Judith Murray (artysta)

Judyta Murray
Urodzić się 1941
Nowy Jork , Stany Zjednoczone
Narodowość amerykański
Edukacja Pratt Institute , Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Znany z Malować rysunki
Współmałżonek Robert Jasuda
Nagrody John S. Guggenheim Fellowship , Amerykańska Akademia Sztuki i Literatury , National Endowment for the Arts
Strona internetowa Judyta Murray

Judith Murray (ur. 1941) to amerykańska malarka abstrakcyjna mieszkająca w Nowym Jorku. Aktywna od lat 70., stworzyła obszerny, niezależny zbiór prac, ściśle przestrzegając specyficznych, narzuconych sobie stałych zasad w swojej praktyce. Od 1975 roku ogranicza się do podstawowej palety czerwonych, żółtych, czarnych i białych farb – z których miesza nieskończoną gamę odcieni – oraz prawie kwadratowego, poziomego formatu przesuniętego pionową kreską namalowaną wzdłuż prawej krawędzi płótno; pasek służy jako folia wizualna dla reszty pracy i potwierdza granice każdego obrazu i status obiektu abstrakcyjnego. Krytyczka Lilly Wei opisuje prace Murraya jako „rozszerzony monolog o tym, jak doznania, wrażliwość i dygresje mogą być nadal przekazywane za pomocą farby” oraz jak obejmując rzeczywisty świat, „artysta abstrakcyjny może zbudować najwyższą i podtrzymującą fikcję”.

Judith Murray, Raz o poranku , olej na płótnie, 72" x 151", 2014.

Murray został wyróżniony stypendium Guggenheima i nagrodami Amerykańskiej Akademii Sztuki i Literatury oraz National Endowment for the Arts . Wystawiała na arenie międzynarodowej, w tym wystawy indywidualne w MoMA PS1 , Clocktower Gallery i Dallas Museum of Fine Arts oraz wystawy zbiorowe w Whitney Museum of American Art , Museo di Palazzo Grimani (Wenecja Biennale), Museo de Arte Moderno (Meksyk). i Muzeum Akademii Narodowej . Murray mieszka i pracuje w Nowym Jorku i Sugarloaf Key na Florydzie ze swoim mężem, artystą Robertem Yasudą .

Wczesne życie i kariera

Murray urodziła się w Nowym Jorku w 1941 roku, ale większość dzieciństwa spędziła w pobliżu wybrzeża południowej Florydy. Malować i uczyć się malarstwa zaczęła w dzieciństwie, w okresie przedłużającej się choroby. Kontynuowała studia w Pratt Institute na Brooklynie w 1958 r., Uzyskując tytuł BFA w 1962 r. Po ukończeniu Real Academia de Bellas Artes de San Fernando w Madrycie w Hiszpanii w 1963 r. Wróciła do Pratt i ukończyła studia magisterskie (1964). Po ukończeniu studiów Murray pracował w Agencji Informacyjnej Stanów Zjednoczonych jako artysta-rezydent w związku z odbywającą się w całej Polsce za żelazną kurtyną Wystawą Grafica Americanska . Po powrocie do USA przyjęła posady wykładowcy na Uniwersytecie Hawajskim iw New York Institute of Technology ; później uczyła i wykładała na Long Island University , Pratt Institute i Princeton University .

Na początku lat 70. Murray był jednym z pionierów sztuki, który mieszkał i pracował w rejonie dolnego Manhattanu, który później stał się znany jako SoHo . Wystawiała na wystawach indywidualnych między innymi w historycznej Betty Parsons / Jock Truman Gallery (1976) i Clocktower Gallery (1978) w Nowym Jorku oraz w Dallas Museum of Fine Arts (1982). W tej dekadzie występowała także na Whitney Biennale (1979) i na pokazach grupowych w PS1, Hallwalls i Weatherspoon Art Museum , a także wystawa „Sztuka w naszych czasach”, która odwiedziła Milwaukee Art Museum , Contemporary Arts Centre i High Museum of Art .

W swojej wczesnej karierze Murray wystawiała w Pam Adler Gallery w Nowym Jorku (1979–86) i Jan Turner Gallery w Los Angeles. Od tego czasu miała wystawy indywidualne i dwuosobowe między innymi w MoMA PS1 (2001), Sundaram Tagore Gallery (Nowy Jork, Beverly Hills i Singapur, 2002–18) oraz FiveMyles Gallery (2019).

Praca i odbiór

Krytycy opisują Murraya jako „zagorzałego, choć nie-doktrynalnego, modernistę ” i kolorystę, którego „inkluzywny, otwarty formalizm ” wytyczył wyraźny kurs niezależnie od modów świata sztuki w obrębie, za lub przeciw abstrakcji. Założycielka MoMA PS1, Alanna Heiss, sugeruje, że Murray uniknęła przewidywalności poprzez powolną, ale stałą ewolucję od jej wczesnej abstrakcji geometrycznej o ostrych krawędziach do jej późniejszego ekspresyjnego stylu za pomocą gestów i impast wywołać wrażenia percepcyjne i dotykowe. Jej prace sugerują wpływy, w tym wczesnych modernistów, szkoły nowojorskiej i ekspresjonistów abstrakcyjnych , El Greco i Alberta Pinkhama Rydera , a także wpływy wschodnie; jej kolory i kompozycje są również inspirowane miejscami, sztuką i kulturą, z którymi zetknęła się podczas podróży do Indii i Azji, Ameryki Południowej i tropików. Pracuje głównie w technice olejnej na lnianych płótnach, tworząc obrazy najbardziej znane ze świetlistej barwy, wyczucia światła oraz zróżnicowanych, dotykowych powierzchni i znakowania; krytyk Richard Kalina pisze, że jej praktyka „wykazała się przejrzystością, dyscypliną i strukturą, które funkcjonują w cudownym kontrapunkcie dla intuicyjności, zabawy i sugestywności”.

Judith Murray, instalacja Whitney Museum of American Art (1979), na zdjęciach prace: (po lewej) Red Angle , olej na płótnie, 60,5" x 64,5", 1978; (po prawej) Broadway , olej na płótnie, 60,5" x 64,5", 1978.

Abstrakcja o ostrych krawędziach (1974–1991)

Wczesne obrazy olejne Murraya były niewielkich rozmiarów, były to prace oszczędne w tradycji abstrakcyjnej o ostrych krawędziach. Przedstawiały nieregularne formy geometryczne w czerwieniach, nieprzezroczystych bielach i żółciach unoszące się na zmysłowych czarnych polach i badały problemy równowagi i stabilności bez polegania na symetrii (np. jej seria „Ballast”, 1976). Te niejednoznaczne „postacie” — w porównaniu do żagli, skrzydeł, latawców, księżyców, egzotycznych stworzeń morskich czy dekadenckich, a nawet niebezpiecznych, kolczastych roślin — pochodziły nie tyle ze świata przyrody, ile z wyobraźni lub podświadomości. Recenzując pierwszą dużą indywidualną wystawę Murraya (Parsons-Truman, 1976), krytyk Soho News John Perreault opisał ją jako „malarkę nonkonformistyczną”, której obrazy sugerują otwartą, ale ukrytą logikę, jak znaki lub diagramy; Village Voice zaliczył jej „ekscentryczne abstrakcje” do głównych atrakcji Biennale Whitney w 1979 r. (np. Red Angle i Broadway , oba 1978).

Judith Murray, Dziedzictwo , olej na płótnie, 72" x 76", 1988–9.

Prace, które Murray wystawił w Muzeum Sztuk Pięknych w Dallas, wykorzystywały zwężające się łuki, dynamiczne linie oraz formy przypominające drzazgi i bułaty w bardziej złożonych, pełnych energii kompozycjach, które przypominają rosyjski konstruktywizm (np. Red Wing , 1980; Smoke , 1979–82). . Dallas Times Herald zauważyli „czyste wizualne olśnienie” ich zróżnicowanych matowych, błyszczących i lekko teksturowanych powierzchni oraz „rytmy, na które odpowiadają przeciwrytmy”, które były zakotwiczone w cienkich, jasnobrązowych paskach po prawej stronie. W połowie lat 80. Murray zaczął eksperymentować z wypukłymi obszarami grubego pigmentu, warstwami podkładu i pstrokatymi, delikatnie wymodelowanymi postaciami i podkładami na obrazach, które New York Times zauważył dla kontrastów tajemniczego światła i czerni oraz dynamicznych i stonowanych, stopniowo klarowanych form ( np. Merkury lub Biskup , 1983–4). Los Angeles Times krytyk Kristine McKenna opisała je jako „antropomorficzne abstrakcje” zbudowane wokół „ Jungowskich kształtów naładowanych niewytłumaczalnym znaczeniem”, które płynęły z energią i sugestiami walki o świadomość.

Ekspresyjna abstrakcja (1992–2006)

Murray zaczęła koncentrować się na przestrzeni wokół swoich form w latach 90., stopniowo eliminując ostre krawędzie. Te bardziej rozproszone kompozycje podkreślają teksturę, atmosferę i wrażenie pulsującego światła poprzez energiczne, pierzaste gesty, które tworzą mozaikowe powierzchnie (np. Madurai , 1994 lub Mars , 1997). Pod koniec dekady Murray tworzył obrazy o wymiarach do 8 x 9 stóp, które w coraz większym stopniu przywoływały świat przyrody, na przykład doświadczenia z Florida Keys — nie dosłownie, ale jako abstrakcyjnie przekazywane wrażenia (światło, energia, niebo, woda, Rośliny lądowe). Krytyk Barry Schwabsky napisał, że ta nowa praca ujawniła „ romantyczne podobieństwa” oraz poczucie pilności i dramatyzmu; scharakteryzował Murraya jako „umiarkowanego autora tekstów”, łączącego wrażliwość (porywający pędzel, migoczące światło i wyczucie dotykowe) i powściągliwość (spójna architektura w każdym dziele). Wiele jej tytułów – niektóre zasugerowane poezją Wallace'a Stevensa – przywoływało poetykę miejsca lub nocnych nastrojów: Nocne łowienie (1998), Kamuflaż dla księżyca (1997), Cienie w naszym słońcu (1999-2000). Lilly Wei opisuje te prace jako żywe, staccato „krajobrazy bez krajobrazów, łączące referencyjne, a nie reprezentacyjne”.

W 2000 roku krytycy nadal podkreślali liryczną ekspresję Murray, eteryczną pracę pędzla, poczucie światła i coraz częściej jej rzeźbiarskie użycie farby, co nadało jej pracy głębię, ruch i namacalną fizyczność. Alanna Heiss i Edward Leffingwell sugerują, że chociaż tematem Murray jest „sama farba”, jednocześnie wywołuje ona prawdziwe wrażenia, takie jak wieczorne światło na wodzie (szare i kaligraficzne białe plamy w Primary Document , 2006) lub czerwienie i róże ognistego zachodu słońca ( Królewski Flush , 2006). Klimatyczne dzieło Magnetic South (2006), słoneczne, zmienne pole grubych żółtych i różowych kresek, jest często cytowane jako brawurowy pokaz zdolności Murraya do osiągnięcia równowagi i spójnej struktury poprzez gęste, abstrakcyjne gesty i organizację kolorów. Tworzenie obrazu – w większości na drabinie – było śledzone przez okres trzech miesięcy w epizodycznym Alberta Mayslesa i Marka Ledziana, Judith Murray: Phases and Layers .

Późniejsze malowanie (2007–)

Instalacja Judith Murray, American Academy of Arts and Letters (2005), na zdjęciach prace: (po lewej) First Light , olej na płótnie, 96" x 108", 2004; (po prawej) La Forza de Destino , olej na płótnie, 96" x 108", 2004.

Krytyczka Barbara MacAdam pisze, że późniejsze prace Murraya zakładają „odważne stanowisko… niezłomne trzymanie się abstrakcyjnych gestów”. Obrazy te charakteryzują się głębokimi, uwodzicielskimi kolorami i złożonymi, modulowanymi różami, szarościami, kremami, pomarańczami, złotem i srebrem, a także poczuciem nieciągłej przestrzeni, które razem łączą wpływy wschodnie (malarstwo radżputów, perskie dywany i tekstylia , malarstwo chińskie ) — oraz zachodnie techniki impresjonistyczne lub pointylistyczne .

Lilly Wei opisała program Murray „Continuum” (2009) jako kontynuację jej przejścia do bardziej malarskiego trybu z „wybuchowymi, złożonymi, poplątanymi rytmami”, które przywołują „zmienne krajobrazy, przejściowe światy i wzburzoną energię kosmosu”. Program Murray „Without Borders” (2012) zasygnalizował „oszałamiające odejście” i „przełom” odpowiednio krytykom Lawrence'owi Osgoodowi i Davidowi Cohenowi, syntetyzując jej wczesne, ostre prace i obecny ekspresyjny styl. Nadal zatrudniała zgromadzonego, Cézanne'a - jak krótkie pociągnięcia pędzla, żywe wzory i pasek po prawej stronie, jednocześnie wprowadzając małe, rozproszone kształty geometryczne, przypominające w miniaturze jej figury z lat 70.; ekscentryczne, krystaliczne i niemal heraldyczne, formy te pozornie „najeżdżają” na charakterystyczne obecnie wzorce dzieł, takich jak Pierwszy dzień i Noc w Tunezji (oba 2011).

Trafnie nazwana wystawa Murraya „Burza” (2018) zawierała mozaikowe, wirujące kompozycje, przepełnione bogato kolorowymi, energicznymi pociągnięciami pędzla, które recenzje porównują do rojów pszczół lub ławic ryb przekraczających płaszczyznę obrazu. Jego centralnym punktem był duży dyptyk Pewnego ranka (2014), który przedstawiał poczucie przestrzeni i koc złotych marek, które krytycy porównali do bogactwa Klimta wnętrze. Spektakl wprowadził również nowy, późny rozwój kariery: małe, nietypowo szybkie płótna 11 x 14 cali wykorzystujące szerszy pasek (aby zachować iluzję kwadratowego formatu), przecinające się perspektywy i przeszkadzające gesty (np . i Gaggle , 2017–208); sugerują pływalność, ruch i siły natury szaleją.

Kolekcje publiczne i uznanie

Prace Murraya należą do stałych kolekcji Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum, The Library of Congress, New York Public Library, British Museum , Brooklyn Museum , Carnegie Institute , Honolulu Museum of Art , MIT List Visual Arts Center, Museum of Fine Arts, Houston , Narodowe Muzeum Sztuki (Polska), Philadelphia Museum of Art , Smithsonian American Art Museum , Departament Stanu USA , Walker Art Center i Yale University Art Gallery, wśród innych kolekcji publicznych i prywatnych.

Została wyróżniona stypendiami John Simon Guggenheim Memorial Foundation (2002) i National Endowment for the Arts (1983) oraz American Academy of Arts and Letters Award (2005). Została wprowadzona do National Academy of Design w 2009 roku, a od 1985 roku jest członkiem American Abstract Artists. Otrzymała również zlecenie Lincoln Center na stworzenie grafiki do plakatów i grafik na kilka wydarzeń Festiwalu Mozartowskiego.

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Judith_Murray_(artist)&oldid=1056512538 ”