Jane Mulfinger
Jane Mulfinger | |
|---|---|
| Urodzić się | 1961 Pasadena, Kalifornia, Stany Zjednoczone
|
| Edukacja | Royal College of Art , Uniwersytet Stanforda |
| Znany z | instalacja , rzeźba , sztuka publiczna |
| Styl | Interdyscyplinarny, specyficzny dla miejsca |
| Współmałżonek | Grahama Budgetta |
| Nagrody | Microsoft Research Grant, British Arts Council , The Elephant Trust, Unilever Sculpture Award |
| Strona internetowa | Jane Mulfinger |
Jane Mulfinger to amerykańska artystka konceptualna i pedagog, której sztuka obejmuje instalacje, prace oparte na czasie i rzeźby. Mulfinger mieszka w Berlinie, Londynie, a od 1994 roku na Uniwersytecie Kalifornijskim w Santa Barbara (UCSB), gdzie jest profesorem. Jej prace kolekcjonują i przetwarzają ludzkie artefakty — od znalezionych ubrań lub fotografii, przez język (relacje osobiste, żarty, literaturę) po opuszczone przestrzenie architektoniczne — w celu refleksji nad doświadczeniem, percepcją, pamięcią i ukrytą historią. Wystawiała w Wielkiej Brytanii, Stanach Zjednoczonych, Kolumbii, Izraelu iw całej Europie. Recenzje i artykuły dotyczące jej prac pojawiły się w Flash Art , Tema Celeste , The Times (Londyn) , The Guardian , Los Angeles Times , The Economist i La Stampa , a także w BBC Radio i Radio 1 Austria. krytyka Richarda Dyera napisał, że sztuka Mulfingera „przekształca przestrzenie, zarówno zewnętrzne, jak i wewnętrzne, łamie i odwraca kody, śmieje się z irracjonalności języka i burzy składnię pamięci, aby lepiej pomóc nam pamiętać nie tylko przeszłość, ale także jej znaczenie w teraźniejszości”. Mulfinger jest żoną artysty Grahama Budgetta , mieszka i pracuje w Santa Barbara w Kalifornii.
życie i kariera
Mulfinger urodziła się w Pasadenie w Kalifornii w 1961 roku. Studiując na Uniwersytecie Stanforda (licencjat, Studio Art, 1983), wyjechała do Florencji we Włoszech w 1980 roku. i historii. W 1983 roku przeniosła się do Berlina Zachodniego , gdzie studiowała u ekspatrianta rzeźbiarza Shinkichi Tajiri w Hochschule der Künste , zaprzyjaźniła się z Edwardem i Nancy Reddin Kienholzami , badała znalezione przedmioty i miała swoją pierwszą indywidualną wystawę (Endart Gallery, 1987). Po pracy nad instalacją artystyczną na studiach podyplomowych na Uniwersytecie im Royal College of Art (MA, Sculpture, 1989), Mulfinger pozostał w Londynie, zdobywając uznanie instytucjonalne (nagrody Arts Council of Great Britain i Unilever Sculpture) i uznanie krytyków za wystawy w Flaxman Gallery, Camden Arts Centre , Southampton Museum of Art i Galeria Burmistrz m.in.
W 1994 roku Mulfinger przeniósł się do Santa Barbara w Kalifornii, aby przyjąć posadę nauczyciela na UCSB. Kontynuowała liczne wystawy, z indywidualnymi wystawami w Franklin Furnace Archive (Nowy Jork, 1995), Centre for Contemporary Arts (Glasgow, 1995), Galerie Guido Carbone (Turyn, 1997–2008), Mayor Gallery, Santa Barbara Contemporary Arts Forum ( 1999, 2004) oraz Otis College of Art & Design (2004). Jej prace były również prezentowane w Contemporary Art Society i Beaconsfield Gallery (oba w Londynie), Armory Centre for the Arts oraz The Muzeum Sztuki Santa Barbara . Była kuratorką wystaw dla Beaconsfield i UCSB.
Praca i odbiór
Mulfinger pracował z szeroką gamą materiałów, mediów i strategii; jej podejście zostało porównane do „alchemika [który] zmienia przyziemne i banalne w coś niezwykłego”. Krytycy, tacy jak Sacha Craddock, sugerują, że kluczową strategią jej pracy jest umieszczanie przedmiotów codziennego użytku i fotografii – które John Stathatos scharakteryzował jako „obciążone nawiedzoną znajomością” – w niepokojących lub nieznanych kontekstach i relacjach, aby umożliwić widzom ponowne spotkanie ich.
Prace instalacyjne
Wczesne prace Mulfingera badały zbiorowe doświadczenie, pamięć i historię poprzez znalezione przedmioty, obrazy i interwencje w przestrzeni architektonicznej. W instalacjach takich jak Norris, RE i Rhoberts I (oba 1989) przekształciła przestrzenie wystawiennicze w miejsca kontemplacji i efektów optycznych, zszywając zebrane lokalnie, wyrzucone ubrania w plandeki, które zakładano na świetliki, tworząc wielobarwne panele przypominające katedralne witraże . Pod nimi zmieniła otoczenie, malując ściany, zasłaniając okna tkaniną i dodając ciągłe ławki lub krzesła. Czasami wyświetlała na ławkach wizerunki siedzących osób z różnych okresów historycznych. Pisarze sugerowali, że praca łączy widzów z cyklem życia, śmierci, obecności i nieobecności. Kuratorka Kate Bush napisała: „rozwijające się wraz z upływem czasu, odzyskiwane przez pamięć i wcielane w przedmioty, które po sobie zostawiamy”.
W powiązanych pracach Mulfinger badał efekty monochromatyczne (całkowicie niebieski potop , 1990), geografię, materiały źródłowe i media. W filmie Caught in Passing (1994) — zrealizowanym podczas rezydencji w nowojorskim Experimental Glass Workshop — odlała w krysztale 22 pary odrzuconych butów ze sklepów z używanymi rzeczami Armii Zbawienia, odtwarzając odpadki w hołdzie dla nieznanego życia, które The Independent ( Londyn ) nazwał „pięknie surrealistycznym” dziełem „upiornej przezroczystości”. Instalacja I Battuti Bianchi („Biali Biczownicy”, 1991) nawiązywali do symbolicznych szat historycznej sekty w Carignano we Włoszech, wszując białe ubrania z drugiej ręki w przypominającą balon na ogrzane powietrze strukturę, mieszczącą się w miejskiej bazylice, tworząc skupisko skojarzeń wokół sacrum i bluźniercze szaty oraz ludzkie pragnienie wzniesienia się poprzez naukę i duchowość. W przypadku Armory as Cathedral, Beyond the Visible Spectrum (2002) Mulfinger pokrył zewnętrzną stronę dwóch świetlików o wymiarach 45 x 7 cali plandekami zszytych ubrań skierowanych w tym samym kierunku, jednego czerwonego i jednego niebieskiego. Położony w dawnej zbrojowni (obecnie Armory Center for the Arts ) i wystawione na działanie wiatru i pogody, ikonicznie oznaczone kolorami panele wyraźnie nawiązywały do politycznych, religijnych i społecznych podziałów narodu.
Prace oparte na tekście
W latach 90. Mulfinger często wykorzystywał znalezione teksty i symbole w pracach badających historię kultury, ulotność pamięci oraz jednoczesną siłę i ograniczenia języka. W kilku seriach wytrawiła używane okulary korekcyjne alfabetem Braille'a, alfabetem Morse'a lub notacją muzyczną ( Spectacles , 1991), poezją ( No Vacancy , 1991) lub relacjami z pierwszej ręki o intensywnych doświadczeniach zmysłowych ( Lost for Words , 1991), często jedno słowo lub fraza na soczewkę; ułożone na szklanych półkach dramatycznie oświetlone, delikatnie zacienione elementy tworzyły trudne do odczytania fragmenty lub akapity. Krytycy, tacy jak Sue Hubbard , opisał je jako „subtelne, dowcipne i poetyckie”, podejmuje paradoksy zrozumienia i tajemnicy, oświecenia i ślepoty.
Stworzony na tle negocjacji Unii Europejskiej i planów dotyczących tunelu pod kanałem La Manche , zamówiony przez Mulfingera Common Knowledge (1992) zawierał trzynaście etnicznych dowcipów (w ich oryginalnych językach) o różnych Europejczykach, wypiaskowane na szklanych panelach zainstalowanych bez wyjaśnienia w oknach kas biletowych Stacja Saint Pancras , planowana końcówka tunelu pod kanałem La Manche. Krytyczka Sarah Kent oceniła ujawnienie w pracy publicznie wykluczonego, ale prywatnie powszechnego dyskursu ksenofobicznego jako „zarówno zabawne, jak i obraźliwe”; Ekonomista zdziwiony jego intencją i mieszanką estetycznie pięknego, aktualnego i „niegrzecznego”.
Zainteresowanie Mulfingera artefaktami tekstowymi i upublicznionymi prywatnymi doświadczeniami przekształciło się w projekt Regrets , który zagłębił się w introspekcję i jej potencjał do odnowy poprzez gromadzenie i eksponowanie anonimowych żalów. Projekt rozpoczął się jako instalacja we Franklin Furnace Archive (1995); zawierał zebrane lokalnie żale wyryte na lusterkach wstecznych na szczycie szczudeł, które odzwierciedlały wyświetlane, specyficzne dla miejsca obrazy satelitarne i ludzkie. Miesięcznik sztuki napisał, że metafora lusterka wstecznego „drażni [d] poetyckie rezonanse z mało obiecujących materiałów”; w innych recenzjach zauważono, że niejasna czytelność tekstu potwierdzała ambiwalentne pragnienia ujawnienia i zachowania tajemnicy. W Estonii, Londynie, Brukseli, Turynie i Irlandii Północnej pojawiło się pięć wersji dostosowanych do konkretnych miejsc. W latach 2005–2008 Mulfinger współpracował z Grahamem Budgettem przy wystawianiu Regrets jako interaktywnego projektu ulicznego w Cambridge, Linz , Santa Barbara i Paryż. Wykorzystując mobilną budkę przypominającą „konfesjonał” i pięć wędrujących plecaków, zebrali lokalne żale (później rzutowane na przestrzenie publiczne), aw zamian dostarczyli uczestnikom pięć podobnych żalów określonych przez algorytm, które miały przynieść ulgę poprzez solidarność. The Guardian opisał projekt, który stworzył archiwum dziesiątek tysięcy żalów w czterech językach, jako „zaskakująco poetycki”. W 2018 roku Mulfinger stworzył podobny projekt zbierający historie i obrazy skupione na poczuciu winy, zwany Spectral Latencies , na Centrum Badań Interdyscyplinarnych, Bielefeld w Niemczech.
Mulfinger stworzył instalacje oparte na czasie, wykorzystujące ruch, przypadek i performans oraz indywidualne prace oparte na przejściowych procesach naturalnych. Te ostatnie obejmują sekwencyjne akwaforty na szkle przedstawiające formacje chmur ( No Image No Matter , 1998), gruzu wulkanicznego ( Helen's Body , 2001) i huraganów ( Catarina, Fran, Hugo, Roslyn , 2015). W instalacjach Urządzenie do nieregularnych objawień (1997), Wypełnione treścią, opróżnione formą (1999), Dangling Modifier (1999) i Dokładne drobiazgi, podczas gdy historia się powtarza (2004, 2007) wykorzystała puchowe pióra zdmuchnięte niczym zamieć przez fanów industrialu w dużych, często z pleksiglasu, przestrzeniach, aby zbadać dematerializację, ruch i efekty świetlne, upływ czasu oraz powstanie i upadek historii. W Mobile Apparitions (2003) Mulfinger wyniósł tę pracę z galerii na ulice Los Angeles, Londynu i Wenecji, niosąc duże szklane rurki i naturalnej wielkości aluminiowe i szklane pudła, które powoli poruszały zamkniętymi piórami, przynosząc eteryczne chwile kontemplacji i wizualną przyjemność kontrastować z szybkim tempem miejskiego życia.
The Drunkard Forwarned and the Swearer Caution'd (1999–2004) połączyli zainteresowania Mulfingera tekstem, czasem i interaktywnością w instalacji składającej się ze srebrnego nadmuchiwanego zamku podobnego do spandeksu, na którym siedzieli widzowie, wyświetlanych unoszących się chmur i zwisających srebrnych tabliczek wygrawerowanych ze średniowiecznymi cnotami i wadami, które w różnym stopniu niszczały w rozważaniach nad historycznymi systemami moralnymi.
Projekty Los Angeles
W latach 2004-2009 Mulfinger stworzyła dwa multidyscyplinarne, zorientowane na badania projekty, które badały Los Angeles jako obiekt upadku i odnowy miast. Fikcyjne miasto i jego nieruchomości: opowieść o kolei transkontynentalnej (2004) skupiało się na wykorzystaniu chińskiej siły roboczej do budowy kolei transkontynentalnej i wyburzeniu pierwotnego Chinatown podczas budowy Union Station; z wkładem tekstowym historyka miejskiego Normana M. Kleina i artystki Annie Shaw, badała rolę budowy linii kolejowych w konfigurowaniu granic, miejsc i relacji, pogrzebała narracje etniczne, rasowe i klasowe oraz subiektywną naturę akceptowanej historii. Praca obejmowała performans (dwumilowa budowa makiety kolejowej na żywo i podróż z Union Station do Chinatown, która służyła również jako quasi-historyczna wycieczka), wideo i instalację galeryjną w New Chinatown Barbershop, która zawierała stare mapy z czasów archiwa Chińskiego Towarzystwa Historycznego . Autonomia nie jest już możliwa ani interesująca , część I (2009) skupiła uwagę na zamkniętym domu kultury, Julia Morgan - zaprojektowała Pasadenę YWCA. Mulfinger zainstalował przed wejściem cztery rowery treningowe przerobione na generatory prądu; ustawione tak, aby oświetlały szklany kryształowy żyrandol w holu, ukazywały wciąż elegancki, symetryczny projekt budynku wewnątrz widzom zaglądającym do środka po włączeniu zasilania.
Kariera edukacyjna
Mulfinger wykłada na Uniwersytecie Kalifornijskim w Santa Barbara (UCSB) od 1994 r., zajmując różne stanowiska w College of Creative Studies i Department of Art Studio, w tym profesor Studiów Przestrzennych / Rzeźby od 2009 r. i przewodniczącego Wydziału Sztuki (2011–4) . Oprócz prowadzenia kursów z analiz proporcjonalnych, prac mobilnych, instalacji i sztuki povera oraz strategii materiałowych, stworzyła dwa nowe programy rezydencji artystycznych na UCSB, asystowała we wdrażaniu przebudowy budynku artystycznego i była współkuratorką pierwszych głównych absolwentów wystawa, w której uczestniczyli Mark di Suvero , Mary Heilmann , Suzanne Lacy , Ander Mikalson i Richard Serra . Mulfinger wykładał również na University of North Carolina (1997), Southampton Art Museum (Wielka Brytania, 1993) i Chelsea College of Art and Design (1992).
Nagrody i uznanie
Mulfinger był rezydentem artystycznym w Beaconsfield (Londyn, 2016), American Academy w Rzymie (2016), Djerassi Artists Residency (2002), National Glass Centre (Wielka Brytania, 2001), University of North Carolina (1997) ) oraz New York Experimental Glass Workshop (1993). Otrzymała Microsoft Research Grant, Cambridge, UK (2005), British Council Travel Awards (1993-7), nagrodę OSARCA (Royal College of Art Society, 1989), Elephant Trust Grant (1989) oraz Unilever Nagroda za rzeźbę (1988).
Linki zewnętrzne
- Oficjalna strona Jane Mulfinger
- Jane Mulfinger , Wydział Uniwersytetu Kalifornijskiego w Santa Barbara
| Ogólny | |
|---|---|
| Biblioteki Narodowe | |
- 1961 urodzeń
- Amerykańskie kobiety XXI wieku
- Absolwenci Royal College of Art
- amerykańscy artyści instalacji
- amerykańskie rzeźbiarki
- Artyści z Los Angeles
- Żywi ludzie
- Ludzie z Pasadeny w Kalifornii
- Rzeźbiarze z Kalifornii
- Absolwenci Uniwersytetu Stanforda
- Uniwersytet Kalifornijski, wydział Santa Barbara