Sztuka Europy

Apelles maluje Campaspe , dzieło sztuki przedstawiające ludzi otoczonych dziełami sztuki; autorstwa Willema van Haechta ; C. 1630; olej na desce; wysokość: 104,9 cm, szerokość: 148,7 cm; Mauritshuis ( Haga , Holandia )
sztuka malarstwa ; przez Johannesa Vermeera ; 1666-1668; olej na płótnie; 1,3x1,1m; Kunsthistorisches Museum ( Wiedeń , Austria )
Historia sztuki
Okresy i ruchy
Regiony
Sztuka Bliskiego Wschodu

Sztuka Azji Środkowej

Sztuka Azji Wschodniej

Sztuka Azji Południowej

Sztuka Azji Południowo-Wschodniej

Sztuka Europy

Sztuka Afryki

Sztuka obu Ameryk

Sztuka Australii

Sztuka Oceanii
Religie
Techniki
typy
europejska historia sztuki

Sztuka Europy , czyli sztuka Zachodu , obejmuje historię sztuki wizualnej w Europie . Europejska sztuka prehistoryczna rozpoczęła się jako mobilne malarstwo naskalne i jaskiniowe z górnego paleolitu oraz sztuka petroglifów i była charakterystyczna dla okresu między paleolitem a epoką żelaza . Pisemne historie sztuki europejskiej często zaczynają się od cywilizacji Morza Egejskiego , datowanych na III tysiąclecie pne. Jednak spójny wzorzec rozwoju artystycznego w Europie staje się jasny dopiero w przypadku sztuki starożytnej Grecji , która została przyjęta i przekształcona przez Rzym i kontynuowana; z Cesarstwem Rzymskim w większości krajów Europy, Afryki Północnej i Azji Zachodniej .

Wpływ sztuki okresu klasycznego wzrastał i słabł przez następne dwa tysiące lat, zdając się odchodzić w odległą pamięć w niektórych częściach okresu średniowiecza , aby ponownie pojawić się w renesansie , cierpiąc okres, który niektórzy wczesni historycy sztuki postrzegane jako „rozpad” w okresie baroku , aby ponownie pojawić się w wyrafinowanej formie w neoklasycyzmie i odrodzić się w postmodernizmie .

Przed XIX wieku kościół chrześcijański miał duży wpływ na sztukę europejską, a zlecenia od Kościoła stanowiły główne źródło pracy dla artystów. W tym samym okresie odrodziło się również zainteresowanie mitologią klasyczną, wielkimi wojnami, bohaterami i bohaterkami oraz tematami niezwiązanymi z religią. Większość sztuki ostatnich 200 lat powstawała bez odniesienia do religii i często bez żadnej konkretnej ideologii , ale na sztukę często wpływały kwestie polityczne, czy to odzwierciedlające obawy mecenasów, czy artystów.

Sztuka europejska jest podzielona na kilka okresów stylistycznych, które historycznie nakładają się na siebie, ponieważ różne style kwitły na różnych obszarach. Zasadniczo okresy to: klasyczny , bizantyjski , średniowieczny , gotycki , renesansowy , barokowy , rokoko , neoklasycystyczny , nowoczesny , postmodernistyczny i nowe malarstwo europejskie .

Sztuka prehistoryczna

Główny artykuł: Sztuka prehistoryczna § Europa

Europejska sztuka prehistoryczna jest ważną częścią europejskiego dziedzictwa kulturowego. Prehistoryczną historię sztuki dzieli się zwykle na cztery główne okresy: epokę kamienia , neolit , epokę brązu i epokę żelaza . Większość pozostałych artefaktów z tego okresu to małe rzeźby i malowidła naskalne.

Wenus z Willendorfu ; C. 26 000 pne (okres grawecki); wapień o barwie okry; Naturhistorisches Museum ( Wiedeń , Austria)

Wiele zachowanych sztuk prehistorycznych to małe przenośne rzeźby, z niewielką grupą kobiecych figurek Wenus , takich jak Wenus z Willendorfu (24 000–22 000 pne) znalezionych w całej Europie Środkowej; 30-centymetrowa figurka Löwenmenscha z około 30 000 pne nie zawiera prawie żadnych elementów, które można by z nią powiązać. Pływający renifer z około 11 000 pne jest jednym z najwspanialszych z wielu magdaleńskich rzeźb z kości lub poroża zwierząt w sztuce górnego paleolitu , chociaż przewyższają je liczebnie grawerowane kawałki, które czasami klasyfikuje się jako rzeźby. Wraz z początkiem mezolitu w Europie rzeźba figuratywna znacznie się zmniejszyła i pozostała mniej powszechnym elementem sztuki niż reliefowa dekoracja przedmiotów użytkowych aż do okresu rzymskiego, pomimo niektórych dzieł, takich jak kocioł Gundestrup z europejskiej epoki żelaza i epoki brązu Trundholm rydwan słońca .

Najstarsza europejska sztuka jaskiniowa pochodzi sprzed 40 800 lat i można ją znaleźć w jaskini El Castillo w Hiszpanii. Inne miejsca z malowidłami jaskiniowymi to Lascaux , Cave of Altamira , Grotte de Cussac , Pech Merle , Cave of Niaux , Chauvet Cave , Font-de-Gaume , Creswell Crags, Nottinghamshire, Anglia (ryciny jaskiniowe i płaskorzeźby odkryte w 2003 r.), Jaskinia Coliboaia z Rumunii (uważana za najstarsze malowidło jaskiniowe w Europie Środkowej ) i Magura, Belogradchik, Bułgaria. Malowanie naskalne wykonywano również na ścianach klifów, ale mniej z nich przetrwało z powodu erozji. Jednym z dobrze znanych przykładów są malowidła naskalne z Astuvansalmi w rejonie Saimaa w Finlandii. Kiedy Marcelino Sanz de Sautuola po raz pierwszy zetknął się z malowidłami Magdaleny przedstawiającymi jaskinię Altamira w Kantabrii w Hiszpanii w 1879 roku, ówczesni naukowcy uznali je za mistyfikację. Niedawne ponowne oceny i liczne dodatkowe odkrycia wykazały od tego czasu ich autentyczność, jednocześnie stymulując zainteresowanie kunsztem ludów górnego paleolitu. Malowidła naskalne, wykonane przy użyciu tylko najbardziej prymitywnych narzędzi, mogą również dostarczyć cennego wglądu w kulturę i wierzenia tamtej epoki.

Sztuka naskalna iberyjskiego basenu Morza Śródziemnego reprezentuje zupełnie inny styl, z postacią ludzką w centrum uwagi, często widzianą w dużych grupach, z reprezentowanymi bitwami, tańcami i polowaniami, a także innymi czynnościami i szczegółami, takimi jak ubiór. Postacie są na ogół dość szkicowo przedstawione cienką farbą, a relacje między grupami ludzi i zwierząt są dokładniej przedstawione niż poszczególne postacie. Inne, mniej liczne grupy sztuki naskalnej, z których wiele jest raczej rytych niż malowanych, wykazują podobne cechy. Uważa się, że przykłady iberyjskie pochodzą z długiego okresu, być może obejmującego górny paleolit, mezolit i wczesny neolit.

Prehistoryczna sztuka celtycka pochodzi z większości Europy epoki żelaza i przetrwała głównie w postaci wysokiej klasy wyrobów metalowych, umiejętnie zdobionych złożonymi, eleganckimi i przeważnie abstrakcyjnymi wzorami, często wykorzystującymi zakrzywione i spiralne formy. Istnieją ludzkie głowy i niektóre w pełni reprezentowane zwierzęta, ale postacie ludzkie pełnej długości w dowolnej wielkości są tak rzadkie, że ich brak może stanowić religijne tabu. Gdy Rzymianie podbili terytoria celtyckie, prawie całkowicie zanikł, ale styl ten był nadal używany w ograniczonym stopniu na Wyspach Brytyjskich , a wraz z nadejściem chrześcijaństwa odrodził się tam w stylu wyspiarskim wczesnego średniowiecza.

Starożytny

minojski

Główny artykuł: sztuka minojska

Cywilizacja minojska na Krecie jest uważana za najstarszą cywilizację w Europie. Sztuka minojska charakteryzuje się pomysłowymi obrazami i wyjątkowym wykonaniem. Sinclair Hood opisał „istotną cechę najlepszej sztuki minojskiej, zdolność do tworzenia atmosfery ruchu i życia, chociaż przestrzegano zestawu wysoce formalnych konwencji”. Stanowi część szerszego ugrupowania sztuki egejskiej , aw późniejszych okresach przez pewien czas wywierała dominujący wpływ na sztukę cykladzką . Drewno i tekstylia uległy rozkładowi, więc najbardziej zachowanymi przykładami sztuki minojskiej są ceramika , misternie rzeźbione pieczęcie minojskie , freski pałacowe , które obejmują krajobrazy), małe rzeźby z różnych materiałów, biżuteria i wyroby metalowe.

Wiele dyskutowano o związkach sztuki minojskiej z innymi współczesnymi kulturami, a później sztuką starożytnej Grecji . Wyraźnie zdominowała sztukę mykeńską i sztukę cykladz tych samych okresów, nawet po zajęciu Krety przez Mykeńczyków, ale tylko niektóre aspekty tradycji przetrwały greckie średniowiecze po upadku Grecji mykeńskiej .

Sztuka minojska ma różnorodną tematykę, z których wiele pojawia się w różnych mediach, chociaż tylko niektóre style ceramiki zawierają sceny figuratywne. Skaczący byk pojawia się w malarstwie i kilku rodzajach rzeźb i uważa się, że miał znaczenie religijne; głowy byków są również popularnym tematem w terakocie i innych materiałach rzeźbiarskich. Nie ma postaci, które wydają się być portretami osób lub są wyraźnie królewskie, a tożsamość postaci religijnych jest często niepewna, a uczeni nie są pewni, czy są to bóstwa, duchowni czy wielbiciele. Podobnie, nie jest jasne, czy malowane pokoje były „świątyniami”, czy świeckimi; argumentowano, że jeden pokój w Akrotiri to sypialnia z pozostałościami łóżka lub kapliczka.

Często przedstawiane są zwierzęta, w tym niezwykła różnorodność fauny morskiej; „ Styl morski ” to rodzaj malowanej ceramiki pałacowej z MM III i LM IA, która maluje stworzenia morskie, w tym ośmiornice , rozprzestrzeniające się po całym statku i prawdopodobnie pochodzi z podobnych fresków; czasami pojawiają się one w innych mediach. Sceny polowań i działań wojennych, koni i jeźdźców można znaleźć głównie w późniejszych okresach, w dziełach być może wykonanych przez Kreteńczyków na rynek mykeński lub mykeńskich władców Krety.

Chociaż postacie minojskie, zarówno ludzkie, jak i zwierzęce, mają świetne wyczucie życia i ruchu, często nie są zbyt dokładne, a czasami niemożliwe jest zidentyfikowanie gatunku; w porównaniu ze sztuką starożytnego Egiptu są często bardziej żywe, ale mniej naturalistyczne. W porównaniu ze sztuką innych starożytnych kultur istnieje wysoki odsetek postaci kobiecych, chociaż pogląd, że Minojczycy mieli tylko boginie i żadnych bogów, jest obecnie odrzucany. Większość postaci ludzkich jest z profilu lub w wersji konwencji egipskiej z głową i nogami z profilu oraz tułowiem widzianym z przodu; ale postacie minojskie wyolbrzymiają cechy, takie jak szczupła męska talia i duże kobiece piersi.

Greka klasyczna i hellenistyczna

Główny artykuł: Sztuka starożytnej Grecji

Starożytna Grecja miała wielkich malarzy, wielkich rzeźbiarzy i wielkich architektów. Partenon jest przykładem ich architektury, która przetrwała do czasów współczesnych . Rzeźba z greckiego marmuru jest często opisywana jako najwyższa forma sztuki klasycznej . Malarstwo na ceramice starożytnej Grecji i ceramice daje szczególnie pouczające spojrzenie na sposób funkcjonowania społeczeństwa w starożytnej Grecji. Malarstwo wazowe z czarnymi postaciami i malarstwo wazowe z czerwonymi postaciami daje wiele zachowanych przykładów tego, czym było malarstwo greckie. Niektórzy znani greccy malarze na drewnianych panelach, o których wspomina się w tekstach, to Apelles , Zeuxis i Parrasius , jednak nie zachowały się żadne przykłady starożytnego greckiego malarstwa tablicowego, jedynie pisemne opisy ich współczesnych lub późniejszych Rzymian. Zeuxis żył w 5-6 pne i podobno jako pierwszy użył sfumato . Według Pliniusza Starszego realizm jego obrazów był taki, że ptaki próbowały jeść malowane winogrona. Apelles jest opisywany jako największy malarz starożytności ze względu na doskonałą technikę rysunku, genialny kolor i modelowanie.

rzymski

Główny artykuł: sztuka rzymska

Sztuka rzymska była pod wpływem Grecji i może być częściowo traktowana jako potomek starożytnego greckiego malarstwa i rzeźby, ale była również pod silnym wpływem bardziej lokalnej sztuki etruskiej we Włoszech. Rzeźba rzymska , to przede wszystkim portrety wywodzące się z wyższych klas społecznych, a także przedstawienia bogów. Jednak malarstwo rzymskie ma ważne unikalne cechy. Wśród zachowanych rzymskich malowideł są malowidła ścienne, wiele z willi w Kampanii w południowych Włoszech, zwłaszcza w Pompejach i Herkulanum . Takie malarstwo można podzielić na cztery główne „style” lub okresy i może zawierać pierwsze przykłady trompe-l'oeil , pseudo-perspektywy i czystego krajobrazu.

Prawie wszystkie zachowane malowane portrety ze świata starożytnego to duża liczba portretów trumiennych w formie popiersia znalezionych na późnoantycznym cmentarzu Al-Fayum . Dają wyobrażenie o jakości, jaką musiało mieć najwspanialsze starożytne dzieło. bardzo niewielka liczba miniatur z późnoantycznych ksiąg ilustrowanych, a raczej większa liczba ich kopii z okresu wczesnego średniowiecza. Sztuka wczesnochrześcijańska wyrosła z popularnej rzymskiej, a później cesarskiej sztuki i zaadaptowała swoją ikonografię z tych źródeł.

Średniowieczny

Osobny artykuł: Sztuka średniowieczna

Większość zachowanych dzieł sztuki z okresu średniowiecza miała charakter religijny, często finansowany przez Kościół , wpływowe osoby kościelne, takie jak biskupi , grupy społeczne, takie jak opactwa , lub bogatych świeckich mecenasów . Wiele z nich pełniło określone funkcje liturgiczne – na przykład krzyże procesyjne i ołtarze .

Jedno z głównych pytań dotyczących sztuki średniowiecznej dotyczy jej braku realizmu. Wraz z upadkiem Rzymu zaginęła znaczna część wiedzy na temat perspektywy w sztuce i rozumienia postaci ludzkiej . Ale realizm nie był głównym zmartwieniem średniowiecznych artystów. Po prostu próbowali wysłać przesłanie religijne, zadanie, które wymaga wyraźnych ikonicznych obrazów zamiast precyzyjnie oddanych.

Okres : od VI do XV wieku

Sztuka wczesnego średniowiecza

Sztuka okresu wędrówek ludów to ogólne określenie sztuki ludów „barbarzyńskich”, które przeniosły się na dawne terytoria rzymskie. Sztuka celtycka w VII i VIII wieku była świadkiem fuzji z tradycjami germańskimi poprzez kontakt z Anglosasami, tworząc tak zwany styl hibernosaski lub sztukę wyspiarską , która miała duży wpływ na resztę średniowiecza. Sztuka Merowingów opisuje sztukę Franków przed około 800 rokiem, kiedy sztuka Karolingów łączyła wpływy wyspiarskie z samoświadomym odrodzeniem klasycznym, rozwijając się w sztukę ottońską . Sztuka anglosaska to sztuka Anglii po okresie wyspiarskim. Iluminowane rękopisy zawierają prawie wszystkie zachowane obrazy z tego okresu, ale architektura, metaloplastyka i drobne rzeźbienia w drewnie lub kości słoniowej były również ważnymi mediami.

bizantyjski

Główny artykuł: sztuka bizantyjska

Sztuka bizantyjska pokrywa się lub łączy z tym, co nazywamy sztuką wczesnochrześcijańską, aż do okresu ikonoklazmu w latach 730-843, kiedy ogromna większość dzieł sztuki z postaciami została zniszczona; pozostaje tak niewiele, że dziś każde odkrycie rzuca nowe zrozumienie. Od 843 do 1453 istnieje wyraźna tradycja sztuki bizantyjskiej. Jest to często najlepsza sztuka średniowiecza pod względem jakości materiału i wykonania, a produkcja koncentruje się w Konstantynopolu. Ukoronowaniem sztuki bizantyjskiej były monumentalne freski i mozaiki wewnątrz kopulastych kościołów, z których większość nie przetrwała z powodu klęsk żywiołowych i zawłaszczania kościołów na meczety.

romański

Główny artykuł: sztuka romańska

Sztuka romańska odnosi się do okresu od około 1000 roku do powstania sztuki gotyckiej w XII wieku. Był to okres rosnącego dobrobytu i pierwszy, w którym spójny styl był używany w całej Europie, od Skandynawii po Sycylię. Sztuka romańska jest energiczna i bezpośrednia, pierwotnie miała jaskrawe kolory i często jest bardzo wyrafinowana. Witraże i emalia na metaloplastyce stały się ważnymi mediami i rozwinęły się większe rzeźby w rundzie, chociaż główną techniką była płaskorzeźba . Jego architektura jest zdominowana przez grube mury, okrągłe okna i łuki, z wieloma rzeźbionymi dekoracjami.

gotyk

Główny artykuł: sztuka gotycka

Sztuka gotycka jest pojęciem zmiennym w zależności od rzemiosła, miejsca i czasu. Termin wywodzi się z architektury gotyckiej w 1140 r., ale malarstwo gotyckie pojawiło się dopiero około 1200 r. (data ta ma wiele zastrzeżeń), kiedy to oddzieliło się od stylu romańskiego. Rzeźba gotycka narodziła się we Francji w 1144 r. wraz z renowacją kościoła opactwa S. Denis i rozprzestrzeniła się po całej Europie, do XIII wieku stała się stylem międzynarodowym, zastępując romański. Międzynarodowy gotyk opisuje sztukę gotycką od około 1360 do 1430 roku, po czym sztuka gotycka łączy się ze sztuką renesansową w różnym czasie w różnych miejscach. W tym okresie formy, takie jak malarstwo, freski i panele, nabierają nowego znaczenia, a koniec tego okresu obejmuje nowe media, takie jak ryciny.

  • Part of the Royal Portal; 1145–1155; limestone; Chartres Cathedral (Chartres, France)

    Część Portalu Królewskiego; 1145–1155; wapień; Katedra w Chartres ( Chartres , Francja)

  • North transept windows; circa 1230–1235; stained glass; diameter (rose window): 10.2 m; Chartres Cathedral

    Okna północnego transeptu; ok. 1230–1235; witraż; średnica (rozeta): 10,2 m; Katedra w Chartres

  • Scenes from the Legend of Saint Vincent of Saragossa; 1245–1247; pot-metal glass, vitreous paint, and lead; overall: 373.4 x 110.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Sceny z Legendy św. Wincentego z Saragossy; 1245–1247; szkło garncarskie, szklista farba i ołów; całość: 373,4 x 110,5 cm; Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork)

  • French diptych with the coronation of the Virgin and the Last Judgment; 1260–1270; elephant ivory with metal mounts; overall: 12.7 x 13 x 1.9 cm; Metropolitan Museum of Art

    Dyptyk francuski z koronacją Marii Panny i Sądem Ostatecznym; 1260-1270; kość słoniowa z metalowymi mocowaniami; całość: 12,7 x 13 x 1,9 cm; Muzeum Sztuki Metropolitan

  • Enthroned Virgin and child; 1260–1280; elephant ivory with traces of paint and gilding; overall: 18.4 x 7.6 x 7.3 cm; Metropolitan Museum of Art

    Tronująca Dziewica i dziecko; 1260-1280; kość słoniowa ze śladami farby i złoceń; całość: 18,4 x 7,6 x 7,3 cm; Muzeum Sztuki Metropolitan

  • Bifolium with the decretals of gratian; circa 1290; tempera and gold on parchment, brown ink, and modern leather binding; overall: 48.3 x 29.2 x 1.3 cm, opened: 47.2 cm; Metropolitan Museum of Art

    Bifolium z dekretałami gracjana ; około 1290; tempera i złoto na pergaminie, brązowy tusz i współczesna oprawa skórzana; całość: 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, otwarta: 47,2 cm; Muzeum Sztuki Metropolitan

  • German diptych with religious scenes; 1300–1325; silver gilt with translucent and opaque enamels; overall (opened): 6.1 x 8.6 x 0.8 cm; Metropolitan Museum of Art

    Niemiecki dyptyk ze scenami religijnymi; 1300–1325; srebro złocone z przeźroczystymi i nieprzezroczystymi emaliami; całość (otwarta): 6,1 x 8,6 x 0,8 cm; Muzeum Sztuki Metropolitan

  • Page of Très Riches Heures du Duc de Berry depictic the funeral of Raymond Diocrès; 1411-1416 and 1485–1486; tempera on vellum; height: 29 cm, width: 21 cm; Condé Museum (Chantilly, France)

    Strona Très Riches Heures du Duc de Berry przedstawiająca pogrzeb Raymonda Diocrèsa; 1411-1416 i 1485-1486; tempera na welinie ; wysokość: 29 cm, szerokość: 21 cm; Muzeum Condé ( Chantilly , Francja )

  • The Lady and the Unicorn, the title given to a series of six tapestries woven in Flanders, this one being called À Mon Seul Désir; late 15th century; wool and silk; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)

    Dama i jednorożec , tytuł nadany serii sześciu gobelinów tkanych we Flandrii , z których ten nosi tytuł À Mon Seul Désir ; koniec XV wieku; wełna i jedwab; 377x473 cm; Musée de Cluny (Paryż)

  • Austrian statue of Enthroned Virgin; 1490–1500; limestone with gesso, painted and gilded; 80.3 x 59.1 x 23.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    Austriacka statua Matki Boskiej Tronującej; 1490-1500; wapień z zaprawą malowaną i złoconą; 80,3 x 59,1 x 23,5 cm; Muzeum Sztuki Metropolitan

  • Entrance in Jerusalem; circa 1500; painting; Museum of Fine Arts of Lyon (Lyon, France)

    Wejście w Jerozolimie ; około 1500; obraz; Muzeum Sztuk Pięknych w Lyonie ( Lyon , Francja)

  • Flamboyant Gothic cross-windows of the Hôtel de Sens (Paris)

    Ekstrawaganckie gotyckie okna krzyżowe Hôtel de Sens (Paryż)

renesans

Człowiek witruwiański Leonarda da Vinci ( Uomo Vitruviano ) (ok. 1490), przełomowe dzieło renesansu. Rysunek jest inspirowany, a następnie nazwany na cześć rzymskiego architekta -autora Witruwiusza z I wieku pne i jego wyobrażeń na temat „idealnych” proporcji ludzkiego ciała , które można znaleźć w jego De architectura . Rysunek podkreśla fascynację ruchu cywilizacjami grecko-rzymskimi i zawłaszczaniem sztuki klasycznej , a także poszukiwanie korelacji między budową ciała a naturą.
Główny artykuł: sztuka renesansu

Renesans charakteryzuje się skupieniem na sztuce starożytnej Grecji i Rzymu , co doprowadziło do wielu zmian zarówno w technicznych aspektach malarstwa i rzeźby, jak i ich tematyki. Zaczęło się we Włoszech , kraju bogatym w rzymskie dziedzictwo, a także materialny dobrobyt w finansowaniu artystów. W okresie renesansu malarze zaczęli zwiększać realizm swoich prac, stosując nowe techniki w perspektywie , w ten sposób bardziej autentycznie reprezentując trzy wymiary . Artyści zaczęli również stosować nowe techniki manipulacji światłem i ciemnością, takie jak kontrast tonalny widoczny na wielu portretach Tycjana oraz rozwój sfumato i światłocienia przez Leonarda da Vinci . Rzeźbiarze również zaczęli na nowo odkrywać wiele starożytnych technik, takich jak kontrapost . Podążając za humanistycznym duchem epoki, sztuka stała się bardziej świecka pod względem tematyki, przedstawiając starożytną mitologię oprócz motywów chrześcijańskich. Ten gatunek sztuki jest często określany jako renesansowy klasycyzm . Na północy najważniejszą innowacją renesansu było powszechne stosowanie farb olejnych , co pozwoliło uzyskać większą intensywność koloru.

Od gotyku do renesansu

Pod koniec XIII i na początku XIV wieku większość malarstwa we Włoszech miała charakter bizantyjski , zwłaszcza obraz Duccio ze Sieny i Cimabue z Florencji, podczas gdy Pietro Cavallini w Rzymie miał bardziej gotycki styl. W XIII wieku włoscy rzeźbiarze zaczęli czerpać inspirację nie tylko ze średniowiecznych pierwowzorów, ale także z dzieł starożytnych.

W 1290 roku Giotto zaczął malować w sposób mniej tradycyjny, a bardziej oparty na obserwacji natury. Jego słynny cykl w Kaplicy Scrovegnich w Padwie uważany jest za początek stylu renesansowego .

Inni malarze XIV wieku prowadzili styl gotycki z wielkim opracowaniem i szczegółami. Wśród tych malarzy godnymi uwagi są Simone Martini i Gentile da Fabriano .

W Holandii technika malowania olejami zamiast temperą doprowadziła do formy opracowania, która nie była zależna od zastosowania płatków złota i tłoczenia, ale od drobiazgowego przedstawienia świata przyrody. W tym czasie rozwinęła się sztuka malowania faktur z dużym realizmem. Holenderscy malarze, tacy jak Jan van Eyck i Hugo van der Goes, mieli wielki wpływ na malarstwo późnego gotyku i wczesnego renesansu.

Wczesny renesans

Idee renesansu pojawiły się po raz pierwszy w mieście-państwie Florencji we Włoszech . Rzeźbiarz Donatello powrócił do klasycznych technik, takich jak kontrapost i klasyczne tematy, takie jak akt bez wsparcia - jego druga rzeźba Dawida była pierwszym wolnostojącym aktem z brązu stworzonym w Europie od czasów Cesarstwa Rzymskiego. Rzeźbiarz i architekt Brunelleschi studiował idee architektoniczne starożytnych budowli rzymskich w poszukiwaniu inspiracji. Masaccio udoskonalił elementy, takie jak kompozycja, indywidualna ekspresja i ludzka postać, aby malować freski, zwłaszcza te w kaplicy Brancacciego , o zaskakującej elegancji, dramacie i emocjach.

Niezwykła liczba tych głównych artystów pracowała nad różnymi częściami florenckiej katedry . Kopuła katedry Brunelleschiego była jedną z pierwszych prawdziwie rewolucyjnych innowacji architektonicznych od czasu gotyckiej latającej przypory. Donatello stworzył wiele swoich rzeźb. Giotto i Lorenzo Ghiberti również przyczynili się do powstania katedry.

Wysoki renesans

wysokiego renesansu należą takie postacie jak Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti i Raffaello Sanzio .

XV-wieczny rozwój artystyczny we Włoszech (na przykład zainteresowanie systemami perspektywicznymi, przedstawianiem anatomii i kulturami klasycznymi) dojrzewał w XVI wieku, odpowiadając za określenia „wczesny renesans” dla XV wieku i „ Wysoki renesans ” dla XVI wieku. Chociaż żaden styl nie charakteryzuje Wielkiego Renesansu, sztuka tych, którzy są najbliżej z nim związani – Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła i Tycjana – wykazuje zdumiewające mistrzostwo, zarówno techniczne, jak i estetyczne. Artyści wysokiego renesansu tworzyli dzieła o takim autorytecie, że pokolenia późniejszych artystów polegały na tych dziełach jako instrukcjach. Te wzorowe kreacje artystyczne dodatkowo podnosiły prestiż artystów. Artyści mogli powoływać się na boską inspirację, podnosząc w ten sposób sztukę wizualną do rangi, jaką wcześniej nadano tylko poezji. W ten sposób malarze, rzeźbiarze i architekci doszli do głosu, zajmując z powodzeniem wysoką pozycję wśród sztuk pięknych. W pewnym sensie szesnastowieczni mistrzowie stworzyli nowy zawód z własnymi prawami ekspresji i czcigodnym charakterem.

Sztuka północna aż do renesansu

Wczesne malarstwo niderlandzkie rozwinęło (ale nie wynalazło ściśle) technikę malarstwa olejnego , aby umożliwić większą kontrolę nad malowaniem najdrobniejszych szczegółów z realizmem - Jan van Eyck (1366–1441) był postacią w ruchu od iluminowanych rękopisów do obrazów panelowych .

Hieronymus Bosch (1450? –1516), holenderski malarz, to kolejna ważna postać północnego renesansu . W swoich obrazach wykorzystywał motywy religijne, ale łączył je z groteskowymi fantazjami, barwnymi obrazami i ludowymi legendami chłopskimi. Jego obrazy często odzwierciedlają zamieszanie i udrękę związane z końcem średniowiecza.

Albrecht Dürer wprowadził styl włoskiego renesansu do Niemiec pod koniec XV wieku i zdominował niemiecką sztukę renesansu.

Okres :

  • Włoski renesans: koniec XIV wieku do początku XVI wieku
  • Północny renesans: XVI wiek

Manieryzm, barok i rokoko

Główne artykuły: manieryzm , barok i rokoko
Różnice między sztuką baroku i rokoka
Sztuka baroku charakteryzowała się silnie religijną i polityczną tematyką; wspólne cechy obejmowały bogate kolory z silnym kontrastem światła i ciemności. Obrazy miały charakter wyszukany, emocjonalny i dramatyczny. Na obrazie Chrystus na kolumnie Caravaggia ( Cristo alla colonna )
Sztuka rokoka charakteryzowała się lżejszą, często żartobliwą tematyką; wspólne cechy to blade, kremowe kolory, kwieciste dekoracje i zamiłowanie do bukolicznych krajobrazów. Obrazy były bardziej ozdobne niż ich barokowy odpowiednik i zwykle pełne wdzięku, figlarne i beztroskie.

W sztuce europejskiej renesansowy klasycyzm zrodził dwa różne nurty — manieryzm i barok . Manieryzm, będący reakcją na idealistyczną doskonałość klasycyzmu, wykorzystywał zniekształcenia ram świetlnych i przestrzennych w celu podkreślenia emocjonalnej treści obrazu i emocji malarza. Twórczość El Greco jest szczególnie wyraźnym przykładem manieryzmu w malarstwie końca XVI i początku XVII wieku. Północny manieryzm rozwijał się dłużej i był w dużej mierze ruchem drugiej połowy XVI wieku. Sztuka barokowa wyniosła reprezentacjonizm renesansu na nowe wyżyny, kładąc nacisk na szczegóły, ruch, oświetlenie i dramaturgię w poszukiwaniu piękna. Być może najbardziej znanymi malarzami baroku są Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens i Diego Velázquez .

Raczej inna sztuka rozwinęła się z północnych tradycji realistycznych w XVII-wiecznym holenderskim malarstwie Złotego Wieku , które miało bardzo mało sztuki religijnej i mało malarstwa historycznego , zamiast tego odgrywało kluczową rolę w rozwoju świeckich gatunków, takich jak martwa natura , obrazy rodzajowe przedstawiające codzienne sceny i malarstwo pejzażowe . Podczas gdy barokowy charakter sztuki Rembrandta jest wyraźny, etykieta jest mniej użyteczna dla Vermeera i wielu innych holenderskich artystów. Flamandzkie malarstwo barokowe uczestniczyło w tym nurcie, kontynuując jednocześnie tworzenie tradycyjnych kategorii.

Sztuka baroku jest często postrzegana jako element kontrreformacji — artystyczny element odrodzenia życia duchowego w Kościele rzymskokatolickim . Ponadto nacisk, jaki sztuka barokowa kładła na wielkość, jest postrzegany jako absolutny z natury. Wątki religijne i polityczne były szeroko eksplorowane w barokowym kontekście artystycznym, a zarówno obrazy, jak i rzeźby charakteryzowały się silnym elementem dramatyzmu, emocji i teatralności. Znani artyści baroku to Caravaggio czy Rubens . Artemisia Gentileschi była kolejną godną uwagi artystką, która inspirowała się stylem Caravaggia. Sztuka barokowa była z natury szczególnie ozdobna i wyszukana, często używała bogatych, ciepłych kolorów z ciemnymi odcieniami. Przepych i wielkość były ogólnie ważnymi elementami barokowego ruchu artystycznego, co widać, gdy Ludwik XIV powiedział: „Jestem wcieleniem wielkości”; wielu artystów baroku służyło królom, którzy starali się zrealizować ten cel. Sztuka barokowa pod wieloma względami była podobna do sztuki renesansowej; w rzeczywistości termin ten był początkowo używany w obraźliwy sposób do opisania sztuki i architektury postrenesansowej, która była nadmiernie rozbudowana. Sztuka baroku może być postrzegana jako bardziej rozbudowana i dramatyczna ponowna adaptacja sztuki późnego renesansu.

Jednak w XVIII wieku sztuka barokowa wychodziła z mody, ponieważ wielu uważało ją za zbyt melodramatyczną, a także ponurą, i rozwinęła się w rokoko , które pojawiło się we Francji. Sztuka rokoka była jeszcze bardziej wyszukana niż baroku, ale była mniej poważna i bardziej zabawna. Podczas gdy barok używał bogatych, mocnych kolorów, rokoko stosowało blade, bardziej kremowe odcienie. Ruch artystyczny nie kładł już nacisku na politykę i religię, skupiając się zamiast tego na lżejszych tematach, takich jak romans, świętowanie i uznanie dla natury. Sztuka rokoka również kontrastowała z barokiem, ponieważ często odrzucała symetrię na rzecz asymetrycznych projektów. Ponadto czerpał inspirację z form artystycznych i ornamentyki Azji Dalekiego Wschodu , co zaowocowało wzrostem popularności porcelanowych figurek i ogólnie chinoiserie . Przez krótki czas kwitł styl XVIII-wieczny; niemniej jednak styl rokoko wkrótce wypadł z łask, przez wielu postrzegany jako krzykliwy i powierzchowny ruch, który kładzie nacisk na estetykę ponad znaczenie. Neoklasycyzm na wiele sposobów rozwinął się jako ruch przeciwny rokokowi, którego impulsem było poczucie wstrętu skierowane do kwiecistych cech tego ostatniego.

Manieryzm (XVI wiek)

Główny artykuł: Manieryzm

Barok (początek XVII wieku do połowy początku XVIII wieku)

Główny artykuł: barok

Rokoko (początek do połowy XVIII wieku)

Główny artykuł: rokoko

Neoklasycyzm, romantyzm, akademizm i realizm

Główne artykuły: neoklasycyzm , sztuka romantyczna , sztuka akademicka i realizm (sztuka)
Sztuka neoklasyczna, inspirowana różnymi klasycznymi motywami, charakteryzowała się naciskiem na prostotę, porządek i idealizm. Na obrazie Antonio Canovy ożywiona pocałunkiem Kupidyna (1787-1793)

Przez cały XVIII wiek w różnych częściach Europy pojawiał się ruch przeciwny rokokowi, powszechnie znany jako neoklasycyzm . Gardził postrzeganą powierzchownością i frywolnością sztuki rokokowej i pragnął powrotu do prostoty, porządku i „puryzmu” klasycznej starożytności, zwłaszcza starożytnej Grecji i Rzymu. Na ruch ten częściowo wpłynął również renesans, który sam w sobie był pod silnym wpływem sztuki klasycznej. Neoklasycyzm był artystycznym składnikiem ruchu intelektualnego znanego jako Oświecenie ; Oświecenie było idealistyczne i kładło nacisk na obiektywizm, rozum i prawdę empiryczną. Neoklasycyzm rozpowszechnił się w Europie w XVIII wieku, zwłaszcza w Wielkiej Brytanii , gdzie w tym okresie powstały wielkie dzieła architektury neoklasycznej; Fascynację neoklasycyzmu klasyczną starożytnością można dostrzec w popularności Grand Tour w tej dekadzie, podczas której zamożni arystokraci podróżowali do starożytnych ruin Włoch i Grecji. Niemniej jednak decydujący moment dla neoklasycyzmu nastąpił podczas rewolucji francuskiej pod koniec XVIII wieku; we Francji sztuka rokoka została zastąpiona preferowaną sztuką neoklasycystyczną, która była postrzegana jako poważniejsza niż poprzedni ruch. Pod wieloma względami neoklasycyzm można postrzegać zarówno jako ruch polityczny, jak i artystyczny i kulturowy. Sztuka neoklasyczna kładzie nacisk na porządek, symetrię i klasyczną prostotę; wspólne tematy w sztuce neoklasycznej obejmują odwagę i wojnę, które były powszechnie badane w sztuce starożytnej Grecji i Rzymu. Ingres , Canova i Jacques-Louis David należą do najbardziej znanych neoklasycystów.

Eugène Delacroix , Liberty Leading the People 1830, Sztuka romantyczna .

Tak jak manieryzm odrzucił klasycyzm, tak romantyzm odrzucił idee oświecenia i estetykę neoklasycyzmu. Romantyzm odrzucił wysoce obiektywny i uporządkowany charakter neoklasycyzmu i opowiedział się za bardziej indywidualnym i emocjonalnym podejściem do sztuki. Romantyzm kładł nacisk na naturę, zwłaszcza gdy chciał przedstawić siłę i piękno świata przyrody oraz emocje, i poszukiwał bardzo osobistego podejścia do sztuki. Sztuka romantyczna dotyczyła indywidualnych uczuć, a nie wspólnych tematów, jak w neoklasycyzmie; w ten sposób sztuka romantyczna często używała kolorów, aby wyrazić uczucia i emocje. Podobnie jak neoklasycyzm, sztuka romantyczna czerpała wiele inspiracji ze sztuki i mitologii starożytnej Grecji i Rzymu, jednak w przeciwieństwie do neoklasycyzmu inspiracja ta była wykorzystywana przede wszystkim jako sposób tworzenia symboliki i obrazów. Sztuka romantyczna czerpie również wiele ze swoich walorów estetycznych ze średniowiecza i gotyku , a także z mitologii i folkloru . Do największych artystów romantyzmu należeli Eugène Delacroix , Francisco Goya , JMW Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole i William Blake .

Większość artystów próbowała przyjąć podejście centrowe, które przyjęło różne cechy stylów neoklasycyzmu i romantyzmu, aby je zsyntetyzować. Różne próby miały miejsce w Akademii Francuskiej i łącznie nazywane są sztuką akademicką . Adolphe William Bouguereau jest uważany za główny przykład tego nurtu sztuki.

Jednak na początku XIX wieku oblicze Europy zostało radykalnie zmienione przez industrializację . Bieda, nędza i desperacja miały być losem nowej klasy robotniczej stworzonej przez „rewolucję”. W odpowiedzi na te zmiany zachodzące w społeczeństwie pojawił się ruch realizmu . Realizm starał się dokładnie przedstawić warunki i trudności biednych w nadziei na zmianę społeczeństwa. W przeciwieństwie do romantyzmu, który był zasadniczo optymistyczny w stosunku do ludzkości, realizm oferował surową wizję ubóstwa i rozpaczy. Podobnie, podczas gdy romantyzm gloryfikował naturę, realizm przedstawiał życie w czeluściach miejskiego pustkowia. Podobnie jak romantyzm, realizm był zarówno ruchem literackim, jak i artystycznym. Do wielkich malarzy realistów należą między innymi Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (obaj uważani za impresjonistów ) i Thomas Eakins .

Odpowiedzią architektury na industrializację, w przeciwieństwie do innych sztuk, było zwrócenie się w stronę historyzmu. Chociaż dworce kolejowe zbudowane w tym okresie są często uważane za najprawdziwsze odzwierciedlenie jego ducha - czasami nazywane są „katedrami epoki” – głównymi ruchami w architekturze epoki industrialnej było odrodzenie stylów z odległej przeszłości, takich jak odrodzenie gotyku . Powiązanymi ruchami były Bractwo Prerafaelitów , które próbowało przywrócić sztukę do stanu „czystości” sprzed Rafaela , oraz Ruch Sztuki i Rzemiosła , który zareagował przeciwko bezosobowości towarów produkowanych masowo i opowiadał się za powrotem do średniowiecznego rzemiosła.

Okres :

Sztuka współczesna

Główne artykuły: impresjonizm , postimpresjonizm , fowizm , kubizm , sztuka współczesna , modernizm i późny modernizm
Impresjonizm był znany z wykorzystywania światła i ruchu w swoich obrazach, jak w Houses of Parliament Claude'a Moneta z 1902 roku , zachód słońca
Art & Language są znani ze swojego ważnego wkładu w sztukę konceptualną.

Z naturalistycznej etyki realizmu wyrósł główny ruch artystyczny, impresjonizm . Impresjoniści byli pionierami wykorzystania światła w malarstwie, próbując uchwycić światło widziane ludzkim okiem. Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Camille Pissarro i Pierre-Auguste Renoir byli zaangażowani w ruch impresjonistyczny. Bezpośrednim następstwem impresjonizmu był rozwój postimpresjonizmu . Paul Cézanne , Vincent van Gogh , Paul Gauguin , Georges Seurat to najbardziej znani postimpresjoniści.

Po impresjonistach i postimpresjonistach przyszedł fowizm , często uważany za pierwszy „nowoczesny” gatunek sztuki. Tak jak impresjoniści zrewolucjonizowali światło, tak fauwiści ponownie przemyśleli kolor , malując swoje płótna w jasnych, dzikich barwach. Po fauwistach zaczęła się rozwijać sztuka współczesna we wszystkich jej formach, począwszy od ekspresjonizmu , zajmującego się wywoływaniem emocji poprzez obiektywne dzieła sztuki, przez kubizm , sztukę przenoszenia czterowymiarowej rzeczywistości na płaskie płótno, po sztukę abstrakcyjną . Te nowe formy sztuki przesunęły granice tradycyjnych pojęć „sztuki” i odpowiadały podobnym szybkim zmianom, które zachodziły w ludzkim społeczeństwie, technologii i myśli.

Surrealizm jest często klasyfikowany jako forma sztuki nowoczesnej. Jednak sami surrealiści sprzeciwili się badaniu surrealizmu jako epoki w historii sztuki, twierdząc, że upraszcza to złożoność ruchu (który, jak mówią, nie jest ruchem artystycznym), fałszywie przedstawia związek surrealizmu z estetyką i fałszywie charakteryzuje trwającego surrealizmu jako skończonej, historycznie zamkniętej epoki. Inne formy sztuki współczesnej (niektóre z nich graniczą ze sztuką współczesną ) obejmują:

Okres :

  • Impresjonizm: koniec XIX wieku
  • Inne: Pierwsza połowa XX wieku

Sztuka współczesna i sztuka postmodernistyczna

Charlesa Thomsona . Sir Nicholas Serota podejmuje decyzję o przejęciu , 2000, Stuckism .
Główne artykuły: Sztuka współczesna i Sztuka postmodernistyczna

Sztuka współczesna zapowiadała kilka cech tego, co później określono jako sztukę postmodernistyczną; w rzeczywistości kilka ruchów w sztuce współczesnej można często sklasyfikować zarówno jako nowoczesne, jak i postmodernistyczne, na przykład pop-art . Na przykład sztuka postmodernistyczna kładzie duży nacisk na ironię, parodię i ogólnie humor; sztuka współczesna zaczęła rozwijać bardziej ironiczne podejście do sztuki, które później rozwinęło się w kontekście postmodernistycznym. Sztuka postmodernistyczna widzi rozmycie między sztukami wysokimi i pięknymi a sztuką z niższej półki i sztuką komercyjną; sztuka współczesna zaczęła eksperymentować z tym rozmyciem. Ostatnie wydarzenia w sztuce charakteryzowały się znacznym rozszerzeniem tego, co można obecnie uznać za sztukę, pod względem materiałów, mediów, działań i koncepcji. Szczególnie duży wpływ wywarła sztuka konceptualna . Zaczęło się to dosłownie jako zastąpienie koncepcji wykonanego przedmiotu, którego jednym z zamiarów było odrzucenie utowarowienia sztuki. Jednak obecnie zwykle odnosi się to do dzieła sztuki, w którym znajduje się przedmiot, ale główne twierdzenie dotyczące dzieła dotyczy procesu myślowego, który go poinformował. Aspekt komercji powrócił do pracy.

Nastąpił również wzrost sztuki odwołującej się do poprzednich ruchów i artystów i zyskującej ważność z tego odniesienia.

Postmodernizm w sztuce, który narastał od lat 60., różni się od modernizmu tym, że ruchy w sztuce nowoczesnej koncentrowały się przede wszystkim na własnych działaniach i wartościach, podczas gdy postmodernizm wykorzystuje jako punkt odniesienia całą gamę poprzednich ruchów. Z definicji zrodziło to relatywistyczne spojrzenie, któremu towarzyszy ironia i pewna niewiara w wartości, ponieważ można je postrzegać jako zastępowane przez inne. Innym skutkiem tego był wzrost komercji i sławy. Sztuka postmodernistyczna zakwestionowała powszechne zasady i wytyczne tego, co uważa się za „ sztukę piękną ”, łącząc sztukę niską ze sztukami pięknymi, aż żadna nie jest w pełni rozróżnialna. Przed nadejściem postmodernizmu sztuki piękne charakteryzowały się formą o jakości estetycznej, elegancji, kunszcie, finezji i stymulacji intelektualnej, która miała przemawiać do klas wyższych lub wykształconych ; ta odróżniała sztukę wysoką od sztuki niskiej, która z kolei była postrzegana jako tandetna, kiczowata , łatwa do wykonania i pozbawiona znacznej lub jakiejkolwiek stymulacji intelektualnej, sztuki, która miała przemawiać do mas. Sztuka postmodernistyczna zacierała te rozróżnienia, wprowadzając do współczesnych dzieł sztuki silny element kiczu, komercji i kampusu ; to, co jest obecnie postrzegane jako sztuka piękna, mogło być postrzegane jako sztuka niska, zanim postmodernizm zrewolucjonizował koncepcję tego, czym naprawdę jest sztuka wysoka lub piękna. Ponadto postmodernistyczny charakter sztuki współczesnej pozostawia wiele miejsca na indywidualizm na scenie artystycznej; na przykład sztuka postmodernistyczna często czerpie inspirację z dawnych ruchów artystycznych, takich jak sztuka gotycka czy barokowa, i zarówno zestawia, jak i przetwarza style z tych minionych okresów w innym kontekście.

Niektórzy surrealiści , w szczególności Joan Miró , który wzywał do „zabójstwa malarstwa” (w licznych wywiadach począwszy od lat 30. na rzecz bardziej współczesnych środków wyrazu). potępili lub próbowali „zastąpić” malarstwo, a wśród ruchów artystycznych pojawiły się także inne nurty antymalarskie, takie jak dadaizm i sztuka konceptualna . Trendowi odchodzenia od malarstwa pod koniec XX wieku przeciwdziałały różne ruchy, na przykład kontynuacja sztuki minimalistycznej , abstrakcji lirycznej , pop-artu , op-artu , nowego realizmu , fotorealizmu , neo geo , neoekspresjonizmu , nowego malarstwa europejskiego , Stuckizm , ekscesywizm i różne inne ważne i wpływowe kierunki malarskie.

Zobacz też

Bibliografia

  •   Chapin, Anne P., „Power, Privilege and Landscape in Minoan Art”, w: Charis: Essays in Honor of Sara A. Immerwahr , Hesperia (Princeton, NJ) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337 , 9780876615331 , książki google
  •   Gates, Charles, „Pictorial Imagery in Minoan Wall Painting”, w: Charis: Essays in Honor of Sara A. Immerwahr , Hesperia (Princeton, NJ) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337 , 9780876615331 , książki google
  •   Hood, Sinclair , Sztuka w prehistorycznej Grecji , 1978, Penguin (Penguin / Yale History of Art), ISBN 0140561420
  • Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe , Penguin (Pelican, obecnie Yale, History of Art), 1968 (nb 1st edn .; wczesne datowanie zostało zastąpione)

Linki zewnętrzne

Pobrane z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Art_of_Europe&oldid=1135095047 ”