José Leonilson
José Leonilson Bezerra Dias (ur. 1957 Fortaleza, Ceará - zm. 1993 São Paulo, São Paulo ) był brazylijskim artystą pracującym zarówno w 2D jako malarz i rysownik , jak iw 3D jako pracownik włókienniczy i rzeźbiarz. Większość życia spędził w Brazylii , gdzie tworzył konceptualne dzieła sztuki skupiające się na wyrażaniu miłości i żalu, szczególnie z perspektywy queer . Leonilson został zdiagnozowany z HIV (AIDS) w wieku 34 lat i zmarł kilka lat później z powodu komplikacji.
Kariera
W 1961 roku Leonilson przeniósł się z rodziną do São Paulo w Brazylii, gdzie później rozpoczął studia edukacji artystycznej w Fundação Armando Álvares Penteado w 1977 roku. Tam Leonilson studiował pod kierunkiem wielu artystów i instruktorów, którzy mieli fundamentalne znaczenie dla jego wprowadzenia we współczesne formy sztuki . Julio Plaza (1938-2003) był artystą i uczonym, który skupił się na pracy w nowych mediach i konceptualnej teorii łączącej je z tradycyjnymi formami. Ponadto Leonilson studiował pod kierunkiem Nelsona Leirnera (1932-2020), który wywarł na niego wpływ poprzez użycie alegorii (a czasem także erotyczne) dzieła skupione na krytyce politycznej i społecznej. Później Leonilson studiował pod kierunkiem Dudi Maia Rosa (1946-) w Aster Art School, gdzie ponownie podkreślono znaczenie materiałów poza farbą i rzeźbą w wyrażaniu uniwersalnych tematów w alternatywny sposób.
Leonilson krótko podróżował po Europie, a na początku lat 80. wchodził w interakcje ze sceną Transawangardy , specyficznym włoskim neoekspresjonizmem , który skupiał się na ich twórczości zupełnie inaczej niż ówczesny ruch sztuki konceptualnej w Brazylii.
Po powrocie do Brazylii w 1982 roku kontynuował tworzenie dzieł sztuki, które były głównie autobiograficzne z jego dorosłego życia i doświadczeń jako queerowego mężczyzny. Wielu ówczesnych krytyków sztuki, takich jak Lisette Lagnado, uznało, że jego prace były tak „surowe” i „odkrywcze”, że przypominały „intymne listy w jego dzienniku”. Wpływ jego prac był głęboko odczuwalny w niektórych zmarginalizowanych społecznościach, ponieważ reprezentował i potwierdzał tożsamość queer – od kontrkultury do autorytarnych potęg w tamtym czasie, takich jak brazylijska dyktatura wojskowa i Kościół katolicki .
W dalszej części swojej kariery Leonilson zaczął wykorzystywać tkaniny i szycie. Było to dla niego znajome, ponieważ jego rodzice pracowali jako handlarze suknem. Ta zmiana w kierunku tekstyliów i form 3D została pierwotnie zainspirowana przez artystów, którzy wykorzystywali tkaniny do przekazywania wiadomości społecznych, tak jak Hélio Oiticica w swoich pracach Parangolé . W związku z tym na karierę artystyczną Leonilsona duży wpływ miała diagnoza HIV (AIDS) w 1991 roku. W następnych latach Leonilson doświadczył fizycznych komplikacji, które wpłynęły na jego zdolność do kontynuowania malowania; następnie całkowicie obrócił się, aby używać wyłącznie tekstyliów i haftów . Niezależnie od diagnozy nadal tworzył dzieła sztuki, ale stawały się one coraz rzadsze i coraz bardziej alegoryczne dla jego choroby. Słynna instalacja z 1993 roku stworzona dla Capela do Morumbi w São Paulo kładł nacisk na uniwersalne tematy życia i śmierci – kruchość i ulotność życia w połączeniu z akceptacją degradacji ciała i śmierci. Jego dzieła stworzone w ciągu ostatnich kilku lat wyraźnie mówiły o problemach, z jakimi borykał się jako queerowy mężczyzna żyjący z HIV, gdy jego sztuka stała się praktyką przepracowywania własnego żalu. Jak zauważa Lagnado: „poza dowodami jego dolegliwości, są też ślady jego oporu wobec udręki śmierci”. Ten zamęt i smutek zostały ożywione dzięki końcowym dziełom Leonilsona i jego osobistym nagraniom audio-pamiętnikom.
Leonilson zmarł z powodu powikłań związanych z HIV 28 marca 1993 roku w São Paulo. Został pośmiertnie odznaczony w 1994 roku przez Stowarzyszenie Krytyków Sztuki w São Paulo za swoje dzieła i wkład. Wiele jego prac jest uznawanych za historyczne znaczenie w kronikach i wizualnym przedstawianiu osób dotkniętych epidemią AIDS w muzeach i kolekcjach w latach następujących po jego śmierci.
Analiza sztuki
34 z bliznami
1991, akryl, nici do haftu i plastikowe pinezki na woale, 16 1/8 x 12 3/16" (41 x 31 cm), Museum of Modern Art, Nowy Jork
Leonilson 34 with Scars pojawił się wkrótce po zdiagnozowaniu u niego wirusa HIV i jest dobrze znanym jego dziełem, które najbardziej na zewnątrz to przedstawia. Sam utwór służy jako autoportret, w którym Leonilson odważnie eksponuje swoje wewnętrzne ciało, aby zwizualizować uczestnikom swoją chorobę. Zwykły biały materiał, który teraz zastępuje jego ciało, ukazuje osobiste zniekształcenia poprzez zszyte czarne blizny i wyraźne wskazanie jego wieku. Te dwa ręcznie zszyte elementy na szczycie jego „ciała” nawiązują do tytułu utworu, a także alegoryzują jego chorobę i stan, przedstawiając obrazy biologiczne i wewnętrzne.
34 with Scars ilustruje fizyczne zmagania queerowych mężczyzn żyjących z HIV/AIDS i nawiązuje do żywego doświadczenia negatywnego postrzegania i dyskryminacji. Leonilson przedstawia intymny autoportret, który jest tak surowy i uproszczony w swoim przesłaniu o śmiertelnym cierpieniu z powodu choroby, że nawet osoby bez tego schorzenia mogą zrozumieć ten utwór jako memento mori . Jako szczery portret chorego ciała, 34 with Scars humanizuje i destygmatyzuje queerowych mężczyzn żyjących z HIV poprzez wrażliwe i autobiograficzne przedstawienia uniwersalnych pojęć, takich jak śmierć i cierpienie, autorstwa Leonilsona.
O Penelopo (Penelopo)
1993, tkaniny mieszane, 222 x 83 cm, Tate Modern, Londyn
O Penelope to seria 10 paneli z różnych przezroczystych tkanin połączonych ze sobą, tworząc drapowany baner. Kolorystyka każdego panelu jest dość podobna, z niewielkimi różnicami w odcieniach złamanej bieli i bladoniebieskich. Wzdłuż krawędzi biegną duże, niedoskonałe, ręcznie szyte ściegi nici hafciarskiej. Dodatkowo częstym motywem prac Leonilsona było wszyte na marginesie puste krzesło.
Poprzez tę grafikę Leonilson połączył się, zsyntetyzował, a następnie obalił historyczne narracje i sposoby tworzenia sztuki. Wychodząc od mitologii tego utworu, O Penelopo prowadzi bezpośrednią rozmowę z historią Penelopy, która czeka na powrót męża Odyseusza do domu po wojnie trojańskiej (jak opowiedziano w Odysei Homera ). Ponieważ Odyseusz nie wrócił od razu po wojnie, Penelope była naciskana przez zalotników, aby ponownie wyszła za mąż. Mówi mężczyznom, że nie może tego zrobić, dopóki nie skończy tkać całunu przedstawić teściowi, jak to było w zwyczaju, aby oddać cześć Odyseuszowi, który został uznany za zmarłego. Pracowała nad projektem przez wiele dni. Aby jednak nie dopuścić do jej ukończenia, potajemnie cofnęła w nocy pracę tego dnia, aby jak najdłużej opóźnić powrót Odyseusza.
Tworząc własny całun, Leonilson bezpośrednio włączył się w dobrze znaną historię „wiernego małżonka czekającego na powrót kochanka”. „Całun” Leonilsona jest analogiczny do „całunu” Penelopy, ale służy również innemu celowi, ponieważ jego historia różni się od jej. Umiera wkrótce po ukończeniu tego utworu, a jego nieznany zalotnik nigdy nie wraca z wyprawy. Całun Leonilsona nie tylko odnosił się do jego tęsknoty za miłością, która nigdy się nie spełniła, ale praca była również introspekcją i rozpoznała jego własne zbliżające się odejście z powodu wirusa HIV. W rzeczy samej, o Penelopo sama w sobie była paradoksalnym dziełem sztuki, ponieważ szybko niszczejący Leonilson celowo poświęcił się czasochłonnemu medium haftu. Leonilson skomentował, w jaki sposób proces szycia był terapeutyczny i duchowy – prawie tak, jakby była to jedyna rzecz, która trzymała go razem w ciągu ostatnich kilku lat – a ta grafika wydaje się to ujmować, ponieważ używał szycia, aby poradzić sobie również ze swoim obecnym stanem aby zapobiec jego ponurej przyszłości.
Ponadto Leonilson nawiązał dialog z aktualnymi ruchami feministycznymi, kiedy przyjął tradycyjnie kobiecą praktykę haftu jako główny sposób tworzenia sztuki. To przesuwanie i podważanie granic płci można dalej zaobserwować w tytule dzieła sztuki, które jest wszyte w tkaninę. Patrząc na oryginalny portugalski tytuł, O Penelope , Leonilson celowo połączył rodzajnik męski „O” z żeńskim rzeczownikiem/imieniem „Penelope”. Ta celowa dekonstrukcja i zmiana przeznaczenia języka płciowego była częstym motywem w jego pracach – zarówno w celu usunięcia płci ze sztuki robótek ręcznych, jak i usunięcia ograniczeń związanych z płcią w tej tradycyjnie kobiecej narracji o tęsknocie i tęsknocie.
Dzieła sztuki i wystawy
Dzieła sztuki w Museum of Modern Art Collection w Nowym Jorku
- Japonka , 1988, akryl na płótnie, 41 5/16 x 61" (105 x 155 cm)
- Pożądanie to błękitne jezioro , 1989, akwarela i tusz na papierze, 12 1/2 x 9 3/8" (31,9 x 24 cm)
- Mężczyźni z własnymi uwagami , 1989, akwarela i tusz na papierze, 12 1/2 x 9 3/8" (32 x 24 cm)
- Aby twoja dusza była blisko mnie , 1989, akwarela i tusz na papierze, 12 1/2 x 9 3/8" (31,9 x 23,9 cm)
- Zachód słońca, trzęsienie ziemi, samotność , 1990, tusz i metaliczny kolor na papierze, 11 7/8 x 8 7/8" (30,4 x 22,7 cm)
- 34 z bliznami , 1991, akryl, nici do haftu i plastikowe pinezki na woalu, 16 1/8 x 12 3/16" (41 x 31 cm)
- I Am Your Man , 1992, akwarela i tusz na papierze, 9 x 12" (22,8 x 30,5 cm)
Wystawy w Museum of Modern Art w Nowym Jorku
- 1996 – „ Projekty 53: Oliver Herring/Leonilson ” – (18 stycznia – 12 marca)
- 2004 – „ MoMA w El Museo: Sztuka Ameryki Łacińskiej i Karaibów z kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej ” – (4 marca – 25 lipca)
- 2006 – „ Przekształcanie chronologii: Atlas rysunku, część druga ” – (10 maja – 2 października)
- 2008 – „ Nowe perspektywy w sztuce latynoamerykańskiej ” – (21 listopada – 25 lutego)
- 2008 – 2009 – „ Tu jest wszystko. Cztery dekady sztuki współczesnej ” – (10 września – 23 marca)
- 2010 – 2011 – „ Sztuka współczesna z kolekcji ” – (30 czerwca – 19 września)
- 2011 – „ Jeszcze żyję: polityka i życie codzienne we współczesnym rysunku ” – (23 marca – 19 września)