Sandeep Mukherjee

Sandeep Mukherjee
Urodzić się 1964 (wiek 58–59)
Pune, Indie
Narodowość Indyjski, amerykański
Edukacja Uniwersytet Kalifornijski w Los Angeles , Otis College of Art and Design , Uniwersytet Kalifornijski w Berkeley Manipal Institute of Technology
Znany z Malarstwo, rysunek, instalacje, sztuka publiczna
Nagrody Stypendium Guggenheima , miasto Los Angeles (COLA), California Community Foundation
Strona internetowa sandeepmukherjeeart .com
Sandeep Mukherjee, Mutual Entanglements , akryl na duralenie, 7 stóp × 50 stóp (2,1 m × 15,2 m), 2015 r. Widok instalacji, Chimento Contemporary, Los Angeles

Sandeep Mukherjee (ur. 1964) to indyjsko-amerykańska artystka mieszkająca w Los Angeles, która zajmuje się malarstwem, rysunkiem i instalacją . Jego prace angażują się w dyskurs sztuki procesowej , tkaniny artystycznej , modernistycznego malarstwa abstrakcyjnego i tradycyjnej sztuki Wschodu , równoważąc naciski na materialność, fizyczność występującego ciała i widza, przestrzeń architektoniczną i obraz. Najbardziej znany jest ze swoich zorientowanych na proces, improwizowanych prac abstrakcyjnych - często obrazów wykonanych tuszem akrylowym i farbami na teksturowanych lub filmowych powierzchniach - które starają się reprezentować zmienną, płynną materię i sfery graniczne między subiektywnym doświadczeniem a obiektywną informacją. Wczesne prace Mukherjee były figuratywne; jego późniejsze prace, choć abstrakcyjne, są często porównywane do krajobrazu i zjawisk mikroskopowych, naturalnych lub niebieskich. Krytyk Los Angeles Times, Christopher Knight opisał to jako „ekstatyczną abstrakcję, zbudowaną z koloru, linii, ruchu i światła. Jak taniec wykonywany przez wirującego derwisza, który ustawia się między światem materialnym a kosmicznym”.

Mukherjee otrzymał między innymi stypendium Guggenheima i nagrody od miasta Los Angeles i California Community Foundation . Wystawiał na arenie międzynarodowej, a jego prace znajdują się w kolekcjach publicznych, w tym w Museum of Modern Art (MoMA), Los Angeles County Museum of Art , Museum of Contemporary Art Los Angeles (MOCA), Kiran Nadar Museum of Art i Colección Jumex . Mieszka i pracuje w Los Angeles i był profesorem sztuki w Pomona College w Claremont w Kalifornii od 2006 roku.

Wczesne życie i kariera

Mukherjee urodził się w Pune w Indiach w 1964 roku. Początkowo kształcił się jako inżynier przemysłowy, zdobywając stopnie naukowe w Manipal Institute of Technology w Mangalore w Indiach (BS, 1986) i University of California, Berkeley (MS, 1988). Przez pięć lat pracował jako inżynier w firmie Texas Instruments w Tustin w Kalifornii , a w wolnym czasie zajmował się sztuką. W latach 1991-1993 uczęszczał na kursy sztuki w miejscowym college'u, następnie zapisał się do Otis College of Art and Design w Los Angeles, uzyskując tytuł BFA w 1996 roku i ukończył studia na Uniwersytet Kalifornijski w Los Angeles (MSZ, 1999).

Mukherjee po raz pierwszy zwrócił na siebie uwagę krytyków dzięki wystawom indywidualnym w Margo Leavin Gallery i Pomona College Museum of Art w Los Angeles oraz wystawom zbiorowym na California State University, MOCA Los Angeles („Rozmowy”, 2003) i Hammer Museum . Od tego czasu miał wystawy indywidualne w Bangladeszu, Niemczech, Indiach i Stanach Zjednoczonych, w Pitzer College , Sister and Chimento Contemporary (Kalifornia), Brennan & Griffin (Nowy Jork), Project 88 (Mumbai) i Dhaka Art Summit , pośród innych. Występował także na wystawach zbiorowych w MoMA, programy BravinLee oraz Centrum MAK w Domu Schindlera .

Praca i recepcja

Odkąd zdobył tytuł MSZ, Mukherjee tworzy rysunki i obrazy na papierze i Duralenie — półprzezroczystej, przypominającej welin folii polimerowej, która symuluje śliską świetlistość celuloidu. Ta praca miała na ogół zarówno obecność rzeźbiarską, poprzez manipulacje powierzchnią (zagniecenia, fałdy, wcięcia i ukłucia), jak i aspekt architektoniczny, poprzez wielopanelowe, przypominające murale prace, które przechodzą przez ściany, skręcają rogi i wchodzą w interakcje ze światłem ich spacje. Początkowo były to minimalistyczne, precyzyjnie narysowane, wytłoczone i nacięte rysunki nagich postaci unoszących się w eterycznych polach kolorów, z erotycznym podtekstem, który wywodził się zarówno z ich motywów, jak i powierzchni przypominających skórę. W połowie 2000 roku przeszedł do abstrakcji zorientowanych na proces, zastosowanych i przerobionych za pomocą spontanicznych, rytmicznych gestów za pomocą pędzli, betonowych miotły, rzeźbionych rolek, gąbek i patyczków higienicznych; przywołują fizyczność ciała i własne stworzenie, sugerując zjawiska naturalne i geologiczne, wydarzenia kosmologiczne i mapy topograficzne. Autor Claudia Rankine porównała „sposób wymazywania [który] Mukherjee cofa lata pracy… odkładane, przywracane i zamalowywane” do badania historii rasowej, które tworzy głębię ostrości, przesuwając teksty i wydarzenia „żywe lub martwe do przodu” wyobraźni w zależności od tego, gdzie stoisz”.

Sandeep Mukherjee, Untitled (One More Time) , Detal 3, akryl, kolorowy ołówek i wytłoczony rysunek na duralenie, 25 cali × 300 cali (64 cm × 762 cm) (cała praca), 2002

się i spiralne formy, złożone powierzchnie i wzory oraz głęboko nasycone kolory obrazów Mukherjee do prac eksperymentalnych „ bezpośrednich” twórców filmowych ( np . do Światła i Kosmosu Południowej Kalifornii ruch. Pisarze często przypisują także jego twórczości wymiar kontemplacyjny, duchowy lub romantyczny, ze względu na filozoficzne eksploracje zatartych granic między nauką a sztuką, subiektywnym i przedmiotowym oraz przestrzenią i czasem; jest często łączony z wcześniejszą „duchową abstrakcją” takich artystów jak Lee Mullican , Jay DeFeo , Richard Pousette-Dart i Lee Bontecou .

Wczesne prace figuratywne (1999–2003)

Minimalistyczne prace figuratywne Mukherjee łączyły aspekty azjatyckich tradycji artystycznych z zachodnimi koncepcjami podmiotowości poprzez zmieniające się relacje postaci i podłoża, światła i przestrzeni oraz punktów widzenia. Sztuka w Ameryce” Michael Duncan napisał, że te rysunki „sugerują fantastyczne, przewiewne wewnętrzne królestwo, w którym rozrzedzona samoświadomość manifestuje się jako czysta fizyczność”. Składały się z wielu obrazów własnej głowy i nagiego ciała Mukherjee, skrupulatnie odwzorowanych za pomocą jasnych linii konturowych ołówka, ukłuć igłami oraz wytłoczonych lub pofałdowanych kształtów, które unosiły się przez delikatnie kolorowe, monochromatyczne pola nacięte motywami kwiatów, liści, wybuchów gwiazd i fal. woda. Złożone powierzchnie Duralene i papieru – nieregularne płaszczyzny fałd, zagięć i perforacji przypominających tatuaże – pochłaniały i odbijały światło, rzucając cienie, które zmieniały się, gdy widzowie zmieniali pozycję, tworząc wizualne połączenie abstrakcji i figuracji, malarstwa i płaskorzeźby. Krytyk Los Angeles Times, David Pagel, zasugerował, że rysunki „łączą podwyższoną ostrość percepcyjną klasycznych instalacji Światła i Przestrzeni z przyjemnościami płynącymi z klasycznych obrazów figuratywnych w niezwykle oryginalny sposób”.

Mukherjee prezentował tę pracę przede wszystkim na wystawach indywidualnych w Margo Leavin Gallery w Los Angeles (2000, 2002) oraz w Pomona College Museum of Art (2004). Centralnym elementem pokazu z 2002 roku był wąski, 110-stopowy (34 m) mural otaczający cztery ściany, na którym znajdowały się autoportrety w dużej mierze niewidoczne z daleka, które zostały narysowane, nacięte lub pogniecione na Duralene namalowanym z tyłu bogatą, płaską odcienie różu, pomarańczy i żółci. Poruszając się od lewej do prawej, utwór przechodził od delikatnych skupisk falujących głów do dużej głowy i spadających nagich ciał rosnących do naturalnej wielkości na pociętych i złożonych polach gwiazd, gwiazd i kwiatów, do szeroko otwartych, uśmiechniętych głów. Krytycy sugerują, że praca wyraża współczesne poszukiwanie oświecenia i jaźni, z jej nieokreśloną przestrzenią przywołującą pierwotne, prenatalne wspomnienia lub doświadczenia poza ciałem osiągnięte poprzez medytację, praktykę duchową lub ekstazę seksualną; Christopher Knight nazwał to „delikatnie epicką narracją zmysłowej przyjemności i pozazmysłowego cudu”.

Praca abstrakcyjna (2004–)

Sandeep Mukherjee, Untitled (Panel 2) , akryl, tusz akrylowy i wytłoczony rysunek na duralenie, 60 cali × 102 cale (150 cm × 260 cm), 2011.

W 2004 roku Mukherjee przeszedł od figuracji do całkowitej abstrakcji, tworzonej poprzez zróżnicowane, pracochłonne procesy malowania pędzlem, kapania, mazania, przeciągania i wymazywania wodnistych atramentów akrylowych. Osiągnął pozornie niewyczerpany zakres tekstur i wzorów, które sugerowały promieniujące mozaiki, skamieniałe kamienie, słoje drzew lub mandale, które zestawił z przeważnie białymi obszarami liniowych promieni i falującymi formami wyrzeźbionymi na powierzchni Duralene. Przedstawił tę pracę na indywidualnej wystawie w Sister w 2005 roku, której centralnym elementem jest monumentalna praca Untitled (Centrifugal) , był pięciopanelowym dziełem o wymiarach 8 stóp × 25 stóp (2,4 m × 7,6 m), składającym się z monochromatycznych, spiralnych pierścieni i pól wytłoczonych, promieniujących linii, które zakrzywiały i wyginały powierzchnię w ostro wyryte góry i doliny cienia i światło.

W latach 2006-2010 Mukherjee rozwijał tę pracę poprzez kilka nowych cykli. Jego wystawy w Sister and Cottage Home (2008) przedstawiały kalejdoskopowe kompozycje nakładających się i splecionych spiral na tle obszarów czarnego, pomarszczonego Duralenu. Krytycy porównywali je do lirycznych, awangardowych powiększeń z klatek filmowych, emanacji słonecznych i mikroskopijnych komórek; Krytyk LA Weekly, Christopher Miles, opisał ich efekt jako „zawrotny, wyzwalający i nawiedzający”. Mukherjee skonfrontował te halucynacyjne prace z minimalistycznymi pracami i seriami, takimi jak Untitled (Black Valley) (2008) - który zawierał trzy błyszczące, czarne, wytłoczone kształty gwiazd, otoczone dwoma dużymi matowo-czarnymi kształtami - oraz gęste, ale oszczędne „krajobrazy” z jego czarno-białej serii „Thicket” (2009–2010).

Sandeep Mukherjee, Tree Skin , akryl i tusz akrylowy na ręcznie formowanych panelach aluminiowych, 4 panele o wymiarach 1,8 m × 1,2 m każdy, 2018 r. Widok instalacji, The Kitchen & The Racial Imaginary Institute, Nowy Jork.

Prace na kolejnych wystawach w Project 88 (2011, 2014), Brennan & Griffin (2012) i Chimento Contemporary (2015) przedstawiały wirujące, zygzakowate i splatające się sekwencje wstęg, które przechodziły od abstrakcji do sugestii nici DNA i mikroskopowych, botanicznych czy kosmologicznych formy. Ich półprzezroczyste zielone, brązowe, pomarańczowe i żółte pasy zawierały skrupulatnie wyszczotkowane prążki nałożone warstwowymi pociągnięciami i były osadzone na czarnych polach pofałdowanych sieciami zapadających się siatek i wypukłości (np. Splice, 2012; serie „Tear” i „Palimpsest” , 2014 –5). W programie Chimento znalazły się Mutual Entanglements, otaczająca dwuścienna fototapeta o wymiarach 7 stóp × 50 stóp (2,1 m × 15,2 m), której spryskane i przeciągnięte kolory brązowe, zielone, fioletowe i indygo oraz abstrakcja organiczna sugerowały bujną tropikalną dżunglę. Mural był niezwykły, ponieważ jego konstrukcja i orientacja były nieokreślone i płynne, z panelami, które - zgodnie z instrukcjami galerii Mukherjee - mogły być instalowane w dowolnym kierunku lub kolejności, a jednocześnie zachowywały spójność, pomimo braku powtarzającego się wzoru.

W instalacjach z lat 2016-2020 Mukherjee rozszerzył wymiar swojej pracy poza relief do pełnej rzeźby. 48-stopowy (15 m) element ścienny Elemental (2016) wykorzystywał osiem złożonych aluminiowych paneli, których kolory i pomalowane formy przywodzą na myśl stopioną lawę lub ewoluujący wszechświat. Na wystawach w 68 Projects („Molting the Fractured”, Berlin, 2017) i The Kitchen („On Whiteness”, 2018) prezentował ręcznie formowane aluminiowe prace wielkości człowieka pokryte akrylem, które zwisały z sufitu i sięgały podłogi ; ten ostatni program Tree Skin (2018) składał się z dwóch utworów, które odwołują się do pni dębów jako cielesnego zamiennika, przywołując zarówno zrogowaciałe, jak i zwietrzałe mięso oraz miejsca linczu, aby odnieść się do przemocy popełnianej na ciałach innych niż biały.

Uznanie i kolekcje

Mukherjee otrzymał stypendia od Fundacji Pamięci Johna Simona Guggenheima oraz Villa Aurora & Thomas Mann House eV (oba w 2017 r.), Departamentu Kultury Miasta Los Angeles (COLA, 2015–6) oraz California Community Foundation (2009) . Otrzymał publiczne zamówienia artystyczne na stałe instalacje w Los Angeles - na stadionie SoFi i siedzibie Facebooka w 2020 r. - oraz w Toledo w stanie Ohio w sądzie Stanów Zjednoczonych Jamesa M. Ashleya i Thomasa WL Ashleya również w 2020 r.

Prace Mukherjee należą do publicznych kolekcji Museum of Modern Art, Museum of Contemporary Art Los Angeles, Los Angeles County Museum of Art, Hammer Museum , Colección Jumex ( Mexico City), Kiran Nadar Museum of Art (New Delhi), Nerman Museum of Contemporary Art , Orange County Museum of Art , Portland Art Museum , San Jose Museum of Art i Weatherspoon Art Museum , oprócz kilku kolekcji prywatnych, korporacyjnych i uniwersyteckich.

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Sandeep_Mukherjee&oldid=1084627618 ”