Manieryzm

W Madonnie z długą szyją Parmigianina (1534–1540) manieryzm objawia się wydłużonymi proporcjami, mocno stylizowanymi pozami i brakiem wyraźnej perspektywy.

Manieryzm to styl w sztuce europejskiej , który pojawił się w późniejszych latach włoskiego wysokiego renesansu około 1520 r., Rozprzestrzenił się około 1530 r. I trwał do mniej więcej końca XVI wieku we Włoszech, kiedy to w dużej mierze zastąpił go styl barokowy . Manieryzm północny trwał do początku XVII wieku.

Manieryzm obejmuje różnorodne podejścia, na które wpływ miały harmonijne ideały związane z takimi artystami, jak Leonardo da Vinci , Raphael , Vasari i wczesny Michał Anioł . . Tam, gdzie sztuka wysokiego renesansu kładzie nacisk na proporcje, równowagę i idealne piękno, manieryzm wyolbrzymia takie cechy, często skutkując kompozycjami asymetrycznymi lub nienaturalnie eleganckimi. Znany ze swoich sztucznych (w przeciwieństwie do naturalistycznych) cech, ten styl artystyczny uprzywilejowuje napięcie i niestabilność kompozycyjną, a nie równowagę i klarowność wcześniejszego malarstwa renesansowego. Manieryzm w literaturze i muzyce wyróżnia się bardzo kwiecistym stylem i intelektualnym wyrafinowaniem.

Definicja manieryzmu i jego fazy nadal są przedmiotem dyskusji wśród historyków sztuki. Na przykład niektórzy uczeni zastosowali tę etykietę do niektórych nowożytnych form literatury (zwłaszcza poezji) i muzyki XVI i XVII wieku. Termin ten jest również używany w odniesieniu do niektórych późnogotyckich malarzy działających w północnej Europie od około 1500 do 1530 roku, zwłaszcza manierystów antwerpskich — grupy niezwiązanej z ruchem włoskim. Manieryzm został również zastosowany przez analogię do srebrnej epoki literatury łacińskiej .

Nomenklatura

Wzór do naśladowania manieryzmu: Laokoon i jego synowie , starożytna rzeźba, ponownie odkryta w 1506 roku; obecnie w Muzeach Watykańskich . Artyści manieryzmu bardzo podziwiali tę rzeźbę.

Słowo „manieryzm” wywodzi się od włoskiego słowa maniera , oznaczającego „styl” lub „manier”. Podobnie jak angielskie słowo „styl”, maniera może oznaczać określony typ stylu (piękny styl, szorstki styl) lub wskazywać na absolut, który nie wymaga określenia (ktoś „ma styl”). W drugim wydaniu swoich Żywotów najwspanialszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów (1568) Giorgio Vasari użył maniera w trzech różnych kontekstach: w celu omówienia sposobu lub metody pracy artysty; do opisania stylu osobistego lub grupowego, takiego jak termin maniera greca odnoszący się do średniowiecznego stylu włosko-bizantyjskiego lub po prostu do maniera Michała Anioła; i potwierdzić pozytywną ocenę jakości artystycznej. Vasari był także artystą manierystycznym, a okres, w którym pracował, opisał jako „la maniera moderna”, czyli „styl nowoczesny”. James V. Mirollo opisuje, jak poeci „bella maniera” próbowali przewyższyć wirtuozerią sonety Petrarki . To pojęcie „bella maniera” sugeruje, że artyści, którzy zostali w ten sposób zainspirowani, starali się kopiować i ulepszać swoich poprzedników, zamiast bezpośrednio konfrontować się z naturą. Zasadniczo „bella maniera” wykorzystała to, co najlepsze z wielu materiałów źródłowych, syntetyzując je w coś nowego.

Jako etykieta stylistyczna „manieryzm” nie jest łatwy do zdefiniowania. Został użyty przez szwajcarskiego historyka Jacoba Burckhardta i spopularyzowany przez niemieckich historyków sztuki na początku XX wieku, aby sklasyfikować pozornie nie dającą się sklasyfikować sztukę włoskiego XVI wieku – sztukę, w której nie wykazano już harmonijnego i racjonalnego podejścia kojarzonego z Wysokim Renesansem. „Wysoki renesans” oznaczał okres wyróżniający się harmonią, wielkością i odrodzeniem klasycznej starożytności. Termin „manieryzm” został ponownie zdefiniowany w 1967 roku przez Johna Shearmana po wystawie malarstwa manierystycznego zorganizowanej przez Fritza Grossmanna w Manchester City Art Gallery w 1965 r. Etykieta „manieryzm” była używana w XVI wieku do komentowania zachowań społecznych i przekazywania wyrafinowanej jakości wirtuozowskiej lub oznaczania określonej techniki. Jednak dla późniejszych pisarzy, takich jak XVII-wieczny Gian Pietro Bellori , la maniera było obraźliwym określeniem na postrzegany upadek sztuki po Rafaelu, zwłaszcza w latach trzydziestych i czterdziestych XVI wieku. Od końca XIX wieku historycy sztuki powszechnie używali tego terminu do opisania sztuki, która następuje po renesansowym klasycyzmie i poprzedza barok.

Jednak historycy różnią się co do tego, czy manieryzm jest stylem, ruchem czy okresem; i chociaż termin ten pozostaje kontrowersyjny, nadal jest powszechnie używany do określenia europejskiej sztuki i kultury XVI wieku.

Pochodzenie i rozwój

Pod koniec Wielkiego Renesansu młodzi artyści przeżyli kryzys: wydawało się, że wszystko, co można było osiągnąć, zostało już osiągnięte. Nie było już żadnych trudności technicznych ani innych do rozwiązania. Szczegółowa znajomość anatomii, światła, fizjonomii oraz sposobu, w jaki człowiek rejestruje emocje w wyrazie i geście, nowatorskie wykorzystanie postaci ludzkiej w kompozycji figuratywnej, zastosowanie subtelnej gradacji tonów osiągnęło niemal perfekcję. Młodzi artyści musieli znaleźć nowy cel i szukali nowych podejść. W tym momencie zaczął pojawiać się manieryzm. Nowy styl rozwinął się w latach 1510-1520 albo we Florencji, albo w Rzymie, albo w obu miastach jednocześnie.

Zebrane figury, ignudi , z sufitu Kaplicy Sykstyńskiej Michała Anioła

Geneza i wzorce do naśladowania

Okres ten został opisany jako „naturalne przedłużenie” sztuki Andrei del Sarto , Michała Anioła i Rafaela. Michał Anioł już w młodym wieku rozwinął swój własny styl, głęboko oryginalny, który początkowo był bardzo podziwiany, a następnie często kopiowany i naśladowany przez innych artystów tamtej epoki. Jedną z cech najbardziej podziwianych przez współczesnych mu była jego terribilità , poczucie budzącej podziw wielkości, a kolejni artyści próbowali to naśladować. Inni artyści nauczyli się namiętnego i bardzo osobistego stylu Michała Anioła, kopiując dzieła mistrza, standardowy sposób, w jaki uczniowie nauczyli się malować i rzeźbić. Jego Sufit Kaplicy Sykstyńskiej dostarczył im przykładów do naśladowania, w szczególności jego przedstawienie zebranych postaci, często zwanych ignudi i libijskiej Sybilli , jego przedsionek do Biblioteki Laurentian , postacie na jego grobowcach Medyceuszy , a przede wszystkim jego Sąd Ostateczny . Późniejszy Michał Anioł był jednym z wielkich wzorców manieryzmu. Młodzi artyści włamali się do jego domu i ukradli mu rysunki. W swojej książce Żywoty najwybitniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów , Giorgio Vasari zauważył, że Michał Anioł powiedział kiedyś: „Ci, którzy są naśladowcami, nigdy nie mogą przejść obok tych, za którymi podążają”.

Duch rywalizacji

Duch rywalizacji kultywowali mecenasi, którzy zachęcali sponsorowanych artystów do podkreślania wirtuozowskiej techniki i rywalizacji o zamówienia. To skłoniło artystów do poszukiwania nowych podejść i dramatycznie oświetlonych scen, wyszukanych strojów i kompozycji, wydłużonych proporcji, mocno wystylizowanych póz i braku wyraźnej perspektywy. Leonardo da Vinci i Michał Anioł otrzymali od Gonfaloniere Piero Soderini zlecenie na udekorowanie ściany w Sali Pięciuset we Florencji. Ci dwaj artyści mieli malować obok siebie i konkurować ze sobą, [ Potrzebne źródło ] napędzanie zachęty do bycia tak innowacyjnym, jak to tylko możliwe.

copy of lost painting that had been by Michelangelo
Kopia po zaginionym oryginale, Battaglia di Cascina Michała Anioła autorstwa Bastiano da Sangallo , pierwotnie zamierzona przez Michała Anioła, aby konkurować z wpisem Leonarda o to samo zamówienie
copy of lost painting that had been by Leonardo da Vinci
Kopia po zaginionym oryginale, Battaglia di Anghiari Leonarda da Vinci , autorstwa Rubensa , pierwotnie zamierzona przez Leonarda, aby konkurować z pracą Michała Anioła w ramach tego samego zamówienia

Wczesny manieryzm

Jacopo Pontormo , Złożenie do grobu , 1528; Santa Felicita, Florencja

Wcześni manieryści we Florencji - zwłaszcza uczniowie Andrei del Sarto , tacy jak Jacopo da Pontormo i Rosso Fiorentino - wyróżniają się wydłużonymi formami, niepewnie wyważonymi pozami, załamaną perspektywą, irracjonalnymi ustawieniami i teatralnym oświetleniem. Parmigianino (uczeń Correggio ) i Giulio Romano (główny asystent Rafaela) podążali w Rzymie w podobnie stylizowanych kierunkach estetycznych. Artyści ci dojrzeli pod wpływem Wysokiego Renesansu, a ich styl został scharakteryzowany jako reakcja na to lub przesadne rozszerzenie. Zamiast bezpośrednio studiować naturę, młodsi artyści zaczęli studiować hellenistyczną rzeźbę i obrazy dawnych mistrzów. Dlatego ten styl jest często identyfikowany jako „antyklasyczny”, ale w tamtym czasie uważano go za naturalny postęp od Wielkiego Renesansu. Najwcześniejsza eksperymentalna faza manieryzmu, znana ze swoich „antyklasycznych” form, trwała do około 1540 lub 1550 roku. Marcia B. Hall , profesor historii sztuki na Temple University, zauważa w swojej książce After Raphael , że przedwczesna śmierć Raphaela zapoczątkowała manieryzm w Rzymie. [ potrzebne źródło ]

W poprzednich analizach zauważono, że manieryzm powstał na początku XVI wieku równocześnie z wieloma innymi ruchami społecznymi, naukowymi, religijnymi i politycznymi, takimi jak heliocentryzm kopernikański, splądrowanie Rzymu w 1527 r . wyzwanie władzy Kościoła katolickiego. Z tego powodu wydłużone i zniekształcone formy tego stylu były kiedyś interpretowane jako reakcja na wyidealizowane kompozycje dominujące w sztuce Wysokiego Renesansu. To wyjaśnienie radykalnej zmiany stylistycznej c. 1520 wypadł z łask naukowców, chociaż wczesna sztuka manierystyczna nadal ostro kontrastuje z konwencjami wysokiego renesansu; dostępność i równowaga osiągnięta przez Raphaela Szkoła ateńska przestała interesować młodych artystów. [ potrzebne źródło ]

Wysoka maniera

Drugi okres manieryzmu jest powszechnie odróżniany [ potrzebne źródło ] od wcześniejszej, tzw. fazy „antyklasycznej”. Kolejni manieryści kładli nacisk na intelektualną zarozumiałość i artystyczną wirtuozerię, cechy, które skłoniły późniejszych krytyków do oskarżenia ich o pracę w nienaturalny i afektowany „sposób” ( maniera ). Artyści Maniery uważali swojego starszego, współczesnego Michała Anioła za główny wzór; ich sztuka była raczej sztuką naśladującą sztukę niż sztuką naśladującą naturę. historyk sztuki Sydney Joseph Freedberg argumentuje, że intelektualizujący aspekt sztuki maniera polega na oczekiwaniu, że publiczność zauważy i doceni to wizualne odniesienie - znajomą postać w nieznanym otoczeniu ujętą w „niewidoczne, ale wyczuwalne cudzysłowy”. Szczytem sztuczności jest skłonność malarza Maniery do celowego sprzeniewierzenia cytatu. Agnolo Bronzino i Giorgio Vasariego stanowią przykład tej odmiany Maniery, która trwała od około 1530 do 1580 roku. Oparta głównie na dworach i kręgach intelektualnych w całej Europie, sztuki Maniera łączyły przesadną elegancję z wyjątkową dbałością o powierzchnię i szczegóły: porcelanowe figury leżą w równym, hartowanym świetle, uznając widzowi chłodnym spojrzeniem, jeśli w ogóle nawiązują kontakt wzrokowy. Temat Maniery rzadko okazuje wiele emocji iz tego powodu prace będące przykładem tego trendu są często nazywane „zimnymi” lub „powściągliwymi”. Jest to typowe dla tak zwanego „stylu stylowego” lub Maniery w jej dojrzałości.

Rozpowszechnianie się

Angielski manieryzm: Henry Howard, hrabia Surrey , 1546, rzadki angielski portret manierystyczny autorstwa flamandzkiego imigranta

Miasta Rzym, Florencja i Mantua były ośrodkami manierystycznymi we Włoszech. Inaczej potoczyło się malarstwo weneckie , które w swojej długiej karierze reprezentował Tycjan . Wielu najwcześniejszych artystów manierystycznych, którzy pracowali w Rzymie w latach dwudziestych XVI wieku, uciekło z miasta po splądrowaniu Rzymu w 1527 roku. Gdy rozprzestrzenili się po całym kontynencie w poszukiwaniu pracy, ich styl rozpowszechnił się we Włoszech i Europie Północnej. Rezultatem był pierwszy międzynarodowy styl artystyczny od czasów gotyku . Inne części Europy Północnej nie miały przewagi w tak bezpośrednim kontakcie z włoskimi artystami, ale styl manierystyczny dał o sobie znać dzięki drukom i ilustrowanym książkom. Dzieła włoskie kupowali m.in. europejscy władcy, podczas gdy artyści z północnej Europy nadal podróżowali do Italii, pomagając szerzyć styl manierystyczny. Poszczególni artyści włoscy pracujący na północy zapoczątkowali ruch znany jako północny manieryzm . Na przykład Franciszek I z Francji otrzymał Wenus , Kupidyna, Szaleństwo i Czas Bronzino . Styl zanikł we Włoszech po 1580 roku, gdy nowe pokolenie artystów, w tym Carracci , Caravaggio i Cigoli , odrodziło naturalizm. Walter Friedlaender określił ten okres jako „antymanieryzm”, podobnie jak pierwsi manierzyści byli „antyklasyczni” w swojej reakcji na odejście od wartości estetycznych Wielkiego Renesansu, a dziś bracia Carracci i Caravaggio zgodnie uznają, że rozpoczęli przejście do Malarstwo w stylu barokowym, które dominowało do 1600 roku.

Jednak poza Włochami manieryzm trwał do XVII wieku. We Francji, gdzie Rosso podróżował do pracy na dworze w Fontainebleau , jest znany jako „ styl Henryka II ” i miał szczególny wpływ na architekturę. Inne ważne kontynentalne ośrodki manieryzmu północnego to dwór Rudolfa II w Pradze , a także Haarlem i Antwerpia . Manieryzm jako kategoria stylistyczna jest rzadziej stosowany w języku angielskim częściej stosuje się rodzime etykiety, takie jak „ elżbietański ” i „ jakobski ”. Wyjątkiem jest XVII-wieczny manieryzm rzemieślniczy , zastosowany do architektury, która opiera się raczej na wzornikach niż na istniejących precedensach w Europie kontynentalnej.

Na szczególną uwagę zasługuje wpływ flamandzki w Fontainebleau, który łączył erotyzm stylu francuskiego z wczesną wersją tradycji vanitas , która zdominowała XVII-wieczne malarstwo holenderskie i flamandzkie. Powszechne w tym czasie było pittore vago , opis malarzy z północy, którzy weszli do warsztatów we Francji i Włoszech, aby stworzyć prawdziwie międzynarodowy styl.

Rzeźba

Podobnie jak w malarstwie, wczesnowłoska rzeźba manierystyczna była w dużej mierze próbą znalezienia oryginalnego stylu, który przewyższyłby osiągnięcia Wielkiego Renesansu , co w rzeźbie zasadniczo oznaczało Michała Anioła, a większość walki o osiągnięcie tego celu rozgrywała się w komisjach do wypełnienia inne miejsca na Piazza della Signoria we Florencji, obok Dawida Michała Anioła . Baccio Bandinelli przejął projekt Herkulesa i Kakusa od samego mistrza, ale był wtedy niewiele bardziej popularny niż obecnie i złośliwie porównany przez Benvenuto Celliniego do „worka melonów”, choć miał długotrwały efekt w postaci najwyraźniej wprowadzenia płaskorzeźb na cokole posągów . Podobnie jak inne dzieła jego i innych manierystów, usuwa znacznie więcej pierwotnej bryły, niż zrobiłby to Michał Anioł. z brązu Celliniego z głową Meduzy jest z pewnością arcydziełem, zaprojektowanym z ośmioma kątami widzenia, kolejną cechą manierystyczną i sztucznie stylizowanym w porównaniu z Dawidem Michała Anioła i Donatella. Pierwotnie złotnik, jego słynna złota i emaliowana Solniczka (1543) była jego pierwszą rzeźbą i pokazuje jego talent w najlepszym wydaniu.

szafek kolekcjonerskich , często motywy mitologiczne z aktami, były popularną formą renesansu, w której Giambologna , pierwotnie flamandzka , ale mieszkająca we Florencji, celowała w drugiej połowie wieku. Tworzył także rzeźby naturalnej wielkości, z których dwie trafiły do ​​kolekcji na Piazza della Signoria. On i jego zwolennicy wymyślili eleganckie, wydłużone przykłady figura serpentinata , często dwóch splecionych ze sobą postaci, które były interesujące ze wszystkich stron.

Wcześni teoretycy

Pietro Francavilla , Apollo zwycięski nad pytonem , 1591. Muzeum Sztuki Walters

Giorgio Vasariego

Giorgio Vasariego na temat sztuki malarskiej wyłaniają się z pochwał, jakimi obdarza innych artystów w swoich wielotomowych Żywotach artystów : uważał, że doskonałość w malarstwie wymaga wyrafinowania, bogactwa inwencji ( invenzione ), wyrażonej poprzez wirtuozerską technikę ( maniera ) oraz dowcip i studium, które pojawiły się w gotowym dziele, wszystkie kryteria podkreślały intelekt artysty i wrażliwość mecenasa. Artysta nie był już tylko wyszkolonym członkiem lokalnej gildii św. Łukasza. Teraz zajął miejsce na dworze obok uczonych, poetów i humanistów, w klimacie, który sprzyjał docenieniu elegancji i złożoności. Herb mecenasów Medyceuszy Vasariego pojawia się u góry jego portretu, zupełnie jakby należał do artysty. Oprawa drzeworytu Żywotów Vasariego nosiłaby nazwę „ Jakoba ”. ” w środowisku anglojęzycznym. W nim grobowce Medyceuszy Michała Anioła inspirują antyarchitektoniczne „architektoniczne” elementy u góry, przebitą papierową ramą, satyrowe akty u podstawy. Jako zwykła rama jest ekstrawagancki: manierystyczny, w krótki..

Gian Paolo Lomazzo

Inną postacią literacką z tego okresu jest Gian Paolo Lomazzo , który stworzył dwie prace - jedną praktyczną i jedną metafizyczną - które pomogły zdefiniować samoświadomy stosunek manierystycznego artysty do jego sztuki. Jego Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Mediolan, 1584) jest częściowo przewodnikiem po współczesnych koncepcjach decorum , które renesans odziedziczył częściowo po starożytności, ale rozwinął się w nim manieryzm. Systematyczna kodyfikacja estetyki Lomazzo, która charakteryzuje bardziej sformalizowane i akademickie podejście typowe dla końca XVI wieku, podkreśliła współbrzmienie między funkcjami wnętrz a rodzajami malowanych i rzeźbionych dekorów, które byłyby odpowiednie. Ikonografia, często zawiła i zawiła, jest bardziej widocznym elementem stylów manierystycznych. Jego mniej praktyczne i bardziej metafizyczne Idea del tempio della pittura ( Idealna świątynia malarstwa , Mediolan, 1590) oferuje opis zgodny z teorią „ czterech temperamentów ” natury ludzkiej i osobowości, określając rolę indywidualności w ocenie i inwencji artystycznej.

Charakterystyka dzieł sztuki

Manieryzm był ruchem antyklasycznym, który znacznie różnił się od estetycznych ideologii renesansu . Chociaż manieryzm był początkowo akceptowany pozytywnie w oparciu o pisma Vasariego , później był postrzegany w negatywnym świetle, ponieważ postrzegał go wyłącznie jako „zmianę naturalnej prawdy i banalne powtórzenie naturalnych formuł”. Jako moment artystyczny, manieryzm obejmuje wiele cech, które są unikalne i specyficzne dla eksperymentowania z postrzeganiem sztuki. Poniżej znajduje się lista wielu specyficznych cech, które manierystyczni artyści zastosowaliby w swoich dziełach.

  • Wydłużenie postaci: często prace manierystyczne przedstawiały wydłużenie postaci ludzkiej - czasami przyczyniało się to do dziwacznych obrazów niektórych sztuk manierystycznych.
  • Zniekształcenie perspektywy: w obrazach zniekształcenie perspektywy badało ideały tworzenia idealnej przestrzeni. Jednak idea doskonałości czasami nawiązywała do tworzenia niepowtarzalnych obrazów. Jednym ze sposobów badania zniekształceń była technika skrótu perspektywicznego . Czasami, gdy używano ekstremalnych zniekształceń, sprawiało to, że obraz był prawie niemożliwy do rozszyfrowania.
  • Czarne tła: manierystyczni artyści często wykorzystywali płaskie czarne tła, aby przedstawić pełny kontrast konturów w celu stworzenia dramatycznych scen. Czarne tła również przyczyniły się do stworzenia poczucia fantazji w temacie.
  • Wykorzystanie ciemności i światła: wielu manierystów było zainteresowanych uchwyceniem istoty nocnego nieba za pomocą celowego oświetlenia, często tworząc wrażenie scen fantastycznych. Warto zauważyć, że szczególną uwagę zwrócono na pochodnię i światło księżyca, aby stworzyć dramatyczne sceny.
  • Formy rzeźbiarskie: Duży wpływ na manieryzm miała rzeźba, która zyskała popularność w XVI wieku. W rezultacie manierystyczni artyści często opierali swoje przedstawienia ludzkich ciał na rzeźbach i grafikach. To pozwoliło artystom manierystycznym skupić się na tworzeniu wymiaru.
  • Przejrzystość linii: uwaga, jaką przykładano do czystych konturów postaci, była widoczna w manieryzmie i różniła się znacznie od baroku i późnego renesansu . Kontury postaci często pozwalały na większą dbałość o szczegóły.
  • Kompozycja i przestrzeń: manierystyczni artyści odrzucili ideały renesansu , zwłaszcza technikę perspektywy jednopunktowej . Zamiast tego położono nacisk na efekty atmosferyczne i zniekształcenie perspektywy . Wykorzystanie przestrzeni w dziełach manierystycznych zamiast tego uprzywilejowało zatłoczone kompozycje o różnych formach i figurach lub skąpe kompozycje z naciskiem na czarne tło.
  • Ruch manierystyczny: zainteresowanie badaniem ruchu ludzkiego często prowadzi do tego, że manierystyczni artyści przedstawiają unikalny rodzaj ruchu związany z pozycjami serpentyn . Pozycje te często przewidują ruchy przyszłych pozycji ze względu na ich często niestabilne wartości ruchów. Ponadto technika ta przypisuje eksperymentowaniu formy przez artystę.
  • Malowane ramy: w niektórych dziełach manierystycznych malowane ramy były wykorzystywane do wtapiania się w tło obrazów, a czasami przyczyniały się do ogólnej kompozycji dzieła sztuki. Jest to czasami powszechne, gdy szczególną uwagę zwraca się na ozdobne detale.
  • Efekty atmosferyczne: wielu manierystów wykorzystywało w swoich obrazach technikę sfumato , znaną jako „renderowanie miękkich i zamglonych konturów lub powierzchni” do renderowania strumienia światła.
  • Kolor manierystyczny: unikalnym aspektem manieryzmu było oprócz eksperymentowania z formą, kompozycją i światłem, ta sama ciekawość dotyczyła koloru. Wiele dzieł sztuki bawiło się czystymi i intensywnymi odcieniami błękitu, zieleni, różu i żółci, które czasami umniejszają ogólny projekt dzieł sztuki, a innym razem go uzupełniają. Dodatkowo, podczas rozdzierania odcienia skóry, artyści często koncentrowali się na tworzeniu nadmiernie kremowej i jasnej karnacji i często wykorzystywali odcienie niebieskiego.

Artyści i przykłady ich twórczości

Joachim Wtewael Perseus and Andromeda , 1616, Luwr, kompozycja przedstawiająca Vanité z kości i muszli na pierwszym planie oraz wyszukany akt akademicki z paletą zapożyczoną z przodu dla policzków Andromedy. Smok wydaje się mieć chińskie .

Jakuba da Pontormo

Jacopo da Pontormo jest jednym z najważniejszych wkładów w manieryzm. Często czerpał tematykę z narracji religijnych; pod silnym wpływem twórczości Michała Anioła często nawiązuje do form rzeźbiarskich lub wykorzystuje je jako modele dla swoich kompozycji. Znanym elementem jego twórczości jest oddawanie spojrzeń różnych postaci, które często wbijają się w widza w różnych kierunkach. Oddany swojej pracy Pontormo często wyrażał niepokój o jej jakość i był znany z powolnej i metodycznej pracy. Jego spuścizna jest wysoko ceniona, ponieważ wywarł wpływ na artystów takich jak Agnolo Bronzino oraz ideały estetyczne późnego manieryzmu.

Józef w Egipcie Pontormo , namalowany w 1517 r., przedstawia ciągłą narrację czterech biblijnych scen, w których Józef ponownie łączy się z rodziną. Po lewej stronie kompozycji Pontomoro przedstawia scenę, w której Józef przedstawia swoją rodzinę faraonowi Egiptu . Po prawej Józef jedzie na ruchomej ławce, a cherubiny wypełniają kompozycję wokół niego, oprócz innych postaci i dużych skał na ścieżce w oddali. Nad tymi scenami znajdują się spiralne schody, którymi Józef prowadzi jednego ze swoich synów do ich matki na szczycie. Ostatnia scena, po prawej, to ostatni etap śmierci Jakuba, gdy jego synowie obserwują go w pobliżu.

Józef w Egipcie Pontormo zawiera wiele elementów manierystycznych. Jednym z elementów jest wykorzystanie niepasujących do siebie kolorów, takich jak różne odcienie różu i błękitu, które stanowią większość płótna . Dodatkowym elementem manieryzmu jest niespójne traktowanie czasu w historii Józefa poprzez różne sceny i wykorzystanie przestrzeni. Poprzez włączenie czterech różnych narracji, Ponotormo tworzy zagraconą kompozycję i ogólne poczucie zajętości.

Rosso Fiorentino i Szkoła w Fontainebleau

Rosso Fiorentino , który był kolegą z Pontormo w pracowni Andrei del Sarto , w 1530 roku sprowadził manieryzm florencki do Fontainebleau , gdzie stał się jednym z założycieli XVI-wiecznego francuskiego manieryzmu, popularnie znanego jako szkoła z Fontainebleau .

Przykłady bogatego i gorączkowego stylu dekoracyjnego w Fontainebleau dalej rozpowszechniały styl włoski poprzez ryciny do Antwerpii , a stamtąd w całej Europie Północnej, od Londynu do Polski. Manierystyczne wzornictwo zostało rozszerzone na towary luksusowe, takie jak srebro i rzeźbione meble. Poczucie napiętej, kontrolowanej emocji wyrażonej w rozbudowanej symbolice i alegorii oraz ideał kobiecego piękna charakteryzujący się wydłużonymi proporcjami to cechy tego stylu.

Agnolo Bronzino

Wysoki manieryzm: Wenus, Kupidyn, szaleństwo i czas, Bronzino , ok. 1545; Galeria Narodowa, Londyn .

Agnolo Bronzino był uczniem Pontormo, którego styl był bardzo wpływowy i często mylący, jeśli chodzi o ustalenie przypisania wielu dzieł sztuki. W trakcie swojej kariery Bronzino współpracował także z Vasarim jako scenograf do produkcji „Komedia magów”, gdzie namalował wiele portretów . Dzieło Bronzino było poszukiwane i odniósł wielki sukces, kiedy w 1539 roku został nadwornym malarzem rodziny Medyceuszy . Wyjątkową manierystyczną cechą twórczości Bronzino było przedstawienie mlecznej cery .

Na obrazie Wenus, Kupidyn, szaleństwo i czas Bronzino przedstawia scenę erotyczną, która pozostawia widza z większą liczbą pytań niż odpowiedzi. Na pierwszym planie Kupidyn i Wenus prawie się całują, ale zatrzymują się, jakby zostali złapani na gorącym uczynku. Nad parą są postacie mitologiczne, Ojciec Czas po prawej stronie, który zaciąga zasłonę, aby odsłonić parę i przedstawienie bogini nocy po lewej stronie. W kompozycji pojawia się także zgrupowanie masek, hybrydowe stworzenie złożone z cech dziewczyny i węża oraz mężczyzna przedstawiony w bolesnym bólu. Dla obrazu dostępnych jest wiele teorii, takich jak przekazywanie niebezpieczeństw syfilis , czy też, że obraz funkcjonował jako gra dworska .

Manierystyczne portrety Bronzino odznaczają się pogodną elegancją i drobiazgową dbałością o szczegóły. W rezultacie mówi się, że opiekunowie Bronzino wykazują dystans i wyraźną emocjonalną odległość od widza. Istnieje również wirtuozowska koncentracja na uchwyceniu precyzyjnego wzoru i połysku bogatych tkanin. Konkretnie, w ramach Wenus, Kupidyna, Szaleństwa i Czasu , Bronzino wykorzystuje taktykę ruchu manierystycznego, dbałość o szczegóły, kolor i formy rzeźbiarskie. Dowody ruchu manierystycznego są widoczne w niezręcznych ruchach Kupidyna i Wenus, gdy wykrzywiają swoje ciała, by częściowo się objąć. W szczególności Bronzino maluje cerę z wieloma formami jako idealną porcelanową biel z gładkim zatarciem ich mięśni, co stanowi odniesienie do gładkości rzeźby.

Aleksander Allori

Susanna and the Elders ( poniżej ) Alessandro Alloriego (1535–1607 ) wyróżnia się ukrytym erotyzmem i świadomie błyskotliwymi szczegółami martwej natury, w zatłoczonej, wykrzywionej kompozycji.

Jakuba Tintoretta

Jacopo Tintoretto , Ostatnia Wieczerza , 1592-1594

Jacopo Tintoretto był znany ze swojego bardzo zróżnicowanego wkładu w malarstwo weneckie po dziedzictwie Tycjana . Jego twórczość, która znacznie różniła się od jego poprzedników, była krytykowana przez Vasariego za „fantastyczny, ekstrawagancki, dziwaczny styl”. W swojej twórczości Tintoretto przyjął elementy manierystyczne, które oddaliły go od klasycznego pojęcia malarstwa weneckiego, ponieważ często tworzył dzieła zawierające elementy fantazji i zachowujące naturalizm . Inne unikalne elementy prac Tintoretta to dbałość o kolor poprzez regularne stosowanie szorstkich pociągnięć pędzla i eksperymentowanie z pigmentem w celu stworzenia iluzji.

Dziełem, które kojarzy się z cechami manierystycznymi, jest Ostatnia Wieczerza ; została zamówiona przez Michele Alabardi dla San Giorgio Maggiore w 1591 roku. W Ostatniej wieczerzy Tintoretta scena jest przedstawiona z perspektywy grupy ludzi po prawej stronie kompozycji. Po lewej stronie obrazu Chrystus i Apostołowie zajmują jedną stronę stołu i wyróżniają Judasza . W ciemnej przestrzeni jest niewiele źródeł światła; aureolę Chrystusa i wisząca pochodnia nad stołem.

W swojej odrębnej kompozycji Ostatnia Wieczerza przedstawia cechy manierystyczne. Jedną z cech, które wykorzystuje Tintoretto, jest czarne tło. Chociaż obraz daje pewne wskazówki co do przestrzeni wewnętrznej poprzez zastosowanie perspektywy , krawędzie kompozycji są w większości spowite cieniem, co nadaje dramatyzmu centralnej scenie Ostatniej Wieczerzy . Dodatkowo Tintoretto wykorzystuje efekty reflektora ze światłem, zwłaszcza z aureolą Chrystusa i pochodnią wiszącą nad stołem. Trzecią manierystyczną cechą, którą wykorzystuje Tintoretto, są atmosferyczne efekty postaci ukształtowanych w dymie i unoszących się nad kompozycją.

El Greco

El Greco próbował wyrazić emocje religijne za pomocą przesadnych cech. Po realistycznym przedstawieniu ludzkiej postaci i opanowaniu perspektywy osiągniętym w okresie Wielkiego Renesansu, niektórzy artyści zaczęli celowo zniekształcać proporcje w chaotycznej, irracjonalnej przestrzeni, aby uzyskać efekt emocjonalny i artystyczny. El Greco nadal jest głęboko oryginalnym artystą. Został scharakteryzowany przez współczesnych uczonych jako artysta tak indywidualny, że nie należy do żadnej konwencjonalnej szkoły. Kluczowe aspekty manieryzmu w El Greco obejmują drażniącą „kwasową” paletę, wydłużoną i torturowaną anatomię, irracjonalną perspektywę i światło oraz niejasną i niepokojącą ikonografię. Styl El Greco był kulminacją wyjątkowych osiągnięć opartych na jego greckim dziedzictwie i podróżach do Hiszpanii i Włoch.

Prace El Greco odzwierciedlają wiele stylów, w tym elementy bizantyjskie , a także wpływy Caravaggia i Parmigianino , oprócz weneckiej kolorystyki . Ważnym elementem jest dbałość o kolor, który uważał za jeden z najważniejszych aspektów swojego malarstwa. W trakcie swojej kariery prace El Greco cieszyły się dużym zainteresowaniem, ponieważ wykonywał ważne zlecenia w miejscach takich jak Colegio de la Encarnación de Madrid .

El Greco , Laokoon (ok. 1610–1614), Narodowa Galeria Sztuki

Unikalny styl malarski El Greco i połączenie z cechami manierystycznymi jest szczególnie rozpowszechnione w dziele Laokoon . Namalowany w 1610 roku, przedstawia mitologiczną opowieść o Laokoonie , który ostrzegał Trojan przed niebezpieczeństwem związanym z drewnianym koniem , przedstawianym przez Greków jako ofiara pokojowa dla bogini Minerwy . W rezultacie Minerva zemściła się, wzywając węże, by zabiły Laokoona i jego dwóch synów. Zamiast na tle Troi , El Greco umieścił scenę w pobliżu Toledo w Hiszpanii w celu „upowszechnienia historii poprzez wydobycie jej znaczenia dla współczesnego świata”.

Unikalny styl El Greco w Laokoonie jest przykładem wielu cech manierystycznych. Przeważa wydłużenie wielu postaci ludzkich w całej kompozycji w połączeniu z ich wężowym ruchem, który zapewnia poczucie elegancji. Dodatkowym elementem stylu manierystycznego są nastrojowe efekty, w których El Greco tworzy zamglone niebo i rozmycie krajobrazu w tle.

Benvenuta Celliniego

Benvenuto Cellini stworzył Solniczkę Cellini ze złota i emalii w 1540 roku przedstawiającą Posejdona i Amfitryt (wodę i ziemię) umieszczonych w niewygodnych pozycjach io wydłużonych proporcjach. Uważany jest za arcydzieło rzeźby manierystycznej.

Minerva Dressing (1613) autorstwa Lavinia Fontana (1552–1614). Galleria Borghese, Rzym.

Lavinia Fontana

Lavinia Fontana (1552–1614) była portrecistką manierystyczną, często uznawaną za pierwszą artystkę w Europie Zachodniej. Została mianowana portrecistką zwyczajną w Watykanie . Jej styl charakteryzuje się wpływem rodziny malarzy Carracci na kolory szkoły weneckiej. Jest znana ze swoich portretów szlachcianek i przedstawiania nagich postaci, co było niezwykłe dla kobiety jej czasów.

Taddeo Zuccaro (lub Zuccari)

Taddeo Zuccaro urodził się w Sant'Angelo in Vado , niedaleko Urbino, jako syn Ottaviano Zuccari, prawie nieznanego malarza. Jego brat Federico , urodzony ok. 1540 r., również był malarzem i architektem.

Federico Zuccaro (lub Zuccari)

Udokumentowana kariera malarza Federico Zuccaro rozpoczęła się w 1550 roku, kiedy przeniósł się do Rzymu , aby pracować pod kierunkiem swojego starszego brata Taddeo . Następnie wykonał dekoracje dla Piusa IV i pomógł ukończyć dekoracje fresków w Villa Farnese w Capraroli . W latach 1563-1565 działał w Wenecji wraz z rodziną Grimani z Santa Maria Formosa. W okresie weneckim podróżował u boku Palladia we Friuli.

Joachima Wtewaela

Joachim Wtewael (1566–1638) do końca życia malował w stylu północno-manierystycznym , ignorując nadejście sztuki barokowej i czyniąc go być może ostatnim znaczącym manierystycznym artystą, który wciąż pracuje. Jego tematy obejmowały duże sceny z martwą naturą w stylu Pietera Aertsena i sceny mitologiczne, wiele małych obrazów gabinetowych pięknie wykonanych na miedzi, a większość z nich przedstawiała nagość.

Giuseppe Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo jest najbardziej znany ze swoich prac, które zawierają martwą naturę i portrety . Jego styl jest postrzegany jako manierystyczny ze stylem składania owoców i warzyw, w którym jego kompozycję można przedstawić na różne sposoby - prawą stroną do góry i do góry nogami. Dzieła Arcimboldo odnosiły się również do manieryzmu pod względem humoru, który przekazuje widzom, ponieważ nie ma takiego samego stopnia powagi jak dzieła renesansu. Stylistycznie obrazy Arcimboldo znane są z przywiązania do natury i koncepcji „potwornego wyglądu”.

Jednym z obrazów Arcimbolda, który zawiera różne cechy manierystyczne, jest Vertumnus . Na czarnym tle namalowany jest portret Rudolfa II , którego ciało składa się z różnych warzyw, kwiatów i owoców. Żart z obrazu przekazuje humor władzy, który polega na tym, że cesarz Rudolf II ukrywa mroczną wewnętrzną jaźń za swoim publicznym wizerunkiem. Z drugiej strony, poważny ton obrazu zapowiada pomyślność, jaka miała zapanować za jego panowania.

Vertumnus zawiera różne elementy manierystyczne pod względem kompozycji i przesłania. Jednym z elementów jest płaskie, czarne tło, którym Arcimboldo podkreśla status i tożsamość cesarza, a także podkreśla fantazję jego panowania. W portrecie Rudolfa II Arcimboldo również odchodzi od naturalizmu przedstawienie renesansu i bada konstrukcję kompozycji, renderując go z mieszanki owoców, warzyw, roślin i kwiatów. Innym elementem manieryzmu, który ukazuje obraz, jest podwójna narracja żartu i poważnego przesłania; humor nie był zwykle wykorzystywany w dziełach sztuki renesansu.

Architektura

Vleeshal w Haarlem , Holandia _
Ratusz w Zamościu , Polska , proj. Bernardo Morando .

Architektura manierystyczna charakteryzowała się sztuczkami wizualnymi i nieoczekiwanymi elementami, które rzucały wyzwanie normom renesansu . Artyści flamandzcy, z których wielu podróżowało do Włoch i byli pod wpływem tamtejszego rozwoju manierystycznego, byli odpowiedzialni za rozprzestrzenianie się trendów manierystycznych w Europie na północ od Alp, w tym w dziedzinie architektury. W tym okresie architekci eksperymentowali z wykorzystaniem form architektonicznych w celu podkreślenia relacji bryłowych i przestrzennych. Renesansowy ideał harmonii ustąpił miejsca bardziej swobodnym i pomysłowym rytmom. Najbardziej znany architekt związany ze stylem manierystycznym, pionier w tej dziedzinie Laurentian Library , był Michał Anioł (1475-1564). Przypisuje mu się wynalezienie gigantycznego porządku , dużego pilastra, który rozciąga się od dołu do góry fasady. Użył tego w swoim projekcie Piazza del Campidoglio w Rzymie. Herrerian styl ( hiszpański : estilo herreriano lub arquitectura herreriana ) w architekturze rozwinął się w Hiszpanii w ostatniej trzeciej XVI wieku za panowania Filipa II (1556–1598) i obowiązywał w XVII wieku, ale przekształcony przez ówczesny styl barokowy . Odpowiada to trzeciemu i ostatniemu etapowi hiszpańskiej architektury renesansowej , która przekształciła się w postępową ornamentykę oczyszczającą, od początkowego plateresque do klasycznego puryzmu z drugiej tercji XVI wieku i dekoracyjnej totalnej nagości, która wprowadziła styl Herrerian.

Przed XX wiekiem termin manieryzm miał negatywne konotacje, ale obecnie jest używany do opisania okresu historycznego w bardziej ogólnych, nieoceniających kategoriach. Architektura manierystyczna została również wykorzystana do opisania trendu lat 60. i 70. XX wieku, polegającego na łamaniu norm architektury modernistycznej przy jednoczesnym uznaniu ich istnienia. Definiując manieryzm w tym kontekście, architekt i autor Robert Venturi napisał „Manieryzm dla architektury naszych czasów, który uznaje konwencjonalny porządek, a nie oryginalną ekspresję, ale łamie konwencjonalny porządek, aby dostosować się do złożoności i sprzeczności, a tym samym jednoznacznie angażuje się w dwuznaczność”.

przykłady renesansu

Przykładem architektury manierystycznej jest Villa Farnese w Capraroli , na surowej wsi poza Rzymem . Rozprzestrzenianie się rytowników w XVI wieku rozpowszechniło style manierystyczne szybciej niż jakiekolwiek poprzednie style.

Gęste z ornamentem „rzymskich” detali drzwi wystawowe w zamku Colditz są przykładem stylu północnego, charakterystycznie zastosowanego jako izolowany „element zestawu” na tle bezpretensjonalnych ścian w języku narodowym. [ potrzebne źródło ]

Od końca lat sześćdziesiątych XVI wieku wiele budynków w Valletcie , nowej stolicy Malty , zostało zaprojektowanych przez architekta Girolamo Cassara w stylu manierystycznym. Do takich budynków należy konkatedra św. Jana , Pałac Wielkiego Mistrza i siedem oryginalnych zajazdów . Wiele budynków Cassara zostało zmodyfikowanych na przestrzeni lat, zwłaszcza w baroku . Jednak kilka budynków, takich jak Auberge d'Aragon a zewnętrzna część konkatedry św. Jana nadal zachowuje większość oryginalnego manierystycznego projektu Cassara.

Literatura i muzyka

Zobacz też: Poeci metafizyczni

W literaturze angielskiej manieryzm jest powszechnie utożsamiany z cechami poetów „metafizycznych”, z których najbardziej znanym jest John Donne . Dowcipny występ barokowego pisarza, Johna Drydena , przeciwko wersetowi Donne'a z poprzedniego pokolenia, daje zwięzły kontrast między barokowymi i manierystycznymi celami w sztuce:

Wpływa na metafizykę nie tylko w swoich satyrach, ale także w swoich miłosnych wierszach, w których powinna królować tylko natura ; i wprawia w zakłopotanie umysły płci pięknej przyjemnymi spekulacjami filozoficznymi, kiedy powinien zająć ich serca i zabawiać je łagodnością miłości. (kursywa dodana)

Bogate możliwości muzyczne w poezji końca XVI i początku XVII wieku stanowiły atrakcyjną podstawę dla madrygału , który szybko zyskał na znaczeniu jako wybitna forma muzyczna we włoskiej kulturze muzycznej, jak omówił Tim Carter :

Madrygał, zwłaszcza w swojej arystokratycznej postaci, był oczywiście nośnikiem „stylowego stylu” manieryzmu, w którym poeci i muzycy rozkoszowali się dowcipnymi pomysłami i innymi sztuczkami wizualnymi, słownymi i muzycznymi, by zachwycić konesera.

Słowo manieryzm było również używane do opisania stylu wysoce kwiecistej i złożonej kontrapunktycznie muzyki polifonicznej wykonanej we Francji pod koniec XIV wieku. Okres ten jest obecnie zwykle określany jako ars subtilior .

Manieryzm i teatr

The Early Commedia dell'Arte (1550–1621): Kontekst manierystyczny Paula Castagno omawia wpływ manieryzmu na współczesny teatr zawodowy. Castagno było pierwszym studium, w którym zdefiniowano formę teatralną jako manierystyczną, wykorzystując słownictwo manieryzmu i maniery do omówienia typizacji, przesady i effetto meraviglioso komiksu dell'arte . Zobacz część II powyższej książki, aby uzyskać pełne omówienie cech manierystycznych w commedia dell'arte . Badanie ma w dużej mierze charakter ikonograficzny, przedstawiając obrazowy dowód na to, że wielu artystów, którzy malowali lub drukowali obrazy komediowe, w rzeczywistości wywodziło się z ówczesnych warsztatów, mocno osadzonych w tradycji maniera.

Precyzja drobnych rycin Jacquesa Callota wydaje się przeczyć znacznie większej skali działania. Balli di Sfessania Callota (dosłownie taniec pośladków) celebruje rażący erotyzm komedii, z wystającymi fallusami, włóczniami ustawionymi w oczekiwaniu na ryzę komiksu i rażąco przesadnymi maskami, które mieszają bestialstwo z człowiekiem. Erotyzm kochanków , w tym obnażanie piersi lub nadmierne zasłanianie, był dość modny na obrazach i rycinach z drugiej szkoły w Fontainebleau , zwłaszcza te, które wykrywają wpływy francusko-flamandzkie. Castagno ukazuje ikonograficzne powiązania między malarstwem gatunkowym a postaciami commedia dell'arte, które pokazują, jak ta forma teatralna była osadzona w kulturowych tradycjach późnego cinquecento .

Commedia dell'arte, disegno interno i discordia concors

Istnieją ważne następstwa między disegno interno , które zastąpiły disegno esterno (projekt zewnętrzny) w malarstwie manierystycznym. Ta koncepcja projektowania głęboko subiektywnego poglądu jako zastępującego naturę lub ustalone zasady (na przykład perspektywę), w istocie polega na przeniesieniu nacisku z przedmiotu na jego podmiot, teraz kładąc nacisk na wykonanie, pokazy wirtuozerii lub unikalne techniki. Ta wewnętrzna wizja leży u podstaw występów komediowych. Na przykład w momencie improwizacji aktor wyraża swoją wirtuozerię bez zważania na granice formalne, decorum, jedność czy tekst. Arlecchino stał się symbolem manierystycznej discordia concors (zjednoczenia przeciwieństw), w jednej chwili był łagodny i miły, a potem za grosze stał się złodziejem brutalnie rozgrywającym swoją bitwę. Arlecchino potrafił poruszać się z gracją, by w następnym takcie niezdarnie potknąć się o własne nogi. Uwolniony od zewnętrznych reguł, aktor celebrował przemijanie chwili; podobnie jak Benvenuto Cellini olśniewał swoich patronów, drapując swoje rzeźby, odsłaniając je efektami świetlnymi i poczuciem cudowności. Prezentacja przedmiotu stała się równie ważna jak sam przedmiot.

neomanieryzm

W XX wieku powstanie neomanieryzmu zapoczątkował artysta Ernie Barnes . Na styl ten duży wpływ miała zarówno społeczność żydowska, jak i afroamerykańska, co doprowadziło do powstania wystawy „The Beauty of the Ghetto” w latach 1972 - 1979. Wystawa objechała główne miasta amerykańskie, a gospodarzami byli dygnitarze, zawodowi sportowcy i celebrytów. Kiedy wystawa była prezentowana w 1974 roku w Muzeum Sztuki Afrykańskiej w Waszyngtonie, kongresmen John Conyers podkreślił ważne pozytywne przesłanie wystawy w protokole Kongresu .

Styl neomanieryzmu, opracowany przez Barnesa, obejmuje przedmioty z wydłużonymi kończynami i ciałami, a także przesadny ruch. Innym częstym tematem były zamknięte oczy badanych, jako wizualna reprezentacja tego, „jak ślepi jesteśmy na człowieczeństwo innych”. „Patrzymy na siebie i od razu decydujemy: ta osoba jest czarna, więc musi być… Ta osoba żyje w biedzie, więc musi być…”.

Teatr i kino

W wywiadzie reżyser filmowy Peter Greenaway wspomina Federico Felliniego i Billa Violę jako dwie główne inspiracje dla jego wyczerpującej i autoreferencyjnej gry z nierozwiązywalnym napięciem między formą bazy danych obrazów a różnymi analogowymi i cyfrowymi interfejsami, które nadają im kinową strukturę. Tę sztukę można nazwać neomanieryzmem właśnie o tyle, o ile różni się ona od (neo)baroku: „Tak jak katolicyzm ofiarowałby wam raj i niebo, istnieje odpowiednik raju handlowego, który jest oferowany w dużej mierze przez cały efekt kapitalistyczny, która jest kojarzona z kinem zachodnim. To jest moja polityczna analogia w zakresie wykorzystania multimediów jako broni politycznej. Zrównałbym w pewnym sensie wielką barokową kontrreformację, jej działalność kulturalną, z jakim kinem, głównie kinem amerykańskim , robił przez ostatnie siedemdziesiąt lat”.

Jako termin krytyki

Według krytyka sztuki Jerry'ego Saltza , „neomanieryzm” (nowy manieryzm) jest jednym z kilku stereotypów, które „wyciskają życie ze świata sztuki”. Neomanieryzm opisuje sztukę XXI wieku, którą tworzą studenci, których nauczyciele akademiccy „wystraszyli [ich], aby byli przyjemnie potulni, naśladowczy i zwyczajni”.

Zobacz też

Notatki

  • Apel, Willi. 1946–47. „Francuska muzyka świecka końca XIV wieku”. Acta Musicologica 18: 17–29.
  • Bryganti, Giuliano. 1962. Włoski manieryzm , przetłumaczone z włoskiego przez Margaret Kunzle. Londyn: Tamiza i Hudson; Princeton: Van Nostrand; Lipsk: wydanie VEB. (Pierwotnie opublikowane w języku włoskim, jako La maniera italiana , La pittura italiana 10. Rzym: Editori Riuniti , 1961).
  •   Carter, Tim. 1991. Muzyka w późnym renesansie i wczesnym baroku we Włoszech . Londyn: Amadeus Press. ISBN 0-9313-4053-5 [ wymagana weryfikacja ]
  •   Castagno, Paul C. 1994. Wczesna Commedia Dell'arte (1550–1621): kontekst manierystyczny . Nowy Jork: P. Lang. ISBN 0-8204-1794-7 .
  •     Cheney, Liana de Girolami (red.). 2004. Odczyty w manieryzmie włoskim , drugi druk, z przedmową Craiga Hugh Smytha. Nowy Jork: Peter Lang. ISBN 0-8204-7063-5 . (Poprzednie wydanie, bez przedmowy autorstwa Smytha, Nowy Jork: Peter Lang, 1997. ISBN 0-8204-2483-8 ).
  • Cox-Rearick, Janet. „Pontormo, Jacopo da”. Grove Art Online.11 kwietnia 2019 r. http://www.oxfordartonline.com/groveart/view/10.1093/gao/9781884446054.001.0001/oao-9781884446054-e-7000068662 .
  • Davies, David, Greco, JH Elliott, Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork, NY) i National Gallery (Wielka Brytania). El Greco. Londyn: National Gallery Company, 2003.
  • Freedberg, Sidney J. 1965. „Uwagi na temat malarstwa Maniery”. [ potrzebne pełne cytowanie ] Przedruk w Cheney 2004, 116–23.
  •   Freedberg, Sidney J. 1971. Malarstwo we Włoszech, 1500–1600 , pierwsze wydanie. Historia sztuki Pelikan. Harmondsworth i Baltimore: Penguin Books . ISBN 0-14-056035-1
  •     Freedberg, Sidney J. 1993. Malarstwo we Włoszech, 1500–1600 , wydanie 3, New Haven i Londyn: Yale University Press . ISBN 0-300-05586-2 (płótno) ISBN 0-300-05587-0 (pbk)
  • Friedlander, Walter . 1965. Manieryzm i antymanieryzm w malarstwie włoskim . Nowy Jork: Schocken. LOC 578295 (wydanie pierwsze, Nowy Jork: Columbia University Press, 1958.)
  •   Gombrich, E[rnst] H[an]. 1995. Historia sztuki , wydanie szesnaste. Londyn: Phaidon Press. ISBN 0-7148-3247-2 .
  • Kaufmann, Thomas DaCosta. Arcimboldo: dowcipy wizualne, historia naturalna i malarstwo martwej natury . Chicago: University of Chicago Press, 2010. ProQuest Ebook Central.
  •   Lambraki-Plaka, Marina (1999). El Greco- Grek. Kastaniotis. ISBN 960-03-2544-8 .
  • Marchetti Letta, Elisabetta, Jacopo Da Pontormo i Rosso Fiorentino. Pontormo, Rosso Fiorentino. Biblioteka Wielkich Mistrzów. Antella, Florencja: Scala, 199
  • Marias, Fernando. 2003 „Greco, El.” Grove Art Online. 2 kwietnia 2019 r. http://www.oxfordartonline.com/groveart/view/10.1093/gao/9781884446054.001.0001/oao-9781884446054-e-7000034199 .
  •   Mirollo, James V. 1984. Manieryzm i poezja renesansowa: koncepcja, tryb, projekt wewnętrzny . New Haven: Yale University Press. ISBN 0-300-03227-7 .
  • Nichols, Tomek. Tintoretto: Tradycja i tożsamość. Londyn: Reakcja, 1999.
  •   Shearman, John KG 1967. Manieryzm . Styl i cywilizacja. Harmondsworth: Pingwin. Przedruk, Londyn i Nowy Jork: Penguin, 1990. ISBN 0-14-013759-9
  •   Olson, Roberta JM, Rzeźba włoskiego renesansu , 1992, Thames & Hudson (World of Art), ISBN 9780500202531
  • Mądrze, Alastairze. Renesans i manieryzm w Europie Północnej i Hiszpanii. Historia sztuki Harbrace'a . Nowy Jork: Harcourt Brace Jovanovich, 1972.
  •   Smyth, Craig Hugh. 1992. Manieryzm i Maniera , ze wstępem Elizabeth Cropper. Wiedeń: IRSA. ISBN 3-900731-33-0 .
  •     Summerson, Jan. 1983. Architektura w Wielkiej Brytanii 1530–1830 , wydanie siódme poprawione i powiększone (trzecie zintegrowane). Historia sztuki Pelikan. Harmondsworth i Nowy Jork: Pingwin. ISBN 0-14-056003-3 (w okładce) ISBN 0-14-056103-X (pbk) [Przedruk z poprawkami, 1986; Wydanie 8, Harmondsworth i New York: Penguin, 1991.]
  • Stokstad, Marilyn i Michael Watt Cothren. Historia sztuki. wyd. 4 Upper Saddle River, NJ: Pearson/Prentice Hall, 2011.

Dalsza lektura

  •   Gardner, Helen Louise. 1972. Poeci metafizyczni, wybrani i zredagowani, wydanie poprawione. Wstęp. Harmondsworth, Anglia; Nowy Jork: Penguin Books. ISBN 0-14-042038-X .
  • Grossmann F. 1965. Między renesansem a barokiem: sztuka europejska: 1520–1600 . Galeria sztuki Manchester City
  •   Hall, Marcia B. 2001. Po Rafaelu: malarstwo w środkowych Włoszech w XVI wieku , Cambridge University Press . ISBN 0-521-48397-2 .
  •   Pinelli, Antonio. 1993. La bella maniera: artisti del Cinquecento tra regola e licenza . Turyn: Piccola biblioteca Einaudi. ISBN 88-06-13137-0
  • Sypher, Wylie. 1955. Cztery etapy stylu renesansowego: przemiany w sztuce i literaturze, 1400–1700 . Garden City, NY: Podwójny dzień. Klasyczna analiza renesansu, manieryzmu, baroku i późnego baroku.
  • Würtenberger, Franzsepp. 1963. Manieryzm: europejski styl XVI wieku . New York: Holt, Rinehart and Winston (pierwotnie opublikowane w języku niemieckim jako Der Manierismus; der europäische Stil des sechzehnten Jahrhunderts . Wiedeń: A. Schroll, 1962).

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Mannerism&oldid=1142691025 ”