Kyun-Chome

Kyun-Chome (キュンチョメ) to japońska jednostka artystyczna z siedzibą w Tokio , składająca się z Nabuchi (ナブチ, ur. 1984, Mito ) i Honma Eri (ホンマ エリ, ur. 1987, Yokohama ). Pojawiły się jako jednostka artystyczna po wielkim trzęsieniu ziemi we wschodniej Japonii w 2011 roku i zyskały na znaczeniu po zdobyciu 17. nagrody Taro Okamoto Art Award w 2014 roku.

Kyun-Chome tworzy przede wszystkim instalacje wideo, prowadząc średnio- i długoterminowe rezydencje w regionach podzielonych społecznie, aby podkreślić to, co nazwali „rdzenną rzeczywistością” konkretnego miejsca lub problemu. Angażowali się w szeroki zakres problemów społeczno-politycznych w Japonii i za granicą, takich jak klęski żywiołowe i katastrofy spowodowane przez człowieka, imigracja, historia narodowa i tożsamość płciowa. Według artystów ich praca ma na celu zacieranie granic między sprawcą a ofiarą, tworzenie nowych skojarzeń między tragedią, komedią i współczesną wiarą.

Edukacja i tło

Honma i Nabuchi ukończyli Sokei Academy of Fine Art & Design w Ikebukuro w Tokio w 2009 roku. Nabuchi studiował w alternatywnej szkole artystycznej Bigakkō, kończąc seminarium sztuki współczesnej „Genius High School” prowadzone przez Ryūtę Ushiro, członka kolektywu artystów Chim↑Pom .

Honma i Nabuchi rozpoczęli współpracę w 2011 roku po wielkim trzęsieniu ziemi we wschodniej Japonii . Katastrofa spowodowała, że ​​Honma rzuciła pracę jako pracownik najemny i wyciągnęła Nabuchi z dłuższego okresu jako hikikomori . W wywiadzie przeprowadzonym w ramach rezydencji Art Action UK w 2016 roku Kyun-Chome stwierdził, że uznali, że pracując razem mogą przekroczyć własne indywidualne ograniczenia i stworzyć coś mocniejszego i potężniejszego.

Nazwa „Kyun-Chome” łączy w sobie dwie japońskie onomatopeje: kyun kyun , które odnosi się do przeskakiwania bijącego serca; i chome chome , które mogą być używane jako ustne czytanie „XX” dla zredagowanych lub wyraźnych słów, a także jako eufemizm określający seks. Artyści twierdzą, że na świecie nie ma wystarczającej liczby kyun kyun i chome chome , więc pracują nad zwiększeniem ich liczby poprzez swoje dzieła.

Dzieła sztuki

Kyun-Chome został przypisany jako część fali świadomych społecznie młodych artystów w Japonii, których działalność nie ogranicza się do tradycyjnych przestrzeni artystycznych, takich jak muzea i galerie, ale raczej angażuje się we wspólne, otwarte, dialogiczne projekty, które zawierają elementy partycypacyjne, jak np. centralnym punktem ich praktyki. Wielu z tych artystów angażuje się w wyraźnie polityczne tematy, które pojawiły się w Japonii po potrójnej katastrofie z 2011 roku.

Kyun-Chome wykorzystuje powtarzające się dialogi i akcje w swoich projektach wideo, aby zbadać wewnętrzną stronę istot ludzkich, która jest ukryta pod powierzchnią. Od 2011 roku tworzą dzieła sztuki, które angażują lokalne społeczności w takich miejscach jak Ishinomaki , Okinawa , Hong Kong i Berlin . Choć ich projekty mają często charakter krytyczny, powstrzymują się od jawnych osądów etycznych, a zamiast tego przedstawiają różnorodne uczucia i ekspresję tych, którzy uczestniczą w ich projektach, nie zdradzając własnych opinii ani nie informując widzów, co mają myśleć. Jak mówią sami artyści: „Możemy zostać związani przez konkretne informacje… Interesują nas jednak kwestie kryjące się za tymi oczywistymi przekazami moralnymi. Interesują nas ukryte aspekty ludzkich działań; sposób, w jaki żyjemy , przekonania, których się trzymamy i sposób, w jaki nasze emocje kołyszą się z jednej strony na drugą”. Artyści unikają przydzielania sobie określonych ról we wspólnej pracy; zamiast tego „szybko podrzucają sobie nawzajem pomysły”, mając ogólne wyobrażenie o tym, jak chciałby, aby wyglądał projekt, i spontanicznie pracując nad osiągnięciem celu.

Kwiat XX (2012)

Instalacja artystów Kwiat XX (2012) składała się z kwietnika posadzonego bezpośrednio w ścieżce wystawy, wymagającego od widzów (w tym ofiar katastrofy) nadepnięcia na żywe kwiaty, aby wejść na przestrzeń wystawy. Na końcu tętniącego życiem pomarańczowo-żółtego kwietnika znajdował się napis: „Czujemy się, jakbyśmy codziennie nadepnęli na coś w rodzaju kwiatu”. Kwiat XX został opisany w Asahi Shimbun jako „imponujące dzieło, które pozwala spojrzeć na naturę istot ludzkich”.

Płynąć w czerwieni (2014)

Kyun-Chome otrzymał 17. Taro Okamoto Art Prize za swoją pracę Flow in Red (2014), instalację, którą stworzyli na 17. Taro Okamoto Award for Contemporary Art Exhibition. Praca skupiała się na jednej tonie ryżu pomalowanego na czerwono i uformowanego w monumentalny stożek, przedstawiony jako metafora żywności skażonej radioaktywnością po katastrofie nuklearnej w Fukushimie. Ta nagroda zaowocowała indywidualną wystawą artystów w 2015 roku w Taro Okamoto Memorial Museum w Tokio.

Flow in Red składał się z „kabiny” z trzema ścianami i otwartym sufitem oraz wejścia zasłoniętego żółtą taśmą ostrzegawczą , która ostrzegała odwiedzających przed wchodzeniem zarówno w języku angielskim, jak i japońskim. Jednak wewnątrz przestrzeni znajdował się worek ryżu z napisem zachęcającym odwiedzających do „wkroczenia do strefy zakazu wstępu”, co bezpośrednio odnosi się do strefy zamkniętej w Fukushimie. Podłoga kabiny była pokryta ryżem, a pośrodku znajdowała się góra jaskrawoczerwonego ryżu, spiętrzona w wysoki stożek z ludzką ręką i pięścią ściskającą na samym szczycie kolejną żółtą taśmę ostrzegawczą. Widziany z góry, czerwony stożek w prostokątnej białej kabinie tworzył idealną hinomaru , czyli japońską flagę.

Kyun-Chome wyświetlił dwie prace wideo na ścianach obok góry czerwonego ryżu; aby je zobaczyć, odwiedzający musieliby „wkroczyć” do strefy pseudowykluczenia i nadepnąć na potencjalnie radioaktywny ryż (już tabu w Japonii). W pierwszym filmie, Toll the New Year's Bell, Inside the Prohibition, Kyuun-Chome wkracza do prawdziwej strefy zamkniętej w Fukushimie , aby uderzyć w dzwon świątyni w okolicy w Sylwestra 2013 roku. New Japan Paradise , drugi film przedstawia artystów w sylwestra rok wcześniej w 2012 roku, również wchodzących do strefy wykluczenia w Fukushimie i potajemnie malujących sprayem worki odkażające z niebieskimi kółkami, które są odwrócone za pomocą filtra negatywowego w aparacie smartfona, aby niesamowicie odsłonić czerwone hinomaru flagi Japonii na każdej torbie.

Flow in Red można rozumieć jako komentarz do dyskryminacji ryżu przeciwko Fukushimie, która rozpowszechniła się po katastrofie, a także krytyczną ocenę amnezji narodu i polityki unikania katastrofy zaledwie kilka lat po jej wystąpieniu. Artyści pozyskiwali ryż użyty w pracy z serwisu eBay , gdzie wielu rolników z Fukushimy zostało zmuszonych do sprzedaży ryżu, który uznano za niezdatny do spożycia przez ludzi.

Rytm przetrwania (2015)

W 2015 roku Kyun-Chome wyprodukowała pracę wideo, w której poprosili napotkanych na ulicy ludzi o skakanie na linie, która była wcześniej używana podczas próby samobójczej w lesie Aokigahara (znanym również jako Jukai, czyli Morze Drzew ) (樹海) Ta grafika została opisana jako „niepokojąca”, ponieważ komentuje kruchość życia poprzez przywołanie zarówno dzieciństwa, jak i śmiertelności.

Robienie idealnego pączka (2019)

W latach 2017-18 Kyun-Chome współpracował ze społecznością Okinawy przy tworzeniu filmu dokumentalnego Making a Perfect Donut (2019) o ciągłej obecności i ekspansji amerykańskich baz wojskowych na Okinawie. W filmie artyści przeprowadzają 10 wywiadów stylizowanych na rozmowy z mieszkańcami Okinawy, przedstawiając swój pomysł połączenia amerykańskiego pączka z okinawskim sata andagi , aby powstał idealny, „bezdziurkowy” pączek które można podłączyć przez otwór w ogrodzeniu bazy wojskowej. Absurdalny pomysł Kyun-Chome, przedstawiony różnym mieszkańcom o różnych udziałach w okupacji amerykańskiej bazy wojskowej, spotyka się z mieszanką odpowiedzi, ostatecznie pokazując, jak złożony i kontrowersyjny jest ten problem.

Od debiutu filmu artyści współpracują z kuratorką z Okinawy, Iharadą Haruką, nad serią wystaw zatytułowaną SCREENINGS: Throw the Perfect Donut Far Away , która prezentuje film w różnych miejscach i na festiwalach filmowych jako sposób na nawiązanie dialogu na temat sytuacji politycznej na Okinawie . W 2019 roku Kyun-Chome pokazał film w Galerii Maruki dla Hiroshima Panels i zorganizował trzydniowy specjalny program wystawienniczy zatytułowany Peace Learning Tour: Love & Guns. Kyun-Chome wystawił także film na 3331 Art Fair w Arts Chiyoda w 2019 roku, gdzie zaprezentowali również replikę „idealnego pączka”.

We wrześniu 2020 r. Making a Perfect Donut zostało uwzględnione w „Deep South – Deep South Movie Matchmaking: Celebration of Okinawa and Thai Deep South Filmmakers”, internetowym festiwalu filmowym, na którym zaprezentowano filmy z Tajlandii i Okinawy, aby znaleźć punkty powiązania między regionami i wspierać wymianę kulturalną.

Jestem mędrcem (2019) i Dopóki mój głos nie umrze (2019)

Na Aichi Triennale 2019 Kyun-Chome odpowiedział na temat „Taming Y/Our Passion” pracami wideo Until My Voice Dies (2019) i I am Sage (2019), w których zaangażowali osoby transpłciowe i niebinarne , które przechodzą zmiana płci . Utwór dokumentuje osoby, które zmieniały swoje imiona w ramach tego złożonego procesu, i rejestruje, jak kaligrafują swoje nowe, wybrane imię nad swoim imieniem i wielokrotnie wykrzykują wybrane imię, aż do utraty głosu.

Artyści stwierdzili w wywiadzie, że zdecydowali się na pracę z osobami transpłciowymi i niebinarnymi w odpowiedzi na zlecenie Aichi Triennale, by włączyć równą liczbę kobiet i mężczyzn. Honma stwierdził: „To podejście, które podkreśla binarne płcie. Kiedy organizatorzy Aichi powiedzieli, że osiągnęli równość płci, wiedziałem, że nie zapytali każdego uczestnika o płeć, z którą się identyfikują (chociaż później usłyszeliśmy również, że Kyun-Chome nie był wliczany do płci, ponieważ jesteśmy grupą). ”

W 2019 roku, po zamknięciu wystawy „After 'Freedom of Expression?'” (po japońsku『「表現の不自由展」その後」』) na Triennale w Aichi, Kyun-Chome odegrał aktywną rolę w kolektywie artystów ReFreedom_Aichi , którego celem było przeciwstawienie się odwołaniu wystawy.

Wystawy

Kyun-Chome po raz pierwszy zadebiutowali swoją pracą w 2012 roku w grupowym show Coming Out!!!!!!!! w Nao Nakamura, alternatywnej przestrzeni galerii założonej w dzielnicy Kōenji w Tokio przez studenta Bigakkō, Nao Nakamurę. W 2015 roku mieli wystawy indywidualne w Kunstquartier Bethanien w Berlinie; Deptford X, Londyn w 2016 r.; i Komagome Soko w Tokio w 2016 roku.

Byli częścią wielu wystaw zbiorowych poza Japonią, w tym na Tajwanie , w Korei Południowej , Tajlandii , USA , Irlandii , Danii , Wielkiej Brytanii i Francji . Inne ważne wystawy zbiorowe to ich udział w Reborn-Art Festival w 2017 ( półwysep Oshika ); Międzynarodowe Biennale Gangwon w 2018 r. ( prowincja Gangwon ); oraz Triennale w Aichi w 2019 r. ( Prefektura Aichi ). Regularnie wystawiają razem z innym absolwentem Bigakkō, artystą Bontarō Dokuyamą .

Nagrody

Linki zewnętrzne

Strona artysty KYUN-CHOME

Dalsza lektura

  • Theresa Deichert, „Sporne miejsca, sporne ciała: współpraca po 3.11, agencja i ekologie metaboliczne w sztuce japońskiej”. The Journal of Transcultural Studies : 86. 2021. doi:10.17885/HEIUP.JTS.2020.2.24246.
  • Mōri Yoshitaka, „Nowy kolektywizm, uczestnictwo i polityka po wielkim trzęsieniu ziemi we wschodniej Japonii”, World Art. 5 (1): 167–186. 2015. doi :10.1080/21500894.2015.1047038.

Zobacz też