Sue Fuller

Sue Fuller
Urodzić się	( 11.08.1914 ) 11 sierpnia 1914 Pittsburgh w Pensylwanii
Zmarł	19 kwietnia 2006 ( w wieku 91–92) ( 19.04.2006 ) Southampton , Nowy Jork
Narodowość	amerykański
Edukacja	Instytut Technologii Carnegie
Znany z	rzeźba, grafika
Nagrody	Nagroda za zasługi dla absolwentów Uniwersytetu Carnegie Mellon 1974 Klub Kobiet za Honor Sztuki 1986

Sue Fuller (11 sierpnia 1914 - 19 kwietnia 2006) była amerykańską rzeźbiarką, rysownikiem, autorką, nauczycielką i grafiką, która tworzyła trójwymiarowe dzieła z nicią. Była uczennicą Hansa Hofmanna w 1934 r., Stanleya Haytera w 1943 r. i Josefa Albersa w 1944 r. Otrzymała nagrodę Alumni Merit Award przyznaną przez Carnegie Mellon University w 1974 r. oraz nagrodę za całokształt twórczości przyznaną przez Women's Caucus for Art Sue Fuller, zapalona miłośniczka sztuki współczesnej, rozpoczęła karierę jako grafik, a następnie wykorzystała niektóre techniki, z którymi eksperymentowała, do opracowania oryginalnej formy rzeźby.

Wczesne życie

Fuller urodził się i wychował w Pittsburghu w Pensylwanii. Jej ojciec był inżynierem, który pomagał projektować mosty. Jej matka pracowała w domu, ciągle robiąc na drutach i szydełku. Fuller stwierdziła, że ​​ze względu na matkę od dzieciństwa czuła, że ​​jest jej przeznaczone, aby pewnego dnia pracować z nitkami. Dzięki pracy matki Fuller miała dostęp do mnóstwa wątków. „Były tak cudowne, że [ona] nie mogła pozwolić, żeby się zmarnowały”. Jako dziecko Sue Fuller towarzyszyła rodzicom w Carnegie Institute of Technology, gdzie była pod wrażeniem sztuki współczesnej z całego świata. W szkole średniej Fuller spędził lato malując w Ernest Thurn School of Art w Gloucester w stanie Massachusetts. To właśnie tam poznała sztukę współczesną. W 1932 roku Fuller zapisał się do Carnegie Institute of Technology , gdzie studiowała pod okiem artysty regionalisty Joe Jonesa . W 1934 wróciła do szkoły Ernesta Thurna, aby pracować pod kierunkiem Hansa Hofmanna . W 1937 Fuller zapisał się na studia magisterskie w Kolegium Nauczycielskim Uniwersytetu Columbia. W tym samym roku Fuller udała się do Europy, gdzie zobaczyła wystawę sztuki zdegenerowanej w Monachium .

Kariera

W 1943 roku Fuller rozpoczął pracę w warsztacie graficznym Atelier 17 prowadzonym przez Stanleya Williama Haytera , produkując grafiki dla takich artystów, jak André Masson i Marc Chagall . W tym czasie uczyła także dzieci w Muzeum Sztuki Nowoczesnej . Pracując w MoMA, Fuller studiował pod okiem Josefa Albersa, ucząc się wielu technik, takich jak techniki Bauhausu, tworzenie kolaży w druku i eksperymentalne tkanie. Albers wywarł ogromny wpływ na Fullera, interesując się złudzeniami optycznymi tworzonymi przez różne kolory i abstrakcję geometryczną. Pracując z nowymi materiałami, ożywiła pracę igłą i nitką, którą rozpoczęła w dzieciństwie. Ryciny z tego okresu, jak np. Kakofonia (1944), charakteryzują się wykorzystaniem koronki i sznurka jako techniki druku wypukłego. W 1944 roku pięć grafik Fullera znalazło się na wystawie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej „Hayter and Studio: New Directions in Gravure”. W 1945 roku Fuller stworzyła swoją najbardziej znaną grafikę, półabstrakcyjną, miękko szlifowaną akwafortę zatytułowaną Kura. Fuller znalazł się także w selekcji grafik do wystawy „Sztuka nowoczesna w Stanach Zjednoczonych”, której otwarcie odbyło się w Tate Gallery w Londynie w 1956 roku.

W 1949 roku Fuller zaczęła tworzyć abstrakcyjne kompozycje smyczkowe, które stały się jej znakiem rozpoznawczym i została sfotografowana z jedną z tych dużych konstrukcji dla Life czasopismo. Twórczość Fuller powiązała jej abstrakcyjne projekty na sznurku z tradycją kociej kołyski, czyli figurki ze sznurka. W marcu 1949 r. Fuller miała swoją pierwszą wystawę w Galerii Bertha Shaefer, gdzie wystawiała do 1969 r. Na początku lat pięćdziesiątych względy konserwatorskie skłoniły Fuller do podjęcia „nieustannych poszukiwań stałej palety kolorów nici”, która skłoniło artystę do przejścia od włókien naturalnych na rzecz syntetycznych monofilamentów. W 1951 roku wystawiła kilka kompozycji smyczkowych w Corcoran Museum of Art i została włączona do wystawy w Muzeum Sztuki Nowoczesnej „Malarstwo i rzeźba abstrakcyjna w Ameryce”. W 1954 roku Whitney Museum of American Art nabyło Fullera Kompozycja smyczkowa nr 51 , a rok później Metropolitan Museum of Art nabyło jej Kompozycję smyczkową nr 50 . Fuller wystawiała także swoje prace w Smithsonian w Waszyngtonie. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku otrzymywała stypendia od Fundacji Guggenheima i Tiffany'ego oraz stypendium Narodowego Instytutu Sztuki i Literatury.

zawarte na wystawie The Responsive Eye w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1963 roku, zaczęto później wiązać z ruchem op-artu, który ta wystawa pomogła promować. Fuller otrzymała ankietę w połowie kariery zawodowej w Instytucie Sztuki Marion Koogler McNay w 1967 r.; wystawa ta zgromadziła prawie 100 jej prac. Fuller była jedną z pierwszych artystek, które zastosowały technikę zatapiania swoich projektów w żywicy plastycznej, tak aby „kompozycja wydawała się unosić w przezroczystym medium”. proces, na który artystka uzyskała patent w 1969 roku. Technikę tę określiła mianem „wrzucania bananów w galaretkę”. Choć urodziła się na początku XX wieku, jej kariera rozpoczęła się po trzydziestce. Wydaje się, że prace Sue Fuller wskazują na XXI wiek, jak stwierdziła w 1965 roku po wystawie w Bostonie: „Trasa trajektorii na Księżyc lub na orbicie wokół Marsa to rysunek linii. Przezroczystość, wyważenie i precyzja to estetyka kojarzona z tego typu grafiką. Moja twórczość w zakresie liniowego postępu geometrycznego to wizualna poezja nieskończoności w epoce kosmicznej.”

Proces

Ulubionym medium Fuller była struna, czy to używana w konstrukcjach trójwymiarowych, czy też opatrzona liczbami i osadzona w plastiku (proces, który opatentowała w latach 60. XX wieku). Eksperymenty z podłożem i teksturą płytek wklęsłych pozwoliły jej nauczyć się tworzenia koronek, co ostatecznie doprowadziło ją do sznurka. Studiowała także szklarstwo i kaligrafię. Studiowanie tych materiałów skłoniło ją do opracowania metody osadzania delikatnych nici w plastiku.

Pisma

Oprócz tekstów na temat własnej praktyki artystycznej Fuller opublikowała kilka innych esejów na temat sztuki i kultury. W 1943 roku Fuller napisał artykuł dla Design, w którym badał wartość edukacji artystycznej w czasie wojny. W 1950 roku opublikowała artykuł o innej artystce urodzonej w Pittsburghu, Mary Cassatt, w czasopiśmie Magazine of Art .

Fuller wysłał listy do przyjaciółki, Florence Forst. Wiele z tych listów zawierało zdjęcia, komunikaty prasowe, plakaty wystaw, ogłoszenia i broszury o wystawach, katalogi wystaw i dzieł sztuki, notatki, artykuły, wycinki z gazet, biografie i chronologię, kartki świąteczne i pocztówki oraz szkice piórem i tuszem.

Listy odnoszą się do dzieł sztuki Fullera; jej podróże do Iraku i Iranu w 1977 r.; wystawy w Muzeach Guggenheima i Brooklynie w 1978; oraz poglądy Fullera dotyczące wartości estetycznych i wystaw Henriego Matisse'a, Pabla Picassa, Roberta Motherwella, Ada Reinhardta i innych. Motywy przewodnie większości jej korespondencji dotyczyły feminizmu i artystek feministycznych Cindy Nemser, organizacji feministycznych, takich jak „Guerrilla Girls” oraz pism Lindy Nochlin. Inne poruszane tematy obejmują Bauhaus, Muzeum Sztuki Nowoczesnej i College Art Association.