Duchowa jedność

Duchowa jedność
Duchowa jedność
Album studyjny wg trio Alberta Aylera
Wydany	maj 1965
Nagrany	10 lipca 1964
Studio	Nowy Jork
Gatunek muzyczny	Wolny jazz
Długość	29 : 13
Etykieta	Dysk ESP
Producent	Bernarda Stollmana
Chronologia Alberta Aylera

Spiritual Unity to studyjny album amerykańskiego saksofonisty free jazzowego Alberta Aylera . Został nagrany 10 lipca 1964 roku w Nowym Jorku z udziałem basisty Gary'ego Peacocka i perkusisty Sunny'ego Murraya . Był to pierwszy album nagrany dla wytwórni ESP-Disk Bernarda Stollmana i przyniósł Aylerowi międzynarodową uwagę, ponieważ był tak „szokująco inny”. Jednocześnie przekształcił ESP-DISK w „główne źródło awangardowego jazzu”. 5-gwiazdkowa recenzja w AllMusic nazwał to „przełomowym nagraniem, które jest niezbędne dla każdego podstawowego zrozumienia free jazzu”, „albumem, który wypchnął Alberta Aylera na czoło jazzowej awangardy… naprawdę pierwszy dostępny dokument muzyki Aylera, który pasował do niego grupa prawdziwie sympatyczni muzycy” i stwierdził, że „rezultaty są wspaniale czystą destylacją jego estetyki”.

Tło

Pod koniec grudnia 1963 roku Bernard Stollman, który zastanawiał się nad założeniem wytwórni płytowej, za namową przyjaciela poszedł posłuchać Aylera w Baby Grand Café na 125th Street w Harlemie. Ayler przeprowadził się do Nowego Jorku na początku tego roku i ostatnio grał z różnymi muzykami, w tym z Ornette Colemanem , z którym Ayler nagrał nieformalne nagranie na początku tego miesiąca, oraz Cecilem Taylorem , z którym miał wystąpić w Nowy Rok. Eve na koncercie w Philharmonic Hall w Lincoln Center , na którym wystąpi także kwintet Johna Coltrane'a i Art Blakey i posłańcy jazzu . Według Stollmana, po przybyciu do Baby Grand Cafe,

Elmo Hope siedział przy fortepianie ze swoim trio na podwyższeniu. Siedziałem i słuchałem ich. Kilka minut później mały mężczyzna w szarym skórzanym garniturze, trzymający duży saksofon, minął mnie i wskoczył na scenę. Miał czarną brodę z małą plamką siwizny. Nie został przedstawiony i ignorując trio, zaczął dąć w róg. Pozostali muzycy zatrzymali się i spojrzeli na niego. Nie wymieniono żadnych słów. Elmo Hope cicho zamknął pianino, basista odstawił swój bas, perkusista odłożył pałeczki i wszyscy rozsiedli się, by słuchać. Grał solo i grał przez dwadzieścia do trzydziestu minut, po prostu wybuch muzyki. Wydawało się, że to sekunda; nie było czasu! Potem zatrzymał się i zeskoczył z platformy, zlany potem.

Następnie Stollman zwrócił się do Aylera, powiedział mu, że zakłada wytwórnię płytową i poprosił go, aby został jego pierwszym artystą, oferując 500 dolarów zaliczki. Ayler zgodził się i oświadczył, że skontaktuje się ze Stollmanem po wypełnieniu zobowiązania do nagrania materiału w Atlantic Studios. (Tutaj miał na myśli sesję z 24 lutego 1964 roku, która zaowocowała dwoma albumami, Spirits , później wznowionymi jako Witches & Devils , oraz Swing Low Sweet Spiritual ).

Na początku 1964 roku Ayler na krótko dołączył do kwartetu kierowanego przez Paula Bleya . Przy tej okazji Ayler poznał basistę Gary'ego Peacocka, który grał z Bleyem od kilku lat, a ostatnio także nagrywał z Billem Evansem . W grupie Bleya znalazł się także perkusista Sunny Murray, z którym Ayler grał w grupie Cecila Taylora. (Murray pojawił się na obu nagraniach Aylera z 24 lutego). Kwartet Bley nie nagrywał i wystąpił publicznie tylko raz w kawiarni Take 3 w Greenwich Village. Późną wiosną Ayler, Peacock i Murray utworzyli trio, po tym jak Peacock opuścił Milesa Davisa. grupy, w której zastępował Rona Cartera . 14 czerwca trio zagrało w Cellar Café w Nowym Jorku i nagrało materiał, który miał zostać wydany na albumie Prophecy , zawierającym niektóre utwory, które miały zostać nagrane dla Spiritual Unity niecały miesiąc później.

Nagranie i wydanie

W tym samym miesiącu Ayler zadzwonił do Stollmana i powiedział mu, że chciałby nagrać. Według Val Wilmera , decyzja Aylera o dołączeniu do wytwórni Stollmana, która miała nosić nazwę ESP-Disk , została podjęta „wbrew radom Cecila Taylora i innych muzyków, którzy uważali, że artyści powinni walczyć o cenę współmierną do ich talentu”. Ayler uzasadnił swoją decyzję, stwierdzając: „Czułem, że moja sztuka jest tak ważna, że musiałem ją wydobyć. W tamtym czasie muzycznie byłem nie z tego świata. Wiedziałem, że muszę grać tę muzykę dla ludzi”.

Stollman zarezerwował sesję na 10 lipca w Variety Arts Studio, małym i niedrogim studiu w pobliżu Times Square, z którego często korzystał Moe Asch , właściciel Folkways Records , dla którego Stollman wykonywał prace prawne. Stollman wspominał:

Tuż przed 13.00 pojawił się Sunny Murray, duży, sympatyczny mors, poruszający się i mówiący ze zwinnością, która przeczyła jego wyglądowi. Następny był Gary Peacock, wysoki, szczupły, o ascetycznym wyglądzie, łagodnym głosie, introspektywnym i życzliwym usposobieniu. Albert Ayler był ostatni, mały, ostrożny i lakoniczny.

Inżynier nagrań zostawił otwarte drzwi do studia, a ówczesna żona Stollmana i Peacocka, Annette , siedziała w recepcji. Według Stollmana,

Gdy grała muzyka, byłem zachwycony, podekscytowany, uradowany. Wymieniłem spojrzenia z Annette i powiedziałem: „Co za pomyślny początek dla wytwórni płytowej!”. Skinęła głową na znak zgody.

W pewnym momencie „inżynier uciekł z pokoju kontrolnego na kilka minut, ale wrócił na czas, aby zmienić taśmę do następnego wyboru”. Chociaż sesja była dobrze omikrofonowana, Stollman był „przerażony”, gdy dowiedział się, że została nagrana monofonicznie. Jednak po latach stwierdził: „Przez ponad czterdzieści lat nikogo to nie obchodziło”. Muzycy otrzymali wynagrodzenie i podpisali umowy nagraniowe po sesji, w pobliskiej kawiarni.

Stollman zatrudnił Jordana Matthewsa, byłego producenta ABC, jako swojego dyrektora artystycznego, a Matthews zatrudnił Howarda Bernsteina do wykonania okładki. Stollman stwierdził, że zdecydował się wykonać sitodruk na okładce, nadając jej „pierwotną jakość, odpowiednią dla ESP”. Pomimo faktu, że było to pierwsze prawdziwe nagranie ESP-Disk, Spiritual Unity zostało wydane w 1965 roku jako druga pozycja w katalogu wytwórni, po płycie zatytułowanej Ni Kantu En Esperanto , którą Stollman opisał jako „tylko ćwiczenie” wynikające z jego zainteresowanie esperantem . (Stollman wspominał, że kiedy nagrywał album Esperanto, „nie myślał o robieniu czegokolwiek poza tym”).

Wczesne wydania Spiritual Unity zawierały broszurę zatytułowaną „Ayler - Peacock - Murray - You and the Night and the Music” z tekstem Paula Hainesa . W notatkach na okładce albumu stwierdza się, że symbol „Y”, który pojawia się na tylnej okładce, „pochodzi sprzed zapisanej historii i zawsze reprezentował wschodzącego ducha człowieka. Uznaliśmy, że ten znak jest szczególnie odpowiedni dla tego albumu”. Książeczka nigdy nie znalazła się w żadnej reedycji CD, ale znalazła się w zestawie pudełkowym „Holy Ghost”.

Ayler był zadowolony z nagrania i uważał, że reprezentuje ono bardzo wysoki poziom muzycznej interakcji, stwierdzając: „Większość ludzi pomyślałaby, że to niemożliwe, ale tak się naprawdę stało. Najważniejszą rzeczą jest pozostawanie w zgodzie ze sobą, ale to trwa duchowych ludzi, aby to zrobili… Nie graliśmy , słuchaliśmy się nawzajem”. Po jego wydaniu Ayler wysłał kopię albumu do Johna Coltrane'a , a wkrótce potem Coltrane namówił Impulse! Rekordy do podpisania Ayler. W czerwcu 1965 roku Coltrane nagrał album Ascension ; po sesji nagraniowej Coltrane „zadzwonił do Aylera i powiedział mu:„ Nagrałem album i stwierdziłem, że gram tak samo jak ty ”. Odpowiedź Alberta: "Nie, człowieku, nie widzisz, grałeś jak ty. Po prostu czułeś to, co ja czuję i po prostu wołałeś o duchową jedność".

Stollman był podekscytowany tym doświadczeniem i wspominał: „Byłem zachwycony tą płytą, więc byłem bardzo naładowany pomysłem pójścia naprzód. Chciałem zgłębić tę nową muzykę”. Tydzień po Spiritual Unity , Ayler, Peacock i Murray wraz z Donem Cherrym , Johnem Tchicai i Roswellem Ruddem nagrali New York Eye and Ear Control , który również został wydany przez ESP-Disk. Wytwórnia wydała kilka dodatkowych albumów Aylera, w tym Bells i Spirits Rejoice . Według Stollmana, po śmierci Aylera w 1970 roku, reprezentował majątek muzyka.

Krytyczny odbiór

Profesjonalne oceny
Przejrzyj wyniki
Źródło	Ocena
Cała muzyka
Penguin Przewodnik po jazzie	👑
Widły	9,3/10
Przewodnik po płytach jazzowych Rolling Stone

Początkowa krytyczna reakcja na duchową jedność była mieszana. Scott Deveaux i Gary Giddins zauważyli, że album „był zarówno wiwatowany, jak i wyśmiewany” i stwierdzili, że „ogromne brzmienie Aylera wywołało pożądliwą histerię”. W lipcu 1965 roku DownBeat opublikował artykuł, który zawierał negatywną, bezgwiazdkową recenzję Kenny'ego Dorhama , który napisał, że album „nie jest wart papieru potrzebnego do jego recenzji. Za daleko. Minął księżyc i gwiazdy ” , obok pozytywnej recenzji Billa Mathieu, który napisał: „Nuty znikają w szerokich, nieregularnych wstęgach, fragmentarycznych, pryzmatycznych, rozwianych wiatrem, nieokreślonych i wypełnionych furią. Chociaż furia jest przerażająca, niebezpieczna, osiąga absolutną pewność poprzez bycie , muzycznie, absolutnie zawarty ... Ayler pozornie rzadko słyszy jedną nutę na raz - jakby nie było sensu rozważać cząstek rzeczy. Wydaje się, że chce skanować wszystkie nuty przez cały czas i w ten sposób przemawiać do rozszerzonej świadomości. A konsekwencja w tym wylaniu jest punktem odniesienia, z którego jego muzyka nabiera kształtu... Muzyka Aylera, podobnie jak większość muzyki awangardowej, jest w najlepszym razie trudna do słuchania. Jest to jednak bardzo bezpośredni stwierdzenie, fizyczna manifestacja duchowego lub mistycznego rytuału. Jej logika jest logiką ludzkiego ciała w sferze ducha. Czy to możliwe, że rytuał jest bardziej dostępny dla niektórych słuchaczy niż dla innych?”

Ostatnia reakcja była bardziej pozytywna. Autorzy The Penguin Guide to Jazz wybrali ten album jako część sugerowanej przez nich „Core Collection”, przyznając mu „koronę” oprócz oceny czterech gwiazdek i komentując: „Trio Ayler z 1964 roku było kwintesencją zespołu słuchającego, uwikłani w osobistą walkę, którą można jedynie obserwować z przerażeniem z boku”. W 2013 roku Spin umieścił go na liście „100 najlepszych alternatywnych albumów lat 60.”. W 2017 roku Pitchfork umieścił go na 30. miejscu listy „200 najlepszych albumów lat 60.”.

Val Wilmer napisał, że Spiritual Unity „zrewolucjonizował kierunek dla każdego, kto gra na tych trzech instrumentach. Muzyka była szokująco inna - Ayler niepokojąco ostry i brutalny, ale jednocześnie głęboko zabarwiony patosem, Peacock słuchający, gdy grał monumentalne figury basowe, zachowanie Murraya, jak to kiedyś ujął LeRoi Jones, jakby „mógł po prostu chcieć zniknąć” – ale jego wnioski wydawały się takie proste, kiedy się tego słuchało. Ayler, Murray i Peacock stworzyli idealną muzykę grupową . Według Johna Corbetta , Duchowa jedność reprezentuje „jeden z najbardziej radykalnych momentów” w „alternatywnym sposobie myślenia”, w którym instrumentaliści pytają: „Jaka jest moja rzekoma rola i co, jeśli nie chcę nią żyć?” Napisał: „Saksofon, bas i perkusja robią coś zupełnie innego niż zwykle - basista… jest melodyjny, płochliwy i wirtuozowski; perkusista… zbiera kałuże i wiry dźwięku, narastając i rozpraszając głośność , jego talerze kipią nerwową energią, saksofonista... gra tylko odrobinę melodyjnego materiału, skupiając się na ekstatycznych krzykach i krzykach, przelatując nad innymi wielkimi łukami i machnięciami, błyskawicami przecinającymi wzburzone morze. instrumenty są wywrócone do góry nogami, wymyślone na nowo”. Corbett porównał to doświadczenie do „prowadzenia samochodu, w którym relacje między częściami silnika są wielokrotnie odkrywane na nowo”.

Ted Gioia o nazwie Duchowa Jedność „główne stwierdzenie, najbardziej spójny projekt zespołowy, jakiego saksofonista podjął się do tej pory”, w którym „Ayler pokazał, że jego radykalna przeróbka słownictwa saksofonu jazzowego była w dużej mierze samowystarczalna, nie potrzebowała innych rogów, aby go uruchomić lub wesprzeć jego płonący atak. Obejmował żarliwą eksplorację harmonicznych, nawiedzone smyczkowe ewokacje w wyższych rejestrach i wezuwiańskie eksplozje dźwiękowej lawy. Peacock i Murray trzymają się tych naładowanych energią linii z determinacją krowich pazurów chwytających woły na rodeo. Trzeba im przyznać, że zmagają się po mistrzowsku z nieprzewidywalnymi skokami i zwrotami Aylera”. Autorzy The Penguin Jazz Guide opisał trio Aylera jako „typowo słuchający zespół, pogrążony w osobistej walce, którą można tylko obserwować z podziwem z boku”, a po zauważeniu, że Ayler nagrał tradycyjny materiał na Swing Low Sweet Spiritual na początku tego roku napisał: „Słyszałem w tym kontekście, że niemożliwe jest rozważenie duchowej jedności jako coś innego niż rozszerzenie tematów wernakularnych, granych w ekstatyczny sposób typowy dla kościołów afroamerykańskich. Choć jest krótka, pozostaje zapisem niezrównanej siły i autorytetu, ale pod powierzchnią kryje się humor i człowieczeństwo, które rzadko jest uznawane”.

Saksofonista Shabaka Hutchings , lider zespołu Sons of Kemet , napisał, że kiedy pierwszy raz słuchał Spiritual Unity , „nic nie rozumiał!… Mój mózg nie był w stanie tego obliczyć”. Skomentował: „to było nie do opisania - wydawało się, że nie ma z tego nic do kradzieży. Brzmiało to tak, jakby płakał przez saksofon. Słychać wokalizację Sidneya Becheta i starszych chłopaków, ale to był pierwszy raz, kiedy słyszałem, jak ktoś to kontynuował i nie próbował połączyć tego z czymś bardziej konwencjonalnym ”. W końcu stwierdził: „Im więcej słuchałem, tym bardziej zdawałem sobie sprawę, że znajduje się to w tym, co Anthony Braxton nazywa„ strefą emocjonalną ”- cokolwiek Ayler robi, chodzi o emocjonalne intencje, które się za tym kryją. Chciałem zobaczyć, czy mogę się do tego dostać. przestrzeń, w której możesz to zrobić. Chodzi o duży obraz – bardziej jak malowanie”.

Mark Richardson napisał, że Ayler miał „telepatyczną empatię” z Peacockiem i Murrayem w Spiritual Unity i stwierdził: „Razem Peacock i Murray tworzą podkład dźwiękowy, który czasami wydaje się bardziej przypominać niekończącą się grupę dźwięków niż rzeczywistą sekcję rytmiczną. Murray ma lekki, szybki dotyk, utrzymujący cymbały i werble w ciągłym ruchu, nigdy nie przerywając przepływu muzyki ciężkim rollem, a Peacock działa jako przedłużenie jego tekstur. Zakończył, nazywając album „krótkim… intensywnym i zasłużonym klasykiem”. John Fordham , piszący w The Guardian , skomentował: „Pół wieku, odkąd trio wypuściło tę muzykę w maleńkim studiu na Times Square, wciąż płonie, podnosi na duchu i denerwuje. Cieniowanie Murraya w otwierającym „Ghosts”, zaciekle przedziera się przez płynne przebiegi w „The Wizard” i woła błagalnie tonem gdzieś pomiędzy namiętnym piosenkarzem a mikrotonowym altowiolistą w medytacyjnym „Spirits”. Nadal brzmi to jak muzyka na krawędź".

W recenzji dla All About Jazz Mark Corroto nazwał album „30 minut, które zmieniły kierunek jazzu” i napisał: „Pięćdziesiąt lat po nagraniu Spiritual Unity Alberta Aylera , muzyka (i człowiek) wciąż wywołują tumult. Nie chodzi o to, że free jazz nie był na naszym radarze przez ostatnie dziesięciolecia, po prostu to nagranie pozostaje jednym z tych „gdzie byłeś, kiedy po raz pierwszy to usłyszałeś?” doświadczenia. Peacock przeszedł od swojej pracy z pianistami Billem Evansem i Paulem Bleyem do tej otwartej ekspresji z Aylerem. Słyszenie, jak kłania się w „Spirits” lub wyciąga bomby energetyczne w „Ghosts”, przypomina oglądanie boksera ćwiczącego na worku szybkościowym. To samo odnosi się do perkusisty Sunny'ego Murraya, który unika założenia pulsu jako akcentu. Jego praca na talerzach skwierczy przez cały czas ... Marsze Aylera, jego folk-jazz i brzmienie instrumentów dętych z Nowego Orleanu były (jest) śmiałym i nieposkromionym podejściem do tworzenia muzyki, które było zarówno rewolucyjne, jak i momentem „ah-ha” w rozwoju free jazzu z lat 60., które do dziś wybrzmiewa głośno”.

Biograf Aylera, Jeff Schwartz, stwierdził: „Muzyka nagrana podczas tej sesji jest po prostu niesamowita… Wszyscy trzej członkowie nieustannie swobodnie improwizują. Tylko konwencja sprawia, że słychać saksofon z towarzyszeniem basu i perkusji. przy odrobinie genialnej interakcji między muzykami, o wiele bardziej pomocne jest spojrzenie na utwory nagrane przez trio Ayler jako zestawy symultanicznych solówek.Nigdy wcześniej (a może potem) żaden zespół nie doprowadził nowoorleańskiego ideału kolektywnej improwizacji do takiego poziomu ekstremalny poziom”. Odnosząc się do tonu Aylera, Schwartz napisał: „Żaden jazzman nigdy nie używał vibrato tak szerokiego jak Ayler i to przede wszystkim melodramat tego dźwięku skłonił krytyków do opisania go jako prymitywnego. W tej płaczliwej, ryczącej oscylacji tonu jest być może największym Aylerem zrywa z tradycją jazzową. To tak, jakby odmawiał bycia „modnym", ukrywania swoich uczuć, bycia „fajnym", jak Paul Desmond i Lee Konitz bez wibracji. Wykroczył poza wokalizowane vibrato muzyków takich jak Louis Armstrong do tego, co można opisać jedynie jako szlochanie”. Pisarz Ekkehard Jost zauważył, że „negacja stałych tonów przez Aylera znajduje odpowiednik w negacji rytmu przez Peacocka i Murraya. W żadnej grupie w tym czasie nie słychać tak rzadko stałego rytmu… Absolutna swoboda rytmiczna często prowadzi do działania na trzech niezależne płaszczyzny rytmiczne: Ayler improwizuje w długich, rozciągniętych dźwiękach; Peacock nawiązuje do łańcuchów impulsów, nieregularnych, a jednak wahających się w odległym sensie; Murray gra na talerzach z bardzo żywym rezonansem, tworząc raczej kolor niż akcenty”.

Krytyk muzyczny S. Victor Aaron napisał: „Jazz zaczął się jako ragtime Buddy'ego Boldena, inspirowany występami byłych niewolników na Congo Square w Nowym Orleanie w ostatnich latach XIX wieku. W jakiś sposób skończył jakieś siedemdziesiąt lat później w studiu tuż przy New Times Square w Yorku To wtedy i gdzie Albert Ayler i jego trio nagrali Spiritual Unity pewnego letniego dnia 1964 roku… było oczywiste, że niezależny saksofonista Albert Ayler wszedł do tego studia pięćdziesiąt lat temu w zeszłym tygodniu, aby doprowadzić jazz do punktu końcowego na trajektorii jego rozwoju. z pogranicza jazzu. I nadal dzisiaj nie ma zbyt wiele rzeczy, które są naprawdę „tam” jako Duchowa Jedność . Niewielu jest wśród tych, którzy posiadają jego niesamowite skupienie i zjednoczony cel… Aby pójść naprzód w muzyce, musisz cofnąć się o pięćdziesiąt lat”.

W recenzji pisarz Jackson Brown stwierdził: „ Duchowa jedność Alberta Aylera jest zbiegiem rozbieżnych ścieżek sięgających tak daleko, jak nasz gatunek może prześledzić, o ile pierwsze eksperymenty człowieka z nadawaniem sile formy w postaci dźwięku… To nie jest zwykłą reprezentacją tego, co Ayler tutaj osiąga, ale rekontekstualizacją, wyzwoleniem amerykańskiej tradycji muzycznej. Rezultat jest nieziemski… Ayler chciał zrezygnować z ograniczeń nut i konwencjonalnej kompozycji. Zamiast tego, szukał dźwięku pomiędzy nutami i ekspresją swojego instrumentu jako pierwotną siłą, przedłużeniem siebie, w którym mógł odkrywać wyjątkową barwę, improwizując zarówno w wysokich, jak i niskich rejestrach z piskami, trąbami, podmuchami: wybuchy pasji, wszyscy. . Odnosząc się do trio, napisał: „Ilość zrozumienia, jakie ta grupa ma dla swoich wzajemnych tendencji i twórczych poszukiwań, jest oszałamiająca, prawie telepatyczna… cały album to trzy oddzielne„ solówki ”, z których każda opiera się na drugiej. Grupa czuje się mniej jak trzech różnych muzyków, a bardziej jak zjednoczony, duchowy organizm w komunii ze sobą”. Podsumował: „Albert Ayler czerpał z odmiennej muzyki amerykańskiej tradycji i odważnie wykuwał własną drogę przez płomienie, inspirując niektóre z najbardziej inspirujących postaci jazzu i kształtując przyszłość muzyki awangardowej. zapomniane lub wybaczone za to”.

Wykaz utworów

Wszystkie utwory zostały napisane przez Alberta Aylera .

NIE.	Tytuł	Długość
1.	„Duchy: pierwsza odmiana”	5:12
2.	"Czarodziej"	7:20
3.	„duchy”	6:46
4.	„Duchy: druga odmiana”	10:01
Długość całkowita:		29:13

Bonusowy utwór reedycji z 2014 roku
NIE.	Tytuł	Długość
5.	„Wibracje”	7:49
Długość całkowita:		37:17

Personel

Kredyty zaadaptowane z wkładek.

Linki zewnętrzne

Duchowa jedność na Discogs (lista wydań)