Takesadę Matsutaniego

Takesada Matsutani ( 松谷武判 Matsutani Takesada , urodzony 1 stycznia 1937 w Osace , Japonia ) , to japoński artysta awangardowy z siedzibą w Paryżu i Nishinomiya . Aktywny jako malarz od lat 50. XX wieku, praktyka Matsutaniego obejmuje również rzeźbę obiektową, grafikę i instalacje. Matsutani był członkiem Stowarzyszenia Sztuki Gutai od 1963 do jego rozwiązania w 1972. Lider Gutai Jirō Yoshihara priorytetowo traktował innowacyjność artystyczną i oryginalność, lekcja, która pozostała z artystą przez całą jego karierę.

Od 1961 roku Matsutani używa kleju do drewna , który był wówczas nowym materiałem dostępnym w powojennej Japonii, do tworzenia organicznych form na powierzchni płótna. Zafascynowany różnorodnością sugestywnych kształtów, które ujawniły się podczas manipulacji klejem zmieszanym z farbą, artysta regularnie powracał do tych biomorficznych form w różnych mediach i stylach, a nawet dostosowywał je do kontekstu malarstwa hard-edge w latach 70 . .

Po otrzymaniu stypendium na sześciomiesięczne studia w Paryżu w 1966 roku, Matsutani zdecydował się osiedlić tam na stałe. W późnych latach 60. i 70. pracował głównie jako grafik. Od końca lat 70., równolegle z malarstwem, Matsutani wykorzystuje grafit i papier jako bazę dla wielkoformatowych instalacji zatytułowanych Strumienie. Prace te, zwieńczone performansem artysty in situ, eksplorują czas, energię i transformację w stonowanych odcieniach czerni i bieli.

Prace Matsutaniego są reprezentowane w wielu muzeach sztuki i kolekcjach na całym świecie. W 2002 roku artysta, który spędził dużą część swojego dzieciństwa w Nishinomiya , otrzymał nagrodę kulturalną miasta Nishinomiya.

Biografia

Wczesne życie i kariera

Matsutani urodził się w Osace w 1937 roku. Jego zainteresowanie sztukami wizualnymi rozwinęło się wcześnie, co ilustruje stosunkowo wyrafinowany akwarelowy pejzaż, który ukończył w 1950 roku, gdy miał zaledwie trzynaście lat. Podczas gdy artysta utrzymuje, że miał „regularne wychowanie po drugiej wojnie światowej”, w 1951 roku zachorował na gruźlicę , wyniszczającą chorobę, z którą walczył z przerwami przez osiem lat.

W 1954 roku jego stan ustabilizował się i został przyjęty do Miejskiego Liceum Sztuk Przemysłowych w Osace (Ōsaka Shiritsu Kogei Gakkō) w 1954 roku, gdzie studiował nihonga , tradycyjne malarstwo japońskie. Dwa lata później ciężko zachorował i został zmuszony do przerwania nauki i pozostania w szpitalu i domu. Szkicował to, co znajdowało się w jego najbliższym otoczeniu, zwłaszcza rośliny i zwierzęta domowe, w tym psa, kota i ptaka.

Nie mogąc oficjalnie ukończyć studiów, Matsutani uczęszczał na zajęcia z rysunku organizowane przez Miejskie Stowarzyszenie Sztuki Nishinomiya, gdzie uczył się pod okiem artystów takich jak abstrakcyjni kaligrafowie Waichi Tsutaka i Suda Kokuta . W 1957 roku przesłał pejzaż The Rock's Surface do sekcji nihonga 8. Wystawy Miejskiej Nishinomiya. Zgłoszenie zostało zaakceptowane i przyciągnęło uwagę jurora artysty, Shosaku Arao, który zaprosił go do odwiedzenia swojego atelier. Wkrótce rozwinęli relację uczeń-nauczyciel.

Arao, którego kubistyczny styl stawał się coraz bardziej abstrakcyjny, zachęcał Matsutaniego do eksperymentowania z abstrakcją. Matsutani wspomina, że ​​Arao „wydawał się próbować znaleźć uczciwy sposób wyrażenia swojego wewnętrznego„ obrazu ””. W tym czasie Matsutani był również zapalonym czytelnikiem i zainteresowany nowymi nurtami w sztuce współczesnej na całym świecie. Prenumerował japońskie czasopismo o sztuce Bijutsu Techo i czytał przetłumaczone zbiory esejów. Zauważa, że ​​szczególne wrażenie zrobił na nim punkt i linia na płaszczyźnie Kandinsky'ego .

Pod koniec lat pięćdziesiątych Matsutani stworzył serię obrazów, które, choć pozostały figuratywne, wykorzystywały styl bardziej ekspresjonistyczny i zawierały elementy abstrakcyjne. Jednym z takich obrazów jest Life-B z 1959 roku, na którym uproszczona, wydłużona postać wydaje się biec do przodu z rękami nad głową w uroczystej pozie. Abstrakcyjny kształt namalowany za postacią wygląda jak para rozpostartych skrzydeł. Eksperymenty Matsutaniego były nie tylko obrazowe, ale i materialne: do tego obrazu zmieszał piasek ze swoją nihonga pigmenty. Artysta mówi, że źródłem takich prac była udręka, jaką odczuwał podczas lat samotności i choroby: „Wyraziłem na zewnątrz swój wewnętrzny konflikt i próbowałem zrzucić z siebie ten ciężar. W ten sposób przeszedłem od realizmu do abstrakcji poprzez mój własny „obraz” wnętrza”.

Udział w Gutaju

Matsutani był świadomy Gutai Art Association (具体美術協会, Gutai Bijutsu Kyōkai lub w skrócie Gutai) już w 1956 roku, ale wyjaśnia, że ​​„naprawdę czuł się w sprzeczności z tą grupą, która była wściekłością w Kansai”. Przyznając, że początkowo był „odczarowany” przez Gutai, którego różnorodne awangardowe działania były uważane przez wielu w tamtym czasie za dziwaczne lub frywolne, po raz pierwszy zainteresował się grupą dzięki dyskusjom z członkiem Gutai, Sadamasą Motonagą , którego po raz pierwszy spotkał na zajęciach plastycznych w społeczności Nishinomiya. Matsutani wkrótce całkowicie porzucił malarstwo figuratywne i przyjął Art Informel , cytując Jeana Fautriera jako jedną z ważnych inspiracji. Rozwinął materialność swoich obrazów, używając różnych mediów, w tym olejów i akryli, piasku i cementu oraz tworząc bogate, teksturowane powierzchnie.

Chociaż prace Matsutaniego pojawiały się na wystawach Gutai od 1959 roku, nie dawało to młodemu artyście wejścia do grupy. Jirō Yoshihara , lokalny artysta i jedyny lider Gutai, niezłomnie głosił od czasu powstania grupy, że artyści Gutai mają „tworzyć to, czego nigdy wcześniej nie robiono”. W związku z tym Yoshihara nie interesował się płótnami inspirowanymi informelem Matsutaniego, mówiąc artyście, że „takie rzeczy już istnieją”.

Prace wykonane klejem

Stojąc przed wyzwaniem stworzenia czegoś na tyle oryginalnego, by zaimponować Yoshiharze, Matsutani zastanawiał się nad rodzajem grafiki, którą chciał wykonać: „Chciałem zrobić coś organicznego, coś trójwymiarowego. Coś, co miałoby objętość i zwisałoby jak sople lodu lub stalaktyty . " Matsutani cytuje również jako inspirację doświadczenie oglądania próbek komórek pod mikroskopem, dzięki przyjacielowi ze szkoły medycznej.

W 1961 roku artysta zaczął eksperymentować z klejem z polioctanu winylu, powszechnie znanym jako klej do drewna lub klejem Elmera w Stanach Zjednoczonych, nowym produktem dostępnym w powojennej Japonii. Artysta kapał klej na powierzchnię płótna, które następnie odwracał i pozostawiał do wyschnięcia. Wspomina, że ​​w wietrzny dzień klej wysechł w nieoczekiwany sposób: „niektóre części wyglądały jak pęcherze, a inne przybrały przezroczysty kształt sutka [...] Moja wrażliwość na formy organiczne, które istniały głęboko w środku obudziła się moja świadomość”. Artysta, mieszając klej winylowy z farbą, dmuchał również w utworzone przez klej formy, nadmuchując je, tworząc na płótnie wybrzuszenia, które czasem pękały.

Matsutani pokazał swoje nowe prace członkom Gutai, którzy zachęcili go do zaprezentowania ich Yoshiharze. Yoshihara był rzeczywiście zadowolony, a Matsutani oficjalnie otrzymał członkostwo w Gutai w 1963 roku. Matsutani miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w październiku tego samego roku w Gutai Pinacotheca, przebudowanym magazynie w Nakanoshima w Osace, który służył jako przestrzeń wystawiennicza.

Prace Matsutaniego z klejem przywołują na myśl ludzkie ciało, sugerując zarówno przemoc, jak i rozmnażanie płciowe. Jego pierwsze prace z klejem wykorzystywały zaokrąglone, przypominające siniaki formy w odcieniach błękitu, fioletu i zieleni. Trójwymiarowość nowego materiału, z jego fałdami i fałdami wyrastającymi z powierzchni, przywodzi na myśl ciało i krosty. Na swojej pierwszej indywidualnej wystawie Matsutani zaprezentował serię obrazów z kontrastującą paletą kolorów bieli i czerwieni, które naśladują skórę i krew. Francuska historyk sztuki, Germaine Viatte, skomentowała, że ​​​​„panowała [na wystawie] przypadkowa przemoc w wykluwaniu tych naciętych form, pomalowanych od wewnątrz surową czerwienią”.

Otwory, zgrubienia i cieliste odcienie prac Matsutaniego równie łatwo poddają się erotycznym interpretacjom, czego Matsutani jest świadomy: „W tamtym czasie wielu ludzi odczuwało odrazę. Nawet teraz kobiety często tak mówią. Mówią, że wygląda to jak pośladki, narządy płciowe lub brzuch kobiety brzemiennej”. Wiele obrazów Matsutaniego z tego okresu obfituje w odniesienia seksualne, takie jak Praca '65, na których formy przypominające plemniki wydają się płynąć w kierunku białego otworu w kształcie sromu. Inne obrazy, jak Praca 66 Życie, swoim jajowatym kształtem i żółtkowym środkiem przywodzi na myśl embrion w jego najwcześniejszych stadiach. Historyk sztuki Jean-Michel Bouhours również skomentował „potężne analogie” między nasieniem a klejem winylowym.

, Ming Tiampo, scharakteryzował wyjątkowość produkcji Matsutaniego w latach 60 . minimalizm ”.

Chociaż Matsutani przeniósł się do Paryża w 1966 roku, nadal brał udział w wystawach Gutai, wysyłając grafiki wykonane we Francji do swoich kolegów artystów. Jego udział ustał w 1972 roku wraz z rozwiązaniem grupy po śmierci Yoshihary.

Przeprowadzka do Paryża

Podczas gdy Germaine Viatte wspomina, że ​​Matsutani nigdy nie myślał o wyjeździe z Japonii, w 1966 roku otrzymał stypendium na sześciomiesięczne studia w Paryżu po tym, jak wziął udział w konkursie zorganizowanym przez Mainichi Shinbun i Institut Frano-Japonais w Kioto . Matsutani przybył do Paryża bez chęci zapisania się na Sorbonę lub École des Beaux-Arts , a zapisał się jedynie na obowiązkowe kursy języka francuskiego. Zamiast tego po zwiedzeniu paryskich muzeów zadał sobie pytanie: "skąd bierze się ta kultura i takie podejście do życia? Gdzie jest jej przeszłość?" i wyruszył w podróż przez miesiąc, odwiedzając Egipt , Grecję i Włochy .

Matsutani przestał pracować z klejem po przybyciu do Paryża, ale wkrótce miał nadzieję, że ponownie zacznie tworzyć dzieła sztuki. Skupił się na Atelier 17, pracowni grafika Stanleya Williama Haytera , którego grafiki oglądał jako licealista w Japonii i głęboko go poruszył. Hayter powitał młodego artystę, który miał niewielkie doświadczenie w grafice. Mimo to kontynuował tworzenie licznych miedziorytów, opierając się na swojej fascynacji formami organicznymi. Propagacja _ seria drukowana z 1967 roku jawi się jako graficzne rozszerzenie malarstwa Matsutaniego za pomocą kleju, przedstawiające czarno-biały wszechświat transformujących się komórek.

Po zakończeniu sześciomiesięcznego stypendium Matsutaniego zdecydował się pozostać we Francji i kontynuować pracę w studiu Haytera, przez jakiś czas zarabiając na życie jako zmywacz do naczyń w japońskiej restauracji, ale wkrótce został asystentem Haytera. Pozostał w Atelier 17 jeszcze przez cztery lata, pracując punktualnie dla innych artystów, takich jak Kumi Sugai , słynny japoński grafik mieszkający w Paryżu. W 1970 roku artysta opuścił Atelier 17 i rozpoczął pracę w pracowni sitodruku grafików Lorny Taylor i Kate Van Houten, z którą później się ożenił.

Matsutani koncentrował się na grafice przez większą część lat 70., kontynuując eksperymentowanie z nowymi stylami. Na początku dekady artysta mieszkał krótko z żoną w Nowym Jorku, w okresie, w którym zetknął się z malarstwem hard-edge, które było powszechne w ówczesnych galeriach Chelsea. Po powrocie do Paryża stworzył kilka ostrych obrazów, które pomimo zmiany stylu utrzymały zainteresowanie artysty formami organicznymi. Historyk sztuki Izumi Nakajima opisał, jak płaskie kształty Matsutaniego „puchną jak ciastka ryżowe i rozszerzają się na inne sekcje kolorów i poza prostokątny kształt ramy. Chociaż prace zachowują swoją płaskość dzięki swojej formie, obraz zdradza płaski wszechświat, sugerując koncepcje grawitacji , ruch i głośność”.

Nakajima podkreśla sympatię Matsutaniego do amerykańskiego malarza Ellswortha Kelly'ego , który kiedyś mieszkał w Paryżu i którego prace konceptualnie odbiegały od minimalizmu, ponieważ Kelly „dążył do osiągnięcia abstrakcyjnych, konceptualnych i duchowych form”. Nakajima zauważa, że ​​„twarde obrazy Kelly'ego i Matsutaniego były rozumiane jako obrazy, które zapewniają miejsce na psychologiczne powiązania”.

strumieniowe i najnowsze malowanie

W 1976 roku Matsutani powrócił do najprostszych materiałów, papieru i ołówka grafitowego, pragnąc odnowić swoją praktykę artystyczną, jednocześnie obejmując, jak mówi artysta, „ducha Gutai”, który konsekwentnie popychał artystę do rzucania wyzwań samego siebie. Artysta wspomina:

Zamiast szkicować, jak robiłem to wcześniej, chciałem zobaczyć, jaki rodzaj „powierzchni” wyłoni się z nagromadzenia powtarzających się pociągnięć ołówkiem. Rzeczywiście, pojawiła się powierzchnia o odcieniu czerni, w przeciwieństwie do obrazu olejnego lub atramentu sumi. Ponieważ każda linia była rysowana ręcznie, kąt padania światła na nią ukazywał lub ukrywał ślady ołówka i odcienie grafitu [...] Obiecałem sobie, że będę rysował dalej, aż powierzchnia stanie się czarna.

To, co zaczęło się jako małe rysunki grafitowe, wkrótce stało się monumentalne. W 1977 roku Matsutani stworzył prace Stream-1 i Stream-2 , używając dziesięciometrowej rolki papieru, skrupulatnie rysując długie pasma, warstwa po warstwie, stopniowo czerniąc papier. Ostatnim gestem artysty jest wylanie benzyny lakowej lub terpentyny na koniec opaski, upłynnienie grafitu i utworzenie wyrazistej kaskady czerni, która spływa po ścianach na ziemię. Jak zauważyła historyk sztuki Valérie Douniaux, „ strumienie są jak samo istnienie, czasem spokojne, czasem burzliwe.” Co ważne, ten moment finalizacji odbywa się in situ, dodając do prac element performatywny.

Od wczesnych lat 80. prace Stream przybierały różne formy i stały się bardziej specyficzne dla miejsca. Zostały one zainstalowane zarówno w tradycyjnych miejscach wystawienniczych, takich jak galerie i muzea, jak iw przestrzeniach religijnych, takich jak świątynie, kaplice i kościoły. Matsutani wprowadził takie elementy, jak kamienie, belki poprzeczne, worki z wodą, tkaniny i atrament sumi. Podczas gdy występy artysty są różne, obecność artysty uświadamia przepływ czarnego grafitu, potwierdzając, że dzieło „jest w procesie stawania się i nieustannej transformacji”.

Prace Stream , z ich przejmującym wykorzystaniem czerni i intensywnej, medytacyjnej procedury, okazały się bogate w interpretacje. Wielu postrzega tę serię jako powrót do japońskich korzeni artysty, którymi artysta zainteresował się na nowo w latach 70. Istnieje wyraźny związek między czernią a atramentem sumi , używanym do kaligrafii . Artysta wyraził również znaczenie zobaczenia ekranu sosen autorstwa XVI-wiecznego malarza Tōhaku Hasegawy podczas wizyty w Japonii praca wykonana tuszem na papierze przedstawiająca japońskie sosny we mgle, która „zainspirowała [Matsutaniego] jasną wizją tego, co on sam miał nadzieję osiągnąć”. Komentując powtarzalną praktykę Matsutaniego w tworzeniu długich pasów czarnego grafitu i zauważając, że buddyzm „był centralnym elementem edukacji Matsutaniego od jego dzieciństwa”, historyk sztuki Christine Macel stwierdza, że ​​„Matsutani jest bliski wskazaniom zen [buddyzmu], nawet chociaż tego nie praktykuje”.

A jednak Izumi Nakajima przekonuje, że „trochę uproszczeniem byłoby uznanie Stream [...] za powrót do tradycji”. Takie prace mają też silny element metafizyczny. Germaine Viatte zauważa, że ​​pod koniec lat 70. artysta osiągnął wiek średni i, logicznie rzecz biorąc, „czas wtargnął w sztukę Matsutaniego”. Toshio Yamanashi dodaje: „Głębia ciemności reprezentuje nie tylko grubość nagromadzonych linii ołówka, ale także osadzanie się czasu i znaki, które artysta robi, aby potwierdzić, że żyje. Głęboka gęstość czerni jest nieodłącznym elementem żywego pulsu artysty, który poświęcił się czarnemu materiałowi”.

Równolegle do swoich wielkoformatowych instalacji Stream , Matsutani nigdy nie przestał tworzyć obrazów za pomocą kleju, nieustannie badając nieskończone wariacje, jakie zapewnia ten wyjątkowy materiał. Zaczął nakładać grafit na formy w kleju pod koniec lat 70., tworząc na płótnie przypominające cienie wariacje, które odniósł do idei piękna i światła podzielanych przez Jun'ichirō Tanizakiego w jego eseju Pochwała cieni . Podczas gdy przez wiele lat paleta Matsutaniego pozostawała głównie czarno-biała, od 2013 roku artysta zaczął sięgać po żywiołowe odcienie żółci, zieleni i błękitu.

Wybrane wystawy indywidualne

• 1963: Takesada Matsutani, Gutai Pinakoteka, Osaka, Japonia
• 1967: Matsutani, The Art of Plastic , Galeria Shinanobashi, Osaka, Japonia
• 1968: Takesada Matsutani , Galerie Zunini, Paryż, Francja
• 1971: Takesada Matsutani , Station Gallery, Tokio, Japonia
• 1976: De l'objet à l'image serigraphique , Galerie Eiko, Paryż, Francja
• 1976: Takesada Matsutani , Galerie Watari , Tokio, Japonia
• 1978: Matsutani. Perspectives Japonaises , Galerie Alain Oudin, Paryż, Francja
• 1978: Takesada Matsutani, Works on Paper, Gallery Don Soker-Kaseman / Upstairs Gallery, San Francisco, Stany Zjednoczone
• 1979: Takesada Matsutani , Galeria Marina Dinkler, Berlin, Niemcy
• 1980: Takesada Matsutani , Galeria S-65, Aalst, Belgia
• 1980: Takesada, Matsutani , Galeria Heide Hildebrand, Klagenfurt, Austria
• 1981: Enpitsu ni yoru kuro no sekai [Un monde noir au crayon] , Galeria Kaneko Art, Tokio, Japonia
• 1982: Takesada Matsutani, Wetering Gallery, Amsterdam, Holandia
• 1982: Prace na papierze , Galeria Don Soker-Kaseman, San Francisco, Stany Zjednoczone.
• 1983: Dzisiejsi artyści nr 12: Matsutani Takesada 1981-83 , Centrum Sztuki Współczesnej w Osace, Osaka, Japonia
• 1985: Stream , Galerie Monochrome, Akwizgran, Niemcy
• 1986: Takesada Matsutan i, Centrum Sztuki Współczesnej, Honolulu, Stany Zjednoczone.
• 1988: Takesada Matsutani: malowidła, instalacje , Pablo Neruda Contemporary Art Center, Corbeil-Essonnes, Francja
• 1989: W poszukiwaniu nowego trendu w sztuce współczesnej , Art Space Baku, Fukuoka, Japonia
• 1992: Matsutani Stream-Ashiya-92, Miejskie Muzeum Sztuki i Historii, Ashiya, Japonia
• 1993: Takesada Matsutani: Prace od lat 60. do dziś , Muzeum Sztuki Ôtani Memorial, Nishinomiya, Japonia
• 1998: Matsutani. Action-Temps-Espace, Fondation DANAE – Diffusion Attitudes Nouvelles Art et Espaces, Jarnac, Francja
• 1999: Grafiki Matsutaniego, 1960-1988 , Miejskie Muzeum Sztuki i Historii, Ashiya, Japonia
• 2000: Matsutani Waves , Muzeum Sztuki Otani Memorial, Nishinomiya, Japonia
• 2002: Takesada Matsutani, Regionalna Galeria Cairns , Australia
• 2007: Matsutani–rétrospective , Centrum kultury André Malraux, Agen, Francja
• 2007: Takesada Matsutani , Muzeum Gendaikko, Miyazaki, Japonia
• 2010: Matsutani Takesada. Strumień , Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Kamakura, Japonia
• 2013: Takesada Matsutani. A Matrix , Galeria Hauser & Wirth, Londyn, Wielka Brytania
• 2015: Matsutani - Prądy , Otani Memorial Art Museum, Nishinomiya, Japonia
• 2018: Takesada Matsutani , Japan House, Sao Paulo, Brazylia
• 2019: Takesada Matsutani, Retrospektywa , Centrum Pompidou , Paryż, Francja
• 2020: Takesada Matsutani : estampes, 1967-1977, Les Abattoirs , Tuluza, Francja

Wybrane wystawy zbiorowe

• 1957: 8. Wystawa Miejska Nishinomiya , Szkoła Podstawowa Yasui, Nishinomiya, Japonia
• 1960: 9. wystawa Gutai , dom towarowy Takashimaya, Osaka, Japonia
• 1962: Inauguracyjna wystawa Gutai Pinakoteka , Osaka, Japonia.
• 1965: Groupe Gutai, Galerie Stadler, Paryż, Francja / Mickery Arthous, Loenersloot, Holandia / Kölnischer Kunstverein, Kolonia, Niemcy
• 1966: NUL 1966 Art Exhibition (Nul Negentienhonderd zesenzestig) , International Gallery, Olez, Haga, Holandia
• 1968: I Międzynarodowe Biennale Grafiki, Miejskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Paryż, Francja.
• 1968: Internationale Grafik Ausstellung , Europahaus, Wiedeń, Austria.
• 1968: 1. Brytyjskie Międzynarodowe Biennale Grafiki, Cartwright Hall Art Gallery, Bradford, Wielka Brytania
• 1969: 25 artystów z Atelier 17 , Muzeum Sztuki Nowoczesnej / Muzeum Negev, Hajfa / Beer-Shava, Izrael
• 1969: 9-kai Gendai Nihon Bijutsu ten [9. Wystawa Japońskiej Sztuki Współczesnej] , Muzeum Sztuki Współczesnej, Tokio, Japonia
• 1969: Międzynarodowa Wystawa Grafiki , Galeria Sztuki Nowoczesnej, Lublana, Słowenia
• 1969: Gendai bijutsu no douko [Trendy w sztuce współczesnej] , Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Kioto, Japonia
• 1970: Wystawa przy wejściu do Expo '70 Midori Pavilion autorstwa Gutai Group , Osaka, Japonia
• 1970: Międzynarodowa Wystawa Grafiki , Brooklyn Museum, Nowy Jork, Stany Zjednoczone
• 1970: 2e Biennale internationale de l'estampe , Miejskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Paryż, Francja
• 1970: 1. Biennale Grafiki Amerykańskiej, Narodowe Muzeum Sztuk Pięknych, Santiago, Chili
• 1971: 10. wystawa współczesnego malarstwa japońskiego , Muzeum Sztuki Współczesnej, Tokio / Miejskie Muzeum Sztuki, Kioto / Centrum Kultury, Aichi, Japonia
• 1971: 42. Międzynarodowa Wystawa Grafików Północno-Zachodnich , Muzeum Sztuki w Seattle, Seattle, Stany Zjednoczone.
• 1972: Ibiza Biennale Grafiki '72, Muzeum Sztuki Współczesnej, Ibiza, Hiszpania
• 1974: Wystawa współczesnej grafiki japońskiej , Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Meksyk, Meksyk.
• 1975: 2. Międzynarodowe Biennale Grafiki w Miami, The Metropolitan Museum and Art Center, Miami, Stany Zjednoczone
• 1979: Yoshihara Jiro to Gutai no sonogo [Jirô Yoshihara and Today's Aspects of Gutai] , Muzeum Sztuki Nowoczesnej Prefektury Hyôgo, Kobe, Japonia
• 1981: Art Now 1970-1980 , Hyôgo Prefecture Museum of Modern Art, Kobe, Japonia
• 1982: IX Międzynarodowe Biennale Grafiki , Pawilon Ekspozycja, Kraków, Polska
• 1983: 1. Międzynarodowa Wystawa Grafiki Chińskiej , Muzeum Sztuk Pięknych w Tajpej, Tajwan
• 1984: 6. Europejskie Biennale Grafiki, Musée de l'impression sur étoffes, Mulhouse, Francja
• 1984: 10. Międzynarodowe Biennale Grafiki , Muzeum Narodowe, Kraków, Polska
• 1985: Endai-hanga no kiseki [Trajektoria współczesnych grafik] , Muzeum Sztuki Prefektury Fukushima, Japonia
• 1985: Wklęsłodruk, duże formaty [Grawerowanie, duże formaty] , Miejskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Liège, Belgia

• 1985: Grupo Gutai: Pintura y Acción [Grupa Gutai: malarstwo i działanie] , Hiszpańskie Muzeum Sztuki Współczesnej, Madryt, Hiszpania / Muzeum Savremene Umernosti, Belgrad, Jugosławia / Prefektura Sztuki Nowoczesnej Hyôgo, Kobe, Japonia
• 1986: 10. Międzynarodowa Wystawa Rysunku Oryginalnego , Moderna Galerija, Rijeka, Chorwacja
• 1986: Gendai no shiro to kuro [Black & White Today] , Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Saitama, Japonia.
• 1986: 11. Międzynarodowe Biennale Grafiki , Pawilon Ekspozycja, Kraków, Polska
• 1987: Japon Passé-Present , Centre de la Vieille Charité / Musée Cantini, Marsylia, Francja
• 1990: Giappone all'avanguardia, il Gruppo Gutai negli anni Cinquanta , Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Rzym, Włochy
• 1990: Gutai: Mikan no zenei shudan [Gutai: The Avant-Garde Group Unfinished], Shôtô Art Museum, Tokio, Japonia.
• 1991: Kaiga no bokenshatachi „Gutai” [Poszukiwacze przygód malarstwa „Gutai”] , Muzeum Sztuki, Fukuoka, Japonia
• 1992: Gutai bijutsu kyokai no sakkatachi [Artyści Stowarzyszenia Sztuki Gutai] , Muzeum Sztuki Prefektury Miyagi, Sendai, Japonia
• 1993: Gutai II: 1959–1965 , Miejskie Muzeum Sztuki i Historii, Ashiya, Japonia
• 1993: Gutai III: 1965–1972 , Miejskie Muzeum Sztuki i Historii, Ashiya, Japonia
• 1993: Challenge of Art After the War: Jiro Yoshihara and the Gutai Group , Muzeum Sztuki Prefektury Ehime, Matsuyama, Japonia
• 1994: Kansai no bijutsu [Sztuka Kansai 1950–1970], Muzeum Sztuki Nowoczesnej Prefektury Hyôgo, Kobe, Japonia
• 1994: Jikan/Bijutsu: 20-seiki bijutsu ni okeru jikan no hyôgen [Czas w sztuce współczesnej] , Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Shiga, Japonia
• 1996: Relaciones, 10 artystów z 3 kontynentów, Museo de Arte y Diseño Contemporaneo, San José, Kostaryka
• 1996: Hanga no 1970-nendai [Wydruki z lat 70.] , Muzeum Sztuki Shoto, Tokio, Japonia.
• 1996: Chimériques polymères, le plastique dans l'art contemporain , Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nicea, Francja
• 1996: Sengo-bijutsu no danmen ten Hyogo-kenritsu-bijutsukan-shozo Yamamura korekushon kara [Sztuka powojenna z kolekcji Yamamura w Muzeum Sztuki Nowoczesnej Prefektury Hyôgo], Miejskie Muzeum Sztuki, Chiba, Japonia
• 1997: Juryoku-Sengo bijutsu no zahyo-jiku [Grawitacja – oś sztuki współczesnej] , Narodowe Muzeum Sztuki, Osaka, Japonia
• 1998: Artistes japonais à Paris , Maison de la culture du Japon à Paris, Francja
• 1998: Nowe grafiki Europy , Muzeum Sztuki Guangdong, Guangdong, Chiny
• 1999: Gutai , Galerie nationale du Jeu de Paume, Paryż, Francja
• 1999: Gendai-Hanga. 21-nin no houko: Genda-hanga nyûmon [Oś 21 drukarzy w Japonii – wprowadzenie do grafiki XX wieku] , Narodowe Muzeum Sztuki, Osaka, Japonia
• 2000: Sugai Kumi, SW Hayter, Matsutani Takesada , Musée Gendaikko, Miyazaki, Japonia
• 2002: Gutai bijutsu kyokai no sakka Korekushon kikaku ni yoru [Z kolekcji: Artyści grupy Gutai] , Miyagi Museum of Art, Sendai, Japonia
• 2004: Ano atsui jidai me o samasu! Kessei 50-shunen kinen Gutai kaiko-ten [Wystawa retrospektywna Gutai: 50. rocznica] , Muzeum Sztuki Prefektury Hyogo, Kobe, Japonia
• 2004: Hanga: Tozai-koryu no nami [Hanga: Waves of East-West Cultural Interchange] , University of Arts Museum, Tokio, Japonia
• 2006: Peintures et Performances, Takesada Matsutani & Germain Rosez , Espace Arsenal, Metz, Francja.
• 2007: Resounding Spirit, Japanese Contemporary Art of the 1960s, The Gibson Gallery Collection and Live Art Festival, Carleton University Art Gallery, Ottawa, Kanada
• 2007: L'Arte e il Torchio [Sztuka i prasa drukarska] , Museo civico ala Ponzone, Cremone, Włochy
• 2008: Tajwan International Invitational Mini-Prints and Mini Drawings Exhibition , Galeria NINU, Tajpej, Tajwan
• 2010: Katachi no chikara Kodo-keizai-seicho no bijutsu hen-Osaka-shiritsu-kindai-bijutsukan korekushon o chushin ni [Potęga formy: japońska sztuka współczesna lat 50. i 60. ze zbiorów Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Osace] , Miejskie Muzeum Sztuki, Osaka, Japonia
• 2010: Hirogaru Imagination [Poszerz swoją wyobraźnię] , Muzeum Miejskie, Riverwalk Gallery, Kitakyûshû Japonia
• 2010: Daremo yaranai koto wo yare! [Zrób coś, czego nikt wcześniej nie zrobił!], Przestrzeń planowania Muzeum Uniwersytetu Kwansei Gakuin, Nishinomiya, Japonia
• 2010: Kolekcja 3 Nihon Bijutsu [sztuka japońska] 1950 – 2010, Narodowe Muzeum Sztuki, Osaka, Japonia
• 2011: Duch Gutai, Horio i Matsutani , Galerie Friedrich Müller, Frankfurt, Niemcy
• 2012: Gutai: The Spirit of an Era , Narodowe Centrum Sztuki, Tokio, Japonia
• 2012: A Visual Essay on Gutai , Hauser & Wirth Gallery, Nowy Jork, Stany Zjednoczone
• 2012: Taiwa suru bijutsu / Zenei no Kansai [Interakcje artystyczne: Avant-garde Kansa i], Otani Memorial Art Museum, Nishinomiya, Japonia
• 2012: Karuizawa no kaze ten-Nippon no gendai-ato 1950-ima [Wiatr Karuizawy: japońska sztuka współczesna 1950-2012] , Karuizawa New Art Museum, Karuizawa, Japonia
• 2013: Kolekcja: Gutai yakushin [Postęp Gutai] , Miejskie Muzeum Sztuki i Historii, Ashiya, Japonia
• 2013: Parallel Views: Italian and Japanese Art from the 1950s, 60s and 70s, Collection Rachofsky, The Warehous, Dallas, Stany Zjednoczone
• 2013: Gutai: Splendid Playground , Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork, Stany Zjednoczone
• 2013: Korekushon hanga ten [Kolekcja grafik]: Sugai Kumi/Matsutani Takesada , Miejskie Muzeum Sztuki i Historii, Ashiya, Japonia
• 2015: Nouvelle présentation des collections modernes (1905-1965), Centre Pompidou, Paryż, Francja
• 2017: Viva Arte Viva, 57. Biennale w Wenecji, Wenecja, Włochy
• 2018: Gutai, L'espace et le temps, Musée Soulages, Rodez, Francja

Linki zewnętrzne

• http://www.takesadamatsutani.com