Osamu Jamesa Nakagawy

Osamu James Nakagawa
Osamu James Nakagawa.jpg
Nakagawa z DePaul University w Chicago, Illinois, 2015
Urodzić się 1962
Nowy Jork, Nowy Jork, Stany Zjednoczone
Edukacja Uniwersytet w Houston , Uniwersytet św. Tomasza
Zawód Fotograf
Nagrody Guggenheim Fellowship , Higashikawa Prize , American Photography Institute, Japan Foundation
Strona internetowa Osamu Jamesa Nakagawy
Osamu James Nakagawa, Kai, Ninomiya, Japonia, jesień , odbitka żelatynowo-srebrowa, 14" x 14", 1998.

Osamu James Nakagawa (ur. 1962) to japońsko-amerykański fotograf. Znany jest z wielu międzykulturowych seriali poświęconych nacjonalizmowi, rodzinie, pamięci i tożsamości osobistej, w tym z własnych międzynarodowych doświadczeń. Początkowo zyskał rozgłos jako wczesny fotograf cyfrowy, jednak jego prace obejmowały cyfrowe obrazy kolorowe i czarno-białe, a także kolaż z manipulacją komputerową, tradycyjną fotografię „prostą” i duże instalacje fotograficzne. Pisarze, tacy jak kuratorka Anne Wilkes Tucker, opisują jego twórczość jako ambitną, wielowarstwową i utrzymaną w poetyckim stylu, a nie dokumentalną czy narracyjną.

Nakagawa otrzymał między innymi stypendium Guggenheima i nagrody od miast Higashikawa i Sagamihara w Japonii. Wystawiał na całym świecie w takich miejscach jak Metropolitan Museum of Art , Tokyo Photographic Art Museum , Museum of Fine Arts w Houston i Sakima Art Museum w Japonii. Jego prace znajdują się w kolekcjach publicznych tych i innych muzeów, w tym Muzeum Fotografii Współczesnej i Muzeum George'a Eastmana . Nakagawa jest profesorem fotografii na Uniwersytecie Indiana mieszka i pracuje w Bloomington w stanie Indiana.

Wczesne życie i edukacja

Nakagawa urodził się w 1962 roku w Nowym Jorku w rodzinie urodzonego w Japonii Takeshiego i Yoko Nakagawy. Wychowywał się w Tokio do 15 roku życia, kiedy to praca jego ojca zabrała rodzinę do Houston w Teksasie . Po ukończeniu szkoły średniej jego rodzice wrócili do Japonii, ale Nakagawa pozostał w Houston, gdzie w 1986 roku uzyskał tytuł licencjata z grafiki studyjnej na Uniwersytecie św. Tomasza . Przez dwa lata pracował w Tokio jako asystent fotografii reklamowej i redakcyjnej, po czym wrócił do USA, aby studiować fotografię na Uniwersytecie w Houston (MSZ, 1993). W 1998 roku przeniósł się do Indiany z żoną Tomoko i córką, dołączając do School of Art, Architecture + Design na Indiana University, gdzie jest wybitnym profesorem fotografii Ruth N. Halls i dyrektorem Center for Integrative Photographic Studies.

Wystawy

Nakagawa wcześnie zwrócił uwagę na swoją pracę w fotografii cyfrowej (wtedy w powijakach przed Photoshopem) poprzez wystawy i publikacje „Metamorfozy: fotografia w epoce elektronicznej” (1994–199, Fashion Institute of Technology ; Philadelphia Museum of Art ), „ Obrazując Azję” (1994–1995, Houston Center for Photography) i „Pole widzenia” (1998, Muzeum Sztuki Współczesnej w Houston ). Czas 1994 recenzja wystawy „Metamorfozy” — jednej z pierwszych poświęconych fotografii cyfrowej — sugerowała, że ​​prace takie jak Nakagawa kwestionują i obalają długo utrzymywane mity o prawdziwości fotografii.

Późniejsze wystawy Nakagawy odbywały się m.in. w sepiaEYE w Nowym Jorku (2000–18), PGI w Tokio (2014, 2018) i Kyoto University of the Arts (2014). Brał także udział w pokazach „After Photoshop: Manipulated Photography in the Digital Age” (Metropolitan Museum of Art, 2012), „War/Photography: Photographs of Armed Conflict and its Aftermath” (Museum of Fine Arts Houston; Brooklyn Museum , 2012–2014) i „Z jaskini” (Tokijskie Muzeum Sztuki Fotograficznej, 2018).

Praca i odbiór

Krytycy zidentyfikowali dwa kluczowe nurty w praktyce Nakagawy, które czasami się przecinają, jeden osobisty i introspektywny, a drugi społeczno-polityczny i historyczny. Poprzedni szczep obejmuje jego rodzinne prace „Kai” i „Ma” oraz wczesne serie „Mado”; ta ostatnia odmiana obejmuje skoncentrowane na Stanach Zjednoczonych prace „Drive-In Theatre” i „Eclipse” oraz jego liczne serie badające historię Okinawy, rodzinnego regionu jego żony, który uważa za odziedziczoną „trzecią kulturę”.

Wczesna seria

Osamu James Nakagawa, KKK , z serii „Drive-in Theatre”, druk Type-C, 26,5" x 40", 1992.

Seria „Mado” (okna) Nakagawy (1988–2000) składała się z czarno-białych, minimalistycznych odbitek o wymiarach 4 na 5 cali, przedstawiających dziwne perspektywy przez ekrany i delikatne, abstrakcyjne wzory utworzone przez krople deszczu i kondensację. The New York Times opisał je jako tęskne widoki „wiecznego outsidera”, zachęcające do zwrócenia szczególnej uwagi na ich „kaligraficzną prostotę”. Jego serie „Drive-In Theatre” i „Billboard” (1992–197) wykorzystywały zupełnie inny tryb, analizując amerykański sen poprzez cyfrowe łączenie wstrząsających obrazów (protesty, parady, przejścia graniczne, demonstracje KKK) społecznych i rasowych niesprawiedliwości na opuszczone ekrany niegdyś kultowych kin samochodowych i billboardy, które sfotografował. Krytycy opisali je jako fasady lub projekcje wyrażające mieszane uczucia Nakagawy co do Stanów Zjednoczonych, a jednocześnie zwracające uwagę na ukryte lub zaciemnione kwestie historyczne i sfabrykowane narodowe mitologie (np. Flaga Indian amerykańskich , 1992; Spryskiwacz przedniej szyby , 1996).

Po wyborach w USA w 2016 roku Nakagawa powrócił do tych prac w nowej serii „Eclipse” (2018–), która składała się z ciemnoszarych odbitek porzuconych ekranów (ze starych negatywów i nowo sfotografowanych scen), które pozostawił puste jako puste, dystopijne pomniki w dezorientujących krajobrazach Środkowego Zachodu. Pisarze sugerują, że obrazy – które wykorzystują unikalny proces drukowania zapewniający wyjątkową ostrość i tonację – wydają się łączyć dzień i noc, pozytyw i negatyw, teraźniejszość i przyszłość, w przeciwieństwie do spolaryzowanego, czarno-białego klimatu politycznego, w którym zostały wyprodukowane. .

Seria „Kai” i „Ma”.

Serie Nakagawy „Kai, Follow the Cycle of Life” i „Ma, Between the Past” koncentrują się na tematach rodziny, pamięci, międzypokoleniowej więzi i zmiany oraz straty. Prace „Kai” (po japońsku cykl) uosabiają buddyjską ideę istnienia każdej chwili w nieustannie zmieniającym się cyklu narodzin, życia, śmierci i odrodzenia. Rozpoczął je w okresie szybkich zmian w swoim życiu, kiedy jednocześnie stawił czoła nieuleczalnemu nowotworowi ojca i zbliżającym się narodzinom córki. Chcąc zatrzymać pojedyncze chwile i wspomnienia – co jest najbardziej podstawową funkcją fotografii – wyprodukował obrazy „Kai I” (1998–2005) przy użyciu tradycyjnego czarno-białego procesu z użyciem srebrnej żelatyny. Pisarze scharakteryzowali serię w formacie kwadratu dzięki subtelnym walorom tonalnym, poetyckiej jakości i ukośnej, symbolicznej wizji; ARTnews, Robert C. Morgan, opisał podejście Nakagawy do trudnego tematu jako „zaskakujące, przekonujące i ostatecznie zbawienne”. Seria zawiera scenę, w której córka Nakagawy otoczona jest pluszowymi zabawkami, a cienie jej rodziców kłaniają się jej ( Morning Light, Bloomington , 1999) oraz zdjęcia prześwietleń klatki piersiowej, USG i jego ojca przed i po chemioterapii ( Hot Springs , Hakone, Japonia, lato 1998 ). Kai, Ninomiya (1998) przedstawia trzy pokolenia, przedstawiając Tomoko stojącą na plaży, trzymającą córkę z pogrzebowym portretem ojca Nakagawy, balansującym na jej biodrze.

Osamu James Nakagawa, Okinawa #017 , z serii „Banta”, archiwalna odbitka pigmentowa, 20" x 60", 2006–2008.

W 2010 roku, gdy stan zdrowia jego matki zaczął się pogarszać, Nakagawa rozpoczął serię „Kai II”, którą fotografował w kolorze cyfrowym, co pozwoliło mu stworzyć stonowaną, pastelową paletę o bardziej kobiecym charakterze. Seria przedstawia jego żonę i córkę, ale przede wszystkim matkę, ze zdjęciami jej przejścia przez opiekę medyczną, jej rzeczy (perfumy, nylony, pusty chodzik umyty przez fale Ninomiya) i wreszcie jej dłoń w dłoni Nakagawy tuż przed śmiercią .

W serii „Ma” (2003) Nakagawa zestawił lub cyfrowo połączył odziedziczone zdjęcia rodzinne, fotosy z domowych filmów i własne niewykorzystane migawki w tryptykach i kolażach. Tytuł serii (co oznacza pomiędzy) i formaty odzwierciedlają próbę nadania sensu jego własnym życiowym doświadczeniom i obrazom trzech generacji rozgrywających się w ewoluującej, granicznej przestrzeni między dwoma krajami. Miesza tradycyjną japońską i amerykańską kulturę popularną, obrazy nieznanych przodków i młodość Nakagawy oraz motywy ruchu, przemieszczenia, pamięci i czasu, używając powtarzających się motywów ( np . Castle (2003–2005), który przeplata różowo-niebieskie paski filmowe z wakacji z dzieciństwa w Disneylandzie w oficjalne zdjęcie grupowe w odcieniach sepii z 1912 roku, upamiętniające budowę dużego domu w Osace.

Seria z Okinawy

Po „Ma” Nakagawa odszedł od kolażu z trzema seriami – „Remains”, „Banta” i „Gama” – które badały trwałe dziedzictwo japońskiej okupacji Okinawy pod koniec II wojny światowej . Dwie ostatnie serie koncentrują się na krajobrazie jako punkcie wyjścia i świadectwie historii i cierpienia.

Prace „Banta” (z Okinawy dla klifu) (2008) przedstawiają wysokie naturalne struktury, które stały się znane jako „Klify samobójców” po tym, jak tysiące miejscowych zanurkowało na śmierć podczas bitwy o Okinawę w 1945 roku. Krytycy opisują obrazy jako empiryczne i fizyczne w swoim efekcie (raczej niż historyczne czy archeologiczne), przywołując namacalne poczucie nieobecności, ciszy, piękna i ciężaru dotyczące tragicznej historii, która często była tuszowana. Nakagawa sfotografował kolejne części każdego obiektu aparatem o wysokiej rozdzielczości, a następnie zszył je cyfrowo, tworząc duże (20 „x 60”), płynne pionowe obrazy, których format nawiązuje do tradycyjnego kakemono pejzażowe obrazy zwojowe. Fotografie zostały docenione za hiperrealistyczną jakość, która łączy w sobie ostrość brzytwy i szczegóły (trzewnych turni, kraterów i samolotów), których nie można uchwycić w jednym kadrze, oraz zawrotną jakość wynikającą z pochylonej perspektywy i ciasnego kadrowania.

Osamu James Nakagawa, Tennessee #1 , z serii "Eclipse", archiwalna odbitka węglowo-pigmentowa, 32" x 40", 2018.

W serii „Gama” (Jaskinia z Okinawy) (2009–2011) Nakagawa skupił się na jaskiniach z Okinawy, które były niegdyś miejscami kultu i pochówku, które podczas wojny służyły jako bunkry, bazy, szpitale i miejsca tragedii. Sfotografował czarne jak smoła jaskinie za pomocą latarki na długich, pojedynczych ekspozycjach, a następnie cyfrowo skorygował zniekształcony kolor za pomocą pamięci. Fotografie wyglądają jak masywne, fakturowane abstrakcje, które po bliższym przyjrzeniu się sugerują figurację lub ujawniają szczegóły i artefakty – kawałki misek i butelek, fragmenty kości, winorośle – z różnych zastosowań. Pisarze zasugerowali, że wykorzystują pierwotne lęki przed uwięzieniem lub szukaniem po omacku ​​w ciemności, opisując efekt jako kontemplacyjny i nawiedzony, piękny, „przerażający i niesamowity”. Na serie „Yami” i „Gama: Darkness” (2013–) Nakagawy wywarł wpływ Richarda Serry i pchają zmysłowe wrażenia z jaskiń dalej, obejmując widzów w ciemności, czasami zasłoniętych przez bezpośrednie malowanie atramentem sumi i rdzą na powierzchniach druku.

Nakagawa wyprodukował również serię fotogramów drukowanych cyjanotypią „Fences” (2015–208), które dotyczą sporu dotyczącego przeniesienia amerykańskiej bazy lotniczej na Okinawie poprzez zróżnicowane fakturalne powierzchnie wzorów ogrodzeń, sylwetki liści i winorośli oraz drut kolczasty nakłucia wykonane z zewnątrz podstawy.

Nagrody

Nakagawa był stypendystą John S. Guggenheim Foundation (2009), American Photography Institute (2000) i Houston Center For Photography (1993), a także stypendiów Japan Foundation (2008) i Indiana Arts Commission (2001), m.in. . Otrzymał także nagrodę Society for Photographic Education Insight Award (2015), nagrodę Higashikawa (2010), nagrodę Sagamihara (2014), nagrodę w konkursie Santa Fe Center for Visual Arts (2001) oraz rezydencje w Light Work i Anderson Ranch Art Center ( oba 2002).

Kolekcje

Jego prace znajdują się w zbiorach publicznych Metropolitan Museum of Art, Museum of Fine Arts Houston, Museum of Contemporary Photography, Tokyo Photographic Art Museum, Higashikawa Cultural Center, Kiyosato Museum of Photographic Arts i Sakima Art Museum in Japan, Chrysler Museum of Art , Corcoran Museum of Art , George Eastman House, Light Work, Nelson Atkins Museum of Art i Worcester Art Museum .

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Osamu_James_Nakagawa&oldid=1095126059 ”