Bumpei Usui

Bumpei Usui
碓氷文平 (Usui Bunpei)
Bumpei Usui
Urodzić się	( 1898-02-25 ) 25 lutego 1898 Nagano , Japonia
Zmarł	marzec 1994 Nowy Jork, Nowy Jork
Miejsce odpoczynku	Cmentarz Nicholsona, Nicholson, Pensylwania
Narodowość	Obywatel USA
Znany z	Artysta,
Współmałżonek	Franciszka Elżbieta Pratt

Bumpei Usui ( 碓氷文平 Usui Bunpei , 1898-1994 ) był amerykańskim malarzem urodzonym w Japonii, znanym ze swoich socrealistycznych pejzaży miejskich i scen z życia miejskiego, a także wnętrz, studiów kwiatowych i martwych natur. Krytyk opisał jego styl jako „kultywowany realizm” w 1935 roku. Inni krytycy chwalili jego podejście do koloru, wyczucie tekstur i instynkt do wartości przestrzeni. Niektórzy widzieli precyzję . Jego obrazy przedstawiające ludzi wchodzących ze sobą w interakcję pokazywały zarówno humorystyczne, jak i ostrzejsze strony miejskiego życia. Po jego śmierci jego pracom nie poświęcano zbyt wiele uwagi, aż w 2014 roku Metropolitan Museum of Art kupiło jeden z jego obrazów, a następnie umieściło go w widocznym miejscu na dużej wystawie. Wraz ze swoją karierą jako malarz, Usui był twórcą ram na zamówienie, projektantem mebli i lakiernikiem. Był także kolekcjonerem zabytkowych mieczy japońskich i hodowcą kotów syjamskich.

Wczesne życie i trening

Urodzony w 1898 roku Usui wychował się w prefekturze Nagano w Japonii, gdzie jego ojciec był właścicielem farmy jedwabników. Kiedy miał dziewiętnaście lat, popłynął statkiem do Londynu, gdzie jego brat był handlarzem i kolekcjonerem sztuki zachodniej. Tam uczył się angielskiego iw miarę możliwości malował pierwsze obrazy. Aby przeżyć, zatrudnił się jako dekorator mebli. W ramach tej pracy nauczył się stylu dekoracji wschodnioazjatyckich, który był popularny na początku XVIII wieku w Anglii. Technika ta, zwana lakierowaniem królowej Anny, wykorzystywała cząsteczki złota w mokrym lakierze do ozdabiania skrzyń, szafek, luster i innych mebli. Usui podróżował z Londynu do Nowego Jorku w 1921 roku i ponownie mógł zarabiać na życie dekorując lakierem w fabryce mebli.

Kariera w sztuce

Zarabiając na życie dekorując fortepiany i meble, Usui zaczął spotykać się z japońskimi artystami w mieście i malować własne obrazy. Nieformalna grupa, do której się przyłączył, obejmowała Yasuo Kuniyoshi , Kyohei Inukai , Eitaro Ishigaki , Gozo Kawamura, Toshi Shimizu , Kiyoshi Shimizu, Chuzo Tamotzu i Torajiro Watanabe. W 1921 r. grupa ta utworzyła organizację zajmującą się wzajemnym wspieraniem i wystawianiem prac. W listopadzie 1922 roku odbył się pierwszy pokaz. Nazwana „Wystawą Stowarzyszenia Artystów Japonii w Nowym Jorku”, odbyła się w galerii Civic Club na 12th Street w pobliżu Piątej Alei. Pokaz japońskich artystów był jedną z pierwszych wystaw klubu. Recenzja w New York Times zwróciła uwagę na młodość artystów i ich decyzję o przyjęciu zachodnich stylów w swojej twórczości. Krytyk nazwał Usui „samoukiem i wrażliwym” i pochwalił jego podejście do koloru. Usui kontynuował pracę jako lakiernik w fabryce mebli do 1927 roku. Do tego czasu założył również pracownię artystyczną o nazwie Dai Butsu lub „Wielki Budda” w swoim mieszkaniu przy West 14th Street. W 1925 zaczął wystawiać w Towarzystwie Artystów Niezależnych , które nie miało jury selekcyjnego i nie oferowało nagród. W tym samym roku zaczął również pokazywać w Salons of America, innej organizacji sponsorującej wystawy bez jury. Podobnie jak jego przyjaciel Kuniyoshi, spędził część lata w kolonii artystów Woodstock i dołączył do Stowarzyszenia Artystów Woodstock. Kiedy pokazywał na wystawie Salons of America na początku 1925 roku, recenzja w New Yorker zwróciła uwagę na obraz zatytułowany „Sklep maszynowy”, który, jak powiedział recenzent, „jest nowy w sposób, który nie przypomina żadnego innego nowoczesny, jaki widzieliście w tym roku”. Katalog wystawy Towarzystwa Artystów Niezależnych w tym samym roku zawierał reprodukcję jego obrazu „Dach wieczorem”. Recenzja Forbesa Watsona w The Arts nazwała program Independent z 1926 roku „odświeżającym i przyjemnym” i przypisuje Usuiemu przedstawienie „humorystycznego spojrzenia na scenę amerykańską”. Recenzja w Arts and Decoration mówi, że „Letni wieczór” Usui był „naprawdę zabawny”. Komentując obraz, który stał się jednym z jego najbardziej znanych, recenzent powiedział, że „Impreza na dachu” Usui była mniej pochodna niż inne prace i zwrócił uwagę na szczegół, w którym dwie osoby, które recenzent nazwał „podglądającymi starymi pannami”, patrzą na, przerażeni ekscesami bohemy , które obserwują. Na wystawie Independents, która odbyła się w 1929 roku, Usui pokazał obraz czterech kobiet na pikniku zatytułowany „Niedzielne popołudnie”. Pisząc w Baltimore Sun , Jerome Klein nazwał to „sprytnym renderowaniem”. W drugiej połowie lat 20. Usui nadal wystawiał na Salonach i Niezależnych (jak je nazywano), aw 1927 r. brał udział w kolejnej wystawie zbiorowej z artystami japońskimi. Relacjonując program Independents w 1930 roku, krytyk przypisał Usuiemu wysoki poziom wyrafinowania, umiejętności i zdolności. Krytyk powiedział, że obraz zatytułowany „Siesta” był „niezwykle inteligentnym przedstawieniem”. Oprócz pokazów organizowanych przez Salony i Niezależnych, Usui brał udział w kilku nowych grupach we wczesnych latach trzydziestych. Wraz z sześcioma innymi artystami pomógł założyć w 1931 roku spółdzielnię artystów o nazwie „An American Group”. Siódemka zorganizowała swój pierwszy pokaz w hotelu w lutym następnego roku. Chociaż nie był studentem Ligi Studentów Sztuki , w tym samym roku pokazał się na wystawie graficznej z grupą byłych studentów Ligi. Latem 1932 roku po raz pierwszy pokazał się na wystawie sponsorowanej przez Roberta U. Godsoe, zwanej Gotham Outdoor Gallery. Recenzent zauważył, że wkład Usui był o wiele bardziej profesjonalny niż ten pokazany przez innych artystów. W następnym roku pokazał w Galerii Sztuki Albright-Knox w Buffalo. W kwietniu 1934 roku otrzymał indywidualną wystawę w Roerich Museum obok czterech innych artystów, z których wszyscy brali udział w wystawach plenerowych odbywających się na Washington Square . W tym samym roku brał udział w wystawie zbiorowej w Galerii Sztuki Współczesnej oraz w innej wystawie grupowej w domu towarowym Wanamaker . The New York Times reprodukował obraz z tego pokazu, a jego krytyk, Edward Alden Jewell , powiedział, że obraz, nazywany różnie „Wnętrzem” lub po prostu „Malowaniem”, był „czarujący” i „równie dobrze mógł zostać uhonorowany przez komisję zakupową i że z pewnością powinien bezzwłocznie wejść do jakiejś kolekcji”. Kiedy później kolekcjoner kupił dzieło, transakcja była pierwszą sprzedażą Usui. Po zamknięciu wystawy krytyk zauważył, że obrazowi poświęcono wiele uwagi.

We wczesnych latach trzydziestych obrazy Usui pojawiały się na wystawach objazdowych sponsorowanych przez College Art Association . Na jednej z takich wystaw w Williams College w 1935 roku miejscowy krytyk zidentyfikował go jako „ramiarza obrazów z Greenwich Village i hodowcę kotów syjamskich, który znalazł czas na naukę sztuki z tak niesamowitymi wynikami, że mecenasi i krytycy sztuki w Nowym Jorku są obecnie przekonując się, że w tym japońskim artyście dokonali ważnego odkrycia”. W tym samym roku Usui wziął udział w wystawie zbiorowej w ACA Galleries. W tamtym czasie recenzenci przychylnie odnosili się do jego pracy. Jeden zauważył, że dał się poznać jako znany artysta. Jakby na potwierdzenie jego pozycji w świecie sztuki, New Yorker zamieścił o nim artykuł w wydaniu z 5 stycznia 1935 roku. W tym samym roku dołączył do Federal Art Project , aby przetrwać utratę dochodów spowodowaną przez Wielkiego Kryzysu . W ciągu następnych siedmiu lat pokazy grupowe organizowane przez projekt obejmowały jego prace, często spotykając się z krytyką. Obraz zatytułowany „Barki węglowe” znalazł się w katalogu wystawy FAP w Museum of Modern Art, a trzy lata później Akademia Sztuk Pięknych w Pensylwanii przyznała mu nagrodę na swojej 131. dorocznej wystawie. Pisząc o pokazie Federal Arts Project w 1938 roku, krytyk zwrócił uwagę na jego obrazy kwiatów, które były wyjątkowe ze względu na ich „żywe kolory i witalność, jaką stare tematy są na nowo obdarzone”. Recenzując ten pokaz, inny krytyk powiedział, że Usui wydobył wysoki poziom dekoracyjności w jednym ze swoich obrazów, dodając: „W liniowej harmonii, delikatności koloru i bogatej jakości jest wyjątkowy”. Pisząc 4 grudnia 1941 r., Tuż przed japońskim bombardowaniem Pearl Harbor, inny krytyk pochwalił obraz kwiatowy na wystawie FAP jako „bardzo piękny”. Po wybuchu II wojny światowej Usui przestał brać udział w wystawach. Przed wojną przepisy imigracyjne uniemożliwiały mu uzyskanie obywatelstwa amerykańskiego lub poślubienie obywatela USA. Po rozpoczęciu jego status został zmieniony z „obcego-rezydenta” na „wrogiego kosmitę”. Był wtedy pod obserwacją rządu, nie mógł podróżować bez pozwolenia i nie wolno mu było posiadać żadnych przedmiotów, które mogłyby zostać użyte do naruszenia obrony. Przeglądając program, który został zaplanowany przed wypowiedzeniem wojny i otwarty wkrótce po nim, krytyk odwrócił uwagę od jego japońskiego pochodzenia, mówiąc, że jest „orientalnego pochodzenia”.

W 1947 roku prace Usui ponownie pojawiły się w Nowym Jorku, tym razem na indywidualnej wystawie w Galerii Laurel. Program zebrał przychylną recenzję od Howarda Devree z New York Times , który powiedział, że jego obrazy, z których większość nie była wcześniej wystawiana, należą do jego najlepszych. Recenzja w Art Digest mówi, że wykazali się delikatnym malowaniem pędzla i „miłym wyczuciem koloru”. Usui nadal zarabiał na życie jako ramnik i hodowca kotów, ale nie pokazywał swoich obrazów ponownie aż do 1978 roku, kiedy brał udział w wystawie grupowej z innymi japońskimi artystami w galerii Azuma. Art in America odtworzył nieformalny portret jego przyjaciela Kuniyoshi autorstwa Usui w swoim wydaniu na styczeń-luty tego roku. Rok później Salander Galleries dały Usui retrospektywną wystawę zawierającą prace z lat 1925-1949. W 1983 roku otrzymał drugą indywidualną retrospektywę, tym razem w Tokio na wystawie w Fuji Television Gallery.

Kilka dekad po jego śmierci krytyk New York Times powiedział, że Usui „spadł z pola widzenia” po tym, jak cieszył się uznaniem w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku, które było porównywalne z uznaniem, jakie otrzymali tacy artyści jak Marsden Hartley i Charles Demuth . W 2014 roku Metropolitan Museum of Art w ogłoszeniu o swoich ostatnich zakupach szczegółowo opisało obraz Usui z 1925 roku zatytułowany „Fabryka mebli”. Muzeum uzyskało dzieło, sprzedając inne dzieła ze swojej kolekcji galerii handlowej, która je posiadała. Po zakupie wystawił obraz w swoich galeriach sztuki współczesnej, aw następnym roku umieścił go na specjalnej wystawie 250 prac zatytułowanej „Reimagining Modernism: 1900-1950”. Recenzując ten program, Roberta Smith nazwała „Fabrykę mebli” dziełem „energetycznej złożoności”. Inny Timesa zauważył, że było to jedyne muzeum z obrazem Usui w Nowym Jorku. W 2021 roku Smithsonian American Art Museum umieściło obraz „Portret Yasuo Kuniyoshi” (1930) na swojej wystawie „Artist to Artist”.

Styl artystyczny

(1) Bumpei Usui, 14th Street, 1924, olej na płótnie, 30 1/8 × 24 cale

(2) Bumpei Usui, Fabryka Mebli, 1925, olej na płótnie, 36 x 43 cale

(3) Bumpei Usui, Impreza na dachu, 1926, olej na płótnie, 46 1/4 x 58 cali

(4) Bumpei Usui, scena portowa, ok. 1929 r., olej na płótnie

(5) Bumpei Usui, Dachy i ucieczka przeciwpożarowa, 1930, tusz na papierze, 10 x 8 cali

(6) Bumpei Usui, Martwa natura: Kuniyoshi's Studio, 1930, olej na płótnie, 50 x 32 cale

(7) Bumpei Usui, Kot w oknie, 1932, olej na płótnie, 61 x 45 1/2 cala

(8) Bumpei Usui, Bronx, 1933, olej na płótnie, 14 1/2 x 20 cali

(9) Bumpei Usui, Backyard Staten Island, 1933, olej na płótnie, 14 1/2 x 20 cali

(10) Bumpei Usui, Round Out Old Section, Kingston, Nowy Jork, 1949, olej na płótnie, 20 x 24 cale

(11) Bumpei Usui, Abstrakcja bez tytułu, 1967, litografia, 10 1/8 x 13 1/4 cala

Usui pokazał obraz kwiatowy na pierwszej znanej publicznej wystawie swoich prac w 1922 roku i przez resztę swojej kariery kontynuował tworzenie kompozycji kwiatowych i martwych natur. Zobacz na przykład jego „Martwa natura: Studio Kuniyoshi” z 1930 r. I „Kot w oknie” z 1932 r., Obrazy numer 6 i 7, jako obrazy reprezentatywne dla tego gatunku. Dwa lata później namalował obraz zatytułowany „14th Street” (pokazany tutaj, obraz numer 1), który wiele lat później miał sugerować precyzyjny styl pejzażu miejskiego z lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Później w swojej karierze tworzył inne pejzaże miejskie o innym charakterze. Zobacz na przykład „Bronx” i „Backyard Staten Island”, oba namalowane w 1933 roku (zdjęcia nr 8 i 9).

Oprócz motywów kwiatowych, martwych natur i pejzaży miejskich Usui malował realistyczne sceny z codziennego życia miasta. Dwóch krytyków, pisząc w 1929 roku, skojarzyło te obrazy ze stylem zwanym American Scene Painting . Niedawno krytycy zauważyli związek między tymi miejskimi obrazami a obrazami w Ashcan , który kwitł w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Obrazy miejskie Usui były postrzegane w tamtym czasie jako wyróżniające się na tle innych realistycznych dzieł miejskich, przynajmniej częściowo ze względu na swój humor. Krytycy w połowie lat dwudziestych przypisywali mu, jak ktoś powiedział, „humorystyczne spojrzenie na scenę amerykańską”. W wariacjach na temat tej myśli inni krytycy uznali jego pracę za „sprytną” i „niezwykle inteligentną”. Ogólnie rzecz biorąc, krytycy używali terminów takich jak „kultywowany realizm”, „liniowa harmonia”, „delikatność koloru” i „łaskawe obchodzenie się”, aby opisać jego obrazy. Pisząc w 1935 roku, krytyk omówił umiejętność, z jaką Usui osiągnął „uczucie spokoju” w jednym ze swoich krajobrazów i nazwał go „zdolnym kolorystą”, który miał „czarujące wyczucie tekstur”. W 2014 roku kurator Metropolitan Museum pochwalił „eksperymentowanie z perspektywą i proporcjami” Usui. Zobacz „Harbor Scene” Usui z 1929 r. (zdjęcie nr 4) i „Round Out Old Section, Kingston, New York” z 1949 r. (zdjęcie nr 11), aby zapoznać się z przykładami obrazów, w których krytycy dostrzegli te cechy.

W trakcie jego kariery niektórzy krytycy zauważyli wpływ sztuki japońskiej na twórczość Usui, podczas gdy inni nie widzieli takiego wpływu. Jedno z pierwszych poważnych rozważań na temat jego pracy, opublikowanej w 1922 roku, traktowało ją jako na wskroś amerykańską. Cytując badanie szefa Tokijskiej Szkoły Sztuk Pięknych, Okakury Kakuzō , artykuł mówi, że Usui i inni japońscy artyści w Nowym Jorku przyjęli zachodnie tradycje sztuki w reakcji na „powszechne potępienie wschodnich zwyczajów”, które były wówczas powszechne w Stanach Zjednoczonych . W 1935 roku krytyk powiedział, że w obrazach Usui nie ma nic japońskiego, że on i jego przyjaciele przyjęli zachodnie praktyki, porzucając technikę ich dziedzictwa i kultywując niejapoński realizm. Inni krytycy widzieli w tej pracy „japońskie wersje sceny amerykańskiej” (1929), nazywali go „malarzem, który rozumie cenną jakość ekspresyjnej linii swoich przodków” (1935) i mówili, że jego obrazy ujawniają „coś z tradycji swoich japońskich przodków, zarówno w instynkcie do wartości przestrzennych, jak i w subtelności jego traktowania” (1938). W 1947 roku pewien krytyk osiągnął równowagę. Jego studia kwiatowe i pejzaże, jak napisał ten krytyk, były dość amerykańskie, ale posiadały „delikatne akcenty, które przypominają, że Usui jest Japończykiem” [sic].

Wszystkie najczęściej wymieniane w prasie obrazy Usui powstały w latach 1924-1930. Były to pejzaż miejski „14th Street” z 1924 r. (zdjęcie nr 1) i trzy sceny miejskie, „Fabryka mebli” z 1925 r. (zdjęcie nr 2), „Impreza na dachu” z 1926 r. (zdjęcie nr 3) i „Niedzielne popołudnie” z 1929 r.

Choć najbardziej znany ze swoich obrazów olejnych, Usui tworzył także rysunki i litografie. Przykłady obejmują „Dachy i ewakuacje przeciwpożarowe” z 1930 r. (zdjęcie nr 5) oraz streszczenie bez tytułu z 1967 r. (zdjęcie nr 11).

Cieśla konstrukcyjny

Usui zaczął robić ramki w 1929 roku na prośbę swojego przyjaciela Kuniyoshi. Zaczynając od tworzenia ram dla innych artystów, wkrótce stał się znany z jakości swojej pracy i pozyskał klientów od projektantów i dekoratorów, takich jak Donald Deskey , oraz kolekcjonerów, takich jak Abby Aldrich Rockefeller . W 1935 1935 artykuł o Usui w New Yorker powiedział, że jest to „najbardziej ruchliwy sklep z ramami do obrazów w Nowym Jorku”. Mówiono, że projektując ramę, wziął pod uwagę miejsce, w którym obraz zostanie zawieszony, a także charakter samego obrazu, aw niektórych przypadkach radził klientom, aby w ogóle nie używali ram na zamówienie. Pisząc w 1947 roku, New York Timesa , Howard Devree, powiedział, że namalowałby więcej, gdyby nie był tak zajęty tworzeniem ram. Pod koniec życia jego reputacja wykraczała poza Nowy Jork do tego stopnia, że ​​​​jedno źródło napisało, że stał się znany jako jeden z najlepszych twórców ram w kraju.

Dekorator mebli

Będąc w Londynie, Usui wykorzystał swoje nowo nabyte umiejętności w lakierowaniu w stylu królowej Anny, pomagając w produkcji nowoczesnych mebli i wyposażenia, które mogłyby uchodzić za wiekowe. W Nowym Jorku został zatrudniony przez dekoratorów wnętrz, aby wykorzystać swoje umiejętności lakiernicze na krzesłach i innych meblach. W 2013 roku siostrzenica żony Usui, Frances Pratt, powiedziała w wywiadzie, że kiedyś Steinway Company w Queens zatrudniła go do dekorowania swoich fortepianów. Jego tworzenie ram przejęło tę pracę pod koniec lat dwudziestych. W 1990 roku autor biografii Yasuo Kuniyoshi powiedział, że Usui był odnoszącym sukcesy projektantem mebli, a nowsza praca (opublikowana w 2013 roku) utrzymuje, że robił meble w swoim sklepie z ramami. Jednak żadne źródło nie podaje szczegółów na temat jego produkcji mebli. Kiedy Metropolitan Museum nabyło „Furniture Factory”, w ogłoszeniu zauważono, że obraz pokazuje bliską znajomość tematu przez Usui.

Kolekcjoner i hodowca kotów

Usui przyjmował dzieła sztuki w zamian za ramy, które wykonał dla innych artystów. Od czasu do czasu kupował też obrazy, które mu się podobały, ale jego kolekcja sztuki współczesnej była skromna. W którymś momencie przed II wojną światową zaczął gromadzić dużą i cenną kolekcję japońskich mieczy i misek do herbaty, a jako wrogi kosmita przedsięwziął środki ostrożności, przechowując tę ​​kolekcję w domach swoich przyjaciół podczas wojny. W 1966 roku wystawił wiele cenniejszych mieczy, a dwanaście lat później wiele z nich zostało mu skradzionych. Następnie sprzedał saldo zbiorów na aukcji w 1979 roku.

Usui zaczął hodować koty syjamskie w latach dwudziestych XX wieku. Przedstawił koty na jednym ze swoich najwcześniejszych obrazów - „Dach tylny” z 1924 r. - i ponownie pokazał je w „Dziewczynie i kocie” (wystawiony w 1930 r.) Oraz obrazie „Kot” (1932). Autor New Yorkerze z 1935 roku powiedział, że Usui sprzedał koty, które hodował, aby uzupełnić dochody z jego działalności związanej z oprawą. Zobacz także „Dachy i ewakuacje przeciwpożarowe” z 1930 r. (zdjęcie nr 5).

Życie osobiste i rodzina

Trzeci syn w rodzinie hodowców jedwabników, Usui, urodził się 15 lutego 1898 roku i wychował w wiosce Horikin w hrabstwie Minami Azumino w prefekturze Nagano (obecnie Horikin, miasto Azumino) w Japonii. Krótka relacja z jego życia, opublikowana w 1935 roku, mówi, że jego imię wymawiano „Boom-pay Oo-soo-ay”. W wieku dziewiętnastu lat wyjechał do Londynu, gdzie jego brat zajmował się kupowaniem zachodnich dzieł sztuki na rynek japoński. Nauczywszy się zdobienia mebli i zaczął malować, w 1921 roku wyjechał z Londynu do Nowego Jorku. W tym okresie rząd Japonii przestrzegał nieformalnego porozumienia, które uniemożliwiało obywatelom Japonii osiedlanie się w Stanach Zjednoczonych. Długo po jego śmierci siostrzenica żony Usui, Frances Pratt, powiedziała, że ​​Usui powiedział swojej rodzinie, że uniknął władz imigracyjnych, skacząc ze statku w porcie w Nowym Jorku. Po osiedleniu się w Stanach Zjednoczonych Usui otrzymał zakaz uzyskiwania obywatelstwa amerykańskiego decyzją Sądu Najwyższego z 1922 r., Takao Ozawa przeciwko Stanom Zjednoczonym , zgodnie z którą obywatele Japonii nie spełniają wymogu „wolnego białego obywatela” określonego w prawie z 1790 r.

W pewnym momencie podczas swoich wczesnych lat w Nowym Jorku Usui poślubił kobietę z Kansas City, której imię brzmiało Lucille. Źródła nie podają jej nazwiska. Rozwiedli się w 1943 r. 16 lutego 1942 r. — około dwa miesiące po ataku na Pearl Harbor i około rok przed rozwodem z Lucille — Usui wyznaczył inną kobietę, Frances Pratt, jako najbliższą krewną, rejestrując się w lokalnej komisji poborowej . 26 grudnia 1942 roku Pratt poślubił mężczyznę o imieniu Gordius Arminius Ritter, znanego jako Chris Ritter. Zarówno Pratt, jak i Ritter byli artystami. Rozwiedli się w 1954 roku. Spis miejski z 1942 roku wymienia zarówno Usui, jak i Pratt pod tym samym adresem i posiadający ten sam numer telefonu (33 East 12th Street na Manhattanie, Algonquin 4-5062). Podczas II wojny światowej Usui był obserwowany jako wrogi kosmita i był regularnie przesłuchiwany przez agentów Federalnego Biura Śledczego, ale nie był internowany ani w inny sposób więziony. W tym czasie przechowywał swoją kolekcję mieczy w mieszkaniach przyjaciół.

Został obywatelem i poślubił Prances Pratt trzy lata po tym, jak ustawa o imigracji i obywatelstwie z 1952 r. Przyznała Amerykanom pochodzenia japońskiego prawo do uzyskania obywatelstwa.

Przyjaciele nazywali Usui jego nazwiskiem, a nie imieniem. Przez większość swojej kariery mieszkał i pracował w Greenwich Village .

Zmarł w marcu 1994 roku i został pochowany wraz z żoną na cmentarzu Nicholson w Nicholson w Pensylwanii. Grób jest oznaczony zaprojektowanym przez nią nagrobkiem.