sztuka włoska
Od czasów starożytnych Grecy , Etruskowie i Celtowie zamieszkiwali odpowiednio południową, środkową i północną część Półwyspu Apenińskiego. Bardzo liczne rysunki naskalne w Valcamonica pochodzą sprzed 8 000 lat pne i są tam bogate pozostałości sztuki etruskiej z tysięcy grobowców, a także bogate pozostałości z greckich kolonii w Paestum , Agrigento i innych miejscach. Starożytny Rzym ostatecznie wyłoniła się jako dominująca potęga włoska i europejska. Pozostałości rzymskie we Włoszech są niezwykle bogate, od wielkich pomników cesarskich Rzymu po przetrwanie wyjątkowo zachowanych zwykłych budynków w Pompejach i sąsiednich miejscach. Po upadku Cesarstwa Rzymskiego w średniowieczu Włochy, zwłaszcza północne, pozostały ważnym ośrodkiem nie tylko sztuki karolińskiej i ottońskiej świętych cesarzy rzymskich , ale także sztuki bizantyjskiej . Rawenna i inne miejsca.
Włochy były głównym ośrodkiem rozwoju artystycznego w całym okresie renesansu (1300-1600) , począwszy od protorenesansu Giotta , a kończąc na okresie wysokiego renesansu Leonarda da Vinci , Michała Anioła i Rafaela , których dzieła zainspirowały późniejszą fazę renesans, znany jako manieryzm . Włochy zachowały swoją dominację artystyczną do XVII wieku z barokiem (1600-1750), a do XVIII wieku z neoklasycyzmem (1750-1850). W tym okresie turystyka kulturalna stała się główną podporą włoskiej gospodarki. Zarówno barok, jak i neoklasycyzm powstały w Rzymie i rozprzestrzeniły się na całą sztukę zachodnią . Włochy utrzymywały swoją obecność na międzynarodowej scenie artystycznej od połowy XIX wieku, z ruchami takimi jak Macchiaioli , futuryzm , metafizyczny , Novecento Italiano , przestrzenność , Arte Povera i Transawangarda .
Sztuka włoska wywarła wpływ na kilka głównych ruchów na przestrzeni wieków i wydała kilku wielkich artystów, w tym malarzy, architektów i rzeźbiarzy. Dziś Włochy zajmują ważne miejsce na międzynarodowej scenie artystycznej, z kilkoma głównymi galeriami sztuki, muzeami i wystawami; główne ośrodki artystyczne w kraju to Rzym, Florencja, Wenecja, Mediolan, Turyn, Genua, Neapol, Palermo, Lecce i inne miasta. We Włoszech znajduje się 58 miejsc światowego dziedzictwa , największa liczba ze wszystkich krajów na świecie.
Sztuka etruska
Etruskie figury z brązu i płaskorzeźby nagrobne z terakoty to przykłady energicznej tradycji środkowych Włoch, która zanikła, zanim Rzym zaczął budować swoje imperium na półwyspie.
Malowidła etruskie, które przetrwały do czasów współczesnych, to głównie freski ścienne z grobów, głównie z Tarquinii . Są to najważniejsze znane uczonym przykłady przedrzymskiej sztuki figuratywnej we Włoszech.
Freski składają się z malarstwa na wierzchu świeżego tynku, tak że po wyschnięciu tynku obraz staje się częścią tynku i integralną częścią ściany, co pomaga mu tak dobrze przetrwać (w rzeczywistości prawie całe zachowane malarstwo etruskie i rzymskie jest na fresku). Kolory zostały wykonane z kamieni i minerałów w różnych kolorach, które zmielono i zmieszano w medium, a delikatne pędzle wykonano z sierści zwierzęcej (nawet najlepsze pędzle są produkowane z włosia wołowego). Od połowy IV wieku pne światłocień zaczęto używać do przedstawiania głębi i objętości. Czasami przedstawiane są sceny z życia codziennego, ale częściej tradycyjne sceny mitologiczne. Pojęcie proporcji nie pojawia się na żadnych zachowanych freskach i często znajdujemy portrety zwierząt lub mężczyzn z nieproporcjonalnymi częściami ciała. Jednym z najbardziej znanych etruskich fresków jest Grobowiec Lwicy w Tarquinii.
sztuka rzymska
Etruskowie byli odpowiedzialni za budowę najwcześniejszych monumentalnych budowli Rzymu. Rzymskie świątynie i domy były ściśle wzorowane na modelach etruskich. Elementy wpływów etruskich w świątyniach rzymskich obejmowały podium i nacisk na front kosztem pozostałych trzech boków. Duże etruskie domy zostały zgrupowane wokół centralnej sali w podobny sposób jak rzymskie miasto. Duże domy zostały później zbudowane wokół atrium . Wpływy architektury etruskiej stopniowo malały w okresie republiki w obliczu wpływów (zwłaszcza greckich ) z innego miejsca. Sama architektura Etrusków była pod wpływem Greków, więc kiedy Rzymianie przyjęli greckie style, nie była to całkowicie obca kultura. W okresie republiki prawdopodobnie następowała stała absorpcja wpływów architektonicznych, głównie ze świata hellenistycznego, ale po upadku Syrakuz w 211 rpne greckie dzieła sztuki zalały Rzym. W II wieku pne przepływ tych dzieł, a co ważniejsze, greckich rzemieślników, trwał nadal, wpływając w ten sposób zdecydowanie na rozwój architektury rzymskiej . Pod koniec republiki, kiedy Witruwiusz napisał swój traktat o architekturze, dominowała grecka teoria i przykład architektury. Wraz z ekspansją imperium architektura rzymska rozprzestrzeniła się na dużym obszarze, używanym zarówno do budynków publicznych, jak i niektórych większych prywatnych. W wielu obszarach elementy stylu były pod wpływem lokalnych gustów, zwłaszcza dekoracji, ale architektura pozostała rozpoznawalna rzymska. Na style architektury ludowej w różnym stopniu wpływała architektura rzymska, aw wielu regionach elementy rzymskie i rodzime można znaleźć w tym samym budynku.
Do I wieku naszej ery Rzym stał się największym i najbardziej zaawansowanym miastem na świecie. Starożytni Rzymianie wymyślili nowe technologie, aby ulepszyć miejskie systemy sanitarne, drogi i budynki. Opracowali system akweduktów doprowadzających słodką wodę do miasta i zbudowali kanały ściekowe, które usuwały odpady z miasta. Najbogatsi Rzymianie mieszkali w dużych domach z ogrodami. Większość ludności mieszkała jednak w budynkach mieszkalnych zbudowanych z kamienia, betonu lub wapienia. Rzymianie opracowali nowe techniki i wykorzystali materiały, takie jak gleba wulkaniczna z Pozzuoli, wioski niedaleko Neapolu, aby ich cement był twardszy i mocniejszy. Beton ten umożliwił im wznoszenie dużych apartamentowców tzw wyspa .
Malowidła ścienne zdobiły domy bogatych. Obrazy często przedstawiały pejzaże ogrodowe, wydarzenia z mitologii greckiej i rzymskiej, sceny historyczne lub sceny z życia codziennego. Rzymianie dekorowali podłogi mozaikami — obrazami lub wzorami tworzonymi z małych kolorowych płytek. Bogato kolorowe malowidła i mozaiki sprawiały, że pomieszczenia w rzymskich domach wydawały się większe i jaśniejsze oraz eksponowały zamożność właściciela.
W epoce chrześcijańskiej późnego Cesarstwa, od 350 do 500 rne, kwitło malarstwo ścienne, mozaikowe prace sufitowe i podłogowe oraz rzeźba nagrobna, podczas gdy pełnowymiarowe rzeźby okrągłe i malowidła tablicowe wymarły, najprawdopodobniej z powodów religijnych. Kiedy Konstantyn przeniósł stolicę imperium do Bizancjum (przemianowanego na Konstantynopol ), sztuka rzymska włączyła wpływy wschodnie, aby stworzyć bizantyjski styl późnego imperium. Kiedy Rzym został splądrowany w V wieku, rzemieślnicy przenieśli się do wschodniej stolicy i znaleźli tam pracę. Kościół Hagia Sophia w Konstantynopolu zatrudniał prawie 10 000 robotników i rzemieślników, w ostatnim wybuchu sztuki rzymskiej pod panowaniem cesarza Justynian I , który również nakazał stworzenie słynnych mozaik Rawenny .
Sztuka średniowieczna
Przez całe średniowiecze sztuka włoska składała się głównie z dekoracji architektonicznych (freski i mozaiki). Sztuka bizantyjska we Włoszech była wysoce formalną i wyrafinowaną dekoracją ze znormalizowaną kaligrafią i godnym podziwu wykorzystaniem koloru i złota. Do XIII wieku sztuka we Włoszech była prawie całkowicie regionalna, na którą wpływały zewnętrzne prądy europejskie i wschodnie. po ok. 1250 sztuka różnych regionów rozwinęła wspólne cechy, tak że można zaobserwować pewną jedność, a także wielką oryginalność.
sztuka bizantyjska
Wraz z upadkiem zachodniej stolicy Cesarstwo Rzymskie trwało przez kolejne 1000 lat pod przywództwem Konstantynopola . Bizantyjscy rzemieślnicy byli wykorzystywani do ważnych projektów w całych Włoszech, a bizantyjskie style malarstwa można znaleźć aż do XIV wieku.
Sztuka gotycka
Okres gotyku oznacza przejście od średniowiecza do renesansu i charakteryzuje się stylami i postawami pielęgnowanymi pod wpływem zakonu dominikanów i franciszkanów, założonych odpowiednio przez św. Dominika i św. Franciszka z Asyżu .
Był to czas sporów religijnych wewnątrz kościoła. Franciszkanie i Dominikanie zostali założeni w celu rozwiązania tych sporów i przywrócenia Kościoła katolickiego do podstaw. Początki franciszkanów wspomina się szczególnie ze względu na współczucie św. Franciszka, natomiast dominikanów wspomina się jako zakon najbardziej odpowiedzialny za początki inkwizycji .
Architektura gotycka rozpoczęła się w północnej Europie i rozprzestrzeniła się na południe do Włoch.
Sztuka renesansu
W średniowieczu malarze i rzeźbiarze starali się nadać swoim dziełom charakter duchowy. Chcieli, aby widzowie skupili się na głębokim religijnym znaczeniu ich obrazów i rzeźb. Ale renesansowi malarze i rzeźbiarze, podobnie jak pisarze renesansu, chcieli realistycznie przedstawiać ludzi i naturę. Średniowieczni architekci projektowali ogromne katedry, aby podkreślić wielkość Boga i upokorzyć ludzkiego ducha. Renesansowi architekci projektowali budowle nawiązujące proporcjami do ludzkiego ciała, których ornamentyka naśladowała starożytne projekty.
Sztuka XIV i początku XV wieku
Na początku XIV wieku florencki malarz Giotto stał się pierwszym artystą, który realistycznie przedstawił naturę od czasu upadku Cesarstwa Rzymskiego. Wykonał wspaniałe freski (malowidła na wilgotnym tynku) dla kościołów w Asyżu, Florencji, Padwie i Rzymie. Giotto próbował stworzyć realistyczne postacie ukazujące prawdziwe emocje. Przedstawił wiele swoich postaci w realistycznych sceneriach.
Niezwykła grupa florenckich architektów, malarzy i rzeźbiarzy pracowała na początku XV wieku. Byli wśród nich malarz Masaccio , rzeźbiarz Donatello i architekt Filippo Brunelleschi .
Najwspanialszym dziełem Masaccio była seria fresków, które namalował około 1427 roku w kaplicy Brancacciego kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji. Freski realistycznie przedstawiają sceny biblijne o emocjonalnej intensywności. Na tych obrazach Masaccio wykorzystał system Brunelleschiego do uzyskania perspektywy liniowej.
W swoich rzeźbach Donatello starał się przedstawiać godność ludzkiego ciała w realistycznych i często dramatycznych szczegółach. Do jego arcydzieł należą trzy posągi biblijnego bohatera Dawida. W wersji ukończonej w latach trzydziestych XIV wieku Donatello przedstawił Dawida jako pełnego wdzięku, nagiego młodzieńca, chwilę po tym, jak zabił gigantycznego Goliata. Dzieło, które ma około 1,5 metra wysokości, było pierwszym dużym wolnostojącym aktem stworzonym w sztuce zachodniej od czasów klasycznej starożytności.
Brunelleschi był pierwszym renesansowym architektem, który wskrzesił starożytny rzymski styl architektoniczny. W swoich projektach wykorzystywał łuki, kolumny i inne elementy architektury klasycznej. Jednym z jego najbardziej znanych budynków jest piękna i harmonijnie proporcjonalna Kaplica Pazzi we Florencji. Kaplica, której budowę rozpoczęto w 1442 r., a ukończono około 1465 r., była jedną z pierwszych budowli zaprojektowanych w stylu nowego renesansu. Brunelleschi był także pierwszym artystą renesansu, który opanował perspektywę liniową , system matematyczny, za pomocą którego malarze mogli przedstawiać przestrzeń i głębię na płaskiej powierzchni.
Sztuka końca XV i początku XVI wieku
Sztuka końca XV i początku XVI wieku była zdominowana przez trzech mężczyzn. Byli to Michał Anioł , Rafał i Leonardo da Vinci .
Michał Anioł był wybitnym malarzem, architektem i poetą. Ponadto został nazwany największym rzeźbiarzem w historii. Michał Anioł był mistrzem portretowania postaci ludzkiej. Na przykład jego słynny posąg izraelskiego przywódcy Mojżesza (1516) daje przytłaczające wrażenie siły fizycznej i duchowej. Te cechy pojawiają się również na freskach o tematyce biblijnej i klasycznej, które Michał Anioł namalował na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie . Freski, namalowane w latach 1508-1512, należą do największych dzieł sztuki renesansu.
Obrazy Rafaela są bardziej miękkie w zarysie i bardziej poetyckie niż obrazy Michała Anioła. Raphael był biegły w tworzeniu perspektywy i delikatnym użyciu koloru. Namalował wiele pięknych obrazów Madonny i wiele wybitnych portretów. Jednym z jego największych dzieł jest fresk Szkoła ateńska . Obraz był pod wpływem klasycznych modeli greckich i rzymskich. Przedstawia wielkich filozofów i naukowców starożytnej Grecji w otoczeniu klasycznych łuków. W ten sposób Raphael łączył kulturę klasycznej starożytności z kulturą włoską swoich czasów.
Leonardo da Vinci namalował dwa najsłynniejsze dzieła sztuki renesansu, malowidło ścienne Ostatnia wieczerza i portret Mony Lisy . Leonardo miał jeden z najbardziej dociekliwych umysłów w całej historii. Chciał wiedzieć, jak działa wszystko, co widział w naturze. Na ponad 4000 stron zeszytów rysował szczegółowe diagramy i zapisywał swoje obserwacje. Leonardo wykonał staranne rysunki ludzkich szkieletów i mięśni, próbując dowiedzieć się, jak działa ciało. Dzięki swemu dociekliwemu umysłowi Leonardo stał się symbolem renesansowego ducha nauki i intelektualnej ciekawości.
Twórcą architektury wysokiego renesansu był Donato Bramante , który przybył do Rzymu w 1499 roku, mając 55 lat. Jego pierwszym rzymskim arcydziełem, Tempietto ( 1502) w San Pietro in Montorio, jest scentralizowana konstrukcja kopułowa, która przypomina klasyczną architekturę świątyń. Papież Juliusz II wybrał Bramantego na papieskiego architekta i razem opracowali plan zastąpienia starego kościoła św. Piotra z IV wieku nowym kościołem o gigantycznych rozmiarach. Projekt został jednak ukończony długo po śmierci Bramantego.
Studia humanistyczne były kontynuowane za potężnych papieży Wielkiego Odrodzenia, Juliusza II i Leona X , podobnie jak rozwój muzyki polifonicznej. Chór Sykstyński , który powstał, skupiał muzyków i śpiewaków z całych Włoch i północnej Europy. Do najbardziej znanych kompozytorów, którzy zostali członkami, należeli Josquin des Prez i Giovanni Pierluigi da Palestrina .
Manieryzm
Manieryzm był eleganckim, dworskim stylem. Rozkwitła we Florencji we Włoszech, gdzie jej czołowymi przedstawicielami byli Giorgio Vasari i Bronzino . Styl został wprowadzony na francuski dwór przez Rosso Fiorentino i Francesco Primaticcio . Wenecki malarz Tintoretto był pod wpływem stylu.
Manierystyczne podejście do malarstwa wpłynęło także na inne sztuki.
godnym uwagi przykładem jest dzieło włoskiego architekta Giulio Romano . Włoski Benvenuto Cellini i urodzony we Flamandzie Giambologna byli głównymi przedstawicielami tego stylu w rzeźbie.
Niektórzy historycy uważają ten okres za degenerację klasycyzmu wysokiego renesansu lub nawet za przerywnik między wysokim renesansem a barokiem, w którym to przypadku daty pochodzą zwykle z ok. 1520 do 1600 i jest uważany za styl pozytywny sam w sobie.
sztuki baroku i rokoka
.jpg)
Na początku XVII wieku Rzym stał się ośrodkiem odnowy włoskiej dominacji w sztuce. W Parmie Antonio da Correggio ozdobił sklepienia kościołów żywymi postaciami unoszącymi się miękko na chmurach – schemat, który miał wywrzeć głęboki wpływ na barokowe malowidła stropowe. Burzliwe światłocieniowe obrazy Caravaggia i solidne, iluzjonistyczne obrazy bolońskiej rodziny Carracci dały początek barokowi w sztuce włoskiej. Domenichino , Francesco Albani , a później Andrea Sacchi byli jednymi z tych, którzy przeprowadzili klasyczne implikacje w sztuce Carracci.
Z kolei Guido Reni , Guercino , Orazio Gentileschi , Giovanni Lanfranco , a później Pietro da Cortona i Andrea Pozzo , gruntownie wyszkoleni w trybie klasyczno-alegorycznym, byli początkowo skłonni malować dynamiczne kompozycje, pełne gestykulujących postaci w sposób zbliżony do Caravaggia. Wybitnym wirtuozem barokowej żywiołowości i wielkości w rzeźbie i architekturze był Gian Lorenzo Bernini . Około roku 1640 wielu malarzy skłaniało się ku stylowi klasycznemu, który został wyniesiony na pierwszy plan w Rzymie przez francuskich emigrantów Nicolasa Poussina . Rzeźbiarze Alessandro Algardi i François Duquesnoy również skłaniali się ku klasyce. Znani artyści późnego baroku to genueńczycy Giovanni Battista Gaulli oraz neapolitańczycy Luca Giordano i Francesco Solimena .
Wiodące światła XVIII wieku pochodziły z Wenecji. Byli wśród nich genialny przedstawiciel stylu rokoko, Giovanni Battista Tiepolo ; malarze architektury Francesco Guardi , Canaletto , Giovanni Battista Piazzetta i Bernardo Bellotto ; oraz rytownik rzymskich starożytności, Giovanni Battista Piranesi .
Włoska sztuka neoklasyczna i XIX-wieczna
.jpg)
Podobnie jak w innych częściach Europy, włoska sztuka neoklasyczna opierała się głównie na zasadach sztuki i architektury starożytnego Rzymu i starożytnej Grecji , ale także na architekturze włoskiego renesansu i jej podstawach, takich jak Villa Capra „La Rotonda” .
Klasycyzm i neoklasycyzm we włoskiej sztuce i architekturze rozwinęły się w okresie włoskiego renesansu , zwłaszcza w pismach i projektach Leona Battisty Albertiego oraz w pracach Filippo Brunelleschiego . Kładzie nacisk na symetrię, proporcje, geometrię i regularność części, jak pokazano w architekturze starożytności, a zwłaszcza w architekturze starożytnego Rzymu , z których zachowało się wiele przykładów. Uporządkowane układy kolumn, pilastrów i nadproży, a także zastosowanie półkolistych łuków, półkolistych kopuł, nisz i edykułów zastąpiły bardziej złożone układy proporcjonalne i nieregularne profile średniowiecznych budowli. Ten styl szybko rozprzestrzenił się na inne włoskie miasta, a później na resztę kontynentalnej Europy.
Rzeźbiarz Antonio Canova był czołowym przedstawicielem stylu neoklasycystycznego. Światowej sławy, uważany był za najwybitniejszego rzeźbiarza w Europie.
Francesco Hayez jest największym propagatorem romantyzmu we Włoszech: wiele jego dzieł, zwykle średniowiecznych , zawiera zaszyfrowane patriotyczne przesłanie Risorgimento .
Macchiaioli
Włochy stworzyły własną formę impresjonizmu , artystów Macchiaioli , którzy byli tam pierwsi, przed bardziej znanymi impresjonistami: Giovanni Fattori , Silvestro Lega , Telemaco Signorini , Giuseppe Abbati . Artyści Macchiaioli byli prekursorami impresjonizmu we Francji. Wierzyli, że obszary światła i cienia, czyli macchie (dosłownie plamy lub plamy) były głównymi składnikami dzieła sztuki. Słowo macchia było powszechnie używane przez włoskich artystów i krytyków w XIX wieku do opisania błyszczącej jakości rysunku lub obrazu, czy to ze względu na szkicowe i spontaniczne wykonanie, czy też harmonijną szerokość jego ogólnego efektu.
Wroga recenzja opublikowana 3 listopada 1862 r. W czasopiśmie Gazzetta del Popolo oznacza pierwsze pojawienie się w druku terminu Macchiaioli. Termin ten miał kilka konotacji: kpiąco sugerował, że ukończone prace artystów były niczym więcej niż szkicami, i przypominał wyrażenie „ darsi alla macchia ”, oznaczające idiomatycznie chowanie się w krzakach lub zaroślach. W rzeczywistości artyści malowali większość swoich prac na tych dzikich obszarach. To znaczenie nazwy identyfikowało również artystów z wyjętymi spod prawa, odzwierciedlając pogląd tradycjonalistów, że nowa szkoła artystów działała poza regułami sztuki, zgodnie z surowymi prawami określającymi ówczesną ekspresję artystyczną.
Włoska sztuka nowoczesna i współczesna
Na początku XX wieku propagatorzy futuryzmu rozwinęli dynamiczną wizję współczesnego świata, podczas gdy Giorgio de Chirico wyrażał dziwny metafizyczny spokój, a Amedeo Modigliani wstąpił do szkoły paryskiej. Do utalentowanych późniejszych współczesnych artystów należą rzeźbiarze Giacomo Manzù , Marino Marini , malarz martwych natur Giorgio Morandi i obrazoburczy malarz Lucio Fontana . W drugiej połowie XX wieku włoscy projektanci, zwłaszcza ci z Mediolanu, wywarli głęboki wpływ na międzynarodowe style swoimi pomysłowymi i pomysłowymi pracami użytkowymi.
Futuryzm
Futuryzm był włoskim ruchem artystycznym, który kwitł od 1909 do około 1916 roku. Był to pierwszy z wielu ruchów artystycznych, które próbowały zerwać z przeszłością we wszystkich dziedzinach życia. Futuryzm gloryfikował moc, szybkość i emocje, które charakteryzowały epokę maszyn. Od francuskich malarzy kubistów i fotografii z wielokrotną ekspozycją futuryści nauczyli się rozbijać realistyczne formy na wiele obrazów i nakładające się fragmenty koloru. W ten sposób próbowali przedstawić energię i szybkość współczesnego życia. W literaturze futuryzm domagał się zniesienia tradycyjnych struktur zdań i form wierszy.
Futuryzm został po raz pierwszy ogłoszony 20 lutego 1909 roku, kiedy paryska gazeta Le Figaro opublikowała manifest włoskiego poety i wydawcy Filippo Tommaso Marinettiego . (Zobacz Manifest futuryzmu .) Marinetti ukuł słowo futuryzm, aby odzwierciedlić swój cel, jakim było odrzucenie sztuki z przeszłości i celebrowanie zmian, oryginalności i innowacji w kulturze i społeczeństwie. Manifest Marinettiego gloryfikował nową technologię samochodową i piękno jego szybkości, mocy i ruchu. Wychwalając przemoc i konflikty, wezwał do całkowitego odrzucenia tradycyjnych wartości i zniszczenia instytucji kulturalnych, takich jak muzea i biblioteki. Retoryka manifestu była namiętnie bombastyczna; jego agresywny ton miał celowo wywołać gniew opinii publicznej i wzbudzić kontrowersje.
Manifest Marinettiego zainspirował grupę młodych malarzy w Mediolanie do zastosowania futurystycznych pomysłów w sztukach wizualnych. Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo , Giacomo Balla i Gino Severini opublikowali w 1910 roku kilka manifestów na temat malarstwa. Podobnie jak Marinetti, gloryfikowali oryginalność i wyrażali pogardę dla odziedziczonych tradycji artystycznych.
Rzeźbą zainteresował się także Boccioni , publikując manifest na ten temat wiosną 1912 roku. Uważa się, że najpełniej zrealizował swoje teorie w dwóch rzeźbach Rozwój butelki w przestrzeni (1912), w których reprezentował zarówno wewnętrzną i zewnętrzne kontury butelki oraz Unique Forms of Continuity in Space (1913), w których postać ludzka nie jest przedstawiana jako jedna bryła, ale składa się z wielu płaszczyzn w przestrzeni, przez które porusza się postać. Realistyczne zasady rozszerzyły się również na architekturę. Antonio Sant'Elia sformułował futurystyczny manifest dotyczący architektury w 1914 roku. Jego wizjonerskie rysunki wysoce zmechanizowanych miast i odważnie nowoczesnych drapaczy chmur są zapowiedzią niektórych z najbardziej pomysłowych planów architektonicznych XX wieku.
Boccioni, który był najbardziej utalentowanym artystą w grupie, oraz Sant'Elia zginęli podczas służby wojskowej w 1916 roku. Śmierć Boccioniego w połączeniu z powiększeniem zespołu i otrzeźwiającą rzeczywistością zniszczeń spowodowanych przez I wojnę światową skutecznie przyniosła koniec ruchu futurystycznego jako ważnej siły historycznej w sztukach wizualnych.
Sztuka metafizyczna
Malarstwo metafizyczne to włoski ruch artystyczny, który narodził się w 1917 roku dzięki pracom Carlo Carrà i Giorgio de Chirico w Ferrarze. Słowo metafizyczny, przyjęte przez samego De Chirico, jest rdzeniem poetyki ruchu.
Przedstawiały senne obrazy, z postaciami i przedmiotami pozornie zamrożonymi w czasie. Artyści malarstwa metafizycznego akceptują przedstawienie świata widzialnego w tradycyjnej przestrzeni perspektywicznej, ale niezwykłe ułożenie istot ludzkich jako atrapy modeli, obiektów w dziwnych, nielogicznych kontekstach, nierzeczywiste światła i kolory, nienaturalną statykę nieruchomych postaci.
Novecento Italiano
Ruch Novecento, grupa włoskich artystów, powstała w 1922 roku w Mediolanie, opowiadająca się za powrotem do wielkiej włoskiej sztuki przedstawieniowej z przeszłości.
Członkami założycielami ruchu Novecento ( po włosku : XX wiek) była krytyk Margherita Sarfatti i siedmiu artystów: Anselmo Bucci , Leonardo Dudreville , Achille Funi , Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi i Mario Sironi. Pod przewodnictwem Sarfattiego grupa starała się odnowić sztukę włoską, odrzucając europejskie ruchy awangardowe i przyjmując włoskie tradycje artystyczne.
Inni artyści związani z Novecento to rzeźbiarze Marino Marini i Arturo Martini oraz malarze Ottone Rosai , Massimo Campigli , Carlo Carrà i Felice Casorati .
Przestrzenność
Ruch założony przez włoskiego artystę Lucio Fontanę jako movimento spaziale , jego założenia były powtarzane w manifestach między 1947 a 1954 rokiem.
Łącząc elementy sztuki konkretnej, dadaizmu i tachizmu, zwolennicy ruchu odrzucili malarstwo sztalugowe i przyjęli nowe osiągnięcia technologiczne, starając się włączyć czas i ruch do swoich prac. Pocięte i przebite obrazy Fontany są przykładem jego tez.
Arte Povera
 |
| Część serii o |
| kulturze Włoch |
|---|
| Historia |
| Ludzie |
| Języki |
| Tradycje |
| Mitologia i folklor |
| Kuchnia |
| Festiwale |
| Religia |
| Sztuka |
| Literatura |
| Muzyka |
| Sport |
Arte Povera ruch artystyczny, który powstał we Włoszech w latach 60. XX wieku, łącząc aspekty sztuki konceptualnej, minimalistycznej i performansu oraz wykorzystujący bezwartościowe lub pospolite materiały, takie jak ziemia lub gazeta, w nadziei na obalenie komercjalizacji sztuki. Wyrażenie pochodzi z języka włoskiego i oznacza dosłownie „sztukę zubożałą”.
Transawangarda
Termin Transawangarda jest wynalazkiem włoskiego krytyka Achille Bonito Olivy . Zdefiniował sztukę Transawangardy jako tradycyjną w formacie (to znaczy głównie malarstwo lub rzeźbę); apolityczny; a przede wszystkim eklektyczny.
Lista najważniejszych muzeów i galerii we Włoszech
Rzecznictwo i ograniczenia
Zgodnie z poprawkami z 2017 r. do włoskiego Codice dei beni Culturali e del paesaggio , dzieło sztuki może być prawnie zdefiniowane jako przedmiot zainteresowania publicznego i kulturalnego, jeśli zostało ukończone co najmniej 70 lat wcześniej. Poprzedni limit wynosił 50 lat. Ułatwienie eksportu i międzynarodowego handlu towarami artystycznymi jako magazynem wartości , po raz pierwszy dano prywatnym właścicielom i ich dealerom możliwość samodzielnego poświadczenia wartości handlowej poniżej 13 500 euro, aby uzyskać zezwolenie na transport towarów poza granice kraju i do Unii Europejskiej, bez potrzeba zezwolenia administracji publicznej. Ustawa została uchwalona i weszła w życie 29 sierpnia 2017 r. Na pozostałości archeologiczne odkryte pod ziemią lub pod powierzchnią morza wydaje się publiczne zezwolenie.
Zobacz też
Linki zewnętrzne
- [2] Sztuka włoska. kdfineart-italia.com. Sieć. 5 października 2011 r.
- [3] Dzieła sztuki w stylu włoskim i toskańskim. Italianartstudio.com. Sieć. 5 października 2011 r.
- [4] Włoskie notatki artystyczne
| Historia |
|
||||||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Geografia |
|
||||||||||||
| Polityka |
|
||||||||||||
| Gospodarka |
|
||||||||||||
| Społeczeństwo |
|
||||||||||||
| Kontrola władz : Biblioteki narodowe |
|---|
