Joanne Carson

Joanne Carson
Urodzić się 1953
Nowy Jork, Nowy Jork , Stany Zjednoczone
Narodowość amerykański
Edukacja University of Chicago , University of Illinois w Chicago
Znany z Malarstwo, rzeźba, asamblaż
Współmałżonek Jima Butlera
Nagrody Stypendium Guggenheima , Amerykańska Akademia Sztuki i Literatury , Akademia Amerykańska w Rzymie , National Endowment for the Arts
Strona internetowa Joanne Carson
JoAnne Carson, Widok na aleję , farba olejna na drewnie i przedmiotach, 90" x 96" x 26", 1983. Kolekcja Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Fort Worth.

JoAnne Carson (ur. 1953) to amerykańska artystka znana z przesadnych, hybrydowych prac malarskich, rzeźbiarskich i asamblażowych , które swobodnie mieszają fantazję, iluzję i narrację, wysokie i niskie aluzje kulturowe oraz intencje seriokomiczne. Po raz pierwszy zwróciła na siebie uwagę w latach 80. dzięki temu, co krytyk ARTnews, Dan Cameron, opisał jako „niezwykłe malowane konstrukcje - kalejdoskopowe asamblaże pełne malarstwa trompe-l'oeil , żartów z historii sztuki, znalezionych przedmiotów i nostalgicznych ech wczesnego modernizmu ”. New York Times krytyk Roberta Smith napisała, że ​​późniejsze prace Carsona rozwijały się metodycznie w trzech wymiarach, których kulminacją była wolnostojąca rzeźba botaniczna, która emanowała „zawrotnym pięknem” i „nieprzepraszającą dekoracyjnością”; jej późniejsze wyimaginowane krajobrazy zostały opisane jako kapryśne spektakle „ disneyowskiego horroru”. Carson został wyróżniony stypendium Guggenheima , nagrodami Amerykańskiej Akademii Sztuki i Literatury , Amerykańskiej Akademii w Rzymie i National Endowment for the Arts oraz Yaddo rezydencje artystyczne. Jej prace były wystawiane w takich instytucjach, jak Whitney Museum of American Art , Museum of Contemporary Art Chicago (MCA), Albright-Knox Gallery , New Orleans Museum of Art i Institute of Contemporary Art w Filadelfii ; należy do publicznych kolekcji sztuki między innymi Brooklyn Museum of Art , MCA Chicago, Frederick R. Weisman Art Foundation i Modern Art Museum of Fort Worth .

życie i kariera

Carson urodził się w Nowym Jorku w 1953 roku i wychował na przedmieściach Baltimore. Jej matka, Edith Sachar, była rzeźbiarką i jubilerką oraz pierwszą żoną malarza Marka Rothko ; jej ojciec, George Carson, był inżynierem pracującym w dziale aeronautyki Westinghouse . Po rozpoczęciu studiów w Maryland, Carson ukończył studia artystyczne na University of Illinois w Chicago (licencjat, 1976) i University of Chicago (MFA, 1979), tworząc abstrakcyjne obrazy na ukształtowanych płótnach, często o tematyce narracyjnej.

Wkrótce po ukończeniu studiów Carson przerzucił się na duże trójwymiarowe obrazy przedstawiające skonstruowane i znalezione przedmioty. Aktywnie wystawiała na wystawach zbiorowych w NAME Gallery i Hallwalls (1978–199) oraz na wystawach indywidualnych w Nancy Lurie Gallery, NAME, MCA Chicago i Modern Art Museum w Fort Worth, przyciągając krajowe recenzje, nabytki muzealne i granty, w tym jedno- rok rezydentury American Academy w Rzymie. W 1985 roku wystawiała w Whitney Biennale i otrzymała Southeastern Centre for Contemporary Art (SECCA) Award in the Visual Arts, która obejmowała nagrodę pieniężną i całoroczną wystawę objazdową. W tym samym roku przyjęła również stanowisko adiunkta na University at Albany w SUNY i przeniosła się do Nowego Jorku, przemieszczając się między loftem na dolnym Manhattanie a uniwersytetem.

W następnej dekadzie Carson wystawiał w galeriach Ruth Siegel (Nowy Jork), Dart (Chicago), Eva Mannes (Atlanta) i Sylvia Schmidt (Nowy Orlean); w 2000 roku miała wystawy indywidualne w University of Maine Art Museum oraz w galeriach Black and White, Claire Oliver, Joan Washburn i Plus Ultra w Nowym Jorku, a także występowała na wystawach zbiorowych w Fleming Museum of Art , National Academy Muzeum i Sheldon Art Museum, między innymi. Carson nadal wykłada na Uniwersytecie w Albany, po awansie na profesora w 2006 roku i przez dwie kadencje pełnił funkcję przewodniczącego wydziału. Dzieli czas między Brooklyn i wiejski Vermont ze swoim mężem, artystą i profesorem Jimem Butlerem.

JoAnne Carson, Karnawał wartości , farba olejna na drewnie i przedmiotach, 92" x 80" x 24", 1990.

Praca

Prace Carsona swobodnie poruszały się między malarstwem, rzeźbą i ostatecznie pejzażem. Krytycy porównywali dualistyczną przestrzeń jej konstruowanych obrazów z lat 80. do „pop-upowych” odkryć malarstwa kubistycznego. W latach 90. i 2000. coraz bardziej koncentrowała się na rzeźbiarskich pracach związanych z naturą; w 2010 roku zaczęła przekładać ten rzeźbiarski świat z powrotem na przestrzeń obrazową w fantastycznych obrazach i rysunkach.

Obrazy konstruowane (1980–1993)

Pierwsze wykonane obrazy Carson były dużymi, złożonymi dziełami, które zawierały sprytne odniesienia do sztuki modernistycznej, przenikające się fragmentaryczne obrazy, zbudowane formy i znalezione przedmioty ( np . mnożenie perspektyw. Krytycy, tacy jak Ken Johnson, opisali je jako prace przypominające wir lub „tornado”, które eksplodowały płytką przestrzeń tradycyjnego malarstwa, kapryśnie zbierając szeroko rozpowszechnione elementy w referencyjny wir, znany ze swojej dbałości o kompozycję i wykończenie. Art in America zasugerowała, że ​​dzieła takie jak The Broken Pitcher (1982) czy Palettable (1981) przedstawiają zarówno „przeczyszczającą” edypalną walkę z modernistycznymi mistrzami, jak i ich reinterpretację, porównując poprzednie dzieło do „spotkania między huragan i Martwa natura Cezanne'a , ok. 1900 r."

JoAnne Carson, Drzewo pożądania , włókno szklane, farba olejna, obiekty, 108" x 94" x 32", 1993.

Po rezydencji Carson w Rzymie (1983–1984) pisarze tacy jak Peter Frank zauważyli nową syntezę wpływów renesansu , na którą wskazują bogatsze palety i malarskie detale, a także większe zainteresowanie postacią ludzką, legendami i mitami. Te obrazy były strukturalnie bardziej płaskie, ale bardziej gęste teksturalnie, a ich powierzchnie były wypełnione kalamburami, symbolami, iluzjami, ozdobnymi wzorami i przestrzenną niejednoznacznością; w niektórych fragmentarycznych elementach i przedmiotach nawiązywały do ​​kubistycznych dzieł Juana Grisa i Braque'a (np. View of the Alley 1983), podczas gdy bardziej rozbudowane narracyjnie prace przypominały winiety Hieronima Boscha i Giorgio de Chirico (np. Chute and Ladders , 1985). Dan Cameron opisał ich jako skierowanych „prosto w postmodernistyczną teraźniejszość”, a ich narracyjne obrazy „rozdarte między romantyczną przeszłością a teraźniejszością cierpiącą z powodu wypalenia medialnego”. Kurator MCA Chicago, Lynne Warren, nazwała je „rapsodami bogactwa wizualnego możliwego tylko w XX wieku”.

Pod koniec lat 80. Carson powrócił do bardziej rzeźbiarskich prac, które recenzje odnotowały ze względu na zwiększoną pilność, coraz bardziej surrealistyczną wrażliwość i niepokojące odniesienia do ciała, pękniętej tożsamości, straty i pożądania. Karnawał wartości (1990) był typowym przykładem tej pracy; było to duże owalne płótno przedstawiające mężczyznę w meloniku przypominającym Magritte'a, nałożonego na przymocowaną obudowę telewizora z wystającymi rękami i nogami oraz wielkim okiem pośrodku, otoczonego trójwymiarowymi cyframi przypominającymi zegar i odwróconym kapeluszem wypełnionym z przelewającą się krwią. Kulminacją tej pracy była przejściowa płaskorzeźba przedstawiająca roślinę, Drzewo pożądania (1993), którego forma i płodna symbolika sygnalizowały zbliżające się przyjęcie przez Carsona obrazów związanych z naturą.

Rzeźba (1999–)

JoAnne Carson, Bukiet , tworzywo termoplastyczne, włókno szklane, żywica wodna, 105"x 84", 2001.

W latach 90. prace Carsona przebiegały od malarstwa, przez malowany relief, przez skrupulatnie szczegółowe, skupiające się na roślinach rzeźby ścienne (np. Yellow Rose , 1999), aż po samodzielną, trójwymiarową rzeźbę na początku lat 2000.; porównała swój proces w tym czasie do konstruowania dużych rysunków w przestrzeni. Jej płaskorzeźba Wood Nymph z 1999 roku łączyła fantazję, rzeczywistość i iluzję w ośmioramiennej, dzierżącej ciasto, pozbawionej torsu postaci Kali , która wydawała się wyłaniać z przekroju kalifornijskiej sekwoi, która w rzeczywistości była drewnem, włóknem szklanym, tkaniną, i tynk płynnie zintegrowane pod okleiną słoje drewna trompe l'oeil . Indywidualna wystawa Carsona z 2001 roku w Plus Ultra Gallery składała się z pojedynczej wolnostojącej rzeźby: wysokiego na dziewięć stóp, termoplastycznego i wodnego bukietu z żywicy , lodowej turkusowo-fioletowej kompozycji łączącej rozpoznawalne, anatomicznie poprawne i wyimaginowane, nieco złowrogie kwiaty. Roberta Smith napisała, że ​​kruchość i przesadna skala dzieła wygenerowały bezpardonowo dekoracyjne, „zawrotne piękno” i metafory angażujące tematy od inżynierii genetycznej po tolerancję społeczną i współistnienie.

Późniejsza rzeźba Carsona nabrała bardziej kolorowej, kapryśnej jakości, oferując niezależne riffy na temat mutacji i dekoracji poprzez wymyślone hybrydowe formy kwiatowo-zwierzęce. Prace takie jak Puppet's Dream (2004), Blue (2006) i Sampler (2007) przedstawiały sześcio-, cztero- i dwunożne przemieszane stworzenia wyrastające z świątecznych grup kwiatów, spirali, liści i pomponów, które unosiły się między organicznymi a syntetycznymi; w późniejszej rzeźbie Chlorophylia (For a World Without Color) (2017) Carson powrócił do lodowatego monochromizmu Bouquet . Carson szeroko wystawiała swoje rzeźby w galeriach i miejscach, w tym w American Academy of Arts and Letters, Brooklyn Museum of Art i National Academy Museum.

Później malarstwo i rysunek (2010–)

JoAnne Carson, Myślenie życzeniowe , akryl na płótnie, 39" x 48", 2019.

Carson powróciła do malarstwa w 2010 roku, obrazowo rozszerzając świat swoich rzeźb o wyimaginowane, futurystyczne pejzaże i kwiatowe portrety, które sugerują narracyjne dramaty z roślinami w roli bohaterów. Jej rysunki stanowią wizualną i konceptualną odskocznię między jej malarstwem a rzeźbą; wszystkie były wystawiane razem w jej wystawach „Hyper Flora” (2018, Galeria Big Town) i „Rise Up and Shine!” (Retrospektywa 2019, Sage College of Albany ). Podobnie jak jej wczesne prace, późniejsze malarstwo Carson czerpie z wpływów „wysokiej” sztuki, takich jak kubizm i surrealizm, a także z inspiracji kulturą popularną, takich jak Looney Tunes . Krytycy opisują je jako przesadne, halucynogenne spektakle, które „wahają się na granicy malowniczości i groteski”, zaludnione przez antropomorficzną roślinność hybrydową, żywą z wyrazistymi płatkami i syntetycznymi, podobnymi do pikseli wzorami (Wczesna wiosna, 2011) lub oczami , kły i ożywione kończyny ( Knotty Pine , 2016); recenzje porównują je do fantastycznych obrazów filmowca Tima Burtona , The Simpsons i Little Shop of Horrors .

Krytycy uważają intencje tej późniejszej pracy za poważnie komiczne - zarówno ostrzegawcze, jak i uroczyste. Bezpośrednio angażuje sztukę historyczną fetyszyzację natury jako duchowej, autentycznej (np. prace Constable i Hudson River School ) lub sfeminizowanej wychowawczyni, a także współczesne niepokoje związane z agresywnym użytkowaniem ziemi, zmianami klimatycznymi, utraconą „ arkadyjską ” kulturą. „przeszłością” i tym, co „naturalne” w epoce klonowania, inżynierii genetycznej i technologicznego majsterkowania; Carson opisuje to ostatnie jako „paradoksalne pragnienie kultury, by wierzyć w naukę jako nową alchemię”. w tętniącej życiem energii i rozwoju, żywiołowym kolorze i dziwacznej mutacji w pracach takich jak Wishful Thinking i Breezy (oba 2019) jako świadectwo możliwości piękna i zaradności życia, nawet w tragicznych warunkach.

Sztuka krajobrazu

Od 2011 roku Carson uprawia duży, tarasowy, rzeźbiony ogród na swojej posiadłości w wiejskim Shoreham w stanie Vermont , który wyobraża sobie jako żywe, wielowymiarowe malarstwo pejzażowe i praktykę, która nakłada się na jej sztukę, a inspiracja biegnie w obu kierunkach. Podobnie jak formy na jej obrazach i rzeźbach, ogród jest hybrydą udomowionego i dzikiego, organicznego i „syntetycznego” (jak w zaprojektowanym przez człowieka), łącząc łupki, wiecznie zielone topiary w kształcie zwężających się spirali, drzewa owocowe, hortensje i rozległe różnorodność bylin; pisarz Ric Kasini Kadour opisuje ogród jako podobny do tego, który dr Seuss może sadził.

Nagrody i zbiórki publiczne

Carson jest laureatem nagród Fundacji Johna S. Guggenheima (2016), American Academy of Arts and Letters (Purchase Prize in Sculpture, 2002), National Academy Museum (Ellin P. Speyer Award for Sculpture, 2008), SECCA (Nagroda w Visual Arts 4, 1985), American Academy w Rzymie (Prix de Rome, Painting, 1983), Illinois Arts Council (1983) i National Endowment for the Arts (1982), między innymi. Została również wyróżniona rezydencjami artystycznymi Yaddo (Louise Bourgeois Residency for Sculpture, 2007; 2005). Prace Carsona należą do publicznych kolekcji sztuki Brooklyn Museum of Art, Museum of Contemporary Art Chicago, Frederick R. Weisman Art Foundation, Modern Art Museum of Fort Worth, Smart Museum of Art , Joslyn Art Museum , Koehnline Museum of Art , Sheldon Museum of Art i Uniwersyteckie Muzeum Sztuki na Uniwersytecie w Albany .

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=JoAnne_Carson&oldid=1121039241 ”