Kyunghwa Lee

Kyung Hwa Lee
Kyung Hwa Lee
Edukacja	Harvard University Graduate School of Design, marzec, architektura
Znany z	performance , sztuka instalacji , sztuka nowych mediów
Godna uwagi praca	Plastyczność: ciała architektoniczne , ciała plastyczne , metamorfoza ciała

KyungHwa Lee ( koreański : 이경화 ) jest artystą sztuk wizualnych/artystą nowych mediów/reżyserem/pisarzem badającym eksperymentalny charakter sztuki współczesnej z perspektywy architektury, mody i filozofii. Pełni funkcję międzynarodowego dyrektora Nam June Paik Cultural Foundation i jest felietonistką The Korea Times.

Wczesne życie i kariera

Lee urodził się w Seulu w Korei Południowej. We wczesnych latach życia mieszkała w Seulu i Japonii. Pod wpływem tradycyjnych kultur Azji Wschodniej zaczęła interesować się łączeniem jedzenia, odzieży i schronienia, które są podstawowymi potrzebami życiowymi, ze sztuką. zainteresowała się filozoficznym pochodzeniem reprezentacji wizualnej i zaczęła studiować architekturę. Uzyskała tytuł magistra architektury na Uniwersytecie Harvarda Absolwent Szkoły Projektowania. Jej prace odzwierciedlają harmonizację filozofii, mody i architektury. Jej instalacje i performance były pokazywane w prestiżowych galeriach i muzeach na całym świecie. Obecnie mieszka w Los Angeles w Kalifornii w Stanach Zjednoczonych. Prowadzi również konsultacje w zakresie sztuki, projektowania i architektury dla krajowych i międzynarodowych firm i organizacji. Obecnie zajmuje stanowisko dyrektora międzynarodowego w Korean Society of Art Theory.

Pracuje

Eksperymenty Lee mające na celu ujawnienie szczeliny sztuki i filozofii zyskały znaczną uwagę od czasu ceremonii otwarcia „The Zizek / Badiou Event of Philosophy 2013”, która odbyła się w Seulu w Korei Południowej. Jej prace są powszechnie znane z odzwierciedlania aktualnego momentu historycznego sztuki współczesnej poprzez łączenie różnych gatunków, w tym architektury, technologii, rzeczywistości wirtualnej, mody i fenomenologii.

Plastyczne ciała: Flusser, Foucault, plastyczność i gorset

„Ciała plastyczne: Flusser , Foucault , plastyczność i gorset ”, wystawione w Narodowym Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Współczesnej (Seul, Korea Południowa) w Seulu w 2015 roku, jest dziełem instalacji performansu eksplorującym naturę i strukturę ludzkiego ciała jako przestrzeni architektonicznej w kontekście podejść technologicznych, estetycznych i teoretycznych. Publiczność doświadcza tworzenia idealnego ciała, przechodząc przez ogromną przestrzeń „czarnej skrzynki”, zainstalowaną jako zazębiająca się przestrzeń przejściowa, w gorsecie wydrukowanym w 3D, tymczasowo przymocowanym do ciała każdej osoby. Kolejny performans sześciu performerów, przedstawiający aktualizację idealnego ciała, podczas jednoczesnej projekcji na płótnie, uchwycił historyczny przebieg reprezentacji, przekazuje „nową przestrzeń” łączącą świat rzeczywisty ze światem wirtualnym. Ukazano przestrzeń, w której świat realny współistnieje ze światem wirtualnym, a rzeczywistość niewidzialna staje się rzeczywistością przedstawioną. Publiczność staje się częścią sztuki performance, a także funkcjonuje jako podmiot kierujący intencją artysty. Na zakończenie spektaklu słyszalne, bezcielesne pytania „Kim jesteś?” i gdzie jesteś?" są projektowane. Te często zadawane pytania na nowo rozbrzmiewają w tej chwili. Spektakl prowadzi widzów do kontemplacji tożsamości kontekstualizowanej przez ciało jako architektonicznej i plastycznej.

Instalacja proponuje ludzkie ciało jako naczynie podlegające projektowaniu i rekonfiguracji. Performerzy uosabiają wymiarowość konceptualizowanej rzeczywistości. Jednak zobrazowane ciało jest odtwarzane za pomocą procesów informacji cyfrowej i drukowania 3D. Ta koalescencja rzeczywistości rzeczywistej i wyobrażonej uwidacznia się we współczesnym doświadczeniu.

Plastyczne Body Gorset Body

Monochromatyczny płaski cień gorsetowego ciała jako wyidealizowana rzeczywistość

Dwuwymiarowość fotograficznej projekcji ciała

Trójwymiarowość wyglądu zdyscyplinowanego ciała

Czterowymiarowość transformacji ciała cyfrowego

Połączenie przestrzenności przez produkcję Ex Nihilo i gorsetowanie ciała poprzez druk 3D

# 1	Scena 1	Monochromatyczny płaski cień gorsetowego ciała jako wyidealizowana rzeczywistość
#2	Przemiana	Dwuwymiarowość fotograficznej projekcji ciała
#3	Etap 2	Trójwymiarowość wyglądu zdyscyplinowanego ciała
#4	Przemiana	Czterowymiarowość transformacji ciała cyfrowego
#5	Etap3	Połączenie przestrzenności przez produkcję Ex Nihilo i gorsetowanie ciała poprzez druk 3D
#6	Epilog	Wywiad wideo z filozofem

The Zizek/Badiou Event of Philosophy 2013, Seul, Korea Południowa

Przejście pośrednie: sztuka performance: ceremonia otwarcia wydarzenia

Ta ceremonia otwarcia podkreśliła tematy wolności, dekonstrukcji społecznej i kwestionowania tabu, które pojawiały się w kolejnych wystąpieniach Slavoja Žižka i Alaina Badiou .

Tradycyjna koreańska ceremonia ślubna oznacza połączenie yin i yang . Ziemia jest uważana za yin, a niebo za yang. Zachód słońca następuje w miejscu, w którym spotykają się niebo i ziemia. Z tego powodu koreańskie ceremonie ślubne tradycyjnie odbywają się o zachodzie słońca. Ten spektakl artystyczny został zainspirowany chęcią zakwestionowania obecnej kultury weselnej, która została mocno zniekształcona, ponieważ kultura koreańska bezkrytycznie przyjmuje zachodnie tradycje.

Ta praca, będąca rekonstrukcją własnej ceremonii ślubnej artystki, zawiera symboliczny kolor czerwony i interpretuje tradycyjne znaczenie ceremonii ślubnej we współczesnym kontekście. Performerka grająca pannę młodą pojawia się w galerii z wysokim sufitem, symbolizującej tradycyjny autorytet kościołów, ubrana w przesadnie czerwony welon ślubny o długości 50 metrów. Nowożeńcy wchodzą do przestrzeni jednocześnie i równo i podążają wzdłuż linii świec przygotowanych z pomocą publiczności na małą centralną scenę. Tutaj odbywa się ceremonia, integrująca zachodnie wizualne elementy mody i architektury (widoczne) oraz wschodnie działania o znaczeniu symbolicznym (niewidoczne). Po ceremonii zdjęcie welonu panny młodej symbolizuje zniesienie ograniczeń i stanowi wyzwanie dla społecznych tabu dotyczących ślubów i małżeństw. Performerzy odchodzą od dotychczasowych ograniczeń i szukają nowej, wyzwolonej przyszłości poza przestrzenią galerii.

Przejście pośrednie: sztuka performance: ceremonia otwarcia wydarzenia[edytuj źródło]

Flexile Panoptiosis: Mirror Room: Instalacja art

Zaprojektowana specjalnie na Zizek/Badiou Event of Philosophy 2013, Flexile Panoptiosis zajmowała najmniejszą część galerii Kunsthalle. Ta praca zakwestionowała idee władzy przestrzennej i kulturowej.

„Sala Lustrzana” została pierwotnie zbudowana w Wersalu przez Ludwika XIV we Francji, le Roi-Soleil, w celu pokazania autorytetu Francji. Ta grafika przedstawia nową salę luster, przekazującą koncepcję zdecentralizowanej władzy. W niewielkim pomieszczeniu w Kunsthalle lustra umieszczono na lewej i prawej ścianie oraz na podłodze i suficie, natomiast na ścianie frontowej znajduje się wychodzące na ulicę okno z wizerunkiem głowy królowej Elżbiety I . U podstawy portretu królowej, na wysokości jej szyi, znajduje się duży, czerwony kołnierz z kryzą. Ten pokój luster wyraża organiczną zmianę nieodłącznie związaną z okulocentryzmem, wykorzystując lustra do badania wzajemnych relacji widza i oglądanego.

Gdy tylko widzowie, którzy zostali wyposażeni w kołnierzyki z kołnierzykiem, wejdą do pokoju, zostają zdominowani przez pojawienie się nieskończonego szeregu kołnierzyków z kołnierzykiem i oglądają siebie poprzez niekończące się odbite obrazy. Mały pokój zamienia się w nieskończony świat, a widz z zewnątrz zobaczy przez okno zniekształcony cień. Bogate wnętrze pokoju lustrzanego jest po prostu postrzegane jako płaskie cienie i odbicia z zewnątrz.

W tej przestrzeni widzowie odkrywają, że są niewolnikami podświadomych pragnień, które nie są filtrowane przez ich percepcję. Zamiast reagować na obraz Królowej i niekończące się powtarzanie obrazów z podziwem i szacunkiem typowym dla galerii sztuki, widzowie wchodzą w interakcję organiczną z salą lustrzaną, kładąc się na podłodze, robiąc śmieszne miny i śmiejąc się z rezultatów. Podczas gdy grafika z natury rzeczy emanuje siłą, widzowie mogą uwolnić się od autorytetu obrazów.

Flexile Panoptiosis: Pudełko z lustrem: Instalacja Art. No

Fasada miejska: integracja mody i architektury: mapowanie projekcji

Na fasadzie Kunsthalle wyświetlane są dwa nagrania „elastycznej panoptiozy ” . Pierwsze nagranie ukazuje cienie performerów za koronkową firanką. Drugie nagranie zapewnia widok z góry tego samego wykonania, który pojawia się poziomo i równolegle do pierwszego nagrania. Spektakl, który odbywa się we wnętrzu budynku, rozpoczyna się pojawieniem się królowej, ubranej w stroje symbolizujące wizualnie jej autorytet, w tym kołnierz z falbanką i wyszukaną suknię, poruszającą się po scenie w orszaku zwolenników. Wszyscy wykonawcy noszą architektoniczne elementy formy, struktury, materiału, planu i przekroju jako elementy mody. Na początku spektaklu modne stroje performerów wizualnie rzutują na publiczność. W miarę postępu performansu wykonawcy stopniowo dekonstruują elementy władzy. Pod koniec spektaklu publiczność jest zapraszana do interakcji z tymi elementami władzy, zamieszkując tę samą przestrzeń sceniczną co wykonawcy, nosząc i bawiąc się tymi modnymi przedmiotami jako zabawkami, jednocześnie pojawiając się jako cienie za kurtyną.

Ludzkie doświadczenie zaczyna się od relacji między aktem oglądania a oglądanym przedmiotem. Kiedy ktoś patrzy na przedmiot, postrzega go i tworzy z nim związek. Ważnym aspektem tej pracy jest akt patrzenia. Temat okularocentryzmu bada relację podmiotu i przedmiotu, zapośredniczoną przez wzrok, który działa jako medium władzy i ograniczeń. Dopasowując przestrzennie tę koncepcję do formatu Panoptikonu, grafika Lee symbolicznie ilustruje pragnienie i podziw, jakiego doświadczamy wobec obiektów, które widzimy.

Dobrym przykładem relacji i ograniczeń w dziedzinie mody jest kołnierz i mankiety z kryzą, które były popularne wśród szlachty i członków rodziny królewskiej w XVI i XVII wieku w Europie, aby podkreślić ich status i władzę. W architekturze dobrym przykładem jest Panopticon , stworzony przez Jeremy'ego Benthama w XVIII wieku w celu skutecznego kontrolowania ludzi poprzez wykorzystanie przestrzeni, który wizualnie przypomina kryzę. Łącząc kryzę i Panopticon z perspektywy filozoficznej, Lee zintegrował modę i architekturę, aby zbadać wzajemne relacje między widzem a oglądanym.

Fasada miejska: integracja mody i architektury: mapowanie projekcji

Edukacja

Harvard University Graduate School of Design, marzec, architektura

Prace i wystawy

2018 Plastyczne ciała: Flusser, plastyczność i gorset, REDCAT, Los Angeles
2018 Zachowanie ciągłości wirtualności | Od nowych mediów do postczłowieka w sztuce
2017 Panelista Art Basel Hong Kong 2017 l Technologie teraźniejszości | Nowe media w pracy
2017 Plastyczność: ciała architektoniczne - Teleobecność Philosopher's Talk Performance, Los Angeles
2017 gościnny wykładowca na temat filozofii odosobnienia: estetyka posthumanizmu, Wydział Filozofii UCLA, Los Angeles
2015 Plastyczne ciała: Flusser, Foucault, plastyczność i gorset, MMCA
2014 Metamorfoza ciała, Centrum Sztuki Gana
Rok 2013
2013 The Zizek/Badiou Event of Philosophy 2013, Platoon Kunsthalle, Seul, Korea Południowa
- Elastyczna panoptioza
- Przejście pomiędzy
- miejska fasada
2012 Elastyczna panoptioza

Linki zewnętrzne