Marii Orweny
Mary Orwen | |
|---|---|
 Mary Orwen w 1959 roku (Galeria Jefferson Place)
| |
| Urodzić się |
Mabel Claflin Ryan
11 sierpnia 1913 |
| Zmarł | 9 października 2005 w wieku 92) ( 09.10.2005 ) |
| Miejsce odpoczynku | Cmentarz Mount Hope w Rochester |
| Znany z | Artysta, nauczyciel plastyki |
Mary Orwen (1913–2005) była amerykańską artystką znaną z obrazów, które wydawały się całkowicie abstrakcyjne, ale zwykle inspirowane były przedmiotami ze świata przyrody. Jej celem, jak to ujęła, było „znalezienie echa w widzialnym świecie porządku, który, jak czuję, istnieje pod złożonością życia”. Większość swojej kariery spędziła na malarstwie i nauczaniu sztuki w Waszyngtonie i okolicach oraz była głównym współzałożycielem spółdzielni artystycznej o nazwie Jefferson Place Gallery , którą jeden z krytyków nazwał „galerią poważnej pracy twórczej o postępowym charakterze” i która, jak powiedział Orwen, pokaże, że miasto nie było tylko prowincjonalnym zaściankiem.
Wczesne życie i edukacja
Wychowana na Brooklynie, Orwen uczęszczała do Packer Collegiate Institute w Brooklyn Heights , a następnie do Mount Holyoke College, które ukończyła w 1935 roku. W latach 1935-1937 brała udział w zajęciach artystycznych w Art Students League , gdzie studiowała u Reginalda Marsha , Harry'ego Sternberga i Williama Zoracha . Następnie studiowała w The New School , gdzie uczyła się u Camilo Egasa . Większość 1937 roku spędziła na studiowaniu fresków i malarstwa w Instytucie im Uniwersytet we Florencji . W ciągu następnych dwóch lat otrzymała dwa stypendia od Fundacji Guggenheima , aby zajmować się malarstwem abstrakcyjnym , które wówczas nazywano sztuką nieobiektywną .
Kariera w sztuce
Wschodząca artystka w Nowym Jorku w 1939 roku, zainteresowanie Orweny emocjami związanymi z nieobiektywnym malarstwem przekonało ją do porzucenia wszelkiej innej sztuki. Jej prace zwróciły uwagę Hilli Rebay, założycielki Muzeum Malarstwa Nieobiektywnego (obecnie Muzeum Solomona R. Guggenheima), w którym Orwen ostatecznie wystawiała w 1940 i 1942 roku.
Oświadczenie kuratorki wystawy „Mary Orwen: Women of Jefferson Place Gallery”, która odbyła się w dniach 6 czerwca – 30 sierpnia 2019 r.
W latach 1940, 1941 i 1942 Orwen brał udział w wystawach organizowanych w Muzeum Malarstwa Nieobiektywnego (poprzednik Muzeum Guggenheima ) . We wczesnych latach wojny nadal malowała, a później została zatrudniona jako analityk ekonomiczny w Departamencie Wojny . W tym okresie dzieliła swój czas między Waszyngton, DC i dom rodziców w Westport, Connecticut . Po ślubie z Giffordem P. Orwenem przeniosła się do Waszyngtonu, gdzie wówczas pracował dla Departamentu Stanu. W ciągu kilku miesięcy od przyjazdu została współpracownikiem w dziale artystycznym przy ul American University , wówczas uważany (jak stwierdził ówczesny krytyk) „głównym ośrodkiem eksperymentalnym sztuk wizualnych w Waszyngtonie”. Wraz z trzynastoma innymi współpracownikami działu artystycznego wzięła udział w wystawie w miejskim Klubie Narodów Zjednoczonych we wrześniu 1948 roku. W maju następnego roku zdobyła pierwszą nagrodę i została nazwana „Artystką Jutra” na wystawie w Whyte Gallery w Waszyngtonie, DC, aw listopadzie zdobył nagrodę na wystawie artystów z okolic Waszyngtonu w Corcoran Gallery of Art . W 1950 roku dostała indywidualną wystawę w galerii waszyngtońskiego teatru Dupont. Na swojej pierwszej indywidualnej wystawie pokazała siedemnaście obrazów olejnych, gwaszowych, temperowych i tuszowych. Rok później pokazała się wraz z czternastoma innymi malarzami na wystawie w Whyte Gallery i ponownie zdobyła nagrodę na wystawie lokalnych artystów w Corcoran, tym razem drugą nagrodę za rysunek. Została nazwana „Artist of Tomorrow” W 1952 roku brała udział w wystawach zbiorowych w Baltimore Museum of Art , galerii Dupont Theatre i National Museum of Natural History , ten ostatni był sponsorowany przez Society of Washington Artists. Rok 1953 okazał się dla niej niezwykle pracowity. Brała udział w wystawach zbiorowych w galerii Dupont Theatre, galerii Garden Gate w Georgetown i miała indywidualną wystawę w Watkins Gallery of American University.
W ciągu następnych kilku lat obrazy Orweny nadal pojawiały się na wystawach zbiorowych w waszyngtońskich galeriach, w tym Watkins Gallery (1955), Playhouse Gallery (1955, 1958)), Corcoran Gallery (1955) i Franz Bader Gallery (1956). Brała także nagrody na wystawach organizowanych przez Towarzystwo Artystów Waszyngtońskich w 1956 i 1957 roku.
W ostatnim roku dołączyła do czterech innych artystów z okolicy i administratora sztuki, aby założyć spółdzielczą galerię sztuki. Oprócz Orwena założycielami byli William Calfee, Robert Gates , Helene McKinsey , Ben Summerford i Alice Denney . Wszyscy czterej artyści byli związani z wydziałem sztuki Uniwersytetu Amerykańskiego. Denney był tam studentem, ale zdecydował się zostać promotorem sztuki, a nie artystą. Została dyrektorem galerii i agentem artystów. Orwen i Denney podpisali umowę najmu, a cała piątka podpisała umowę na finansowanie projektu. Założyciele zaprosili innych artystów z okolicy do przyłączenia się do projektu, w tym Lothara Brabansky'ego, Colina Greenly'ego, Kenneth Noland , George Bayliss i Shelby Shackleford. W ciągu następnych pięciu lat Orwen wziął udział w trzech wystawach indywidualnych i siedemnastu zbiorowych w galerii. W 1958 roku „Evening Star” nazwał galerię miejscem „poważnej pracy twórczej o postępowym charakterze”. Tamtejsze eksponaty Orwena spotkały się z uznaniem krytyków i przyciągnęły kupujących.
W 1961 roku Orwen i jej rodzina przeprowadzili się do Wirginii Zachodniej, a ona, wówczas instruktorka sztuki w Bethany College , uczestniczyła w wystawie z dwunastoma innymi nauczycielami sztuki w Grove City College w pobliskiej Pensylwanii. Pomimo przeprowadzki nadal wystawiała w Jefferson Place Gallery (solo w 1967) oraz w Baltimore Museum of Art (w dużym przeglądzie zatytułowanym „Twenty Years of Washington Art” w 1970). Niedługo po przeprowadzce do Wirginii Zachodniej Orwen i jej rodzina przeprowadzili się ponownie, tym razem do Geneseo w stanie Nowy Jork , i zaczęła pokazywać w tej okolicy, zaczynając od pokazu na dorocznej wystawie sztuki Zachodniego Nowego Jorku, która odbyła się w marcu 1964 roku w Galerii Sztuki Albright – Knox . Tam jej obraz zatytułowany „Pieśń morska nr 4” był jednym z wielu nagrodzonych. W ciągu następnych dwudziestu pięciu lat brała udział w wystawach zbiorowych i indywidualnych w galeriach handlowych, a także muzeach i innych organizacjach non-profit w regionie Rochester. Godne uwagi wystawy obejmują wystawy indywidualne w Oxford Gallery w Rochester (1974), Rochester Branch of the American Association of University Women (1983) oraz Arts and Cultural Council for Greater Rochester (1991). W 1978 roku Watkins Gallery of American University zorganizowała jej indywidualną wystawę. W następnym roku iw 2001 brała udział w wystawach zbiorowych w nowojorskich galeriach handlowych (David Findlay, 1999 i Gary Snyder, 2001). W 2019 roku Cody Gallery, Marymount University zaprezentował wystawę malarstwa Orwena. Pokaz był drugim z serii o nazwie „Kobiety z Galerii Jefferson Place”. Inni w serii to Jennie Lea Knight i Hilda Thorpe . Widoki instalacji z wystawy Orwen pokazano powyżej.
Orwen zmarł w domu 14 października 2005 roku.
Instruktor sztuki
W latach 1952-1959 Orwen zajmowała stanowisko nauczyciela w prywatnym college'u dla kobiet w Waszyngtonie o nazwie Mount Vernon Seminary iw tym czasie prowadziła co najmniej jedną letnią sesję na wydziale sztuki na Uniwersytecie Amerykańskim. Po przeprowadzce do Wirginii Zachodniej na początku lat 60. uczyła w Bethany College , koedukacyjnej szkole sztuk wyzwolonych w mieście o tej nazwie. W 1962 roku, po tym jak wraz z rodziną przeprowadziła się do Geneseo w stanie Nowy Jork , uczyła malarstwa w University of Rochester Memorial Art Gallery oraz projektowania w Rochester Institute of Technology . Od 1973 do 1980 wykładała również na Uniwersytecie Stanowym Nowego Jorku w Geneseo . Karierę pedagogiczną zakończyła w 1983 roku, kiedy przeszła na emeryturę ze stanowiska w Galerii Sztuki Memoriał.
Styl artystyczny
Moje obrazy wyrastają z pragnienia odnalezienia w widzialnym świecie echa porządku, który w moim odczuciu istnieje pod złożonością życia. Chciałbym przełożyć na formę organiczną wrażenia przestrzenne, które zdają się sugerować ten wewnętrzny rytm. Dla mnie te odczucia są bardziej widoczne w napięciu i ruchu między formami i kolorami niż w analizie samej formy. W tej pogoni kula farby, kropla, plama koloru są legalnymi narzędziami.
Mary Orwen, katalog wystawy, Jefferson Place Gallery, wystawa członków, kwiecień 1959.
W miesiącach letnich 1939 r. strony artystyczne The New York Times zawierały artykuły i listy do redaktora na temat tego, co zaczęto nazywać nieobiektywnymi kontrowersjami dotyczącymi sztuki. Debata dotyczyła zarówno terminologii, jak i estetyki. Pisarze dyskutowali o tym, jak nieobiektywne obrazy różnią się od innych dzieł abstrakcyjnych. Zastanawiali się, czy nieobiektywna sztuka może oddziaływać na widza tak, jak muzyka oddziałuje na słuchacza, i pytali, czy może przekazywać ruch. Próbując podsumować, redaktor artystyczny Timesa , Edward Alden Jewell , powiedział, że sztuka abstrakcyjna odnosiła się do przedmiotów w świecie przyrody, podczas gdy sztuka nieobiektywna nie. Powiedział, że istnieją dwa rodzaje sztuki nieobiektywnej, jedna ściśle geometryczna i pozbawiona treści emocjonalnej, a druga liryczna i ekspresyjna. Utrzymywał, że sztuka nieobiektywna może być „wysoce pomysłowa” i piękna, jednak odrzucił dwa twierdzenia kuratora Muzeum Guggenheima ( zwanego wówczas Muzeum Malarstwa Nieobiektywnego), Hilli Rebay , po pierwsze, że sztuka przedstawiająca była „względna”, podczas gdy nieobiektywne były „absolutne”, a po drugie, że celem sztuki nieobiektywnej było wyrażenie „kosmicznego rytmu” i „poczucia duchowości”.
Orwen był jednym z artystów, którzy przyczynili się do tej dyskusji. Jako stypendysta Guggenheima w 1939 roku, Orwen bez wątpienia znał poglądy Rebaya. W swoim liście do Timesa na ten temat skupiła się na wyrazistości malarstwa nieobiektywnego. Powiedziała: „Kiedy zaczęłam malować nieobiektywnie, byłam naturalnie zainteresowana przeczytaniem waszych opinii na ten temat. Nigdy nie byłam bardziej zaskoczona niż stwierdzenie, że jedyną rzeczą, której według ciebie brakowało, były emocje, które dla mnie są jedyną rzeczą, ma tak wiele i powód, dla którego zrezygnowałem z innej sztuki”.
Najwcześniejsze obrazy Orwena były nieobiektywne zgodnie z definicją lirycznej i ekspresyjnej sztuki nieobiektywnej Jewella. „Pierwsza faza (1939, pokazana powyżej, nr 1) jest przykładem. Jednak jej dojrzały styl był, według definicji Jewell, abstrakcyjny. Prawie wszystkie jej obrazy były abstrakcyjnymi przedstawieniami świata przyrody. W 1953 roku krytyk The Washington Post powiedziała, że jej dojrzały styl znajdował się na „pograniczu półabstrakcji i abstrakcji”, dodając, że „Obrazy na pierwszy rzut oka wydają się niereprezentatywne, ale bliższe przyjrzenie się ujawnia jasno zaprojektowaną tematykę, a praca kończy się najbardziej naturalistyczną ekspresją, w ramach bardzo osobista, raczej amorficzna technika”. Przy innej okazji krytyk ten napisał: „W szczególności Mary Orwen rozwinęła osobiste podejście, stosując mgliste, amorficzne traktowanie abstrakcyjnych form, które po poznaniu tytułu obrazu przekształcają się w intymne małe sceny domowe”. Inny krytyk powiedział, że jej obrazy mogą na pierwszy rzut oka wydawać się nieobiektywne, ale dodał: „jeśli odwiedzający przyjrzy się im uważnie, będzie w stanie rozróżnić tematy mgliście, jak przez mgłę”. Przykłady obrazów, które po bliższym przyjrzeniu ujawniają ich temat, obejmują „Waterfront” (około 1950 r., pokazany powyżej, nr 2), obraz bez tytułu z 1958 r. (pokazany powyżej, nr 3) i „Burnam Wood” (około 1960 r., pokazany powyżej, #4).
W 1956 roku jeden z krytyków nazwał jej obrazy „abstrakcjami plam barwnych”, a rok później inny nazwał je „ taszystowskimi impresjami kolorystycznymi”. Wyjaśniając swoją technikę w 1959 roku, Orwen powiedziała, że starała się przekazać rytmiczne wzorce, które istnieją „pod złożonością życia”. Za pomocą „kulki farby, kropli, plamy koloru” miała na celu przedstawienie „doznań przestrzeni” („napięcia i ruchu między formami i kolorami”). W tym czasie wykorzystała również cytat Henriego Matisse'a przekazać jej poszukiwanie „istotnego charakteru” jej tematów, aby dać „trwałą interpretację” za pomocą jej obrazów.
W trakcie swojej kariery Orwen pracowała w technice olejnej, akwareli, gwaszu, tempery, tuszu i akrylu. Użyła pędzla, noża impastowego i pióra. Tworzyła także kolaże.
Życie osobiste i rodzina
Orwen urodziła się w Nowym Jorku 11 sierpnia 1913 roku. Nazywała się Mabel Claflin Ryan. Jej rodzicami byli Edgar Edwin Ryan (1882–1952) i Alice Clarkson Ryan (ur. 1886). Egar Ryan był odnoszącym sukcesy kupcem, sprzedawcą obuwia, który został prezesem sieci sklepów obuwniczych. Alice Ryan była aktywna w różnego rodzaju wydarzeniach obywatelskich, o których informowano na stronach społeczności lokalnych gazet. Orwen miał młodszych braci bliźniaków, Davida i Donalda, urodzonych w 1930 roku.
W czasie II wojny światowej była zatrudniona jako analityk ekonomiczny w wydziale wywiadu Departamentu Wojny. W 1947 roku wyszła za mąż za Gifforda P. Orwena (1909–1997), który wówczas pracował w Departamencie Stanu iw czasie wojny służył w wywiadzie wojskowym. Gifford pochodził z Rochester w stanie Nowy Jork. Kształcił się na Uniwersytecie w Rochester, Cornell University , odbył badania podoktoranckie na Uniwersytecie w Perugii i Uniwersytecie w Strasburgu . Uczył języków romańskich w Cornell przed II wojną światową, a po odbyciu służby w wywiadzie wojskowym i Departamencie Stanu uczył rosyjskiego w Bethany College. Karierę zakończył na State University of New York w Geneseo jako kierownik katedry języków obcych. Para miała jednego syna, Michaela, urodzonego w 1951 roku.
Inne użyte imiona
Nazywała się Mabel Ryan aż do czasu, gdy ukończyła Mount Holyoke w 1935 roku. Kiedy wróciła z podróży do Europy w 1937 roku, podała swoje imię jako Mary Ryan.