Alain Kirili

Alain Kirili
2007 AK portrait museeorangerie.jpg
Portret Alaina Kirili, Musée de l'Orangerie, Paryż.
Urodzić się ( 1946-08-29 ) 29 sierpnia 1946
Paryż
Zmarł 19 maja 2021 (19.05.2021) (w wieku 74)
Nowy Jork , Stany Zjednoczone
Narodowość Francuski Amerykanin
Znany z rzeźba

Alain Kirili (29 sierpnia 1946 - 19 maja 2021) był francusko-amerykańskim rzeźbiarzem. Uznano go za postminimalistyczne abstrakcyjne rzeźby z kutego żelaza i wielkoformatowe rzeźby publiczne . Jego prace były przedmiotem licznych wystaw w galeriach i muzeach w Stanach Zjednoczonych i Europie, a także spotkały się z dużym zainteresowaniem krytyków ze strony historyków sztuki, takich jak Thierry Dufrêne, Robert C. Morgan , Robert Rosenblum i Kirk Varnedoe . Kirili mieszkał i pracował w Paryżu i Nowym Jorku.

Wczesna kariera

Alain Kirili urodził się w Paryżu. W wieku 19 lat, w trakcie swojej wczesnej edukacji artystycznej, Kirili odkrył rzeźby Davida Smitha Cubi XVIII i Cubi XIX , wystawione w Musée Rodin w Paryżu i od razu zainspirował się twórczością amerykańskiego rzeźbiarza. Kirili udał się do Stanów Zjednoczonych w tym samym roku. Podczas pobytu Kirili zwiedził najważniejsze kolekcje muzeów w Nowym Jorku, Waszyngtonie, Baltimore, Filadelfii, Chicago i Detroit, gdzie zainteresował się abstrakcyjnego ekspresjonizmu . Barnett Newman stał się dla niego szczególnie wpływową postacią.

W 1966 roku Kirili spotkał w Paryżu koreańskiego malarza Ungno Lee (1904-1989). W tym okresie Kirili stał się częścią kręgu intelektualistów, pisarzy. i artystów wizualnych skupionych wokół Rolanda Barthesa , awangardowego magazynu literackiego Tel Quel Philippe Sollers i Julii Kristevej. Jego pierwsza indywidualna wystawa odbyła się w galerii Sonnabend w Paryżu w 1972 roku. Wśród innych prac na tej wystawie znalazła się podłoga ( Bez tytułu , 1972; cięta blacha cynkowa), która zawierała już wiele elementów, które miały charakteryzować jego przyszłą twórczość. Dzieło to jest reprodukowane w katalogu wystawy wraz z tekstem francuskiego poety i krytyka sztuki Marcelina Pleyneta . Ileana Sonnabend przedstawiła Kirili Robertowi Rauschenbergowi , któremu przypisuje się zapoznanie go z ważnymi osobistościami nowojorskiej sceny artystycznej. Kirili miał kilka wystaw w Sonnabend Gallery w Paryżu i Genewie, zanim jego rzeźby zostały po raz pierwszy wystawione w Nowym Jorku w 1976 roku na inauguracyjnym pokazie Institute for Art and Urban Resources (obecnie MoMA PS1) oraz w Clocktower Gallery na Dolnym Manhattanie .

W 1977 jego rzeźba znalazła się na Documenta VI w Kassel w Niemczech . W tym samym roku ożenił się z francuską fotografką Ariane Lopez-Huici .

W 1978 roku, podczas pierwszej podróży po Indiach, Kirili zainspirował się hinduską koncepcją Yoni/Lingam, rzeźbiarskiej reprezentacji kobiecości ( Yoni ) i męskości ( Lingam ), tworząc symboliczną unię na wzór podstawy i rzeźby w dzieło Kiriliego. W swoim artykule Lingaistics opublikowanym w Art in America w 1982 roku Kirili przywołał bardziej szczegółowo seksualny i powtarzalny aspekt tych abstrakcyjnych i wysoce symbolicznych obiektów religijnych.

Pierwsza indywidualna wystawa Kirili w Nowym Jorku (1978) odbyła się w Sonnabend Gallery, gdzie wystawił serię rzeźb z kutego żelaza.

W 1979 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) po raz pierwszy nabyło jedno z jego dzieł ( Indian Curve , 1976), a zakup ten zbiegł się w czasie z jego przeprowadzką do Nowego Jorku.

dzieło

Wczesna rzeźba z kutego żelaza

Posłaniec (1976)

Messager , 1976, jest jednym z najwcześniejszych kutych elementów żelaznych Kirili; składa się z cienkiego żelaznego pręta wyrastającego z podstawy z modelowanego brązu. Dotykowa i duchowa jakość rzeźby odróżnia ją od dominujących wówczas tendencji w sztuce konceptualnej . Historyk sztuki Robert Rosenblum dostrzegł w tej pracy pionową siłę, znaną z obrazów Barnetta Newmana, sugerującą „duchową, a nie materialną, asertywną obecność człowieka”.

Pojęcie wertykalności jest rzeczywiście kluczowe w kontekście twórczości Kiriliego. W wywiadzie dla krytyka sztuki Philippe'a Pigueta Kirili odniósł się do znaczenia, jakie przypisywał koncepcjom okrążenia i wcielenia.

Jedna z jego wczesnych rzeźb została pokazana w Institute for Art and Urban Resources (obecnie MoMA PS1) w 1976 roku. Inne, np. Untitled (1978) i Laocoon II (1978), obie reprezentatywne dla tej pierwszej serii z kutego żelaza, znajdują się obecnie w odpowiednio kolekcja Nasher, Dallas i Fonds National d'art contemporain (FNAC) we Francji. Inne wczesne rzeźby Kirili, takie jak Indian Curve (1976), badają ruch w górę zakrzywionego metalowego pręta szukającego oparcia na ścianie, a także potencjał przedłużenia raczej poziomego niż pionowego (np. Longevity , 1980).

Kirili opisał kiedyś swoją estetykę jako „organiczną prostotę” w tradycji minimalizmu i abstrakcyjnego ekspresjonizmu, ale formalnie do nich nie przywiązanych. Rzeczywiście, jego wczesne rzeźby dotyczą już dotyku i gestu, podkreślając aktywny udział ręki artysty w procesie tworzenia. Kirili przyjął proces, który jest natychmiastowy, łącząc emocje, intuicję i podświadomość, w swobodnej improwizacji z materiałem.

Seria przykazań

Przykazanie I (1980)

Seria rzeźb Commandement jest jednym z najważniejszych i trwających dzieł Kirili. Ta seria odrębnych form geometrycznych, które historycy sztuki opisali jako „mistyczne czcionki” i „abstrakcyjne alfabety”, wznosi się od 15 do 35 cali nad ziemią, a poszczególne egzemplarze składają się z maksymalnie 90 elementów.


Według oświadczenia Kirili, tytułowe Przykazanie zostało zainspirowane wizytą w Muzeum Żydowskim w Nowym Jorku. Natknął się na słowo „ Rimonim ” i powiedziano mu, że w języku hebrajskim odnosi się ono do owocu granatu , a co za tym idzie, do Przykazań w Torze, o których mówi się, że jest ich tak dużo, jak nasion granatu. Na formy elementów z Przykazań wpłynęło jego spotkanie na nowojorskiej dzielnicy Lower East Side z kaligrafami Tory , którzy śledzą swoje litery zgodnie z tradycją rytowników w kamieniu . Ta seria dotyczy symbolicznej wartości podstawowych form, a zwłaszcza świata glifów , znaków i tekstów, w sposób, który przywołuje nie tylko fascynację Kiriliego starożytnymi pismami , ale także jego związki z paryskim środowiskiem pisarzy i intelektualistów. takich jak Roland Barthes, Philippe Sollers i Julia Kristeva ”. W 1992 roku saksofonista sopranowy Steve Lacy wystąpił w ramach Kirili's Commandement w nowojorskiej Thread Waxing Space, rozpoczynając trwającą serię dialogów i współpracy między muzykami jazzowymi a rzeźbą Kirili. z tych improwizacji, na przykład z Billym Bangiem , Thomasem Bucknerem , Royem Campbellem Jr. , Royem Haynesem , Steve'em Lacy , Sunny Murrayem , Williamem Parkerem , Joe McPhee , Cecilem Taylorem , są udokumentowane w Celebrations opublikowanym w 1997 roku przez Christiana Bourgois , Paryż.


Najwcześniejsze przykazania zostały stworzone z żelaza i albo wykute, albo wycięte pochodnią. Kirili kontynuował tę serię z różnymi materiałami, w tym styropianem, malowanym żelazem i pigmentowanym betonem. Kirili po raz pierwszy eksperymentował z pigmentowanym betonem w Commandement, à Claude Monet , który został pokazany w Musée de l'Orangerie w Paryżu (2007) jako część wystawy Kirili et les Nymphéas . Rythmes d'Automne (2012), najnowsze z Przykazań , zostało zamówione przez miasto Paryż i wystawione na parvis Hôtel de Ville w sercu Paryża. Rythmes d'Automne ze swoimi różnymi elementami, odlanymi z szarego, pigmentowanego betonu, zaprasza publiczność do przestrzeni znaków o powierzchni 6500 stóp kwadratowych, aby bawić się, rozmawiać, tańczyć lub medytować.

Dialog różnorodności i jedności

Aria (2012)

Kirili nieustannie interesował się modelowaniem abstrakcyjnym, co zaowocowało przez lata stworzeniem całego zbioru prac z terakoty . Historyk sztuki Kirk Varnedoe opisał te prace jako „mocno zmanipulowane i często w bogatych mięsistych odcieniach, obdarzone bardziej kobiecą formą i zupełnie inną energią”, zwłaszcza w porównaniu z jego kutymi kawałkami żelaza. W 1978 roku Kirili zaczął włączać elementy żelazne, a zwłaszcza żelazny drut do elementów z terakoty ( Adam , 1978). Pierwsza seria z terakoty została zaprezentowana na dwóch kolejnych wystawach, wraz z kutymi żelaznymi elementami Kirili'ego, w Galerie Maeght w Paryżu w 1984 i 1985, w tym seria Ivresse , obecnie w kolekcji Centre Georges Pompidou .

W 1985 roku Kirili został zaproszony do wystawienia w Musée Rodin. Kirili był przyciągnięty do intensywnej fizyczności i erotyzmu w twórczości Rodina, ponieważ siły te rezonują w bardziej abstrakcyjny sposób we własnej twórczości Kirili. Kirili pisał także o erotycznych rysunkach Rodina w „Rodin, Dessins érotiques”, opublikowanym przez Editions Gallimard w 1987 r. Nagość (1985), wymodelowana w glinie i odlana z brązu, została stworzona na potrzeby tego pokazu i jest pierwszym monumentalnym dziełem Kirili (prawie 7 stóp wysokości ) brąz. Jego powierzchnia jest gęsto modelowana i natarczywie abstrakcyjna, niemniej jednak ukazuje „przyjemność renderowania ludzkiego ciała”, jak to ujęła historyk sztuki Paula Rand Hornbostel.

Równocześnie Kirili zaprezentował grupę nowych „rzeźb-stołów”, rzeźb stołowych, zatytułowaną Générations . Zainicjowane w 1984 roku, Générations , jak zasugerował Kirk Varnedoe, „łączy złożoną gamę pojedynczych mniejszych rzeźb - elementów z serii„ Przykazanie ”i dzieła z kutego żelaza o różnej skali” w podejściu do „formalnej jedności”. Générations ze swoim „żywym tempem i jasną otwartością” eksplorują dialog między heterogenicznymi formami i mediami, między różnorodnością a jednością.

kute żelazo pomalowane na biało 88 x 45 cali

Innowacyjne wykorzystanie różnych materiałów przez Kirili doprowadziło go ostatecznie, w 1986 roku, do eksperymentowania z aluminium. Przykładając pochodnię do aluminium, Kirili odkrył wybuchową reakcję materiału. Ta eksplozja, przypominająca mechanizm kwiatowy, została odebrana przez Kiriliego jako bardzo ekspresjonistyczny i emocjonalny znak, który wyłonił się z regularności pionu. Krytyk sztuki Philippe Dagen podkreślił „aksamitność i metaliczność” tych aluminiowych elementów w swoim eseju do katalogu indywidualnej wystawy Kirili w Musée d'art moderne de Sainte-Etienne, gdzie zaprezentował kilka z tych rzeźb, np. King I ( 1986 ) i Symphonie des Psaumes (1988).

Od 2008 roku Kirili poświęcił się tworzeniu kilku serii rzeźb z organicznego drutu, z częściowymi inkluzjami gumy, w różnych kolorach, które konceptualizował jako trójwymiarowe rysunki. Proces tworzenia opiera się na szybkości i swobodnej improwizacji, podobnie jak w technice modelowania gliny Kiriliego. Jego seria Aria (2012) powstała między jego pracowniami w Nowym Jorku i Paryżu i była wystawiana wraz z późnymi obrazami Hansa Hartunga i wybraną liczbą rzeźb Hartunga. Ta wystawa była prezentowana w dwóch częściach, w Fundacji Hartung Bergman i Musée Picasso (Antibes) w latach 2012/2013.

Art OMI International Arts Centerkute żelazo na 58-metrowej ścianie

„Fala” (2015) wystawiona w Art OMI International Arts Center w Gandawie w Nowym Jorku (2015) jest częścią serii Alaina Kiriliego poświęconej żelaznej kaligrafii: kute żelazne elementy na ścianie o rozpiętości 58 stóp. Skryba artystyczny David Cohen stwierdził: „W koncepcji Kirili dotyczącej trójwymiarowej kaligrafii, język i ciało są jednym”.

Alain Kirili wystawił rzeźby gipsowe w ramach „Rodin: The Centennial” w Grand Palais w Paryżu, Francja (2016).

Rzeźba publiczna na dużą skalę

Hommage dla Charliego Parkera (2007)



Historyk sztuki Kirk Varnedoe zwrócił uwagę, że „Skala ma kluczowe znaczenie dla Kirili, a ogólna tendencja do większej skali (podobnie jak rosnące zainteresowanie specjalnymi warunkami rzeźby plenerowej) jest charakterystyczna dla jego ostatnich prac”. Kirili uważał Grand Commandement Blanc (1986; Tuileries Garden, Paryż) za swoją pierwszą publiczną rzeźbę na dużą skalę. W 1992 roku zainicjował serię wielkoformatowych rzeźb wapiennych, z których jedną z ostatnich jest Résistance (2011). Tytuł został zainspirowany maksymą francuskiego ruchu oporu , którą przyjął: „Tworzenie jest aktem oporu, a opór jest aktem stworzenia”. Zlecony przez miasto Grenoble , Résistance składa się z siedmiu binarnych elementów gigantycznych bloków wapienia Burgundii . Każdy element ma około 8 1/2 stopy wysokości i 5 na 3 1/2 stopy szerokości . Dwie inne podobne rzeźby, obie prowizje, są na stałe zainstalowane we Francji: Improvisation (Tellem) , 2000, w Dijon (kampus Uniwersytetu w Burgundii ) i Hommage à Charlie Parker , 2007, w Paryżu (Avenue de France). Historyk sztuki Thierry Dufrêne określił tę serię jako „gigantyczne krople” ze względu na ich skalę, spontaniczność i szybką instalację na miejscu, która odbywa się bez żadnych wstępnych rysunków. Gest jest monumentalny, spontaniczny, swobodny i szybki.

Rythmes d'Automne (2012)

" Rythmes d'automne (2012) to najnowsza praca z serii Przykazań , którą Kirili rozpoczął w latach 1979-80. Seria oparta jest na otwartej formie, która z biegiem czasu stała się jedną z najbardziej owocnych w twórczości Kirili'ego Kirili przypomina, że ​​jego pierwsze Przykazania korespondowały z przyjazdem do Nowego Jorku w 1979 roku, kiedy marzył o wpisaniu się do rodziny wielkich artystów abstrakcyjnych, takich jak Jackson Pollock – któremu oddaje hołd tym nowym dziełem przed Hôtel de Ville of Paris lub Barnett Newman. – Thierry Dufrêne

Wystawy (wybór)



Prace Kirili były szeroko wystawiane w Ameryce i Europie. Jego rzeźby były prezentowane na licznych wystawach muzealnych, m.in. w Institute of Art and Urban Resources, PS1 (1976), Museum Haus Lange, Krefeld (1978), Dallas Museum of Art, Dallas (1981), Frankfurter Kunstverein, Francfort (1982 ), Musée Rodin, Paryż (1985), Brooklyn Museum, Nowy Jork (1991), Musée de Grenoble (retrospektywa, 1999), IVAM, Valencia (2003), Musée d'Orsay, Paryż (2006), Musée de l'Orangerie , Paryż (2007), Musée des Beaux-Arts de Caen (2013), La Cohue, musée de Vannes, Francja (2014) i Le Grand Palais, Paryż, Francja (2016). Wystawiał także w galeriach prywatnych, m.in. Galeria Sonnabend Paryż, Genewa, Nowy Jork (1972-1982), Galerie Beyeler, Bazylea (1980), Galerie Adrien Maeght, Paryż (1984, 1985), Holly Solomon Gallery , Nowy Jork (1987, 1990), Galerie Templon, Paryż ( 1989-1996), Marlborough Gallery, Nowy Jork (1998-2000), Galerie Akira Ikeda, Nowy Jork, Berlin, Tokio (2012, 2014), Galerie Pièce Unique, Paryż (2013) oraz Hionas Gallery on the Lower East Side w Nowy Jork (2016). Oprócz tego, że kilka z tych wystaw zostało pomyślanych jako dialogi z artystami historycznymi (między innymi Jean-Baptiste Carpeaux , Auguste Rodin, Claude Monet), jego prace były również wystawiane na wystawach grupowych lub dwuosobowych z bardziej współczesnymi artystami, zwłaszcza Larrym Bellem , John Chamberlain , Ron Gorchov , Mark di Suvero , Richard Serra , Joel Shapiro i Frank Stella .

Galeria obrazów

  • Sans titre (1976)

    Bez miana (1976)

  • Sans titre (1977)

    Bez miana (1977)

  • Adam (1978)

    Adama (1978)

  • Nudité (1985)

    Nagość (1985)

  • Symphonie (1988)

    Symfonia (1988)

  • Oratorio (1988)

    Oratorium (1988)

  • Générations (1989)

    pokolenia (1989)

  • Commandement II (1991)

    Przykazanie II (1991)

Prowizje

  • 1986 Grand Commandement Blanc , ogród Tuileries, Paryż
  • 1995 Black Sound , Art OMI, International Arts Centre, Ghent, NY
  • 1998 Listy wodne , Musée de Grenoble, Grenoble
  • 2000 Improwizacja (Tellem) , Uniwersytet Burgundii, Dijon (zainstalowany na stałe)
  • 2002 Wniebowstąpienie , Abbaye de Montmajour, Arles
  • 2007 Hommage à Charlie Parker , Avenue de France, Paryż (zainstalowany na stałe)
  • 2011 Résistance , Grenoble (zainstalowany na stałe)
  • 2011 Geste de Résistance , Caen
  • 2012 Rythmes d'Automne , Paryż

Kolekcje (wybór)

Stany Zjednoczone

  • Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Nowy Jork, NY)
  • Biblioteka i muzeum Morgana (Nowy Jork, NY)
  • Muzeum Żydowskie (Nowy Jork, NY)
  • Albright, Galeria Sztuki Knox (Buffalo, Nowy Jork)
  • Muzeum Sztuki Współczesnej Aldrich (Ridgefield, Connecticut)
  • Vogel Collection, Museum of Art Rhode Island School of Design (Providence, RI)
  • Muzeum Sztuki Nowego Meksyku (Santa Fe, Nowy Meksyk)
  • Muzeum Sztuki w Dallas (Dallas, Teksas)
  • Fundacja Nashera (Dallas, Teksas).

Francja

  • Centre Georges Pompidou / Musée National d'Art Moderne (Paryż)
  • Fonds National d'Art Contemporain (Paryż)
  • Fonds Régional d'Art Contemporain de Franche-Comté (Besançon)
  • Fonds Régional d'Art Contemporain de Basse-Normandie (Caen)
  • Fonds Régional d'Art Contemporain de Bretagne (Châteaugiron)
  • Musée des Beaux-Arts (Angers)
  • Musée Picasso (Antibes)
  • Musée des Beaux-Arts (Caen)
  • Musée de Grenoble (Grenoble)
  • Musée d'Art Contemporain (Lyon)
  • Musée d'Art Moderne (Sainte-Etienne)
  • Musée des Beaux-Arts (Valenciennes)

Niemcy

  • Muzeum Lehmbruck (Duisburg)
  • Muzeum Ludwiga (Kolonia)

Hiszpania

  • Institut Valencià d'Art Modern, IVAM (Walencja).

Wyróżnienia

Książki autorstwa Alaina Kirili

  • Mémoires de sculpteur”, kolekcja écrits d'artistes , wyd. ENSBA, Paryż, 2007.
  • Dessins David Smith: Un choix Alain Kirili , wyd. ENSBA, Paryż, 2003.
  • Uroczystości , wyd. Christian Bourgois, Paryż, 1997.
  • Rzeźba i Jazz , wyd. Zdjęcie, Paryż, 1996.
  • Rodin, Dessins érotiques , wyd. Gallimard, Paryż, 1987.
  • Statuaire , wyd. Denoël, Paryż, 1986.
  • Alberto Giacometti, Plâtres peints , wyd. Maeght, Paryż, 1984.
  • Yoni-Lingam , wyd. Schellman & Kuser, Monachium, 1982.

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Alain_Kirili&oldid=1102947747 ”