Lotaryngia Szemesz

Lotaryngia Szemesz
Urodzić się
Jersey City, New Jersey , Stany Zjednoczone
Edukacja Tyler School of Art (MSZ), Boston University (BFA)
Znany z Malarstwo, rysunek, figuratywność, ceramika
Nagrody National Academy of Design , Boston University , Rhode Island State Council for the Arts
Strona internetowa Lotaryngia Szemesz
Lorraine Shemesh, Crescent , olej na płótnie, 75" x 48,75", 2013. Kolekcja Butler Institute of American Art.

Lorraine Shemesh jest amerykańską artystką zajmującą się malarstwem, rysunkiem i ceramiką. Od początku lat 90. tworzy badania nad ludzką formą, które równoważą współczesny realizm z abstrakcyjnym ekspresjonizmem , skupiając się na gestach, rytmie i wzorach. Jej najbardziej znane cykle przedstawiają aktywnych pływaków w basenach widzianych z góry i pod wodą lub przeplatających się tancerzy w kostiumach osadzonych w niejednoznacznych, skompresowanych przestrzeniach. W 2000 roku jej prace coraz bardziej zbliżały się do abstrakcji , z postaciami rozpływającymi się w wiernie odwzorowanych zjawiskach optycznych lub geometrycznych wzorach. Opisując te cechy, Art in America , Jonathan Goodman, napisał: „bycie wiernym naturze umożliwia Shemesh rejestrowanie olśniewającej gamy malarskich gestów, niektóre z nich wprost wpisują się w tradycję abstrakcyjnego ekspresjonizmu… Jej użycie abstrakcyjnych efektów w służbie reprezentacji jest uderzające i sprawia, że ​​jej sztuka jest złożona”.

Prace Shemesha były wystawiane w takich instytucjach, jak San Francisco Museum of Modern Art , Bronx Museum of Art , National Academy of Design , Institute of Contemporary Art w Bostonie (ICA), Museum of the City of New York i Musée de Carouge (Szwajcaria ). Jej prace znajdują się między innymi w kolekcjach publicznych National Academy Museum , DeCordova Sculpture Park and Museum oraz Rhode Island School of Design Museum .

Wczesne życie i kariera

Szemesz urodził się w Jersey City w stanie New Jersey . Jako dziecko studiowała balet, doświadczenie, które miało wpływ na jej późniejszą twórczość, która bada ruch człowieka. Ukończyła klasyczną edukację artystyczną w ramach multidyscyplinarnego programu na Uniwersytecie Bostońskim , uzyskując tytuł licencjata z malarstwa w 1971 roku oraz letnie stypendium w Instytucie Tanglewood u malarza Philipa Pearlsteina . Podjęła studia podyplomowe w Tyler School of Art (MFA, 1973) w Filadelfii i Rzymie, gdzie inspirowała się takimi artystami jak Chaïm Soutine , Richarda Diebenkorna i Edwarda Hoppera .

Po ukończeniu studiów Shemesh zaczęła wystawiać i nauczać w Rhode Island School of Design (RISD) i Amherst College w latach 1973-1981. Występowała na wystawach zbiorowych w ICA Boston i DeCordova Museum oraz na wystawach indywidualnych w RISD (1976) i Alpha Gallery w Boston (1978), zanim dołączyła do znanej Allan Stone Gallery, gdzie miała osiem wystaw indywidualnych w latach 1983-2009. Miała również wystawy indywidualne w Butler Institute of American Art (2006), Gerald Peters Gallery (Nowy Jork i Santa Fe; 2016 i 2019) oraz Dartmouth College (2021).

Praca i odbiór

Shemesh pracowała w różnych trybach figuratywnych i gatunkach w całej swojej karierze, z czasem zbliżając się do abstrakcji. Jej serie Pool i Dancer opierają się na klasycznych zainteresowaniach ludzką anatomią, mięśniami i ruchem. Eksplorują złożoną choreografię relacji międzyludzkich, uniwersalne doświadczenia czasowości i śmiertelności oraz relacje między ciałem a przestrzenią, napięciem i spokojem, dysjunkcją i harmonią. Balansuje te zainteresowania z formalnymi obawami dotyczącymi gestu, abstrakcyjnej formy, wzoru, powierzchni i obchodzenia się z farbą. W późniejszych pracach i na wystawach połączyła obrazy, rysunki i ceramikę, badając ruch i wzór poprzez wspólne motywy i powiązane techniki, które oświetlają jej całą produkcję.

Wczesna praca (lata 80.)

Wczesne prace Shemesha obejmowały rysunki figuratywne i obrazowe kołdry, pejzaże miejskie i wnętrza w stylu Hoppera oraz martwe natury grupujące na stole jedzenie i przedmioty codziennego użytku, takie jak piłki plażowe, klapki, gumowe rękawiczki i damskie kostiumy kąpielowe. Jej martwe natury składały się z grafitowych rysunków i kolorowych obrazów olejnych, co zawdzięcza Wayne'owi Thiebaudowi , łącząc szczegółowe, realistyczne renderowanie z tym, co Art in America s Carl Little nazwał socjokulturowym okiem na ekscesy i mroczniejsze tematy, takie jak śmiertelność, bezbronność i „desperacki sentymentalizm” pospolitych, nieelitarnych przedmiotów. Przykłady tej pracy obejmują grupę pudełek z cukierkami ( Trzy serca ) i rzędy butów, których wędrujące sznurowadła i wielobarwne wzory Little przypominają ławicę wijących się w górę ryb tropikalnych ( Buty do kręgli ).

„Malowane baseny”

Na początku lat 90. Shemesh zwrócił się ku realistycznym, wielkoformatowym, immersyjnym obrazom postaci widzianych spod wody w basenach, często opartych na dogłębnych badaniach anatomicznych z wykorzystaniem tancerzy jako modeli. Z dystansu obrazy funkcjonują jako klasyczne, figuratywne kompozycje atletycznych postaci – demonstrujące zdolności obserwacyjne, które krytycy porównują do bokserek George’a Bellowsa – które z bliska rozpływają się w neoimpresjonizmie. dociekania czystego światła czy abstrakcji lirycznej. Często wykorzystują anatomiczne skróty perspektywiczne i naturalne powiększenie spowodowane przez zmieniające się falowanie wody, aby ożywić przestrzeń malarską, jednocześnie wykorzystując nieważkość wody do przywołania cielesnych i pozacielesnych doświadczeń , przekraczanie ograniczeń, spowolniony czas, sen i taniec. Krytycy sugerowali, że te cechy ekspresyjne otwierały obrazy na diametralnie przeciwstawne interpretacje, jako doznania zmysłowo przyjemne lub bardziej niepokojące dramaty dezorientacji, izolacji, ciszy lub zagrożenia, zwłaszcza w późniejszych pracach samotnych, często przyciętych lub obciętych postaci, których twarze nie są widoczne.

Lorraine Shemesh, Lock , olej na płótnie, 46,75" x 78,25", 2009.

Seria początkowo angażowała się w dialog obejmujący zwykłe działania basenowe nad i pod linią wody, podkreślając zniekształcenia formy i koloru na zanurzonych ciałach pływaków (np. Twist and Shout and Tubes , 1993). Jednak pod koniec dekady Shemesh była pod coraz większym wpływem malarzy, takich jak Jackson Pollock , i rozluźniła kontrolę nad dziełem, pozwalając niegdyś solidnym, zawartym figurom na fragmentację na abstrakcyjne bodźce optyczne - falujące prążki, załamane szczegóły i fragmenty oślepiającego światła i żarzących się kolorów, które pisarze porównywali do dzieł JMW Turnera i Claude'a Moneta . Obrazy te przyjęły również bardziej geometryczne, koliste strategie kompozycyjne, albo w ich układach figuratywnych ( Loop and Link , 1999), albo przedstawiając nadmuchiwane rurki, przez które wyłaniały się różne części ciała ( Ring , 1997).

Pokaz Shemesha z 2000 roku, „Water-Works”, składał się z dużych obrazów olejnych i studiów gestów, które napisali krytycy, wykazał intensywne, równe zainteresowanie skręcaniem, zginaniem i wykrzywianiem atletycznego ciała oraz zniekształceniami nigdy nie stojącej wody. Ken Johnson z New York Timesa opisał obrazy jako pływaków z wygiętymi plecami, chwytających się nawzajem za stopy, tworząc „żywy symbol yin-yang” na obwodzie płótna, „zanurzony w świetlistym, malarskim strumieniu”. W późniejszych pokazach „Breaking the Surface” (2006) i „Inside Out” (2016) Shemesh posunął się dalej w kierunku rozpadu formy w takich pracach jak Amoeba (2005), Spots (2012) i Crescent (2013), z postaciami całkowicie wtapiając się w fragmenty czystej abstrakcyjnej formy, wzoru i pędzla.

Tancerze

Pod koniec 2000 roku Shemesh wyprodukowała nowy zbiór prac, serię „Przecięcia” (2007–2021): duże prace, które odeszły od jej prężnych postaci z basenu, przedstawiając anonimowych, połączonych tancerzy zamkniętych w ciasnej walce lub szponach ( Tangle , 2010 ; Zamek , 2009). Obrazy łączyły realistyczną uwagę na muskulaturę i cienie z abstrakcyjną geometrią, którą niektórzy krytycy porównywali do prac Seana Scully'ego . Całkowicie odziani w kostiumy z kapturami w szerokie czarno-białe pasy, tancerze odgrywali wymyślne, zmysłowe pozy, które Shemesh ustawiał na zamglonym, neutralnym tle i zawierał w płytkich, niemal klaustrofobicznych przestrzeniach składających się na płaszczyznę obrazu. Wzorzyste kostiumy i zestawienia rąk i nóg syntetyzowały ciała w większe, pozornie wyimaginowane formy z żywą, rytmiczną grą abstrakcyjnych kształtów; wpływ na wzory miały tekstylia afrykańskie (np. sukno Kuba), a także przedmioty mechaniczne, takie jak przerzutki rowerowe, koła, zamki błyskawiczne. Krytycy, tacy jak Donald Kuspit, opisywali obrazy takie jak Szach-mat (2008) jako „najeżone napięciem” i „niepokojące” w swojej egzystencjalnej dwuznaczności. Przedstawiał siedzące postacie ze zgiętymi głowami i ramionami oraz odciągniętymi do tyłu ramionami - co sugeruje niewolę - i ciasno złączonymi, wyciągniętymi nogami rozciągającymi się na środku płótna, które tworzyły wzór szachownicy.

Obrazy tancerzy z serii Shemesh „The Space Between Us” (2014–21) wykorzystywały cieplejsze kolory inspirowane krajobrazem otaczającym Santa Fe w Nowym Meksyku . Na przykład Attached (2018) przypomina architekturę adobe, z okrągłym układem splecionych ze sobą postaci otoczonych wypalonym pomarańczowym kwadratem i oślepiającym białym obszarem środkowym podkreślającym pustkę między nimi; w Puzzle (2014) bladożółte i czarne wzory rzutowane na i za spiralnym układem postaci sugerowały fragmentaryczne cienie układanki i rombowe wzory arlekina kostium, przekazując zabawną, wolną od asocjacji jakość. Pisarka Molly Boyle twierdziła, że ​​te płótna przesłuchiwały idee powiązań, „zapoczątkowując eksplorację psychologii jednej formy ludzkiej w stosunku do innej oraz względnych odległości i intymności między jaźniami znajdującymi się w każdym ciele”.

Lorraine Shemesh, Czarno-białe, przechylone naczynie Nerikomi , porcelana, 4,5" x 11" x 7,5", 2011.

Ceramika

Począwszy od 2016 roku, Shemesh zaczął wystawiać obrazy i rysunki z naczyniami porcelanowymi i kamionkowymi, które podzielały zainteresowanie wzorem, geometrią, skręconymi i zazębiającymi się formami oraz metamorfozami kształtu i światła od figuracji do abstrakcji. Stworzyła prace z gliny przy użyciu czasochłonnych japońskich technik Nerikomi i Neriage , przeplatając różnokolorowe gliny, które są następnie ręcznie budowane jak warstwowe formacje geologiczne lub pracowały na kole pasowym. Prace takie jak Black & White Tilted Vessel (2011) wykorzystała powtórzenia i odchylenia wzorów i płynnych kształtów pozornie zaczerpniętych z jej obrazów w basenie, podczas gdy Large Black & White Woven Neriage Cylinder (2017) zaangażowała obrazy tancerzy. Opisując interakcje między mediami, A. Bascove napisał: „uczucie namiętnego ruchu, często z niepewną krawędzią, jest obfite… grawitacyjne przyciąganie porządku w chaos staje się medytacją nad upływem czasu i żywo odczuwalnymi okolicznościami samego życia. "

Uznanie

między innymi w publicznych kolekcjach Butler Institute of American Art, Danforth Art Museum, DeCordova Museum, Hood Museum of Art , National Academy of Design, Museum of the City of New York i Rhode Island School of Design Museum. . Otrzymała stypendium Rhode Island State Council for the Arts, nagrodę dla wybitnych absolwentów School of Visual Arts na Uniwersytecie Bostońskim oraz rezydencje artystyczne w Dartmouth College, Watershed Center for the Ceramic Arts i Yaddo . W 2004 roku została wybrana do National Academy of Design.

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Lorraine_Shemesh&oldid=1121039626 ”