Anna Agee
Anna Agee | |
|---|---|
| Urodzić się | 1959
Filadelfia , Pensylwania, Stany Zjednoczone
|
| Narodowość | amerykański |
| Edukacja | Yale School of Art , Cooper Union School of Art |
| Znany z | Rzeźba ceramiczna, instalacja, malarstwo, rysunek |
| Nagrody | John S. Guggenheim Fellowship , Anonymous Was A Woman Award , New York Foundation for the Arts , Louis Comfort Tiffany Foundation , National Endowment for the Arts |
| Strona internetowa | Studio Anny Agee |
Ann Agee (ur. 1959) jest amerykańską artystką wizualną, której praktyka koncentruje się na ceramicznych figurkach, obiektach i instalacjach, ręcznie malowanych tapetach i rozległych wystawach, które łączą sztukę instalacji , środowisko domowe i showroom. Jej sztuka celebruje przedmioty i doświadczenia codziennego użytku, sztukę dekoracyjną i użytkową oraz godność pracy i rzemiosła, angażując kwestie związane z płcią, pracą i sztuką piękną z wywrotowym, feministycznym stanowiskiem. Prace Agee wpisują się w trwające od kilkudziesięciu lat zmiany w sztuce amerykańskiej, w których ceramika i względy rzemiosła i życia domowego wzrosły od statusu zdegradowanego do statusu drugiej kategorii do uznania za „poważną” sztukę. Po raz pierwszy zwróciła na siebie uwagę krytyków na wpływowej i wywołującej podziały wystawie „ Bad Girls ”, której kuratorką była Marcia Tucker w New Museum w 1994 roku, gdzie zainstalowała funkcjonalną, ręcznie robioną ceramiczną łazienkę, wykonaną w klasycznym niebiesko-białym stylu Delftware . Krytyk Art in America, Lilly Wei, opisuje późniejsze prace Agee jako „psotne, cudownie nieudane potomstwo rzeźby, malarstwa, objet d'art i kiczowatej pamiątki”.
Agee otrzymała między innymi stypendium Guggenheima i nagrody od Anonymous Was A Woman i Louis Comfort Tiffany Foundation . Jej prace zostały zebrane przez instytucje, w tym Brooklyn Museum , Los Angeles County Museum of Art (LACMA) i Philadelphia Museum of Art . Mieszka i pracuje na Brooklynie w Nowym Jorku.
Wczesne życie i kariera
Agee urodziła się w Filadelfii w 1959 roku. Jej matka, Sally Agee, ukończyła sztukę na Uniwersytecie Syracuse i wystawiała sztukę w późnym wieku; jej traktowanie domu jako nieustannego projektu – przestawianie mebli, malowanie kwiatowych wzorów na ścianach łazienki czy ekspresjonistyczna praca abstrakcyjna na podłodze – wywarło silny wpływ na Ann. Agee studiował w Cooper Union School of Art (BFA, 1981) i Yale School of Art (MFA, 1986) i na obu zdobył nagrody za malarstwo. Mimo to czuła się przytłoczona zdominowaną przez mężczyzn, skupioną na malarstwie kulturą Yale, która nadawała malarstwu domniemany status i powagę nad innymi formami ekspresji. Do pracy w glinie zwróciła się w 1985 roku, zwabiona jej wyczuciem, większym połączeniem ze światem, tymczasowym statusem i potencjałem jako medium, do którego mogła się powoływać jako kobieta.
Agee nauczyła się ceramiki poprzez eksperymenty i samodzielną naukę, dzięki dotacjom, które pozwoliły jej kupić piec i wyprodukować pracę na jej pierwszą indywidualną wystawę (Ann Nathan Gallery, Chicago, 1991). Stypendia u producenta ceramiki Kohler Co. z siedzibą w Wisconsin oraz fabryki osprzętu hydraulicznego w Guanajuato w Meksyku w latach 1991–193 wpłynęły na jej praktykę i myślenie o rzemiośle, pracy i produkcji oraz umożliwiły jej realizację dużych projektów, w tym ręcznie malowaną , publiczny mural z płytek ceramicznych w Guanajuato i jej instalację łazienkową w programie „Bad Girls ” .
W latach 90. Agee rozszerzyła swoją reputację poprzez wystawy przedstawiające jej figurki w The Fabric Workshop and Museum , New-York Historical Society i Brooklyn Museum oraz wystawy indywidualne w Arena and Yoshii (Nowy Jork) i Rena Bransten (San Francisco) galerie . W 2000 roku została wybrana do głównych wystaw zbiorowych w LACMA („Kolor i ogień: definiujące momenty w ceramice studyjnej 1950 do 2000”), Muzeum Sztuki Katonah („Rozmowy w glinie”, 2008), Institute of Contemporary Art, Filadelfia i Walker Art Museum („Dirt on Delight”, 2009) oraz Pennsylvania Academy of Fine Arts („The Female Gaze”, 2013). Miała wystawy indywidualne między innymi w PPOW (Nowy Jork), Locks Gallery (Filadelfia) i Lux Art (Kalifornia).
Praca
Sztuka Agee zaburza rozróżnienie między sztuką a rzemiosłem, dekoracją i utylitaryzmem. Upamiętnia pracę, ciało i aspekty zwykłego życia, takie jak przedmioty domowe, prace domowe, środowiska i narracje, pracę fabryczną i rękodzieło, procesy przemysłowe i opakowania konsumenckie. Pisarze i kuratorzy sugerują, że jej prace czerpią – i regenerują – sztukę dekoracyjną z kilku wieków (często odkrywaną podczas badań muzealnych), taką jak XVII-wieczna, inspirowana Azjatami ceramika Delftware, XVIII-wieczne figurki miśnieńskie i francuskie tkaniny oraz ornamenty rokokowe , jak np . a także modernistyczne i pop-artowe techniki zawłaszczania i ceramiki przemysłowej.
Agee angażuje te tradycje i materiały z lekceważącą, feministyczną postawą, która uwzględnia jej osobiste doświadczenia, szczególnie dotyczące kwestii pracy i płci, takich jak żonglerka rolami artysty, matki, gospodyni domowej i producenta, podział pracy i konceptualizacja umiejętności rzemieślniczych w odniesieniu do art. Główne obszary produkcji Agee to instalacje ceramiczne, obiekty, figurki i obrazy, ręcznie malowane „rysunki tapet” oraz rozbudowane instalacje, które zawierają kombinacje każdego z tych rodzajów prac.
Wczesne instalacje i obiekty ceramiczne
Lake Michigan Łazienka (1994), bogato zdobiona, funkcjonalna łazienka (umywalka, toaleta, bidet, pisuar i fontanna) stworzona w Kohler, przyciągnęła jej pierwszą dużą uwagę na wystawie „Bad Girls”. Ręcznie wykonane elementy wyposażenia i płytki mozaikowe na tylnej ścianie zdobią ozdobne wzory, diagramy i obrazy delikatnie renderowane w niebiesko-białym stylu Delftware. Obrazy oferują coś, co Metropolis nazywa „ rabelaisowską wycieczką” po przepływach wody przez miasta, fabryki i domy, łącząc ciało, funkcje publiczne i prywatne oraz architektoniczne i anatomiczne. Inne wczesne prace ceramiczne Agee na dużą skalę obejmują malowidło ścienne z płytek ceramicznych o wymiarach 21 na 10 cali, uwieczniające pracowników fabryki Kohlera (1991–2) oraz pełną łazienkę, Sheboygan Men's Room (1998), zamówioną przez Kohler Arts Center .
Po przeprowadzce do Nowego Jorku w 1993 roku Agee zajęła się pracą na mniejszą skalę. Ta praca obejmuje porcelanowe przedmioty przypominające tchotchke, stylizowane na chińskie wzory ptaków, kwiatów i motyli, które po bliższym przyjrzeniu się okazują się zabawkami erotycznymi. Jej indywidualna wystawa w Arena Gallery (1995) była hołdem dla codziennego życia, pracy i anonimowego rzemiosła poprzez ozdobne półmiski przedstawiające robotników fabrycznych i malowidła kaflowe przedstawiające spokojne sceny podmiejskie i fabryczne, otoczone bujnymi, dekoracyjnymi motywami.
Figurki
Pokazem „Quotidian” (1996, Yoshii Gallery) Agee wykorzystał inny starszy idiom - ceramiczne figurki - do nowych zastosowań; połączyła je z ręcznie malowanymi tapetami, połączeniem, które będzie realizować przez następne dwie dekady. Gatunek figurek wywodzi się z XVII-wiecznych włoskich zwyczajów zdobiących bogate pustynne stoły figuratywnymi obrazami wykonanymi z cukru, które następnie przekształciły się w rokokową commedia dell'arte i figurki z porcelany miśnieńskiej. Agee opatrzył je ręcznie wyrzeźbionymi postaciami uważnie obserwowanych, rzucających się w oczy współczesnych, pełnych życia mieszkańców Manhattanu. Pisarka Maureen Sherlock nazywa ten serial „delikatnym katalogiem unikalnych sformułowań i dopracowanych strojów batalionów kobiet na ulicy”, wyrażając częściowe triumfy, codzienne zmagania i pomysłowość codziennego życia; Dominique Nahas pisze, że każda postać sugeruje swój własny świat „z niemal Baudelaire'owską troską o indywidualność ekspresji”, co porównuje do obserwacyjnych obrazów Johna Sloana i George'a Bellowsa ze szkoły Ashcan . Figurki Agee zostały wybrane do Brooklyn Museum i innych wystaw oraz zamówione do sześciostronicowego w New York Times Magazine w 1999 roku.
Następnie Agee umieściła swoje figurki w wielopostaciowych narracyjnych obrazach, których ekspresyjne pozy, gesty i rysy twarzy przedstawiały zwykłe rytuały przejścia, pracę fizyczną i domowe scenariusze. Jej indywidualna wystawa w 2001 roku na PPOW zaprezentowała pięć rzeźb rzeźbiarskich poświęconych narodzinom, w tym Klasę narodzin , na której są barwnie ubrane, lekko roztrzepane kobiety w ciąży i partnerzy obserwujący demonstrację pary i położnej. Boks w kuchni (2005) składa się z surrealistycznego różowego krajobrazu ustawionego na niestandardowym stole o długości dwunastu stóp i wypełnionym drobiazgowo pomalowanymi figurkami z terakoty, odgrywającymi domowe fantazje o zabawie i przemianie: boksujące kobiety, mężczyzna podszywający się pod Don Giovanniego , akrobata, ojciec czytający dzieciom.
Pod koniec 2000 roku prace ceramiczne Agee coraz częściej zwracały się w stronę fantazyjnych figurek, rokokowych rzeźb i przedmiotów domowych - naczyń, półmisków, wazonów, zlewów - zabawek z pojęciami funkcjonalności poprzez celowe niedoskonałości. Artforum porównuje gęste, dekoracyjne, warstwowe obrazy na wazonach do surrealistycznego „załamania nieświadomości i codzienności”; Lilly Wei opisuje figurki jako „ziemiste, żywe, sardoniczne i głupkowato słodkie, zaktualizowane commedia dell'arte ”; Ta praca - często jednolicie biała i wyglądająca jak sylwetka na tle jasnych, ręcznie malowanych tapet - jest często produkowana i powielana pod auspicjami „Agee Manufacturing Co.” (wraz ze stemplami takimi jak na produktach Kohler Co.). Koncepcja przemysłu domowego umieszcza Agee w rolach pracownika, szefa sklepu, właściciela i sklepikarza, rozpoczynając rozmowę dotykającą klasy, godności pracy i rzemiosła, feminizmu, kapitalizmu i współczesnego życia rodzinnego. W 2018 roku wystawiła swoje „Handwarmers”, serię ponad 200 małych butopodobnych i abstrakcyjnych form opartych na ceramicznych włoskich ogrzewaczach do rąk, w butikowej ekspozycji.
Tapety i późniejsze instalacje
Późniejsze wystawy i instalacje Agee oferują różnorodne pokazy ceramicznych figurek, przedmiotów gospodarstwa domowego i mebli, zestawionych z ręcznie malowanymi i pisanymi szablonami, wielkoformatowymi „rysunkami tapet” na tajskim papierze morwy. Zamiast imitować drogie materiały, jak to robią tradycyjne tapety, tapety Agee celebrują codzienne przestrzenie i dostępne, bogato wzorzyste produkty komercyjne jako obiekty zainteresowania, podobnie jak wczesne prace Warhola lub wnętrza Matisse'a i Roya Lichtensteinów ; często ostro komentują pracę, życie domowe, płeć i klasę, kulturę materialną i wystawy muzealne.
Agee po raz pierwszy pokazała rysunki tapet w swojej wystawie „Quotidian” (1996), przywłaszczając sobie niedrogie tkaniny i fragmenty etykiet produktów gospodarstwa domowego, które starannie malowała w motywy kwiatowe na długich zwojach (np. Jello Yellow Calico, 1995 ) . Jej powtarzające się i fragmentaryczne rysunki na tapetach sugerują masową produkcję i modernistyczny kolaż, ale podważają to, co Maureen Sherlock nazywa techniką ręcznego malowania „ Flatbush , rodzimy amerykański pop”.
Wystawy Agee „Rules of the Pattern” (2010) i „The Kitchen Sink” (2012) w Lock Gallery łączą jaskrawo kolorowe „tapety” przedstawiające widoki pokoi w domu Agee, a także fantazyjne ręcznie wykonane miski i talerze zamontowane na stali armatury i ekspozycje waz, figurek i przedmiotów, sugerując chytre rekonstrukcje jej mieszkania na Brooklynie jako miejsca zarówno domowego, jak i produkcyjnego. Artforum opisuje ten ostatni program jako „badanie represji wewnętrznego ja i pakowania społecznego ja”, które obnaża „niewypowiedziane lęki i tabu”.
W instalacji Super Imposition (2010) Agee powieliła szablony i wzory z pokoju Lansdowne w gruzińskim Muzeum Sztuki w Filadelfii , który następnie zawiesiła na ścianach rustykalnej kuchni Colonial Millbach, jednocześnie eksponując swoje wazony na meblach pokoju. W „Playing House” (2012, Brooklyn Museum) wykorzystała ręcznie wykonane tapety, aby w podobny sposób przekształcić XIX-wieczną domową bibliotekę i salon w salon wystawowy Agee Manufacturing.
„Domestic Translations” (PPOW, 2015) reprezentowała być może jej najszerszą instalację, oferującą żywe wnętrza i abstrakcyjne rysunki tapet, porcelanowe flakony perfum penisa pełniące funkcję naszyjników, zaktualizowaną porcelanową łazienkę Lake Michigan (III), abstrakcyjne kamionkowe rzeźbiarskie wieże przecinające się płaszczyzny przecinane cylindrami i kielichami oraz przywłaszczenia przez pryzmat podróży. The New Yorker nazwał to „całkowicie zwycięskim, ale przeładowanym programem”, dodając, że „nadmierna produkcja ma podtekst feministyczny - pomyśl o tym jako o portrecie posiadania wszystkiego”.
Nagrody i kolekcje
Agee został uhonorowany stypendium Johna S. Guggenheima (2011), nagrodami Anonymous Was A Woman (2012), Louis Comfort Tiffany Foundation (1997) i New York Foundation for the Arts (1997), grantami National Endowment na rzecz the Arts (1993, 1992, 1989), Wisconsin Arts Board (1992) i Empire State Craft Alliance (1990) oraz stypendium Kohler Arts Centre (1991–2), między innymi.
Jej prace znajdują się w kolekcjach Brooklyn Museum, LACMA, Philadelphia Museum of Art, New-York Historical Society, Chazen Museum of Art , Henry Art Gallery , Kohler Arts Center, Museum of Contemporary Art, North Miami , Museum of Sex , Pennsylvania Akademii Sztuk Pięknych i Rhode Island School of Design Museum .
Linki zewnętrzne
- Studio Anny Agee
- Ann Agee , biografia Guggenheim Fellowship
- Ann Agee , Metropolitan Museum of Art, The Artist Project
| Ogólny | |
|---|---|
| Biblioteki Narodowe | |
| Instytuty badawcze sztuki | |
| Inny | |
