakcji”.

Mniej więcej kość (formalna optymalizacja topologiczna) (2018-2019)

W 2019 roku Moulène miał swoją pierwszą wystawę instytucjonalną w Ameryce Północnej od 2011 roku w SculptureCenter . Na wystawie Moulène zaprezentował premierę More or Less Bone (formalna optymalizacja topologiczna ), monumentalne nowe dzieło z włókna szklanego i farby epoksydowej. W ramach pracy Moulène współpracował z inżynierami z Aerospace Valley we Francji z doświadczeniem w optymalizacji formalnej - kiedy forma obiektu jest zdefiniowana, proces, który identyfikuje „najbardziej wydajne, najmniej marnotrawne” rozwiązanie w ramach zestawu zmiennych. Moulène zaproponował stworzenie zoptymalizowanej formy łączącej kulę, spiralne schody i kostkę; on i inżynierowie następnie „manipulowali formą tego„ obiektu połączenia ”, aby uwzględnić ustaloną objętość, skalę, grawitację ziemską, właściwości materiału włókna szklanego i warunki środowiskowe”. Mark Bechtel zauważa, że ​​mniej lub bardziej kości jest „wywodzący się ze zmiennego związku, który jest równoważny we wszystkich swoich odmianach pod względem topologicznym”, telegrafując „nieograniczone możliwości, pozornie pozostając pod absolutną kontrolą”.

Wystawy

Prace Moulène były wystawiane na Biennale w Wenecji (2019, 2003); Biennale w Tajpej (2016 i 2004); Biennale w Szardży (2010); I Międzynarodowe Biennale Obrazu (Laos, 2007); w Sao Paulo (2002); i Documenta X (1997). Indywidualne wystawy prac Moulène odbyły się w SculptureCenter w Nowym Jorku (2019); Galeria Miguela Abreu (2019, 2017 i 2014); Centre d'art contemporain, Delme (2018); Fondation d'enterprise Hermes, Bruksela (2018); Secesja , Wiedeń (2017); Centrum Pompidou , Paryż (2016-2017); Willa Medici , Rzym (2015); Kunstverein Hannover (2014); Dia: Beacon , Nowy Jork (2012); Carré d'art-Musée d'art contemporain, Nîmes (2009); Culturegest, Lizbona (2007); Musée du Louvre , Paryż (2005); i Centre d'Art Contemporain de Genève (2003). Prace Moulène były prezentowane na wystawach zbiorowych w MoMA PS1 (Nowy Jork); École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris ; Centre de la photographie Genève, Miejski Ośrodek Sztuki (Gorzów, Polska); SMAK (Gandawa, Belgia); MMOMA (Moskwa); Secesja (Wiedeń); Museo Tamayo (Meksyk); Muzeum Guggenheima w Bilbao ; Palais de Tokyo (Paryż), Punta Della Dogana – Palazzo Grassi (Wenecja); Witte de With (Rotterdam), ARC / Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris; Le Magasin (Grenoble); Muzeum Sztuki w Jokohamie ; Triennale w Mediolanie ; Instytut Sztuki Współczesnej KW (Berlin); Muzeum Ludwiga (Kolonia); De Appel (Amsterdam); Landesmuseum Joanneum GmbH Kunsthaus (Graz); Centrum Pompidou (Paryż); Kunstverein Nürnberg i gdzie indziej.

Monografie

• Jean-Luc Moulène Dessins/Drawings 1977-2016 (Dijon: Les Presses Du Reel, 2018)
• Jean-Luc Moulène: Breves, 2017 (Wiedeń: Secesja/Revolver Press, 2017)
• Jean-Luc Moulène (Paryż: Centre Pompidou/Editions Dilecta, 2016)
• Jean-Luc Moulène: Dokumenty, 1999-2016 (Nowy Jork: Sequence Press, 2016)
• 39 obiektów strajkowych: 1999-2000 (Nowy Jork: Sequence Press, 2016)
• Jean-Luc Moulène: Disjonctions / Opus & Documents / Il Était Une Fois (Wiedeń: Verlag Für Moderne Kunst, 2014)
• 48 produktów palestyńskich (Berlin: PhotoCairo3, 2007)
• Opus + One (New Haven: Yale University Press i Dia Art Foundation, 2012)
• Jean-Luc Moulène (Kolonia: Walther König, 2009)
• Berlin (Gottingene: Steidel, 2000)
• Zeznanie. Jean-Luc Moulène 1997 (Paryż: Paris Musées, 1998)

Inne teksty dotyczące jego twórczości to Matter and Form: Self-evidence and Surprise: On Jean-Luc Moulène's Objects autorstwa Alaina Badiou (Sequence Press, 2019) oraz Torture Concrete: Jean-Luc Moulène and the Protocol of Abstraction autorstwa Rezy Negarestani (Sequence Press , 2014).

Kolekcje

Prace Moulène znajdują się w zbiorach Museum of Modern Art (Nowy Jork); Tate (Londyn); Muzeum Sztuki Współczesnej (Los Angeles); Kolekcja Pinault ; Fundacja Dia Art (Nowy Jork); Musée de l'art moderne de la ville de Paris ; Fundacja Sztuki Kadist (Paryż); Musée d'Art Moderne et Contemporain (Strasburg, Francja); oraz Centre National des Arts Plastiques (Paryż).