Adolfa Gottlieba

Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb w East Hampton
Urodzić się	( 14.03.1903 ) 14 marca 1903 Nowy Jork , Nowy Jork, USA
Zmarł	4 marca 1974 ( w wieku 70) ( 04.03.1974 ) Nowy Jork , Nowy Jork, USA
Narodowość	amerykański
Edukacja	Liga Studentów Sztuki w Nowym Jorku , Académie de la Grande Chaumière , Parsons School of Design , Cooper Union
Znany z	Malarstwo , rzeźba
Ruch	Ekspresjonista abstrakcyjny

Adolph Gottlieb (14 marca 1903 - 4 marca 1974) był amerykańskim abstrakcyjnym malarzem ekspresjonistycznym , rzeźbiarzem i grafikiem.

Wczesne życie i edukacja

Adolph Gottlieb, jeden z „pierwszego pokolenia” ekspresjonistów abstrakcyjnych , urodził się w Nowym Jorku w 1903 roku w żydowskiej rodzinie. W latach 1920-1921 studiował w Art Students League w Nowym Jorku , po czym, zdecydowany zostać artystą, w wieku 17 lat porzucił szkołę średnią i udał się do Europy na statku handlowym. Przez rok podróżował po Francji i Niemczech. Mieszkał w Paryżu przez 6 miesięcy, w tym czasie codziennie odwiedzał Luwr i kontrolował zajęcia w Académie de la Grande Chaumière . Kolejny rok spędził podróżując po Niemczech, Austrii, Czechosłowacji i innych częściach Europy Środkowej, odwiedzając muzea i galerie sztuki. Kiedy wrócił, był jednym z najczęściej podróżujących nowojorskich artystów. Po powrocie do Nowego Jorku studiował w Art Students League of New York, Parsons School of Design , Cooper Union i Educational Alliance .

1920 i 1930

Sun Deck (1936), stworzony, gdy Gottlieb pracował dla Federal Art Project

Gottlieb miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w Dudensing Galleries w Nowym Jorku w 1930 roku. W latach dwudziestych i wczesnych trzydziestych XX wieku zaprzyjaźnił się na całe życie z innymi artystami, takimi jak Barnett Newman , Mark Rothko , David Smith , Milton Avery i John Graham . W 1935 roku on i grupa artystów, w tym Ben-Zion , Joseph Solman , Ilya Bolotowsky , Ralph Rosenborg , Louis Harris, Mark Rothko i Louis Schanker , znany jako „ The Ten ”, wystawiali razem swoje prace do 1940 roku.

W tym okresie Gottlieb utrzymywał się z różnych prac dorywczych, aw 1936 roku pracował nad Federal Art Project . Od września 1937 do czerwca 1938 Gottlieb mieszkał na pustyni w Arizonie , niedaleko Tucson. W ciągu tych dziewięciu miesięcy radykalnie zmienił swoje podejście do malarstwa. Przeszedł od stylu ekspresjonistyczno-realistycznego do podejścia, które łączyło elementy surrealizmu i formalistycznej abstrakcji, używając obiektów i scen z lokalnego środowiska jako symboli, aby usunąć czasowość z jego prac. Przeszedł od tego do bardziej surrealistycznych prac, takich jak Skrzynia morska , która przedstawia tajemnicze niekongruencje w normalnym krajobrazie. To wtedy przekazuje widzowi ekspansywność, którą musiał odczuwać patrząc na pustynne niebo w Arizonie, chociaż destyluje tę ekspansywność w bardziej podstawową abstrakcyjną formę. „Myślę, że moje emocjonalne odczucie było takie, jakbym był na morzu… Potem jest niesamowita przejrzystość – w Arizonie jest niesamowita przejrzystość światła, a nocą chmury wydają się bardzo bliskie”. Kiedy te prace z Arizony zostały wystawione w Nowym Jorku po powrocie Gottlieba, stworzyły zerwanie z byłym kręgiem kolegów Gottlieba, z których kilku potępiło jego nową pracę jako „zbyt abstrakcyjną”.

1940-1950

Homestead on the Plain (1941), mural Sekcji Malarstwa i Rzeźby Gottlieba dla poczty amerykańskiej w Yerington w stanie Nevada

Gottlieb i mały krąg przyjaciół cenili prace grupy surrealistów, które widzieli na wystawie w Nowym Jorku w latach trzydziestych XX wieku. Wymieniali się także egzemplarzami magazynu „Cahiers d'art” i byli całkiem zaznajomieni z aktualnymi poglądami na temat pisma automatycznego i podświadomych obrazów. Gottlieb namalował kilka prac w stylu surrealistycznym w latach 1940 i 1941. Rezultaty jego eksperymentów znalazły odzwierciedlenie w serii „ Piktogramy ”, która trwała od 1941 do 1950 roku. W swoim obrazie Powrót podróżnika [1] zestawia te obrazy w podzielonych przestrzeniach. Jego obrazy wydają się podobne do tych przedstawiających rdzenną ludność Ameryki Północnej i starożytnego Bliskiego Wschodu. Jeśli dowiedział się, że któryś z jego symboli nie był oryginalny, już go nie używał. Chciał, aby jego sztuka wywarła taki sam wpływ na wszystkich jego widzów, uderzając w strunę nie dlatego, że widzieli ją wcześniej, ale dlatego, że była tak podstawowa i elementarna, że ​​rozbrzmiewała w nich.

W 1941 roku, rozczarowany otaczającą go sztuką, rozwinął podejście, które nazwał piktogramami. Piktogramy Gottlieba, które tworzył w latach 1941-1954, są pierwszym spójnym zbiorem dojrzałego malarstwa Amerykanina swojego pokolenia. Gottlieb mówił o swoich obawach w oświadczeniu z 1947 roku:

„Rola artysty zawsze była rolą twórcy obrazu. Różne czasy wymagają różnych obrazów. Dziś, kiedy nasze aspiracje zostały zredukowane do desperackiej próby ucieczki przed złem, a czasy się rozeszły, nasza obsesyjna, podziemna i piktograficzna obrazy są wyrazem nerwicy, jaką jest nasza rzeczywistość. Według mnie pewna tak zwana abstrakcja wcale nie jest abstrakcją. Przeciwnie, jest realizmem naszych czasów".

W maju 1942 roku jego pierwszy „piktograf” został zaprezentowany na drugiej dorocznej wystawie Federacji Malarzy i Rzeźbiarzy Współczesnych, znajdującej się w Wildenstein Galleries w Nowym Jorku. jego podświadomości, ale które wyraźnie odbiegały od idei narracji. Aby osiągnąć ten cel, Gottlieb przedstawił obrazy wstawione w sekcje luźno narysowanej siatki. Każdy obraz istniał niezależnie od pozostałych, jednak ich ułożenie na tej samej płaszczyźnie oraz relacje koloru, faktury i kształtu zmuszają widza do ich skojarzenia. Znaczenie jest zatem bardzo osobiste – kolejna innowacja w obrazach Gottlieba Surrealistyczny biomorfizm był jednym ze źródeł jego Piktogramów. Dla Gottlieba biomorfizm był sposobem swobodnego wyrażania swojej nieświadomości, którym zafascynował się poprzez [Johna] Grahama, Freuda i surrealizm. Gottlieb włączył także automatyzm – malarską technikę freudowskich wolnych skojarzeń – był metodą stosowaną przez Gottlieba do generowania biomorficznych kształtów, które były formami spontanicznie tworzonymi w jego nieświadomości [2] . Te biomorficzne kształty zostały oddzielone wzorem siatki na całej powierzchni, który służył jako ogólna struktura serii „piktogramów”.

Gottlieb powiedział kiedyś: „Jeśli zrobiłem wijącą się linię lub wężową linię, to dlatego, że chciałem mieć wężową linię. Potem sugerowałoby to węża, ale kiedy to zrobiłem, nic nie sugerowało. To był czysty kształt… " . Te linie i kształty, których używał Gottlieb, były łatwo interpretowane przez różnych ludzi jako oznaczające różne rzeczy.

Z okresu „Burst”: Cadmium Red Above Black (1959)

W 1950 roku Gottlieb zauważył, że podejście „ malowania całościowego ” stało się stereotypem dla amerykańskiego malarstwa abstrakcyjnego. Rozpoczął swoją nową serię Wyimaginowane pejzaże, zachował swoje użycie „pseudo-języka”, ale dodał nowy element przestrzeni. Nie malował pejzaży w tradycyjnym sensie, raczej zmodyfikował ten gatunek, aby dopasować go do własnego stylu malarstwa. Pejzaże wyobrażone to poziome płótna podzielone na 2 rejestry, jeden bardzo aktywny poniżej bardziej kontemplacyjnego górnego, ustanawiający inne podejście do abstrakcji w połowie wieku. W 1955 roku Gottlieb zauważył: Często słyszę pytanie: „Co oznaczają te obrazy?” To jest po prostu źle postawione pytanie. Obrazy wizualne nie muszą być zgodne ani z myśleniem werbalnym, ani z optycznymi faktami. Lepszym pytaniem byłoby „Czy te obrazy przekazują jakąkolwiek emocjonalną prawdę?”

Pod koniec 1956 roku Gottlieb sformułował obraz, który stał się znany jako „Burst” i spędził większość następnych 2 lat pracując nad tym podejściem. Upraszcza swoją reprezentację do dwóch kształtów dysków i krętych mas. Jego obrazy to wariacje z tymi elementami ułożonymi na różne sposoby. Ta seria, w przeciwieństwie do serii Imaginary Landscape, sugeruje podstawowy krajobraz ze słońcem i ziemią. Na innym poziomie kształty są tak prymitywne; nie ograniczają się do tej jednej interpretacji. Gottlieb był również mistrzowskim kolorystą, aw serii Burst jego użycie koloru jest szczególnie ważne. Uważany jest za jednego z pierwszych pola kolorowego i jednego z prekursorów abstrakcji lirycznej . Kariera Gottlieba była naznaczona ewolucją przestrzeni i uniwersalności.

1960-1970

Do 1960 roku wysiłki Gottlieba nad jego serią „Burst” pozwoliły mu znacznie uprościć wykorzystanie obrazów. Gottlieb tworzył obrazy typu „Wybuch” i „Pejzaż wyobrażony” przez resztę swojej kariery, ale w przeciwieństwie do niektórych swoich kolegów nie ograniczył się do jednego lub dwóch obrazów. Dyskusja o sztuce Gottlieba ogranicza się zwykle do wzmianek o „Wybuchach” czy „Wyimaginowane pejzaże”, co odwraca uwagę od szerokiego wachlarza pomysłów, które analizował ten artysta. Gottlieb podsumował swoje cele w wywiadzie z 1967 roku:

Ale dla mnie wszystko jest naturą, w tym wszelkie uczucia, które mam – lub sny. Wszystko jest częścią natury. Nawet malarstwo stało się częścią natury. Aby wyjaśnić dalej: nie mam ideologicznego podejścia ani doktrynerskiego podejścia do mojej pracy. Po prostu maluję na podstawie osobistych odczuć, odruchów i instynktów. Muszę zaufać tym.

Reprezentatywny obraz z tego okresu znajduje się w kolekcji The Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection w Albany w stanie Nowy Jork.

W 1967 roku, gdy Gottlieb przygotowywał się do wystawy w Whitney and Guggenheim Museum, zaczął robić małe modele rzeźb z ciętej i malowanej tektury, co, jak powiedział, sprawiało, że czuł się jak „młody rzeźbiarz, dopiero zaczynający”. Te małe rzeźby przekształciły się w większe dzieła z ciętej, spawanej i malowanej stali i aluminium. Wyprawa Gottlieba do rzeźby trwała tylko około półtora roku, ale w tym krótkim czasie stworzył zbiór prac, które zakwestionowały rozgraniczenie między malarstwem a rzeźbą. Podobnie jak jego przyjaciel, rzeźbiarz David Smith, doświadczenie Gottlieba jako malarza uniemożliwiało mu wizualizację przedmiotów bez koloru. Kiedy już to zaakceptował, Gottlieb był zmuszony użyć wszystkich narzędzi, które rozwinął w swojej długiej karierze malarskiej – dotyku, równowagi wizualnej, jakości powierzchni i nie tylko – aby jego rzeźby, podobnie jak obrazy, stały się „narzędziem do wyrażania uczucie… Czuję potrzebę, aby poszczególne kolory, których używam, lub określone kształty, niosły ciężar wszystkiego, co chcę wyrazić, i wszystko musi być skoncentrowane w tych kilku elementach”. W sumie Gottlieb stworzył 42 rzeźby, w tym trzy duże rzeźby plenerowe, które znajdują się obecnie w zbiorach The National Gallery of Art w Waszyngtonie, The Storm King Art Center w New Windsor w stanie Nowy Jork oraz Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku Miasto.

Gottlieb pozostawał aktywny przez całe lata 60. W 1963 roku został pierwszym amerykańskim artystą nagrodzonym Gran Premio na Biennale w São Paulo w Brazylii. W 1965 roku otrzymał American Academy of Achievement Award. W 1968 roku Muzeum Guggenheima i Whitney Museum w Nowym Jorku współpracowały przy retrospektywnej wystawie jego sztuki, która wypełniła oba muzea. Jak dotąd jest to jedyny wspólny projekt tych dwóch głównych instytucji.

Najciekawsze momenty kariery

W swojej karierze Adolph Gottlieb miał 56 wystaw indywidualnych i brał udział w ponad 200 wystawach zbiorowych. Jego dzieła sztuki znajdują się w zbiorach ponad 140 największych muzeów na całym świecie. Gottlieb był znakomitym malarzem, rysownikiem, grafikiem i rzeźbiarzem. Zaprojektował i nadzorował budowę witrażowej fasady o powierzchni 1500 stóp kwadratowych dla Milton Steinberg Center w Nowym Jorku w 1954 roku oraz zaprojektował zestaw 18 witraży dla Kingsway Jewish Center na Brooklynie. Jako pierwszy ze swojego pokolenia zebrał swoje dzieła w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (1946) i Muzeum Guggenheima (1948).

Śmierć i dziedzictwo

Gottlieb doznał poważnego udaru mózgu w 1970 roku, w wyniku którego został sparaliżowany, z wyjątkiem prawej ręki i dłoni. Kontynuował malowanie i wystawianie swojej sztuki aż do śmierci w marcu 1974. Jego pogrzeb odbył się w środę 6 marca 1974 w Frank E. Campbell Funeral Home i został pochowany na Mt. Pleasant Cemetery, Hawthorne, NY. Został wybrany do Amerykańskiej Akademii Sztuki i Literatury w 1972 roku.

Oprócz swojego wkładu jako artysta, Gottlieb przez całe życie opowiadał się za profesjonalnym statusem artystów. Pomógł zorganizować „Forum 49” oraz inne wydarzenia i sympozja prowadzone przez artystów w Nowym Jorku i Provincetown w latach 40. i 50. XX wieku. W 1950 był głównym organizatorem protestu przeciwko Metropolitan Museum of Art, w wyniku którego on i jego koledzy zyskali uznanie jako „ Irascibles ”. Zgodnie ze wskazówkami, które Gottlieb pozostawił w testamencie, w 1976 roku powstała Fundacja Adolfa i Estery Gottliebów , oferująca stypendia artystom wizualnym.

Zobacz też

• Fundacja Adolfa i Estery Gottliebów

Źródła

•   Marika Herskovic, American Abstract Expressionism of the 1950 An Illustrated Survey, (New York School Press, 2003.) ISBN 0-9677994-1-4 . s. 142–145
•   Marika Herskovic, New York School Abstract Expressionists Artists Choice by Artists, (New York School Press, 2000.) ISBN 0-9677994-0-6 . P. 32; P. 37; s. 158–161
• ART USA TERAZ wyd . autorstwa Lee Nordnessa; Tom. 1, (The Viking Press, Inc., 1963.), s. 118–121.

Dalsza lektura

• The Pictographs of Adolph Gottlieb , eseje Lawrence'a Allowaya i in. Nowy Jork: Hudson Hills Press we współpracy z Adolph & Esther Gottlieb Foundation, 1994.
• „Adolph Gottlieb: una retrospectiva = wystawa przeglądowa”. Walencja: Generalitat Valenciana, Conselleria de Cultura, Educació i Ciència, 2001. We współpracy z Adolph & Esther Gottlieb Foundation i IVAM Center Julio Gonzalez

Linki zewnętrzne

• Fundacja Adolfa i Estery Gottliebów
• Galeria Pace
• Praca Gottlieba w Muzeum Guggenheima