Patrick Webb (artysta)

Patricka Webba
Urodzić się 1955
Nowy Jork, Nowy Jork, Stany Zjednoczone
Narodowość amerykański
Edukacja Yale University , Skowhegan School of Painting and Sculpture , Maryland Institute College of Art
Znany z Obraz
Nagrody John Simon Guggenheim Memorial Foundation , National Academy Museum , National Endowment for the Arts , Ingram Merrill Foundation
Strona internetowa Patricka Webba

Patrick Webb (ur. 1955) to amerykański artysta, który przedstawił współczesne doświadczenia queer poprzez reprezentatywne obrazy narracyjne. Najbardziej znany jest ze swoich obrazów „Punchinello”, rozpoczętych na początku lat 90., na których występuje homoseksualny „everyman” oparty na włoskiej postaci z Commedia dell'arte , Pulcinelli . Historycy sztuki Jonathan D. Katz i Jonathan Weinberg umieszczają Webba wśród artystów, którzy dali wyraz stracie i żalowi związanemu z epidemią AIDS spoglądając poza przesyconą przesłaniem sztukę aktywistyczną i anty-ekspresyjny postmodernizm lat 80., ku ożywieniu tradycji narracji historii sztuki. Pisarze zwracają uwagę na jego prace ze względu na klasycznie wpływową technikę i patos w rozwinięciu lęków, fantazji, doświadczeń i społecznych dychotomii między sobą a Innymi, indywidualnymi i zbiorowymi, osobistymi i społeczno-kulturowymi. Czerpie ze strategii malarskich dawnych mistrzów, a także współczesnych artystów, takich jak Balthus , Jacob Lawrence , Philip Guston i magiczny realista Jared French. , budując scenariusze z architektonicznie ustrukturyzowanych kompozycji, starannie rozmieszczonych elementów i precyzyjnych gestów.

Patrick Webb, Punchinello w Ameryce , olej na płótnie, 108" x 255", 1995.

Webb otrzymał stypendium Guggenheima (2016) oraz nagrody od National Endowment for the Arts i National Academy Museum , między innymi. Od 1995 roku jest profesorem Pratt Institute na Brooklynie i mieszka z mężem, psychoanalitykiem, w Nowym Jorku.

Wczesne życie i kariera

Webb urodził się w Nowym Jorku w 1955 roku. Dorastał w bogatym kulturowo środowisku, które obejmowało wizyty w muzeach i operach z matką, malarką i rzeźbiarką, oraz ojcem, partnerem w Noonday Press ; intelektualiści tacy jak Richard Hofstadter , Irving Howe i Alfred Kazin należeli do ich kręgu towarzyskiego. Webb studiował sztukę w Maryland Institute College of Art (BFA, 1976), Skowhegan School of Painting and Sculpture (1977) oraz na Uniwersytecie Yale (MFA, 1979) z klasyczną orientacją, która koncentrowała się na malarstwie obserwacyjnym, analizie kompozycji historyczno-artystycznych i powielaniu technik starych mistrzów .

Po ukończeniu studiów Webb wykładał na University of Wisconsin Oshkosh i Cornell University , zanim przeniósł się do Nowego Jorku w 1983 roku. W tym czasie zaczął wystawiać w Bostonie (Alpha Gallery) i Nowym Jorku (Odyssia Galleries); w ciągu następnej dekady był prezentowany na wystawach zbiorowych między innymi w Butler Institute of American Art , Minnesota Museum of American Art i Clocktower Gallery („Pozytywne działania: Visual AIDS ”, 1990). W swojej późniejszej karierze Webb był prezentowany w instytucjach, w tym w Provincetown Art Museum (2008, 25-letnia ankieta), Bronx Museum , Tacoma Art Museum i Leslie-Lohman Museum of Art .

Wczesne prace Webba przedstawiały postacie z figlarnym erotyzmem w scenach miejskich i krajobrazach, na podstawie inspiracji takich artystów jak Edwin Dickinson . Według Nancy Grimes, w tej pracy szukał języka wizualnego, aby wyrazić gejowskie doświadczenia „w nieskrępowany, bezpośredni sposób, wolny od stereotypów i sentymentalizmu”. Pod koniec lat 80., wraz z rosnącym zagrożeniem i tragedią epidemii AIDS, Webb zwrócił się ku zdesperowanym i wściekłym, monumentalnym obrazom bitew ulicznych, pożarów i parad, z queerową tożsamością jako bardziej wyraźnym tematem. Często przerabiał klasyczne obrazy na tych płótnach, podważając główne normy kulturowe i seksualne, jak w tryptyku o wymiarach sześć na osiemnaście stóp, Halloween Parade (1989), alegoria śmierci inspirowana coroczną paradą w Greenwich Village, która odtworzyła Triumf Cezara Mantegny w queerowych kategoriach.

Patrick Webb, Punchinello pracuje: Shiva , olej na płótnie, 46" x 22", 1999.

obrazy „Punchello”.

W 1990 roku Webb zaczął malować prace, które reinterpretowały Pulcinellę - zamaskowanego oszusta z komedii dell'arte z czerwonymi dziobami lub głupca, którego spotkał w pracach Giovanniego Domenico Tiepolo - jako współczesnego homoseksualnego everymana, „Punchinello”, który służyłby jako plastyczny , powtarzalny bohater i surogat w swojej twórczości. Przyciągnęła go błazeńska naiwność bohatera, jego seksualnie prowokujący, falliczny czerwony nos i biały kapelusz oraz maska, które wyróżniały go jako szyfrującego outsidera, który mógł być jednocześnie specyficzny, anonimowy i uniwersalny. Pisarze sugerują, że te cechy nadają postaci tragiczno-komicznej i wyalienowanego, zdeterminowanego bohaterstwa, gdy walczy o indywidualność i tożsamość poprzez rytuały przejścia, codzienne doświadczenia, konflikty społeczne oraz bycie świadkiem i ofiarą kryzysu związanego z AIDS. Webb opisał obrazy Punchinello jako odzwierciedlające „humanistyczne przekonanie, że liczy się ludzkie doświadczenie”.

Wczesne obrazy „Punchinello” (1990–9)

Poeta Stanley Kunitz opisał wczesne cykle Webba jako „genialne i zjadliwe ewokacje XX-wiecznego Karnawału Śmierci [który] konfrontuje okropność z ironią, która wzbogaca i pogłębia ostateczny patos”. Wiele z tych prac zostało zaprezentowanych na jego pierwszej indywidualnej wystawie w Nowym Jorku w Amos Eno Gallery w 1993 roku. Jego pierwszy cykl, Punchinello: A Life, 1957–1990 , przedstawiał zwięzłą narrację w pięciu dyptykach, śledząc podróż od narodzin przez okres dojrzewania i seksualnego przebudzenia do dorosłości i przedwczesnej śmierci z powodu choroby sugerującej AIDS. Dyptyk Lamentacja / Przy łóżku Punchinella (1990–2), zainspirowany wizytą artysty w szpitalu u jego umierającego, a następnie zmarłego chłopaka, Chrisa Kalesa, który chorując na AIDS, był tylko niechętnie dotykany przez opiekunów. Praca czerpie z chrześcijańskiej ikonografii męczenników i została uwzględniona w podróżującym przeglądzie historycznym „Art AIDS America” (2015–207); należy do Leslie-Lohman Museum of Art. Dyptyk nabrał osobistego znaczenia jako przedstawienie doświadczenia Webba, gdy był świadkiem śmierci swojego kochanka i przewidywał własną śmierć po tym, jak uzyskał pozytywny wynik testu na obecność wirusa HIV. Poeta Marek Doty napisał, że maska ​​​​Punchinello zapewniała „bezpieczną odległość”, pozwalając Webbowi „przedstawiać smutki związane z epidemią AIDS ze szczególnie przekonującą powagą i wdziękiem”. W cyklu składającym się z czterech obrazów, Punchinello in America (1995, kompozycja muralu 9 'x 22'), Webb skupił się od straty do gniewu, przedstawiając postać walczącą w ulicznych demonstracjach i sądzie, brutalnie zlinczowaną i ostatecznie zwycięską.

W dwóch późniejszych cyklach Webb badał cielesność, wrażliwość i świat ciała jako alegorię własnej rewitalizacji i odkrycia, że ​​nie umiera. „Punchinello Goes West” (1996) został zainspirowany podróżą do zachodniego Teksasu i składał się z 18 kolejnych obrazów przedstawiających zabawną i przejmującą podróż do amerykańskiego mitu. Przedstawiają Punchinello testującego się w otwartym terenie i rodeo, biegającego z Javalinami oraz spotkania w salonach i barakach. Seria „Punchinello Works Out” (1997–2001) badała śmiertelność, wiek i pożądanie poprzez przedstawianie go jako wątłej postaci napinającej się obok silnych mężczyzn w podziemnej siłowni w Nowym Jorku. Obrazy — skompresowanych przestrzeni podzielonych przez lustra i maszyny — poprowadziły prace Webba w bardziej płaskim, bardziej abstrakcyjnym kierunku, podkreślając poczucie struktury i wzoru, które zawsze leżały u podstaw jego malarstwa.

Patrick Webb, Niedzielny brunch , olej na płótnie, 36" x 32", 2003.

Późniejsze obrazy „Punchinello” (2000–)

Praca Webba z 2000 roku coraz bardziej sugerowała przejście Punchinello od postaci skazanej na zagładę do ocalałego. Kilka cykli - „Dom” (2003–2005), „Życie małżeńskie” i „Punchinello Unloads” (oba z lat 2007–2010) - umieszcza go w zwykłych, intymnych lub komicznie smutnych narracjach domowych lub scenariuszach ciężkiej pracy fizycznej. Inne prace łączyły erotyczny urok i zagrożenie. Należą do nich serial „Cheat” (2004–2005), Punchinello and the Law: Contra Natum (2000) - który przedstawia go, który stara się być niepozorny, gdy przechodzi obok nieuśmiechniętego, wąsatego policjanta - lub Saved II (2002–3) i Upadły (2001–3), w którym zostaje uratowany przez strażaka i ratownika medycznego. Późniejszy cykl przedstawia go na zaludnionych ulicach Nowego Jorku jako różne osobowości operowe (np. Punchinello jako Figaro , 2007–2010); Krytyk ARTnews, Alex Taylor, opisał zestawienie niczym nie wyróżniających się scen miejskich i nieco oszałamiającej zamaskowanej obecności postaci jako oddawanie „piękna w obcości” i „niesamowitego poczucia dyslokacji”. City Art zwrócił uwagę na prace z tego okresu ze względu na „pięknie wyrzeźbione twarze, rytmiczne sylwetki i drobiazgowo opracowane choreografie gestów”, porównując je do obrazów Piero della Francesca i Balthus.

Prace na wystawach Webba „Noc i dzień” (2011) i „Na plaży nocą” (2012) ponownie zintegrowały krajobraz z jego twórczością i były odejściem od jasnych, intensywnych kolorów jego dziennych scen ulicznych. Obrazy te, będące metaforami życia i śmierci, zostały zainspirowane wspomnieniami, doświadczeniami z dzieciństwa Cape Cod oraz śmiercią jego matki i ojca. Odzwierciedlały one barokowe Tenebrist i były jednymi z jego najbardziej abstrakcyjnych i najmniej figuratywnych dzieł do tej pory, z w dużej mierze implikowanymi formami - Punchinello wśród rodziny, w bachanałach z innymi mężczyznami rozbierającymi się i tarzającymi się po okolicy - wyłaniającymi się z nocnych scen ognisk nad morzem, które Webb studiował z pierwszej ręki, szkicując bezpośrednie obrazy na plaży z magiczną latarką przyczepioną do czoła.

Patrick Webb, Tinker Tailor Soldier Sailor , olej na płótnie, 60" x 119", 2013–2019.

W latach 2013-2018 Webb stworzył swoją nastrojową, składającą się z sześćdziesięciu dwóch płócien serię „Tinker Tailor”, która wykorzystuje brytyjską rymowankę jako punkt wyjścia do karnawałowego świata Punchinellos, ucieleśniającego wiele tożsamości, anachroniczne czynności, doświadczenia z dzieciństwa i wspomnienia ekranowe. Jonathan Katz nazwał zamaskowaną postać trafną figurą queerowości: „napiętą kombinacją zakamuflowanego, ale przesadnego przedstawienia osobowości”. W 2020 roku Webb stworzył „The COVID Paintings”, szeroko zakrojoną serię, która łączy tę epidemię i związaną z nią izolację z jego wcześniejszymi pracami na temat HIV, jednocześnie czerpiąc z motywów i obrazów z całej jego kariery i historii sztuki. Jedna z tych prac, Covid: Central Park , otrzymał Złoty Medal za konkursową wystawę „Covid Dreams” sponsorowaną przez firmę Artavita.

Nagrody i uznanie

Webb otrzymał stypendia Fundacji Johna Simona Guggenheima (2016), Art Matters (1992) oraz National Endowment for the Arts (1988, 1986, 1984). Otrzymał nagrody National Academy Museum (Thomas B. Clarke Award in Painting, 1988), Ingram Merrill Foundation (1995, 1989) i Artavita (2020). Oprócz nauczania w Pratt, był artystą wizytującym między innymi w Cranbrook , Johns Hopkins University , Maryland Institute College of Art, Rhode Island School of Design i Yale University.

Prace Webba należą do publicznych kolekcji Boston Public Library , Leslie-Lohman Museum of Art, Provincetown Art Association and Museum , Queensboro College Museum (CUNY), Rose Art Museum , University of Wisconsin Oshkosh i Zimmerli Art Museum , oprócz kilka kolekcji firmowych. Jego obrazy są reprodukowane w kilku książkach o sztuce amerykańskiej, w tym Male Desire: The Homoerotic in American Art (2005) Jonathana Weinberga , Art AIDS America (2015) Jonathana Katza oraz Rock Hushka i Queer Holdings: A Survey of the Leslie-Lohman Museum Collection (2020).

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Patrick_Webb_(artist)&oldid=1131675532 ”