Sztuka gotycka

Sztuka gotycka
Cenral tympanum Chartres.jpg
Sainte Chapelle Interior Stained Glass.jpg
Anonimo inglese o francese, dittico wilton, 1395-99 ca. 01.jpg
U góry: zachodni (królewski) portal katedry w Chartres ( około 1145 r.), te architektoniczne posągi są najwcześniejszymi gotyckimi rzeźbami i rewolucją stylu oraz wzorem dla pokolenia rzeźbiarzy; Centrum: Sainte-Chapelle z Paryża (1194-1248); Dół: Dyptyk Wiltona (1395–1459)
lata aktywności Koniec XII-XVI wiek

Sztuka gotycka była stylem sztuki średniowiecznej , który rozwinął się w północnej Francji ze sztuki romańskiej w XII wieku naszej ery, na czele z równoczesnym rozwojem architektury gotyckiej . Rozprzestrzenił się na całą Europę Zachodnią i znaczną część Europy Północnej , Południowej i Środkowej , nigdy nie zacierając bardziej klasycznych stylów we Włoszech. Pod koniec XIV wieku wyrafinowany styl dworski międzynarodowego gotyku rozwinięty, który ewoluował aż do końca XV wieku. Na wielu obszarach, zwłaszcza w Niemczech, sztuka późnego gotyku trwała aż do XVI wieku, zanim została włączona do sztuki renesansu . Podstawowe media w okresie gotyku obejmowały rzeźbę , malarstwo tablicowe , witraże , freski i iluminowane rękopisy . Łatwo rozpoznawalne przesunięcia w architekturze od stylu romańskiego do gotyckiego i od gotyckiego do renesansowego są zwykle używane do określenia okresów w sztuce we wszystkich mediach, chociaż pod wieloma względami sztuka figuratywna rozwijała się w różnym tempie.

Najwcześniejszą sztuką gotycką były monumentalne rzeźby na ścianach katedr i opactw. Sztuka chrześcijańska miała często charakter typologiczny (patrz średniowieczna alegoria ), ukazując obok siebie historie Nowego i Starego Testamentu. Często przedstawiano życie świętych. Obrazy Matki Boskiej zmieniły się z bizantyjskiej ikony w bardziej ludzką i czułą matkę, przytulającą swoje niemowlę, kołyszącą się na biodrze i ukazującą wyrafinowane maniery dobrze urodzonej arystokratycznej dworskiej damy.

świecka rozwinęła się w tym okresie wraz z powstaniem miast, założeniem uniwersytetów , wzrostem handlu, ustanowieniem gospodarki opartej na pieniądzu i stworzeniem klasy burżuazyjnej, która mogła sobie pozwolić na mecenat sztuki i prace na zlecenie, w wyniku w rozprzestrzenianiu się obrazów i iluminowanych rękopisów. Zwiększona umiejętność czytania i pisania oraz rosnąca liczba świeckiej literatury w języku narodowym zachęcały do ​​przedstawiania świeckich tematów w sztuce. Wraz z rozwojem miast gildie handlowe , a artyści często musieli być członkami cech malarzy . W rezultacie, ze względu na lepsze prowadzenie dokumentacji, więcej artystów jest nam znanych z imienia i nazwiska w tym okresie niż w jakimkolwiek poprzednim; niektórzy artyści byli nawet na tyle odważni, by podpisywać się nazwiskami.

Pochodzenie

XIV-wieczny międzynarodowy gotyk Marii Magdaleny w katedrze św. Jana w Toruniu .

Sztuka gotycka pojawiła się w Île-de-France we Francji na początku XII wieku w kościele opactwa St. Denis zbudowanym przez opata Sugera . Styl szybko rozprzestrzenił się poza swoje korzenie w architekturze do rzeźby, zarówno monumentalnej , jak i osobistej, sztuki tekstylnej i malarstwa, które przybierało różne formy, w tym freski , witraże , iluminowany rękopis i malowanie panelowe . Zakony monastyczne , zwłaszcza cystersi i św Kartuzi byli ważnymi budowniczymi, którzy rozpowszechnili ten styl i opracowali jego charakterystyczne warianty w całej Europie. Regionalne różnice w architekturze pozostały ważne, nawet gdy pod koniec XIV wieku wyewoluował spójny uniwersalny styl znany jako międzynarodowy gotyk , który trwał do końca XV wieku i później na wielu obszarach.

Chociaż świeckiej sztuki gotyckiej było znacznie więcej, niż się dziś często uważa, ponieważ generalnie wskaźnik przetrwania sztuki religijnej był lepszy niż w przypadku świeckich odpowiedników, duża część sztuki wyprodukowanej w tym okresie miała charakter religijny, czy to na zlecenie kościoła, czy przez świeccy. Sztuka gotycka miała często typologiczny , odzwierciedlając przekonanie, że wydarzenia Starego Testamentu poprzedzały wydarzenia Nowego Testamentu i że to rzeczywiście było ich główne znaczenie. Sceny ze Starego i Nowego Testamentu były ukazane obok siebie w dziełach takich jak Speculum Humanae Salvationis i dekoracji kościołów. Okres gotyku zbiegł się z wielkim odrodzeniem pobożności maryjnej , w której dużą rolę odgrywały sztuki plastyczne. Wizerunki Marii Panny rozwinęły się od bizantyjskich hieratycznych typów, poprzez Koronację Marii Panny , do bardziej ludzkich i intymnych typów, a cykle życia Dziewicy były bardzo popularne. Artyści tacy jak Giotto , Fra Angelico i Pietro Lorenzetti we Włoszech oraz wczesne malarstwo niderlandzkie , wniósł do sztuki realizm i bardziej naturalne człowieczeństwo. Zachodni artyści i ich mecenasi stali się znacznie bardziej pewni innowacyjnej ikonografii i widać znacznie więcej oryginalności, chociaż większość artystów nadal stosowała skopiowane formuły.

Na ikonografię miały wpływ zmiany w teologii, z przedstawieniami Wniebowzięcia Najświętszej Marii Panny , które zyskały popularność na starszej Śmierci Dziewicy , oraz w praktykach pobożności, takich jak Devotio Moderna , które przyniosły nowe traktowanie Chrystusa w tematach takich jak Mąż Boleści , Frasobliwy Chrystus i Pieta , które podkreślały Jego ludzkie cierpienie i bezbronność, w części równoległej do tej w przedstawieniach Dziewicy. Nawet w Sądach Ostatecznych Chrystus był teraz zwykle pokazywany z odsłoniętą piersią, aby pokazać swoje rany pasja . Święci byli pokazywani częściej, a ołtarze przedstawiali świętych związanych z danym kościołem lub darczyńcą obecnych na Ukrzyżowaniu lub intronizowanej Dziewicy z Dzieciątkiem lub zajmujących samą przestrzeń centralną (zwykle w przypadku prac przeznaczonych do bocznych kaplic). W tym okresie wiele starożytnych elementów ikonograficznych, które wywodziły się z apokryfów Nowego Testamentu , zostało stopniowo wyeliminowanych pod naciskiem duchownych, na przykład położne podczas Narodzenia Pańskiego , chociaż inne były zbyt dobrze ugruntowane i uważane za nieszkodliwe.

Etymologia

Dama i jednorożec , tytuł nadany serii sześciu gobelinów tkanych we Flandrii , z których ten nosi tytuł À Mon Seul Désir ; koniec XV wieku; wełna i jedwab; 377x473cm; Musée de Cluny (Paryż)
Dalsze informacje: Imię Gotów

Słowo „ gotyk ” określające sztukę było początkowo używane jako synonim słowa „ barbarzyński ” i dlatego było używane pejoratywnie. Jego krytycy postrzegali ten typ sztuki średniowiecznej jako niewyrafinowany i zbyt odległy od estetycznych proporcji i kształtów sztuki klasycznej . Autorzy renesansu uważali, że splądrowanie Rzymu przez plemiona gockie w 410 r. spowodował upadek świata klasycznego i wszystkich wartości, które były mu drogie. W XV wieku różni włoscy architekci i pisarze skarżyli się, że nowe style „barbarzyńskie” napływające z północy Alp stanowią podobne zagrożenie dla klasycznego odrodzenia promowanego przez wczesny renesans. Określenie „gotyk” dla tej sztuki zostało po raz pierwszy użyte w liście Rafaela do papieża Leona X w. 1518, a następnie został spopularyzowany przez włoskiego artystę i pisarza Giorgio Vasariego , który używał go już w 1530 roku, nazywając sztukę gotycką „potwornym i barbarzyńskim” „nieporządkiem”. Rafael twierdził, że spiczaste łuki architektury północnej były echem prymitywnych chat, które germańscy mieszkańcy lasów tworzyli przez zginanie razem drzew - mit, który powrócił znacznie później w bardziej pozytywnym sensie w pismach niemieckiego ruchu romantycznego . „Sztuka gotycka” była mocno krytykowana przez francuskich autorów, takich jak Boileau , La Bruyère , Rousseau , zanim stała się uznaną formą sztuki, a sformułowanie zostało ustalone. Molier słynnie skomentował Gothic:



Zadurzony smak gotyckich pomników, Te wstrętne potwory nieświadomych wieków, Które wypluły potoki barbarzyństwa.

Na początku sztukę gotycką nazywano początkowo „pracą francuską” ( Opus Francigenum ), co świadczyło o pierwszeństwie Francji w tworzeniu tego stylu.

Obraz

Simone Martini (1285–1344).

Malarstwo w stylu, który można nazwać gotyckim, pojawiło się dopiero około 1200 roku, prawie 50 lat po początkach architektury i rzeźby gotyckiej. Przejście od romańskiego do gotyckiego jest bardzo nieprecyzyjne i wcale nie jest wyraźną przerwą, a gotyckie detale ozdobne są często wprowadzane, zanim widoczne są znaczne zmiany w stylu samych figur lub kompozycji. Postacie stają się wówczas bardziej ożywione w pozach i wyrazie twarzy, stają się mniejsze w stosunku do tła scen i swobodniej układają się w przestrzeni obrazowej, gdzie jest miejsce. To przejście następuje najpierw w Anglii i Francji około 1200 r., W Niemczech około 1220 r. I we Włoszech około 1300 r. Malarstwo w okresie gotyku było praktykowane w czterech głównych mediach: freski , obrazy tablicowe , iluminacje rękopisów i witraże .

freski

Freski były nadal używane jako główne malarskie rzemiosło narracyjne na ścianach kościołów w południowej Europie jako kontynuacja tradycji wczesnochrześcijańskich i romańskich. Przypadek ocalenia dał Danii i Szwecji najliczniejsze zachowane zespoły malowideł ściennych w stylu Biblia pauperum , sięgające zwykle do niedawno wzniesionych sklepień krzyżowych . Zarówno w Danii, jak iw Szwecji prawie wszystkie zostały pokryte wapnem po reformacji które je zachowały, ale niektóre pozostały nietknięte od czasu ich powstania. Do najwspanialszych przykładów z Danii należą dzieła mistrza Elmelunde z duńskiej wyspy Møn , który ozdobił kościoły w Fanefjord , Keldby i Elmelunde . Albertus Pictor jest prawdopodobnie najbardziej znanym artystą fresków tego okresu działającym w Szwecji. Przykładami szwedzkich kościołów z dobrze zachowanymi freskami są kościoły Tensta , Gökhem i Anga .

Witraż

Fragment niemieckiego witrażu z 1444 r. z Wizytacją ; metal garnkowy w różnych kolorach, w tym białe szkło, czarna szklista farba, żółta srebrna bejca, a części „oliwkowo-zielone” to emalia. Wzory roślin na czerwonym niebie są tworzone przez zdrapywanie czarnej farby z czerwonego szkła przed wypaleniem. Przyjechał odrestaurowany panel z nowym ołowiem.

W północnej Europie witraże były ważną i prestiżową formą malarstwa aż do XV wieku, kiedy to zostały wyparte przez malarstwo tablicowe . Architektura gotycka znacznie zwiększyła ilość szkła w dużych budynkach, częściowo po to, aby umożliwić szerokie połacie szkła, jak w oknach rozetowych . Na początku tego okresu używano głównie czarnej farby i przezroczystego lub jaskrawo barwionego szkła, ale na początku XIV wieku użycie związków srebra malowanych na szkle, które następnie wypalano, umożliwiło szereg wariacji kolorystycznych, skupionych na żółte, do stosowania z przezroczystym szkłem w jednym kawałku. Pod koniec tego okresu projekty coraz częściej wykorzystywały duże kawałki szkła, które były malowane, z dominującymi kolorami żółtymi i stosunkowo niewiele mniejszych kawałków szkła w innych kolorach.

Rękopisy i grafika

Godziny Jeanne d'Evreux , Jean Pucelle , Paryż, lata 20. XIV wieku.

Iluminowane rękopisy stanowią najpełniejszy zapis malarstwa gotyckiego, dostarczając zapisu stylów w miejscach, w których nie zachowały się żadne monumentalne dzieła. Najwcześniejsze pełne rękopisy z francuskimi ilustracjami gotyckimi pochodzą z połowy XIII wieku. Wiele takich iluminowanych rękopisów było bibliami królewskimi, chociaż psałterze zawierały również ilustracje; paryski Psałterz św. Ludwika , datowany na lata 1253-1270, zawiera 78 całostronicowych iluminacji wykonanych temperą i płatkami złota.

Pod koniec XIII wieku skrybowie zaczęli tworzyć modlitewniki dla świeckich, często nazywane księgami godzin ze względu na ich używanie w określonych porach dnia. Jednym z najwcześniejszych jest przykład Williama de Brailesa , który wydaje się być napisany dla nieznanej kobiety świeckiej mieszkającej w małej wiosce niedaleko Oksfordu około 1240 roku. Szlachta często kupowała takie teksty, hojnie płacąc za ozdobne ilustracje; jednym z najbardziej znanych ich twórców jest Jean Pucelle , którego Godziny Jeanne d'Evreux zostały zamówione przez króla Karol IV jako prezent dla swojej królowej Joanny d'Évreux . Obecne w tych pracach elementy francuskiego gotyku to m.in. zastosowanie ozdobnych obramień stron, nawiązujących do ówczesnej architektury, z wydłużonymi i szczegółowymi figurami. Wykorzystanie wskaźników przestrzennych, takich jak elementy budynków i elementów naturalnych, takich jak drzewa i chmury, również wskazuje na francuski gotycki styl iluminacji.

, że od połowy XIV wieku książeczki blokowe z tekstem i obrazami wyciętymi jako drzeworyt były dostępne dla proboszczów w Niderlandach , gdzie były najbardziej popularne. Pod koniec stulecia drukowane książki z ilustracjami, wciąż głównie o tematyce religijnej, szybko stały się dostępne dla zamożnej klasy średniej, podobnie jak ryciny dość wysokiej jakości wykonane przez grafików , takich jak Israhel van Meckenem i mistrz ES . wprowadzenie tanich druków , głównie w drzeworytach , umożliwiły nawet chłopom posiadanie w domu wizerunków dewocyjnych. Te obrazy, małe na dole rynku, często prymitywnie kolorowe, były sprzedawane w tysiącach, ale obecnie są niezwykle rzadkie, większość została przyklejona do ścian.

Malarstwo ołtarzowe i tablicowe

Malarstwo olejne na płótnie stało się popularne dopiero w XV i XVI wieku i było znakiem rozpoznawczym sztuki renesansu . W Europie Północnej ważna i innowacyjna szkoła wczesnego malarstwa niderlandzkiego jest zasadniczo w stylu gotyckim, ale może być również uważana za część północnego renesansu , ponieważ odrodzenie zainteresowania klasycyzmem we Włoszech miało duży wpływ na wiele lat później. północ. Malarze tacy jak Robert Campin i Jan van Eyck posługiwali się techniką malarstwa olejnego tworzyć drobiazgowo szczegółowe prace, poprawne z perspektywy, w których pozorny realizm łączył się z bogato złożoną symboliką wynikającą właśnie z realistycznych szczegółów, które mogli teraz zawrzeć nawet w małych pracach. We wczesnym malarstwie niderlandzkim, pochodzącym z najbogatszych miast północnej Europy, nowy, drobny realizm w malarstwie olejnym łączył się z subtelnymi i złożonymi aluzjami teologicznymi, wyrażanymi właśnie poprzez bardzo szczegółową oprawę scen religijnych. Mérode Altarpiece (1420s) Roberta Campina i Washington Van Eyck Zwiastowanie lub Przykładami są Madonna kanclerza Rolina (oba lata 30. XV wieku, autorstwa Jana van Eycka ). W przypadku zamożnych, małych obrazów tablicowych coraz bardziej popularne stawały się nawet poliptyki w malarstwie olejnym , często przedstawiające obok portrety darczyńców , choć często znacznie mniejsze niż przedstawiane Dziewica lub święci. Były one zwykle wystawiane w domu.

Rzeźba

Główny artykuł: rzeźba gotycka

Monumentalna rzeźba

Francuska Matka Boska z Dzieciątkiem z kości słoniowej, koniec XIII wieku, wysokość 25 cm, zakrzywiona tak, aby pasowała do kształtu kości słoniowej.

Okres gotyku jest zasadniczo definiowany przez architekturę gotycką i nie do końca pasuje do rozwoju stylu w rzeźbie ani na początku, ani na końcu. Fasady dużych kościołów, zwłaszcza wokół drzwi, nadal miały duże tympanony, ale także rozciągały się wokół nich rzędy rzeźbionych postaci.

Posągi na portalu zachodnim (królewskim) w katedrze w Chartres (ok. 1145) przedstawiają eleganckie, ale przesadne wydłużenie kolumn, ale te na portalu południowego transeptu , z lat 1215–2020, pokazują bardziej naturalistyczny styl i rosnące oderwanie od ściana za i trochę świadomości tradycji klasycznej. Tendencje te były kontynuowane w zachodnim portalu katedry w Reims kilka lat później, gdzie figury są prawie okrągłe, jak to zwykle bywa, gdy gotyk rozprzestrzenił się w Europie. Katedra w Bambergu ma prawdopodobnie największy zespół rzeźb z XIII wieku, którego kulminacją był Jeździec Bamberski w 1240 roku , pierwszy naturalnej wielkości posąg konny w sztuce zachodniej od VI wieku.

„We Włoszech ewangelię gotyku głoszono z ambon, a nie z tympanonów, a jednostką myślenia rzeźbiarza było autonomiczne, samospójne dzieło sztuki” ( John Pope-Hennessy ). Nicola Pisano (1258–1278) i jego syn Giovanni opracowali styl, który jest często nazywany proto-renesansem , z niewątpliwym wpływem rzymskich sarkofagów oraz wyrafinowanych i zatłoczonych kompozycji, w tym życzliwego traktowania nagości, na płaskorzeźbach na ich abonie katedry w Sienie (1265-68) , Fontana Maggiore w Perugia i ambona Jana w Pistoi z 1301 roku.

Kolejne odrodzenie stylu klasycznego jest widoczne w międzynarodowym dziele gotyckim Clausa Slutera i jego naśladowców w Burgundii i Flandrii około 1400 roku. Późnogotycka rzeźba była kontynuowana na północy, z modą na bardzo duże, drewniane, rzeźbione ołtarze z coraz bardziej wirtuozowskimi rzeźbami i dużymi liczby wzburzone wyraziste figury; większość zachowanych przykładów znajduje się w Niemczech, po wielu obrazoburcach w innych miejscach. Tilman Riemenschneider , Wit Stwosz i inni kontynuowali ten styl aż do XVI wieku, stopniowo wchłaniając wpływy włoskiego renesansu.

Naturalnej wielkości wizerunki grobowców z kamienia lub alabastru stały się popularne wśród bogatych, a wielkie wielopoziomowe grobowce ewoluowały, a grobowce Scaligera w Weronie były tak duże, że musiały zostać przeniesione poza kościół. W XV wieku istniał przemysł eksportujący alabastrowe płaskorzeźby ołtarzowe z Nottingham w grupach paneli na większą część Europy dla ekonomicznych parafii, których nie było stać na kamienne retabulacje.

Przenośna rzeźba

Pokrywa trumny Waltersa , z oblężeniem zamku miłości po lewej stronie i potyczkami . Paryż, 1330–1350.

Małe rzeźby, przeznaczone głównie na rynek świecki i często kobiecy, stały się znaczącym przemysłem w Paryżu i niektórych innych ośrodkach. Rodzaje kości słoniowej obejmowały małe, dewocyjne poliptyki , pojedyncze figurki, zwłaszcza Matki Boskiej , lusterka, grzebienie i kunsztowne szkatułki ze scenami z romansów , używane jako prezenty zaręczynowe. Bardzo bogaci kolekcjonowali ekstrawagancko wyszukane, wysadzane klejnotami i emaliowane wyroby metalowe, zarówno świeckie, jak i religijne, takie jak relikwiarz cierniowy księcia de Berry , dopóki nie zabrakło im pieniędzy, kiedy ponownie przetopiono je na gotówkę.

Dyptyk z kości słoniowej, z pozostałościami kolorowej farby. Pokłon Trzech Króli i Ukrzyżowanie . Dolina Mozy , Francja, ok. 1350.

Gotyckie rzeźby niezależne od ornamentów architektonicznych były tworzone głównie jako przedmioty dewocyjne dla domów lub przeznaczone jako darowizny dla lokalnych kościołów, chociaż małe płaskorzeźby z kości słoniowej , kości i drewna obejmują zarówno tematy religijne, jak i świeckie i były przeznaczone do użytku kościelnego i domowego. Takie rzeźby były dziełem miejskich rzemieślników, a najbardziej typowym tematem trójwymiarowych małych posągów jest Matka Boska sama lub z dzieckiem. Paryż był głównym ośrodkiem warsztatów z kości słoniowej i był eksportowany do większości północnej Europy, chociaż Włochy również miały znaczną produkcję. Przykład tych niezależnych rzeźb znajduje się w zbiorach kościoła opactwa św. Denisa; srebrny pozłacany Dziewica z Dzieciątkiem pochodzi z 1339 roku i przedstawia Maryję owiniętą powiewającym płaszczem, trzymającą dziecięcą postać Chrystusa. Zarówno prostota płaszcza, jak i młodość dziecka zapowiadają inne rzeźby znalezione w północnej Europie, datowane na XIV i początek XV wieku. Taka rzeźba pokazuje ewolucję od wcześniejszego sztywnego i wydłużonego stylu, wciąż częściowo romańskiego, do przestrzennego i naturalistycznego stylu na przełomie XII i XIII wieku. Inne tematy rzeźbiarskie francuskiego gotyku obejmowały postacie i sceny z popularnej literatury tamtych czasów. Obrazy z poezji trubadurów był szczególnie popularny wśród rzemieślników luster i małych pudełek przypuszczalnie do użytku przez kobiety. Szkatułka ze scenami romansów (Walters 71264) z lat 1330–50 to niezwykle duży przykład z miejscem na wiele scen z różnych źródeł literackich.

Popularne i tanie były także pamiątki z pielgrzymek do sanktuariów, takie jak odznaki gliniane lub ołowiane , medaliki i ampułki z wizerunkami. Ich świecki odpowiednik, odznaka liberii , wykazywała oznaki feudalnej i politycznej lojalności lub sojuszu, które zaczęto uważać za społeczne zagrożenie w Anglii pod rządami feudalizmu bękarta . Tańsze formy były czasami rozdawane za darmo, jak w przypadku 13 000 odznak zamówionych w 1483 roku przez króla Anglii Ryszarda III w barchanowym suknie z jego godłem białego dzika na inwestyturę jego syna Edward jako książę Walii, ogromna liczba, biorąc pod uwagę ówczesną populację. Dunstable Swan Jewel , modelowany w całości w okrągłym emaliowanym złocie, jest znacznie bardziej ekskluzywną wersją, którą można by podarować osobie bardzo bliskiej lub ważnej dla dawcy.

Zobacz też

Notatki

  •   Calkins, Robert G.; Zabytki sztuki średniowiecznej , Dutton, 1979, ISBN 0525475613
  •   Czereśnia, Jan. The Holy Thorn Reliquary , 2010, British Museum Press (obiekty British Museum w centrum uwagi), ISBN 0-7141-2820-1
  •   Cherry, John, w Marks, Richard i Williamson, Paul, wyd. Gothic: Art for England 1400–1547 , 2003, V&A Publications, Londyn, ISBN 1-85177-401-7
  •   Henderson, George. Gotyk , 1967, pingwin, ISBN 0-14-020806-2
  •   Hugh Honor i John Fleming, Światowa historia sztuki , wyd. 1982 (wiele późniejszych wydań), Macmillan, Londyn, strona odsyła do 1984 Macmillan 1st edn. książka w broszurowej oprawie. Numer ISBN 0333371852
  •   Olson, Roberta JM, Italian Renaissance Sculpture , 1992, Thames & Hudson (World of Art), ISBN 978-0-500-20253-1
  •   Papież-Hennessy, John, Wprowadzenie do rzeźby włoskiej, tom 1, rzeźba gotycka włoska , 1955, wydanie czwarte 1996, Phaidon Press, ISBN 0-7148-3014-3
  •   Robinson, James, Arcydzieła sztuki średniowiecznej , 2008, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2815-3
  •   Rudolph, Conrad , red., Towarzysz sztuki średniowiecznej: romański i gotycki w Europie Północnej , 2006, ISBN 978-1405198783
  • Rudolph, Conrad, „Wymyślanie gotyckiego portalu: Suger, Hugh z Saint Victor i budowa nowej sztuki publicznej w Saint-Denis”, Historia sztuki 33 (2010) 568–595
  • Rudolph, Conrad, „Wymyślanie egzegetycznego witrażu: Suger, Hugh i nowa sztuka elitarna”, Art Bulletin 93 (2011) 399–422
  •   Snyder, James . Sztuka północnego renesansu , 1985, Harry N. Abrams, ISBN 0136235964

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Gothic_art&oldid=1141418978 ”