Barwienie folii

Barwienie filmu to proces dodawania koloru do filmu czarno-białego, zwykle poprzez namaczanie filmu w barwniku i barwienie emulsji filmowej . Efekt jest taki, że całe przeświecające światło jest filtrowane, tak że to, co byłoby białym światłem, staje się światłem pewnego koloru.

Tonowanie filmu to proces zastępowania cząstek srebra w emulsji kolorowymi solami srebra za pomocą środków chemicznych. W przeciwieństwie do tonowania, tonowanie zabarwia najciemniejsze obszary, pozostawiając białe obszary w dużej mierze nietknięte.

Historia

Barwienie w epoce niemej

Proces ten rozpoczął się w latach 90. XIX wieku, pierwotnie jako ochrona kopii przed piratami filmowymi. Film był zabarwiony na bursztynowo, kolor bezpiecznego światła w drukarkach filmowych. Odkrycie przez piratów metod wybielania szybko położyło temu kres. Zarówno Edison Studios, jak i Biograph Company zaczęły przyciemniać swoje filmy, aby stworzyć nastrój. Ponieważ ortochromatyczny materiał filmowy nie mógł być używany w warunkach słabego oświetlenia, niebieski stał się najpopularniejszym odcieniem, stosowanym do scen kręconych w ciągu dnia, a podczas projekcji oznaczał noc.

Odmianą barwienia folii jest ręczne kolorowanie, w którym tylko części obrazu są barwione ręcznie barwnikami, czasami przy użyciu szablonu wyciętego z drugiego wydruku filmu, aby nadal kolorować ten sam element na różnych klatkach. Pierwszym ręcznie barwionym filmem był Annabelle Serpentine Dance (1895) z Edison Studios. W nim Annabelle Moore , młoda tancerka z Broadwayu, jest ubrana w białe welony, które wydają się zmieniać kolory podczas tańca. Kolorowanie rąk było często używane we wczesnych filmach „sztucznych” i fantasy z Europy, zwłaszcza tych autorstwa Georgesa Mélièsa . Méliès eksperymentował z kolorem w swojej filmowej biografii Joanny d'Arc (1900), co doprowadziło do bardziej spektakularnego [ pawiego prozy ] użycia koloru w jego Podróży na Księżyc z 1902 roku , udostępnionej współczesnym widzom dopiero po wydaniu w 2012 roku renowacji film Lobster Films. [ potrzebne źródło ] Niektóre odbitki popularnego filmu Edisona The Great Train Robbery (1903) zawierały [ wymagane wyjaśnienie ] ręcznie kolorowane sceny. Pathé zatrudniała w swojej fabryce w Vincennes 100 młodych kobiet, które były zatrudnione jako kolorystki. Wydali Życie Chrystusa w 1910 roku. [ Potrzebne źródło ]

Jeszcze w latach dwudziestych XX wieku do poszczególnych ujęć w Greed (1924) i The Phantom of the Opera (1925) stosowano procesy kolorowania ręcznego (oba wykorzystywały proces kolorystyczny Handschiegl ); i rzadko, cały film pełnometrażowy, taki jak The Last Days of Pompeii (1926) i Cyrano de Bergerac (1925), z kolorem za pomocą procesu szablonowego Pathé Pathéchrome .

We wczesnych latach nastoletnich, wraz z pojawieniem się filmów pełnometrażowych, barwienie zostało rozszerzone jako kolejny element ustawiający nastrój, tak samo powszechny jak muzyka. [ według kogo? ] Towarzystwo Inżynierów Filmowych oszacowało, że do 1920 roku przyciemnianie było stosowane w 80 do 90 procentach wszystkich filmów.

Reżyser DW Griffith wykazywał ciągłe zainteresowanie i troskę o kolor, aw wielu swoich filmach stosował barwienie, aby uzyskać wyjątkowy efekt. Jego epopeja Narodziny narodu z 1915 roku wykorzystywała wiele kolorów, w tym bursztyn, błękit, lawendę i uderzającą czerwień w scenach takich jak „spalenie Atlanty” i przejażdżka Ku Klux Klanu w kulminacyjnym momencie zdjęcie. Griffith wynalazł później system kolorów, w którym kolorowe światła migały na obszarach ekranu, aby uzyskać efekt kolorystyczny.

W 1921 roku firma Kodak wprowadziła wstępnie barwione zapasy z barwioną bazą celulozową zamiast barwionej emulsji na bazie. Pierwotnie dostępne kolory to lawendowy, czerwony, zielony, niebieski, różowy, jasny bursztyn, ciemny bursztyn, żółty i pomarańczowy.

Od połowy do późnych lat dwudziestych XX wieku barwienie i tonowanie zostało wycofane z wielu powodów, z których największym było to, że było drogie i czasochłonne. Ponieważ każdy kolor musiał być farbowany osobno, a następnie wklejany w wydruk pokazowy, oznaczało to również, że każdy wydruk był już osłabiony przez liczne sploty, prosto od dystrybutora. Wprowadzenie panchromatycznego materiału filmowego, który rejestrował całe światło, a nie tylko światło niebieskie, również zmniejszyło potrzebę barwienia. Oznaczało to, że można było kręcić ciemne sceny i nie trzeba ich przyciemniać, aby dać widzom do zrozumienia, że ​​jest noc. W końcu pojawienie się filmu kolorowego spowodowałoby, że ręczne barwienie stałoby się przestarzałe.

Innym pomniejszym, ale dominującym czynnikiem było pojawienie się dźwięku. Ręczne przyciemnianie filmu groziło zakłóceniem ścieżki dźwiękowej w dźwięku na filmie , czyniąc go bezużytecznym. W 1929 roku Kodak dodał do swoich barwionych taśm markę znaną jako Sonochrome — wstępnie barwione taśmy do filmów dźwiękowych, które nie kolidowały ze ścieżką dźwiękową. Ale łączenie ze sobą zabarwionych wydruków dźwiękowych bardziej zakłócało procesy dźwięku na płycie, takie jak Vitaphone , które musiały być zgodne z klatkami, aby zachować synchronizację . Dodatkowe sploty na wydruku były podatne na błędy ludzkie i niezsynchronizowane obrazy.

Barwienie w późniejszych latach

Barwienie było stosowane przez lata, aż do wczesnych lat pięćdziesiątych, w wybranych sekwencjach, pełnych monochromatycznych obrazach oraz krótkich zwiastunach i fragmentach . MGM wynalazło proces tonowania bez zakłóceń, który był używany w filmach takich jak Czarnoksiężnik z krainy Oz (1939) i Warner Brothers „ The Sea Hawk” (1940). Wiele filmów MGM z lat 30. miało ton sepii, zwany „Pearl”.

Technicolor Corporation kontynuowała eksperymenty zarówno z barwieniem, tonowaniem, jak i kolorowaniem . Ostatnia rolka Portrait of Jennie (1948) zawierała zarówno zielone, jak i bursztynowe odcienie Technicolor. Mighty Joe Young (1949) przedstawił kolejną koncepcję barwienia przez Technicolor, z różnymi odcieniami czerwieni, pomarańczy i żółci, tworząc efekt podobny do ognia na ostatniej rolce. Firma Cinecolor Corporation również stworzyła podobne efekty i przyciemniła kilka filmów w tonacji sepii, a także przyciemniła wybrane sceny w rozdziałach serialu Columbia Captain Video z 1951 roku .

Wspólne odcienie

Z biegiem lat opracowano ogólne zasady dotyczące tego, jakiego koloru użyć w niektórych scenach. Wiele z nich było oczywistych, ale kilka artystycznych. Odcieniom nadano specyficzne nazwy, aby określić określone kolory. Uderzające efekty można osiągnąć zarówno poprzez sekwencje barwienia, jak i tonowania.

W kolejności najczęściej:

  • Odcień bursztynowy (wariacje: bursztyn słomkowy, bursztyn jasny, bursztyn nocny) - stosowany do wnętrz oświetlonych światłem dziennym. Bursztyn nocny był czasami używany do zewnętrznych scen nocnych, które były oświetlone. Pomarańczowy był powszechny we wnętrzach nocnych
  • Żółty odcień (znany również jako: Sunshine) — używany wyłącznie na zewnątrz w świetle dziennym.
  • Blue Tint (wariacje: Azure, Nocturne) — do scen nocnych, w których nie ma widocznego źródła światła innego niż księżyc. Odcień niebieski (przetworzony w roztworze żelazocyjanku żelazowego ) był również dość powszechny i ​​zazwyczaj do scen dobrze oświetlonych lampami, świecami itp. używano bursztynowego odcienia.
  • Odcień sepii - przetwarzany przez roztwór żelazocyjanku siarczku srebra lub żelazocyjanku uranu. [ potrzebne źródło ] Był popularny jako alternatywa dla Sunshine czy Amber. Był bardzo popularny w westernach i innych obrazach z lat 30. do 50. XX wieku ze względu na zakurzony ton, jaki nadawał, i technicznie ze względu na niski współczynnik zakłóceń na ścieżce dźwiękowej.
  • Red Tint (wariacje: Scarlet, Inferno, Firelight) - Używany do scen ognia, furii lub eksplozji. Firelight był jasnopomarańczowo-żółty, który został użyty z czerwonym odcieniem, aby stworzyć realistyczne płomienie. Odcień czerwieni powstał w wyniku przetworzenia w roztworze żelazocyjanku miedzi.
  • Lavender Tint (wariacje: Purple Haze, Fleur de Lis) — używany głównie w scenach romantycznych, o zmierzchu lub świcie, lub orientalnych. Lawendowy odcień był również używany jako technika przetwarzania w celu zmniejszenia kontrastu z duplikatami negatywów, zanim popularne były pozytywy drobnoziarniste.
  • Rose (wariacje: Rose Doré, Peachblow, Candleflame) - Podobny do lawendy, czasami używany do dyskretnie oświetlonych nocą wnętrz.
  • Green Tint (wariacje: Verdante, Aqua Green) - Sceny zabarwione na zielono były na ogół scenami tajemniczymi lub morskimi. Odcień zielony , uzyskany przez przetwarzanie za pomocą roztworu żelazocyjanku wanadu, był powszechnie używany w scenach dżungli i przyrody.

Proces

Proces barwienia był pracochłonny, choć w zasadzie prosty. Montaż odbywał się na rolkach w oparciu o kolor odcienia, z numerowanymi klatkami filmu pomiędzy scenami do późniejszego montażu. Po wydrukowaniu i przetworzeniu tych rolek z negatywu zanurzono je w anilinowych , określonych zgodnie z kolorami wymienionymi w skrypcie lub ciągłości. Na folii nie zastosowano utrwalacza utwardzającego, aby barwnik mógł szybciej i z lepszym skutkiem wchłonąć się w emulsję. Po wyschnięciu filmu na dużych bębnach foliowych był on montowany we właściwej kolejności i przewijany na szpule do wysyłki. Tonowanie było podobne, ale zamiast barwników anilinowych film zanurzono w chemikaliach, aby zmienić srebrny obraz w kolorowe sole.

W renowacji

Barwienie i tonowanie są obecnie ważnymi czynnikami w renowacji folii . Stanowiły one integralną część doświadczenia związanego z pójściem do kina, a procesy zostały powielone za pomocą nowoczesnych metod zarówno dla materiałów wideo, jak i filmów, w oparciu o specyfikacje istniejącej dokumentacji dotyczącej każdego filmu.

Linki zewnętrzne

Zobacz też

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Film_tinting&oldid=1135061263 ”