Waichi Tsutaka

Waichi Tsutaka (津高和一, Tsutaka Waichi, 1 listopada 1911 w Osace - 17 stycznia 1995 w Nishinomiya ) był japońskim artystą wizualnym, znanym głównie jako malarz i poeta.

Tsutaka został uznany za jednego z czołowych powojennych japońskich malarzy abstrakcyjnych za swoje obrazy kaligraficzne , które eksplorowały formalną, tekstową i materialną różnorodność linii. Tworzył także obrazy tuszem, akwarele, rysunki, litografie, płyty ceramiczne, rzeźby w kamieniu, kolaże i ilustracje do publikacji, a także wiersze, eseje i artykuły o sztuce oraz recenzje wystaw.

Tsutaka był wpływową postacią w życiu kulturalnym regionu Hanshin , żywotnie zaangażowanym w grupy artystów i platformy wymiany międzygatunkowej, w edukację artystyczną oraz w projekty artystyczne i wystawy plenerowe, których celem było przełamanie podziału między sztuką a ( życia codziennego, udostępnianie sztuki szerszej publiczności oraz wspieranie dialogu poprzez sztukę.

Biografia

Wczesne życie

Urodzony w 1911 roku w Osace jako syn handlarza ryżem, Tsutaka został adoptowany przez swojego starszego przyrodniego brata i przeniósł się do Nishinomiya w 1914 roku po bankructwie ojca. W młodości Tsutaka interesował się literaturą i poezją. Zaciągnął się i służył w wojsku od 1932 do 1933. W 1937 wstąpił do kręgu surrealistycznych poetów Kōbe Shijin (Kobe Poeta), który w 1940 stał się celem antykomunistycznych prześladowań w Japonii. Na mocy przepisów ustawy o ochronie bezpieczeństwa publicznego, w tzw. Kobe Poet Incident kilku członków zostało aresztowanych i przesłuchanych pod zarzutem podważania porządku politycznego i społecznego. Tsutaka uniknął prześladowań, ale zdał sobie sprawę, że poezja jako forma werbalnej ekspresji może być postrzegana jako niebezpieczna politycznie. W 1939 roku rozpoczął studia malarskie w Nakanoshima Yōga Kenkyūjo (Nakanoshima Institute of Western Painting), prywatnej szkole artystycznej w Osace, a także krótko pracował dla Japońskiego Czerwonego Krzyża. W 1940 Tsutaka został ponownie powołany do wojska, aw 1941 został wysłany do Mandżurii. W 1943 wrócił do Japonii.

1946–1960: Powojenna kariera i zaangażowanie interdyscyplinarne

W 1946 roku Tsutaka dołączył do awangardowej grupy dyskusyjnej Kai Variete (Towarzystwo Varieté) i zaczął uczestniczyć w corocznej wystawie Kōdō Bijutsu Kyōkai (Stowarzyszenie Sztuki Akcji, powszechnie znanej jako Kōdō), której został członkiem jury. oficjalnym członkiem w 1952 r. Został współpracownikiem magazynów poetyckich Hi no tori (Fire Bird) w 1947 r. i Tenbin (Scale) w 1950 r. i nadal angażował się w wymianę interdyscyplinarną. Stał się ważnym członkiem Gendai Bijutsu Kondankai (Grupa Dyskusyjna o Sztuki Współczesnej, powszechnie znana jako Genbi), która została założona w 1952 roku przez Jirō Yoshiharę , Kokuta Suda i innych jako forum swobodnej, interdyscyplinarnej wymiany między artystami, krytykami i naukowcami z regionu Kansai. Oprócz malarzy i rzeźbiarzy, w skład grupy wchodzili awangardowi praktycy sztuk tradycyjnych: ceramiki (jak Sōdeisha ), kaligrafii (jak Bokujinkai ) i ikebany. Tsutaka wniósł do Genbi recenzje przemówień i wystaw. Mniej więcej w tym czasie Tsutaka zaczął tworzyć murale, projekty mody i scenografię do pokazów mody i teatrów. Wraz z Yoshiharą, Sudą, Kazuo Yagim i innymi, Tsutaka założył w 1955 roku sekcję Kansai Międzynarodowego Klubu Artystycznego. W 1956 współtworzył Seikatsu Zōkei Kyōkai (Stowarzyszenie Sztuk Plastycznych dla Życia Codziennego), które stawiało sobie za cel złamanie rozdziału między sztuką a życiem poprzez dostarczanie prac wykonanych z materiałów codziennego użytku lub do codziennego użytku.

Przełom Tsutaki jako malarza nastąpił we wczesnych latach pięćdziesiątych XX wieku, kiedy krytyk sztuki Atsuo Imaizumi pochwalił jego obrazy Boshi-zō (Matka i dziecko) na 6. Wystawie Kōdō w 1951 r. I Maisō (Pogrzeb) na 7. Wystawie Kōdō w 1952 r. Tsutaka został następnie uznany za jeden z czołowych japońskich artystów, a jego prace były prezentowane na najważniejszych wystawach i przeglądach współczesnej sztuki japońskiej, takich jak Gendai Nihon bijutsuten ( Wystawa Sztuki Współczesnej Japonii ) od 1954 do 1969, Nihon kokusai bijutsu-ten ( Międzynarodowa Wystawa Sztuki w Japonii ) od 1955 do 1965, Nichibei bijutsu-ten ( Wystawa Sztuki Abstrakcyjnej: Japonia i USA ) w 1955 oraz Sekai – konnichi no bijutsu ( Międzynarodowa Wystawa Sztuki Aktualnej ) w 1956.

Obrazy Tsutaki były prezentowane na wystawach współczesnej sztuki japońskiej za granicą, takich jak Six Contemporary Japanese Artists (1956) w Smithsonian Institution i innych miejscach w USA, The Japan Contemporary Art Circuit Exhibition in Europe (1958) pokazywana w miastach we Włoszech, Francji , Niemcy, Jugosławia, Egipt i Iran, Egipt, Jugosławia, Iran i współczesna sztuka japońska (1958) podróżuje po Australii i Nowej Zelandii. W 1957 Tsutaka został wybrany jako jeden z japońskich uczestników 4. Biennale Sztuki w São Paulo . Podczas Biennale w 1959 roku Tsutaka miał wystawy indywidualne w Brazylii, Argentynie i Peru. Obraz Tsutaki The Infinite (1960) znalazł się na krótkiej liście japońskiego jury do 3. Międzynarodowej Nagrody Guggenheima w 1960 roku.

1960–1990: Ekspansja mediów artystycznych, sztuki i życia codziennego

Udział Tsutaki w wystawach krajowych i międzynarodowych trwał od lat 60. do 80. XX wieku : na przykład Japanische Malerei der Gegenwart w Berlinie, Frankfurcie i Essen w 1961 r. Art Tokyo w 1963. W 1962 Tsutaka wyjechał do Włoch i pokazywał swoje prace na wystawach indywidualnych w Wenecji i Trieście, przedłużając swój pobyt w Europie do początku 1963. Jego obrazy Czarno-biały (1961), Kosmos ( 1963 ) , Akceptuj nieuniknione ( 1964) i Bez tytułu (1964) znalazły się na wystawie The New Japanese Painting and Sculpture w Museum of Modern Art w Nowym Jorku w 1965 roku. Na zaproszenie Uniwersytetu w São Paolo Tsutaka udał się do Brazylii w 1970 roku i ponownie na wystawy indywidualne w Rio de Janeiro i São Paolo w 1971. W 1972 jego prace były prezentowane na 7. Japan Art Festival w Meksyku. W 1979 roku Tsutaka udał się do Nowego Jorku, aby wziąć udział w wystawie z Kenzō Okadą i Tōkō Shinodą , który był pokazywany w kilku miastach w USA. Pomimo swoich międzynarodowych wystaw i podróży, Tsutaka pozostał mocno przywiązany do swojego rodzinnego miasta Nishinomiya i otaczającego go regionu Kansai aż do śmierci. Brał udział w coraz większej liczbie wystaw prefekturalnych i gminnych, takich jak Wystawa Sztuki Prefektury Hyogo i Wystawa Sztuki Miasta Nishinomiya , a także w wielu wystawach indywidualnych i grupowych w przestrzeniach i galeriach sztuki, zwłaszcza w Kobe, Osace i Kioto.

Od 1960 roku obrazy Tsutaki przesunęły się w kierunku bardziej gestykulacyjnego i coraz bardziej kaligraficznego stylu, który utrzymywał aż do śmierci. Lata 60. i 70. przyniosły także ekspansję mediów używanych przez Tsutakę. Od 1965 roku na swoich wystawach włączał ceramikę i ceramikę, a następnie malowidła tuszem, rysunki, litografie i rzeźby w kamieniu. Około 1979 roku zaczął używać japońskiego ręcznie robionego washi do kolaży.

W 1962 roku Tsutaka zorganizował swoją pierwszą plenerową wystawę swoich prac w ogrodzie swojego domu w Nishinomiya, którą nazwano Jiteiten (Wystawa w moim ogrodzie), którą później przemianowano na Taiwa no tame no sakuhin ten (Wystawa prac do dialogu ) i Kakū tsūshin dziesięć (Wystawa Komunikacji Wyobraźni) w 1976 r. Wystawom tym, trwającym jeden dzień w latach 1962 i 1963, a od 1964 około tygodnia, towarzyszyły imprezy, sympozja, występy taneczno-muzyczne oraz poczęstunek, mające na celu uczynienia sztuki przystępną dla szerszej publiczności oraz wspierania swobodnego i otwartego dialogu między ludźmi. Pomysł ten dalej rozwinął się w seminaria i założenie komitetu organizacyjnego, a ostatecznie w utworzenie plenerowego Kakū tsūshin tento ten (Communication of Imagination Tent Exhibition) nad brzegiem rzeki Shukugawa w Nishinomiya w 1980 roku, która obejmowała występy, warsztaty i prace site-specific.

Od 1968 do 1985 Tsutaka wykładał sztukę jako profesor na Uniwersytecie Sztuki w Osace, a następnie został profesorem honorowym. W swoim nauczaniu Tsutaka zachęcał swoich uczniów do myślenia o relacji między sztuką a życiem, aw latach 70. organizował eksperymentalne wycieczki terenowe i wystawy dotyczące relacji sztuki i przestrzeni życia codziennego.

Końcowe lata życia

Tsutaka otrzymał Nagrodę Obywatelską Nishinomiya w 1964 r., Nagrodę Kulturalną Prefektury Hyogo w 1967 r., Nagrodę Artystyczną w Osace w 1986 r., w 1991 r. otrzymał Pokojową Nagrodę Kobe Shimbun. Od późnych lat 80. prace Tsutaki były coraz częściej pokazywane w większych duże wystawy indywidualne w regionie Hanshin, np. w Tsukashin Hall w Amagasaki w 1987 r., w Keihan Gallery of Arts and Sciences w Osace w 1992 r., w National Museum of Art w Osace w 1993 r. i pośmiertnie w Nishinomiya Muzeum Sztuki Pamięci Ōtani w 1996 roku.

Tsutaka zginął podczas trzęsienia ziemi w Great Hanshin , które miało miejsce 17 stycznia 1995 roku. Znaleziono go nieożywionego pod ruinami jego domu.

Praca

Obraz

Chociaż w latach czterdziestych XX wieku Tsutaka wybrał malarstwo zamiast poezji jako główną formę artystycznej wypowiedzi, nadal publikował wiersze, m.in. w czasopismach takich jak Hi no tori i Tenbin (Skala), i przez całe życie współpracował z poetami. Cytował poezję jako tło formacyjne i porównywał swój jasny i oszczędny język wizualny do efektywnego wykorzystania przez poezję ograniczonych środków wyrazu.

Po wczesnej fazie, w której malował realistyczne pejzaże, pod koniec lat czterdziestych Tsutaka stopniowo przeszedł w kierunku abstrakcji. Około 1949 roku postacie ludzkie na jego obrazach zostały zeschematyzowane w sposób surrealistyczny, zredukowane do ich konturów i umieszczone na nieokreślonym gładkim tle. Jego obraz Boshi-zō (Matka z dzieckiem) z 1951 roku jest przykładem tego rozwoju w kierunku abstrakcji poprzez dalszą redukcję postaci do konturów i podstawowych kształtów, pomijając wszelkie szczegóły, takie jak twarze, i redukując tło do atmosferycznego monochromatycznego, co skutkuje podkreśleniem gesty postaci. Z Maisō (pogrzeb) od 1952 roku Tsutaka ostatecznie pominął elementy figuratywne, stworzył geometryczną strukturę złożoną z energicznie malowanych szerokich linii w kolorze czarnym i żółtym.

W latach 1956-1959 Tsutaka eksperymentował z płaskością swoich malowanych linii i tworzył rytmiczne układy geometrycznych kształtów oraz linii powstających w wyniku nakładania farby, jednak od około 1960 roku jego obrazy przyjęły bardziej kaligraficzny styl. Tworzył kompozycje z szerokich ciemnoniebieskich i czarnych linii farb olejnych, które nakładał dynamicznymi, energicznymi ruchami, z elementami spontanicznymi jak plamy. Zmiany palety kolorów Tsutaki wywodzą się z jego wrażeń z ruin Inków, które zobaczył podczas podróży po Ameryce Łacińskiej w 1959 roku. W latach 1962-1966 Tsutaka wprowadził nakładanie płynnej farby na płótno za pomocą strzykawek, co zaowocowało nową różnorodnością odcieni i stopniowanie namoczonych cienkich linii. W następnych dziesięcioleciach obrazy Tsutaki łączyły techniki i materiały z poprzednich dekad.

Prace Tsutaki charakteryzują się celowym użyciem kilku kolorów. Często wybierał czerń i biel ze względu na czystość i przejrzystość oraz zmniejszał paletę kolorów, aby zwiększyć głębię. Podczas gdy prawie zawsze malował farbami olejnymi na płótnie – jest kilka prac olejnych na drewnie lub szkle – przez całe życie Tsutaka kontynuował eksperymenty z metodami i narzędziami nakładania farby oprócz pędzli, takimi jak noże malarskie i tkaniny. Dzięki zredukowanemu, prostemu językowi wizualnemu obrazy Tsutaki wyróżniały się na tle gestykulacyjnych i ekspresyjnych obrazów abstrakcyjnych i akcji z lat pięćdziesiątych.

Garncarstwo

W 1965 Tsutaka zaczął pokazywać prace ceramiczne na swoich wystawach. Te elementy, wykonane z gliny Shiragaki, obejmowały ciemne lub glazurowane w kolorze płytki ceramiczne ( tōban ), w których wydrapywano abstrakcyjne kompozycje z liniami, okręgami i nacięciami.

Obrazy zmywane tuszem i akwarele

Tsutaka rozszerzył swoje eksperymenty z malowanymi liniami na malowanie tuszem, które oferowało inny zakres tonacji i odcieni linii niż malarstwo olejne na płótnie. Jego pierwsza wystawa obrazów malowanych tuszem miała miejsce w 1967 roku. Jego akwarele eksplorowały również przejścia między malowanymi liniami, plamami i formami geometrycznymi.

Rysunki, grafiki, ilustracje

Tsutaka tworzył także rysunki, litografie i miedzioryty. Jego pierwsza wystawa litografii odbyła się w 1972 roku. W 1976 roku opublikował tom rysunków Kakū tsūshin . Wraz z mieszkającym w Kioto amerykańsko-amerykańskim poetą Cidem Cormanem, bliskim przyjacielem, Tsutaka opublikował Any How , zbiór wierszy i rysunków.

Rzeźby kamienne

Zainteresowanie Tsutaki kamieniem stało się oczywiste po jego pierwszej podróży do Ameryki Łacińskiej i Brazylii w 1959 roku. W 1972 roku stworzył kamienne rzeźby kontrastujące ze zmysłowymi organicznymi formami ukształtowanymi z wierzchołków kwadratowych kamiennych bloków.

Kolaże papierowe

Zainspirowany srebrnymi sitodrukami Jaspera Johna na ręcznie robionym japońskim papierze, które zobaczył podczas swoich podróży do Nowego Jorku w 1979 roku, Tsutaka zaczął eksperymentować z japońskim papierem washi, w szczególności Najio-kami produkowanym w jego rodzinnym mieście Nishinomiya, w swojej produkcji artystycznej. Do swoich kolaży użył również Wakasa washi, produkowanego w mieście Obama w prefekturze Fukui, które łączyło papier Wakasa z kawałkami mediów drukowanych, ołowiu i lnu, często wytłaczanymi lub perforowanymi, w abstrakcyjnych kompozycjach formalnych wykorzystujących zmarszczki i fałdy w papierach jako elementy kompozycyjne.

Kakū tsūshin (Przekaz wyobraźni)

Tsutaka corocznie organizował plenerowe wystawy swoich prac w ogrodzie swojego domu w Nishinomiya. Zatytułowany Taiwa no tame no sakuhin ten (Wystawa prac do dialogu) od 1962 do 1981 roku, tym festiwalowym wystawom towarzyszyły dyskusje i sympozja, występy muzyczne i taneczne oraz poczęstunek. Wystawy z 1977 i 1978 roku nosiły tytuł Kakū tsūshin sakuhin ten ( Wystawa komunikacji dzieł wyobraźni ) i przyniosły pomysły na Kakū tsūshin kairō (Komunikacja korytarza wyobraźni) i Kakū tsūshin kōza (Seminarium Komunikacja wyobraźni). W 1979 roku dzierżył Kaku tsūshin ten , a od 1979 do 1980 wydawał dwunumerowy periodyk zatytułowany Kakū tsūshin .

Termin Kakū tsūshin , wymyślony przez Tsutakę, został po raz pierwszy użyty publicznie przez artystę w tytule jego tomu rysunków w 1976 roku. Nigdy nie został zdefiniowany przez artystę jako jednoznaczna koncepcja, ale opierał się na jego rozumieniu sztuki jako wykraczające poza działalność lub produkcję pojedynczego artysty, do połączenia społeczeństwa jako całości poprzez sztukę jako część codziennego życia.

Tsutaka założył komitet organizacyjny, który w latach 1980-1985 zorganizował pięć corocznych plenerowych wystaw artystycznych zatytułowanych Kakū tsūshin tento ten (Komunikacja Wystawy Namiotowej Wyobraźni). Na potrzeby tych wystaw na tydzień nad brzegiem rzeki Shukugawa ustawiono ogromny namiot (o długości około 100 m), w którym można było wystawiać wszelkiego rodzaju prace, w tym obrazy, rzeźby, instalacje i prace site-specific, a także sztuki performatywnej oraz prezentacji muzyki i poezji. Odbywały się także sympozja. Wykorzystując park Shukugawa jako miejsce i namiot jako przestrzeń wystawienniczą, wystawa została otwarta dla szerszej publiczności, zapraszając przechodniów do odwiedzenia.

Recepcja i dziedzictwo

Od lat pięćdziesiątych XX wieku Tsutaka jest uważany za jednego z czołowych japońskich malarzy abstrakcyjnych swoich czasów, a konkretnie za jednego z „pionierów malarstwa abstrakcyjnego w Japonii XX wieku”. Boshi-zō (Matka z dzieckiem), pokazana na 6. Wystawie Kōdō w 1951 roku, była pierwszą pracą Tsutaki, która została publicznie pochwalona przez wpływowego krytyka sztuki Atsuo Imaizumiego za „nowy sentyment”, który uosabiała. Imaizumi, który w 1952 roku skrytykował zawiłość i staromodny charakter japońskich obrazów prezentowanych na Salon de Mai w Paryżu, podczas VII Wystawy Kōdō później tego samego roku nadal chwalił abstrakcyjne Maiso (Burial) i Kurai kisetsu (Dark Season) Tsutaki za ich „energiczną przestrzeń i rytm”.

Malarstwo Tsutaki pojawiło się w kontekście transkulturowej dynamiki między amerykańsko-amerykańskim i europejskim abstrakcyjnym gestykulacyjnym obrazem olejnym i kaligrafią w latach pięćdziesiątych. Podobnie jak jego współcześni Yoshihara czy Suda, Tsutaka był jednym z japońskich powojennych malarzy abstrakcyjnych, którzy w zamian za awangardowych kaligrafów, takich jak Shiryū Morita, rozwinęli własne sposoby malowania, które angażowały duchowe i materialne aspekty japońskiej sztuki tradycyjnej, ale pozostał oddany malarstwu olejnemu lub akrylowemu na płótnie. Zainteresowanie Tsutaki liniami doprowadziło do zrozumienia jego prac jako kaligrafii. Jednak Tsutaka używał farb olejnych i akrylowych na płótnie i nieustannie badał formalną, tekstową i materialną różnorodność linii na płótnie oraz ich ścisły związek z ich przejściami do płaskich kształtów na powierzchniach. Jego obrazy różnią się również od spontanicznych i niekontrolowanych abstrakcyjnych obrazów gestykulacyjnych jego całkowicie z góry przyjętym, spokojnym językiem wizualnym oraz kontrolowanym i celowo rzadkim wykorzystaniem materiału.

Obrazy Tsutaki zainspirowały malarzy japońsko-brazylijskich, takich jak Manabu Mabe i Tomie Ohtake, w ich przejściu od figuracji do nieformalnej abstrakcji pod koniec lat pięćdziesiątych.

Poprzez wystawy odbywające się w jego domu, różne projekty Kakū tsūshin , zwłaszcza wystawy namiotowe, oraz swoją praktykę pedagogiczną, Tsutaka badał związek między życiem codziennym a sztuką i promował otwarte środowisko komunikacji poprzez sztukę w regionie Hanshin, czyniąc trwałe wpływ na młodsze pokolenia artystów z regionu.

Publikacje

• 動物の舌, z wierszami Aki Tamotsu, np: Okamoto Shobō, 1961.
• Tsutaka Art Workings , Kobe: Aki Tamotsu, 1965.
• Akta '69, np: Tenbin, 1969.
• 断簡集, Osaka: Yukawa Shobo, 1976.
• Byle jak , z wierszami Cida Cormana, np: Kisetsusha, 1976.
• Litografie Waichi Tsutaki , 1976.
• 架空通信, np: Shoshi kisetsusha, 1976.
• 騙された時間:画と論, Nagoya: Shoshi kisetsusha, 1978.
• 鳥の眼:詩画集, Takatsuki: Shoshi Kisetsusha, 1986.
• 余白:津高和一・作品とエッセイ, Niigata: Hakushindō, 1987.
• 津高和一作品集: もうひとつのコスモス / The Works of Waichi Tsutaka: Another Cosmos , np: Tsutaka Waichi Sakuhin Kankōkai, 1987.
• 抽象絵画を語る, Osaka: Rząd prefektury Osaka, 1990.

Dalsza lektura

• Okada, Shinoda i Tsutaka: trzej pionierzy malarstwa abstrakcyjnego w XX-wiecznej Japonii , wyd. kat., Phillips Collection, Washington, DC, Columbus Gallery of Fine Arts, Washington, DC: Phillips Collection, 1979.
• 津高和一展: 点、線、面のポエジー (wystawa Waichi Tsutaka: Poezja kropek, linii, płaszczyzn), exh. kat., Narodowe Muzeum Sztuki, Osaka, 1993, Osaka: Rząd prefektury Osaka, Osaka Foundation of Culture, 1993.
• 津高和一とゲンビの作家たち: 1950年代のモダニズム (Waichi Tsutaka i artyści Genbi: Modernizm lat pięćdziesiątych), exh. kat., Hyogo Prefectural Museum of Modern, Kobe: Hyogo Prefectural Museum of Modern Art, 1995.
• 津高和一（追悼）展: 絵画と詩のはざまで / Tsutaka Waichi Retrospective , exh. kat., Nishinomiya Ōtani Memorial Art Museum, Nishinomiya: Nishinomiya Ōtani Memorial Art Museum, 1996.
• 津高和一: 架空通信展: 生誕百年 / Tsutaka Waichi: Communication of Imagination , exh. kat., Nishinomiya Ōtani Memorial Art Museum, Nishinomiya: Nishinomiya Ōtani Memorial Art Museum, 2011.
• „Tsutaka, Waichi”, w: Benezit Dictionary of Asian Artists , wyd. Pamela Kember, Oxford University Press 2013.
• Mittendorf, Ulrike, „Tsutaka, Waichi”, w: Allgemeines Künstlerlexikon Online , De Gruyter 2020.