Eros + Masakra

Eros + Masakra
Eros+MassacreDVD.jpg
W reżyserii Yoshishige Yoshida
Scenariusz Masahiro Yamada , Yoshishige Yoshida
Wyprodukowane przez Gendai Eigasha
W roli głównej


Mariko Okada , Toshiyuki Hosokawa , Yuko Kusunoki , Kazuko Ineno
Kinematografia Motokichi Hasegawa
Muzyka stworzona przez Toshi Ichiyanagi
Dystrybuowane przez Firma Geneon Entertainment
Daty wydania
  • 15 października 1969 (Francja ) ( 15.10.1969 )
  • 14 marca 1970 (Japonia ) ( 14.03.1970 )
Czas działania
149 min. (wersja teatralna) 216 min. (wersja reżyserska)
Kraj Japonia
Język język japoński

Eros + Massacre ( エ ロ ス ＋ 虐 殺 , Erosu purasu gyakusatsu ) to japoński czarno-biały film artystyczny wydany w 1969 roku. Wyreżyserował go Yoshishige Yoshida , który napisał go we współpracy z Masahiro Yamadą . Jest to pierwszy film z trylogii Yoshidy o japońskim radykalizmie, a następnie Heroic Purgatory (1970) i ​​Coup d'Etat (1973).

Film porusza wiele tematów, takich jak wolna miłość, anarchizm i związek między przeszłością, teraźniejszością i przyszłością. Chociaż film jest biografią anarchisty Sakae Ōsugi , Yoshida twierdzi, że nie skupiał się na Ōsugi jako postaci historycznej jako takiej , ale raczej na tym, jak refleksja nad teraźniejszością wpływa na refleksję nad przyszłością.

Podobnie jak większość filmów Yoshidy, Eros + Massacre charakteryzuje się ogromnym wizualnym pięknem oraz bogactwem zawiłości psychologicznych i historycznych, a także przedstawia żonę reżysera, aktorkę Mariko Okada . Film znany jest z charakterystycznego stylu wizualnego Yoshidy, z jasną ekspozycją i niezwykłymi sposobami kadrowania aktorów.

Ostateczna wersja filmu jest obecnie przesyłana strumieniowo na Tubi , a wersja reżyserska została wydana przez Arrow Films na Blu-ray jako część zestawu Love + Anarchism .

Tło

Film jest biografią anarchisty Sakae Ōsugi , który został zamordowany przez japońskie wojsko w 1923 roku. Historia opowiada o jego związku z trzema kobietami: Hori Yasuko, jego żoną; Noe Itō , jego trzeci kochanek, który miał umrzeć razem z nim; i jego zazdrosna, druga kochanka, Masaoka Itsuko , wojownicza feministka , która próbuje zabić go w herbaciarni w 1916 roku. Równolegle z opowiadaniem o życiu Ōsugi, dwoje uczniów (Eiko i Wada) prowadzi badania nad politycznymi teoriami i ideami wolności miłość , którą podtrzymał. Niektóre postacie z przeszłości i teraźniejszości spotykają się i podejmują wątki filmu.

Działka

Film zaczyna się od Eiko, studentki, która poznaje życie Noe Itō, przeprowadzając wywiad z jej córką Mako. Pokazano, że Eiko wierzy w zasady wolnej miłości Ōsugiego. Jest również powiązana z podziemnym kręgiem prostytucji i jest przesłuchiwana przez inspektora policji. Wada, inny uczeń, spędza czas na filozofowaniu z Eiko i zabawie z ogniem. Obaj czasami angażują się w rekonstrukcje życia słynnych rewolucjonistów i męczenników.

Ich historia przeplata się z opowieścią o późniejszych latach i śmierci Ōsugiego. Scena, w której Itsuko próbuje odebrać życie Ōsugiemu, jest powtarzana kilka razy z różnymi rezultatami. Sceny z lat dwudziestych na ogół mają inne tempo niż sceny z lat sześćdziesiątych, zarówno muzycznie, jak i stylistycznie.

W ostatniej scenie kochanek Eiko, reżyser filmowy, popełnia samobójstwo, wieszając się na kawałku filmu. Eiko i Wada zbierają wszystkie postacie z lat dwudziestych XX wieku i robią im wspólne zdjęcie. Następnie obaj opuszczają budynek.

Motywy

W wywiadzie dla magazynu Cahiers du Cinéma z 1970 roku Yoshida wyjaśnia: „Podstawowym tematem jest: jak zmienić świat i co należy zmienić? Zastanawiając się nad obecną sytuacją za pośrednictwem minionej epoki, Uwierzyłem, że problemy Osugi są nadal naszymi problemami. Osugi jest bardzo dobrze znany w Japonii, można powiedzieć, wręcz legendarny: jest kimś, kto mówił o wolnej miłości. Został zamordowany w 1923 r. przez urzędnika państwowego, zmasakrowany przez władza państwa. W to wierzą wszyscy japońscy historycy, ale ta historyczna ocena oświeca tylko przeszłość, a nie przyszłość. Tworząc ten film, chciałem przekształcić legendę o Osugi za pomocą wyobraźni. Jasne, Osugi był uciskany przez władzę państwa w swoich działaniach politycznych. Ale przede wszystkim mówił o wolnej miłości, która ma moc zniszczenia struktury monogamicznej, potem rodziny, a na końcu państwa. I właśnie ta eskalacja państwo nie mogło pozwolić. To z powodu tej wyimaginowanej zbrodni (lub „wyimaginowanej zbrodni”) państwo dokonało masakry Osugi. Osugi był kimś, kto przewidywał przyszłość.

Styl

Te dwa okresy są kręcone w różnych stylach. Sceny z lat 20. są powolne, gadatliwe, z elementami kabuki . Towarzyszy im dramatyczna muzyka orkiestrowa, a Yoshida wykorzystuje elementy architektoniczne, aby pokazać wyobcowanie i odległe relacje między postaciami, filmując ich twarze i ciała oddzielone oknami, drzwiami i tak dalej. Z drugiej strony sceny z lat 60. są bardziej awangardowe pod względem swobodnego podejścia wizualnego i psychodelicznej rockowej ścieżki dźwiękowej.

Film jednak nie wykorzystuje retrospekcji, a zamiast tego celowo komplikuje rozróżnienie między przeszłością a teraźniejszością, pozwalając bohaterom przekroczyć te granice. W wywiadzie stwierdził: „Przyjąłem styl, który przywraca Osugi do współczesności. Dlatego kiedy Noe Itō w wieku 18 lat po raz drugi przyjeżdża do Tokio, wezwany przez [działaczkę feministyczną] Raicho Hitatsukę, przybywa do współczesną stację Shinbashi z shinkansenem w tle i przejeżdża rikszą przez dzisiejszą Ginzę . Ostatecznie ramy przeszłości i teraźniejszości całkowicie znikają, w ten sposób powstaje poczucie, że współczesne młode kobiety i Noe Itō są w stanie rozmawiać. Dlatego , to jeden ze sposobów, w jaki rzucam wyzwanie historii”. To nie tylko kadrowanie filmu przenosi postacie historyczne do teraźniejszości: same postacie odrzucają to rozróżnienie na początku filmu, kiedy Eiko i Mako kalamburują na wspólnej końcówce ko ich imion, nazywając siebie nawzajem alter- ego, a Mako odmawia wzięcia udziału w wywiadzie jako córka Itō. Zamiast tego aktorka Mariko Okada wciela się w samą rolę Noe Itō. W ten sposób film przedstawia Itō jako „wywodzące się z wyobraźni współczesnego Eiko”.

Aby podkreślić fałszywe postrzeganie historii, w przejściach między dwoma okresami często pojawiają się postacie widziane z luster i odbitych powierzchni. Na przykład w scenie, w której Itō zostaje przedstawiony dziennikarzowi Hiragi Haruko, Yoshida kadruje ich odwrócone odbicia w stawie, gdy rozmawiają. Jest to część ogólnego celu Yoshidy i współczesnych mu awangardowców, aby obalić oczekiwania widzów poprzez destabilizację prostych, linearnych narracji, zmuszając do uświadomienia sobie, że to, co widzi widz, jest serią zmyśleń, którym można nadać znaczenie jedynie poprzez interpretację sami widzowie. To „wyrzeczenie się siebie” ( po japońsku : 自己否定 , „ jiko-hitei ”) jest związane z koncepcją „ śmierci autora ”.

Mathieu Capel pisze: „czy przeszłość istnieje poza słowami, które ją określają i porządkują? Czy to, co nazywamy „światem”, jest czymkolwiek innym niż maswerkiem „poglądów na świat”? Jak mało prawdopodobne byłoby spotkanie Itō Noe i Eiko w we współczesnym otoczeniu? W prawdopodobnie świadomy sposób Yoshida chwyta te same kwestie, co współcześni myśliciele strukturalistyczni, głównie ich obsesję na punkcie „tekstu”, z logosem jako wiodącą zasadą organizacji.

Wersja reżyserska

Film został ukończony w 1969 roku, a Ichiko Kamichika , który przeżył masakry podczas Wielkiego Trzęsienia Ziemi w Kanto , poprosił Yoshidę o prywatny pokaz filmu, zanim trafi on do kin. Niezadowolona ze sposobu, w jaki Yoshida ją przedstawiła, Kamichika odmówiła mu prawa do wydania filmu, ponieważ uważała to za naruszenie jej prywatności. Z tego powodu Yoshida usunęła z filmu materiał o wartości około godziny (głównie sceny z Kamichiką) i przemianowała swoją postać na Itsuko Masaoka. Nawet po tym Kamichika nadal był nieugięty, aby nie pozwolić Yoshidzie na wypuszczenie filmu, i ostatecznie pozwał go za naruszenie prywatności. Yoshida wygrałby sprawę i wypuścił film.

Dopiero w 2002 roku (25 lat po śmierci Kamichiki) oryginalna wersja Yoshidy została udostępniona publicznie. Jednak ze względu na istniejącą tylko jedną mocno uszkodzoną odbitkę filmową, w wydanej wersji brakuje około dziewięciu minut materiału filmowego, z których całość uważa się za zaginioną.

Rzucać

Przyjęcie

Allan Fish, scenarzysta Wonders in the Dark, uznał Eros + Massacre za najwspanialszy film, jaki kiedykolwiek powstał. Pisze: „Oglądając ten film po raz pierwszy, nawet w krótszej, 166-metrowej wersji, która przez długi czas była jedyną dostępną gdziekolwiek z angielskimi napisami, człowiek zostaje wyczerpany, całkiem dosłowny wrak psychiczny. Nawet ci, którzy znają się na przełomowe dzieła współczesnych Yoshidzie, Oshimy i Imamury, będą na to nieprzygotowane. To, że jego twórczość wciąż pozostaje niedostępna dla anglojęzycznego świata, o której prawie nie wspomina się w żadnym większym przewodniku filmowym lub tomie, jest jednym z największych przeoczeń przyjętej literatury filmowej. Gdyby nakręcił tylko ten jeden film, Yoshida zostałby uznany za giganta”.

David Desser nazwał swoją książkę Eros plus masakra: wprowadzenie do japońskiego kina nowej fali , na cześć filmu.

Zobacz też

Źródła

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Eros_%2B_Massacre&oldid=1110558582 ”