Lee Seung-taek

Wind-Folk Amusement, 1971, wiatr, płótno, performance

Lee Seung-taek
Hangul	이승택
Poprawiona latynizacja	Ja Seungtaek
McCune-Reischauer	Ri Sŭngt'aek

W tym koreańskim nazwisku nazwisko rodowe to Lee .

Lee Seung-taek (urodzony 12 maja 1932) to koreański artysta interdyscyplinarny. Jest rzeźbiarzem, artystą instalacji i performerem – konceptualizuje pojęcie „antykonceptu” lub „ antysztuki ” na koreańskiej scenie artystycznej.

Jako jeden z pionierów sztuki eksperymentalnej pierwszego pokolenia w Korei, Lee jest znany ze swoich „nierzeźbiarskich” dzieł sztuki, które obejmują „ekspozycje kawałków kamienia, liny i papieru gazetowego”. Lee pracował głównie niezależnie i tworzył prace odbiegające od dominujących koncepcji artystycznych w Korei . „Nieskrępowana wymaganiami prymitywnego nacjonalizmu ani pogoni za tak zwanym międzynarodowym światem sztuki”, prace Lee zaczęły być postrzegane jako „punkt wyjścia dla innego rodzaju linii awangardowej”. Starał się badać nowe sposoby tworzenia sztuki poprzez eksperymentowanie z przedmiotami niematerialnymi.

W 2009 roku Lee był pierwszym odbiorcą, któremu przyznano Nam June Paik Art Center Prize.

Kariera

, urodzony w Kowon w prowincji Hamgyeong w Korei Północnej , od dzieciństwa interesował się wieloma dziedzinami. Wykorzystał swój talent artystyczny do ucieczki z Korei Północnej podczas wojny koreańskiej . Zarabiał na życie, rysując portrety dla amerykańskich żołnierzy podczas i po wojnie koreańskiej. Jako student Lee zafascynował się Nietzschem filozofii, która skłoniła go do uprawiania eksperymentalnej sztuki metafizycznej. Mając ambicję „pozostawienia śladu jako artysta w koreańskiej historii sztuki nowoczesnej”, postanowił zostać artystą własnego świata, myśląc odwrotnie o świecie i swobodnie wyrażając siebie i swoje idee.

Według krytyka sztuki Oh Sang-ghila, Lee został zdegradowany do poziomu spoza głównego nurtu w koreańskim świecie sztuki współczesnej, ponieważ większość artystów i krytyków sztuki „niezachwianie podążała za zachodnimi trendami w sztuce i wierzyła, że ​​to jedyny sposób na przetrwanie”. Lee uznał, że ci artyści i krytycy nie byli świadomi własnej tożsamości i zaczęli eksperymentować z próbami i błędami naśladowania, aby zrozumieć prawdziwą naturę koreańskiej sztuki współczesnej. Był często uważany za „heretycką i buntowniczą postać” wśród artystów i krytyków w Korei; kontynuował jednak swoją podróż realizowania własnej sztuki w konwencjonalnym wówczas świecie sztuki koreańskiej. Począwszy od jego niefiguratywnego Instalacja artystyczna , Historia i czas , na wystawie licencjackiej w 1958 roku na Wydziale Rzeźby Uniwersytetu Hongik , odszedł od konwencji koreańskiej sztuki współczesnej. Podczas wystawy, na której miała zostać przyznana Nam June Paik Art Center , główny kurator Nam June Paik Art Center, Tobias Berger, wspomniał, że „dzieła sztuki Seung-taeka Lee przewyższają główne ośrodki tradycyjnej zachodniej historii sztuki współczesnej”.

W 2008 roku Lee był doradcą Korea Performance Art Spirit (KoPAS). W 1988 roku pełnił funkcję wiceprezesa Koreańskiego Stowarzyszenia Sztuk Pięknych, a od 1989 roku jest jego doradcą. Został komisarzem reprezentatywnym różnych komitetów, takich jak Recykling poprzez sztukę Teatru Narodowego Korei w 2007 roku, Le Biennale di Venezia w 1990 i Wymiana Wystawy Sztuki Nowoczesnej między Koreą a Japonią w 1985. Od 1970 do 1987 przez dziewięć lat wykładał historię sztuki współczesnej na Uniwersytecie w Seulu i Wyższej Szkole oraz przez dziewięć lat na Uniwersytecie Mokwon i Wyższej Szkole.

Pracuje

Najwcześniejsza praca: koniec lat 50. XX wieku

Pod koniec lat pięćdziesiątych Seung-taek Lee zainspirował się małym zdjęciem rzeźby Giacomettiego . Obraz przedstawiał kobiece ciało złożone z nagich kości, bez mięsa i mięśni. Lee zadał sobie pytanie, czy może w ogóle zanegować kości, resztę i przeszedł do tworzenia dzieł bez stałych form; zainteresował się niematerialnością . Następnie zainspirował go dym wydobywający się z Arabii Saudyjskiej , który był transmitowany w wiadomościach. Zdał sobie sprawę, że dym, wiatr i ogień to jedyne elementy, które można wyrazić bez stałej formy.

Po tymczasowym zakończeniu wojny koreańskiej w 1953 roku Lee udał się na Uniwersytet Hongik w Seulu , gdzie studiował rzeźbę. Zrobił dużą rzeźbę o nazwie Historia i czas w 1958 roku na swój pokaz dyplomowy. Praca składa się z kawałka gipsu w kształcie litery U , który jest owinięty drutem kolczastym i rozmazanymi kolorami czerwieni i błękitu. Według artysty czerwień reprezentuje komunizm , a niebieski demokrację. Chciał wyrazić „tragedię słabych krajów uwięzionych między walczącymi Zimną Wojną supermocarstwa” podczas wojny koreańskiej.

W 1957 roku Lee został poproszony przez swojego nauczyciela i rzeźbiarza Kim Kyong-sunga o pomoc w stworzeniu z brązu pomnika amerykańskiego generała Douglasa MacArthura, który był wówczas szanowany przez Koreańczyków za lądowanie desantowe we wrześniu 1950 roku, które odwróciło wojnę koreańską na korzyść Siły ONZ i Korei Południowej. W tym roku Lee wyprodukował także jeden ze swoich kamiennych elementów Godret, zwany Godret Stone (1957). Kamień Godret odnosi się do kamienia używanego do wiązania węzłów podczas wyplatania ręcznie robionych mat w Korei. Jego zainteresowanie fundamentalnymi zmianami materialności fizycznej doprowadziło do powstania serii kamieni Godret. Chociaż kamienie Godret w kształcie Lee wydają się miękkie i można je kształtować, w istocie są twarde i solidne. W 2004 roku Lee dalej wyjaśnił swoje przemyślenia stojące za tym artykułem w eseju Kim Yung-hee Podążając za kamieniem Godret: splątana energia / świat duchowy z nowoczesnością . Wizualny wpływ pracy wynika z „napięcia między drewnianym prętem, niepewnie zawieszonym na dwóch cienkich sznurkach, a skupiskami rozwidlonych kamieni, które skutecznie wywołują wrażenie ciśnienia grawitacyjnego”.

1960

Na początku lat 60. Lee podróżował po Korei w poszukiwaniu nowych tematów dla swojej sztuki. Znalazł je w naturze — morzach, plażach, polach i produktach rolnych — w sztucznych środowiskach — kamiennych murach na wyspie Czedżu, a także w produkowanych elementach architektonicznych — oraz w nieznanych obszarach, takich jak farmy wodorostów. W 1964 roku stworzył instalację zatytułowaną The Wind Fence na rzece Han na wyspie Nanji. Praca została zainspirowana kolorowymi płotami linowymi wokół pól czosnku na wsi. Ogrodzenie wiatrowe (1964) składa się z drewnianych patyczków i tkaniny. Drewniane patyki są mocno osadzone w ziemi w orientacji kołowej. Tkaniny są przywiązane do każdego patyka i poziomo łączą każdy drewniany patyk z drugim, tworząc cztery zygzakowate koła. Ogólnie tworzą kształt ogrodzenia. Lee uważa znalezienie nowych tematów za istotne dla wynalezienia nowej koncepcji i metody dla swojej sztuki. W tym samym roku wykonał kilka sztuk performatywnych, takich jak The Burning Canvas Floating on the River (1964). Spalił swoje stare obrazy i pozwolił im odpłynąć w rzece Han, aby zademonstrować swoje wyzywające dążenie do „ucieczki z więzów przeszłości”.

W 1961 roku Lee rozpoczął prace nad pierwszym ze swoich onggi , czyli oji , „ciemnego, półporowatego naczynia ceramicznego, tradycyjnie używanego w Korei do przechowywania i fermentacji różnych przypraw”. Na drugiej wystawie stowarzyszenia Original Form Association (Wonhyonghoe) publicznie zaprezentował swoje prace oparte na onggi . Dołączył do grupy na ich drugą wystawę w listopadzie 1964 roku w Centralnym Centrum Informacji obok Pałacu Toksu w Seulu w Korei.

Lee tworzył także prace z włosów w latach 60. W 1963 roku wyprodukował pierwszą z dwóch prac wykonanych z włosów z 1963 roku, zatytułowanych My Hair . Ta praca zainspirowała serię prac dwuwymiarowych i instalacyjnych wykonanych z włosów. W 1967 roku stworzył ogromną instalację, która powstała z przypadkowego eksperymentu Lee, który miał miejsce, gdy udał się do obozu wojskowego w pobliżu DMZ, aby narysować portret dla dowódcy dywizji. Zdobył worki pełne włosów nowych rekrutów i wykorzystał je do stworzenia pracy instalacyjnej w nowo wybudowanym wówczas kościele.

Aby uchwycić swoje eksperymentalne i performatywne dzieła sztuki na dużą skalę, Lee wykorzystywał fotografię od wczesnych lat 60. Ponieważ rozmiar jego pracy nie był wyraźny na zdjęciach, zrobił sobie zdjęcia ze swoją sztuką, aby wyjaśnić skalę prac. Zdjęcia przedstawiające artystę i jego proces pracy w terenie stały się znakiem rozpoznawczym Seung-taek Lee.

lata 70

Seung-Taek Lee, Rysunek, 1974, przewód

Wraz z serią Godret Stone Lee stworzył serię Tied Stone, która rozpoczęła się pod koniec lat 50. Wiele jego prac związanych z ideą „wiązania” powstało w latach 70., na przykład Tied Stone (1972) i inne serie Tied Stone oraz Tied Book (1972). Aby przeciwstawić się prawom natury, poprzez swoje dzieła zmienił właściwości kamienia z twardości na miękkość. Lee stworzył inne pokrewne prace wykonane ze sznurków i lin z porcelaną i pracami instalacyjnymi, takie jak White Porcelain (1972) i Drawing (1974). Ponadto stworzył dzieła, które są wykonane przez naturę. Nieprzewidywalność jego tematów, takich jak wiatr, ogień i dym, odegrała znaczącą rolę w powstawaniu jego niematerialnych prac. Paper Tree (1970) i ​​Wind-Folk Amusement (1971) to charakterystyczne prace Lee z serii wiatrowej. Artysta użył materiałów codziennego użytku, takich jak płótno i papier, aby zwizualizować kierunek i siłę wiatru. Na MOT International w Londynie instalacja Paper Tree i dokumentacja fotograficzna Wind-Folk Amusement nadać formę „przemijaniu natury” i uchwycić energetyczny ruch wiatru. Co więcej, koncepcja Lee dotycząca niematerializacji została ujawniona w serii Fire, takiej jak Burning Buddha Statue (1965–1971), w której podpala świętą ikonę. Taki akt jest często pomijany jako bluźnierstwo przeciwko Buddzie; jednak według artysty jest to akt „oczyszczenia”, który przypomina starożytną historię buddyzmu. Naturalny krajobraz i żywioły pełnią rolę medium artystycznego, a także tła dla występów Lee i instalacji plenerowych.

W latach 60. bieda i następstwa wojny koreańskiej zaowocowały rozwojem gospodarczym i modernizacją całego społeczeństwa. Rozpoczął się ruch sadzenia drzew w górach i rozwinęła się świadomość Lee na temat kryzysu zanieczyszczenia. Zielony ruch stał się kolejną formą jego sztuki eksperymentalnej. Ponieważ malował ogromne wodospady w miejscach wokół góry Bukhan, inne jego prace pokrewne również stały się bardziej przyjazne dla środowiska i promowały znaczenie ratowania przyrody zniszczonej przez cywilizację. Takie idee są przedstawiane w pracach takich jak Artist Planting Moss (1975) i Green Campaign (1975). Lee stworzył zielony krajobraz w Instalacja Green Campaign (1976), która przypomina zieloną rzekę, wylewając na skałę mieszankę nawozu, mchu i wody, aby stworzyć bardziej naturalny projekt.

lata 80

W latach 80. Lee kontynuował produkcję prac, które przyczyniły się do powstania ruchu ekologicznego. Seria obejmowała Green (1983) i Green Campaign (1985), występ na placu naprawy dróg. Wiele jego prac miało różne formy i interakcje z modelem ziemi. Jeden z jego występów nosi tytuł Earth Play (1989), który został tak zatytułowany ze względu na fizyczną interakcję utworu z uczestnikami. Stworzył także inne kawałki ziemi, które miały wywołać poczucie winy u tych, którzy szkodzą naturze. Ponadto Lee wyraził przyjemność z pracy nad swoją sztuką w odosobnieniu, na przykład w głębokich górach lub na polach, bez zwracania uwagi innych ludzi. Często prowadzi eksperymentalne performansy dla siebie lub dla niewielkiej grupy osób z dziedziny sztuki. W ramach Self-Burning Performance Art Festival w 1989 roku zadeklarował, że każdego dnia trwania wystawy wykona jedną lub dwie prace różnych typów, a następnie je spali. dyrygował Self-Burning Performance w 1989 roku i Burning Modern Sculpture w 1984 roku, aby zademonstrować takie pomysły. Co więcej, Lee przedstawił swoją filozofię „myślenia na odwrót”, kwestionując konieczność ram i ich rolę w estetycznej prezentacji obrazów. Tworzył więc prace w latach 70. i 80. XX wieku. Wiele z nich to drewniane ramy z rogami i krawędziami związanymi kolorowymi sznurkami. Jego idea „myślenia na odwrót” znajduje również odzwierciedlenie w jego pracach dotyczących tematu seksu. Uważa seks za „fundament historii ludzkości” i że odegrał znaczącą rolę w ewolucji społecznej. Ponieważ seks i sztuka są nierozłącznymi bytami, wielu artystów, w tym Seung-taek Lee, wykorzystuje seks jako motyw. Poprzez jego obiekt działa jak Narządy seksualne w telewizji (1987), satyrował role telewizyjne. Z drugiej strony Lee stworzył swój wizualny komentarz do kwestii etyczności seksu. Umieszczał przedmioty w kształcie genitaliów na drzewach, butelkach z alkoholem, butach i innych przedmiotach, aby rzucić wyzwanie powszechnemu zawstydzeniu związanemu z obrazami seksualnymi.

1990 i dalej

Lee kontynuuje produkcję prac związanych z tematami, które badał przez ponad pięćdziesiąt lat. Stworzył więcej rzeźb związanych z kwestiami środowiskowymi, takich jak Energyless Earth i Disouraged Earth w 1992 roku. Poprowadził także kilka performansów, takich jak Earth Performance (1990) i Wind Performance at a Back Hill (2009) w Nam June Paik Art Center. Oprócz masywnych, malarskich abstrakcji Lee użył akwareli, mchu i innych materiałów, aby przekształcić ziemię w płótno. W Gwangju Biennale Sztuki, Lee wystawił monumentalny, podwójny autoportret Artysta, któremu brak tchu (1991). Praca składa się z „bel starych ubrań połączonych razem w wrzecionowate, wieloramienne szkielety, z których wyrastają dwie masywne, nachmurzone głowy”. Poskręcane, przypominające ciała układy leżą, jakby wyczerpane, na podłodze. Czarno-białe wzorzyste, drewniane belki łączą te aranżacje. W szerszym kontekście praca dotyczy podziału Korei i alegorii państwa rozdartego wojną, wraz z różnicami ideologicznymi z okresu zimnej wojny . Ponadto Lee stworzył Most, którego nie można przejść w 1990 roku, aby ukazać problemy podzielonego narodu. Z żarliwym zapałem Seung-taek Lee „kultywował swój własny świat sztuki” przez ponad sześćdziesiąt lat. Jego ciągłe kwestionowanie „czy to w ogóle może być sztuka?” dodatkowo zmotywowało go do badania nowych przedmiotów niematerialnych i sztuki. Kontynuował występy i wystawy na całym świecie, a także tworzy prace w Seulu w Korei.

Nagrody

• 2013 Nagroda Eunkwan (drugie najwyższe odznaczenie Korei za zasługi dla kultury), Ministerstwo Kultury, Sportu i Turystyki, Korea
• 2009 Zwycięzca Nam June Paik Art Center Prize 2009, Korea
• 2002 Achievement Award, DongA Art Festival, DongA Media, Korea
• 2000 Bokwan Order of Culture Merit Award od Ministra Kultury, Sportu i Turystyki Korei
• 1994 Nagroda Ministra Kultury, Sportu i Turystyki Korei
• 1985 Nagroda Główna Międzynarodowego Festiwalu Rzeźby Plenerowej, Aomori Museum of Art, Japonia
• 1978 Wnnder DongA Art Festival, DongA Media, Korea
• 1977 Nagroda główna Space Art Award magazynu SPACE, Korea

Linki zewnętrzne

• Lee Seung-taek (po koreańsku)