Pokój w Nowym Jorku
| Pokój w Nowym Jorku | |
|---|---|
 | |
| Rok | 1932 |
| Wymiary | 73,66 cm (29,00 cala) × 93,03 cm (36,63 cala) |
Pokój w Nowym Jorku to obraz olejny na płótnie Edwarda Hoppera z 1932 roku , który przedstawia dwie osoby w mieszkaniu w Nowym Jorku. Obecnie znajduje się w zbiorach Sheldon Museum of Art . Mówi się, że obraz został zainspirowany przebłyskami oświetlonych wnętrz widzianych przez artystę w pobliżu dzielnicy, w której mieszkał, Washington Square .
Cechy formalne
Scena jasno oświetlonego pokoju zawarta jest w ciemnym parapecie okna. Surowe kadrowanie skupia się na pokoju, przyciągając wzrok i nadając realności akcji podglądania przestrzeni, w której badani nie są świadomi, że są obserwowani. Autentyczność szpiegostwa jest produktem procesu artystycznego Hoppera. Przyznał, że inspiracją dla Room in New York były „przebłyski oświetlonych wnętrz widzianych, gdy spacerowałem nocą ulicami miasta”. Pomimo migawkowej jakości sceny, w rzeczywistości nie jest to jedno konkretne okno ani moment, w który Hopper zajrzał, ale raczej zwieńczenie wielu różnych narracji, które widział, przemierzając Nowy Jork. Akt podglądania daje widzowi poczucie, że to, co widzi, jest całkowicie rzeczywiste i niefiltrowane; „pochłonięte sobą postacie nie wiedzą o jego obecności; w przeciwnym razie byliby zawstydzeni, zaskoczeni lub w inny sposób niewygodni”. Tak więc narracja, którą przedstawia Hopper, jest narracją bez skrupułów. Ostre linie i bloki kolorów, które obramowują scenę, nie tylko dzielą przestrzeń między widzem a obiektem, ale także dzielą przestrzeń w samym pomieszczeniu. Hopper umieszcza drzwi prawie dokładnie na środku, aby podzielić pracę na dwie odrębne połowy w poziomie, izolując mężczyznę i kobietę po obu stronach. Podczas gdy mężczyzna czyta gazetę, jego odpowiednik gra na pianinie, odwrócona do niego plecami. Bloki koloru wyznaczają przestrzeń i sugerują brak ruchu. Historyk sztuki i uczony Jean Gillies twierdzi, że im mniej szczegółów musi obejrzeć widz, tym wolniej oko będzie poruszało się po dziele. Pomysł wywodzi się z poglądu, że podczas oglądania dzieła sztuki oko przeskakuje od szczegółu do szczegółu, aby dostrzec całość. Zmniejszając liczbę elementów, Hopper tworzy wolno poruszającą się lub nawet nieruchomą scenę. Gilles argumentuje, że formalne techniki służą nadaniu przedmiotom ponadczasowej jakości, tak jakby byli zamrożeni w tej chwili.
Interpretacje
Większość badaczy koncentruje się na samotności i wyobcowaniu jako temacie prac Hoppera. Historyk sztuki Pamela Koob zwraca uwagę, że „samotne postacie na obrazach Hoppera mogą równie dobrze być przywołaniem takiej zadowolonej samotności, a nie samotności tak często cytowanej”. Dowody na zadowolenie pochodzą z własnego przekonania Hoppera, że dzieło sztuki jest wyrazem „życia wewnętrznego” twórcy — według jego żony Jo Hopper kochał swoje życie wewnętrzne do tego stopnia, że mógł „dobrze sobie radzić bez przeszkadzanie innym ludziom”.
Oprócz głównego tematu wyobcowania, w pracach Hoppera podkreśla się wiele innych czynników. Sam Hopper opisuje to jako: „Wiesz, jest wiele myśli, wiele impulsów, które składają się na obraz, a nie tylko jeden”. Niektórzy uczeni twierdzili, że wyraźnie określone kształty i figury Hoppera mogą być reliktem jego poprzedniej pracy w reklamie. Chociaż dobrze wiadomo, że Hopper nie przypisywał sobie zbyt wiele uznania, mówiąc o swojej długoletniej pracy jako ilustrator książek i czasopism, niektóre cechy formalne widoczne w pracy komercyjnej zwykle pojawiają się w jego obrazach olejnych. W szczególności historyk sztuki Linda Nochlin twierdzi, że Hopper wciąż trzyma się „śladów konwencji figuralnych, skrótów przestrzennych i nieśmiałej purytańskiej sztywności konturu”. Te sztywne formalności dotyczące kształtu są tym, co według Nochlina nadaje pracom Hoppera niezaprzeczalnie amerykański wygląd.
W kontekście
Poczucie rozłąki, często związane z nowojorskim mieszkaniem, jest motywem przewodnim prac Hoppera. W szczególności utwory Hoppera, które zawierają dwa główne tematy, głęboko wnikają w ideę samotności. Pary Hoppera to zazwyczaj mężczyzna i kobieta, którzy znajdują się blisko siebie, a jednak są całkowicie nieświadomi siebie nawzajem. Chociaż te wyobcowane pary pojawiają się w wielu pracach Hoppera, historyk sztuki Joseph Stanton sugeruje, że Hotel by a Railroad może być czymś w rodzaju elementu towarzyszącego Pokoju w Nowym Jorku. Stanton zwraca uwagę, że para przy torach może być w rzeczywistości tą samą parą w Pokoju w Nowym Jorku, tylko o trzy lub cztery dekady starszą. W obu pracach sukienki noszone przez kobiety są tego samego koloru, a niezwykle ciemne włosy i blada skóra potęgują podobieństwo między nimi. Podobnie mężczyźni na obu obrazach noszą czarne garnitury bez marynarki. Poza fizycznymi podobieństwami obu par, pojęcie fizycznej bliskości, a jednocześnie całkowitej alienacji, łączy te dwie prace.
W kulturze popularnej
Obraz zainspirował opowiadanie Stephena Kinga z 2016 roku „ The Music Room ”. Historia została zebrana w książce 016 In Sunlight or In Shadow: Stories Inspired by the Paintings of Edward Hopper .
Notatki
- Gilles, Jean. „Ponadczasowa przestrzeń Edwarda Hoppera”. Art Journal 31, nr. 4 (1972): 404-12.
- Koob, Pamela N. „Stany bytu: Edward Hopper i estetyka symbolistyczna”. Sztuka amerykańska 18, nie. 3 (jesień 2004): 52-77.
- Lewin, Gal. Edward Hopper: Katalog Raisonné . Nowy Jork: Whitney Museum of American Art. 1995.
- Lewin, Gal. Edward Hopper: intymna biografia . Nowy Jork: Knopf. 1995.
- Nochlin, Linda. „Edward Hopper i obrazy wyobcowania”. Art Journal 41, nr. 2 (czerwiec 1981): 136-141.
- Stanton, Józef. „Na krawędzi: bezruch narracji Edwarda Hoppera”. Sondowania: Interdyscyplinarny Dziennik 77, no. 1/2 (wiosna / lato 1994): 21-40.
- Ward, JA American Silences: realizm Jamesa Agee, Walkera Evansa i Edwarda Hoppera . Baton Rouge: Louisiana State University Press. 1985.