Malarstwo zachodnie

Dziewczyna z perłą Johannesa Vermeera (1665–1667), znana jako Mona Lisa Północy.
Balkon Édouarda Maneta ( 1868)
Historia sztuki
Okresy i ruchy
Regiony
Sztuka Bliskiego Wschodu

Sztuka Azji Środkowej

Sztuka Azji Wschodniej

Sztuka Azji Południowej

Sztuka Azji Południowo-Wschodniej

Sztuka Europy

Sztuka Afryki

Sztuka obu Ameryk

Sztuka Australii

Sztuka Oceanii
Religie
Techniki
typy

Historia malarstwa zachodniego reprezentuje ciągłą, choć zakłóconą tradycję od starożytności do współczesności. Do połowy XIX wieku zajmował się przede wszystkim reprezentacyjnymi i klasycznymi sposobami produkcji, po czym zyskały na popularności formy bardziej nowoczesne , abstrakcyjne i konceptualne .

Początkowo służąc mecenatowi cesarskiemu, prywatnemu, obywatelskiemu i religijnemu, malarstwo zachodnie później znalazło odbiorców wśród arystokracji i klasy średniej. Od średniowiecza do renesansu malarze pracowali dla kościoła i zamożnej arystokracji. Począwszy od baroku artyści otrzymywali prywatne zlecenia od lepiej wykształconej i zamożniejszej klasy średniej. Idea „ sztuki dla sztuki ” zaczęła znajdować wyraz w twórczości malarzy romantycznych , takich jak Francisco de Goya , Johna Constable'a i JMW Turnera . W XIX wieku powstały galerie handlowe, które nadal sprawowały mecenat w XX wieku.

Zachodnie malarstwo osiągnęło swój zenit w Europie w okresie renesansu, w połączeniu z wyrafinowaniem rysunku, stosowaniem perspektywy , ambitną architekturą, gobelinem , witrażami , rzeźbą oraz okresem przed i po pojawieniu się prasy drukarskiej . Podążając za głębią odkryć i złożonością innowacji renesansu, bogate dziedzictwo malarstwa zachodniego trwało od okresu baroku do sztuki współczesnej .

Pre-historia

Zobacz też: Sztuka prehistoryczna

Historia malarstwa sięga w czasie do artefaktów prehistorycznych artystów i obejmuje wszystkie kultury. Najstarsze znane obrazy znajdują się w Grotte Chauvet we Francji i według niektórych historyków mają około 32 000 lat. Są grawerowane i malowane przy użyciu czerwonej ochry i czarnego pigmentu i pokazują konie, nosorożce, lwy, bawoły, mamuty lub ludzi często polujących. Istnieją przykłady malowideł naskalnych na całym świecie — we Francji, Indiach, Hiszpanii, Portugalii, Chinach, Australii itp. Istnieje wiele wspólnych motywów w różnych miejscach, w których znaleziono obrazy; sugerując uniwersalność celu i podobieństwo impulsów, które mogły zainspirować artystów do stworzenia obrazów. Wysuwano różne przypuszczenia co do znaczenia, jakie te obrazy miały dla artystów, którzy je wykonali. Prehistoryczni ludzie mogli malować zwierzęta, aby „złapać” ich duszę lub ducha, aby łatwiej na nie polować, lub obrazy mogą przedstawiać animistyczną wizję i hołd dla otaczającej przyrody , albo mogą być wynikiem wrodzonej człowiekowi podstawowej potrzeby ekspresji , albo mogą być zapisem życiowych doświadczeń artystów i związanych z nimi opowieści członków ich kręgu .

Malarstwo zachodnie

Osobny artykuł: Historia malarstwa

Grecja i Rzym

Zobacz też: Sztuka starożytna

Pierwsza cywilizacja zachodnia jest również znana jako cywilizacja minojska . Malarstwo minojskie to sztuka stworzona przez cywilizację minojską Morza Egejskiego z epoki brązu od około 3000 do 1100 pne, chociaż najobszerniejsze i najwspanialsze pozostałości pochodzą z około 2300 do 1400 pne. Stanowi część szerszego ugrupowania sztuki egejskiej , aw późniejszych okresach przez pewien czas wywierała dominujący wpływ na sztukę cykladzką . Ponieważ drewno i tekstylia uległy rozkładowi, najlepiej zachowanymi (i najbardziej pouczającymi) zachowanymi przykładami sztuki minojskiej są jej ceramiki , architektury pałacowej (z freskami , które obejmują „najwcześniejsze czyste krajobrazy gdziekolwiek”), małe rzeźby z różnych materiałów, biżuterię, metalowe naczynia i misternie rzeźbione pieczęcie .

Wpływ na to miały sąsiednie kultury starożytnego Egiptu i starożytnego Bliskiego Wschodu , które znacznie dłużej tworzyły wyrafinowaną sztukę miejską, ale charakter małych, ale bogatych kupieckich miast minojskich był bardzo różny, z niewielkimi dowodami na wielką religię opartą na świątyniach , monarchowie lub wojna oraz „cała moc wyobraźni i dziecięca świeżość bardzo młodej kultury”. Wszystkie te aspekty kultury minojskiej pozostają raczej tajemnicze. Kaptur Sinclaira opisał „istotną cechę najlepszej sztuki minojskiej, zdolność do tworzenia atmosfery ruchu i życia, chociaż przestrzegano zestawu wysoce formalnych konwencji”.

Największa i najlepsza kolekcja sztuki minojskiej znajduje się w Muzeum Archeologicznym w Heraklionie („AMH”) niedaleko Knossos , na północnym wybrzeżu Krety. Sztuka minojska i inne pozostałości kultury materialnej , zwłaszcza sekwencja stylów ceramicznych, zostały wykorzystane przez archeologów do zdefiniowania trzech głównych faz kultury minojskiej (EM, MM, LM) i ich wielu podfaz. Daty, które mają być do nich dołączone, są nadal szeroko dyskutowane, chociaż mieszczą się w wąskich zakresach.

Wiele dyskutowano o związkach sztuki minojskiej z innymi współczesnymi kulturami, a później sztuką starożytnej Grecji . Wyraźnie zdominowała sztukę mykeńską i sztukę cykladz tych samych okresów, nawet po zajęciu Krety przez Mykeńczyków, ale tylko niektóre aspekty tradycji przetrwały greckie średniowiecze po upadku Grecji mykeńskiej .

Na północ od Egiptu na Krecie znajdowała się cywilizacja minojska . Malowidła ścienne znalezione w pałacu w Knossos są podobne do tych z Egipcjan , ale mają dużo bardziej swobodny styl.

Fresk przedstawiający Hadesa i Persefonę jadących rydwanem , z grobowca królowej Macedonii Eurydyki I w Werginie , Grecja, IV wiek pne

Około 1100 roku pne plemiona z północy Grecji podbiły Grecję i jej sztuka obrała nowy kierunek. Kultura starożytnej Grecji jest godna uwagi ze względu na jej wybitny wkład w sztuki wizualne. Malarstwo na ceramice starożytnej Grecji i ceramice daje szczególnie pouczające spojrzenie na sposób funkcjonowania społeczeństwa w starożytnej Grecji. Nadal istnieje wiele pięknych przykładów malowania wazonów z czarnymi postaciami i czerwonych postaci . Niektórzy znani greccy malarze, którzy pracowali na panelach drewnianych i są wymienieni w tekstach, to Apelles , Zeuxis i Parrazjusz ; jednakże, z jednym wyjątkiem paneli Pitsa , nie zachowały się żadne przykłady starożytnego greckiego malarstwa tablicowego, jedynie pisemne opisy autorstwa ich współczesnych lub późniejszych Rzymian. Zeuxis żył w V wieku pne i podobno jako pierwszy użył sfumato . Według Pliniusza Starszego realizm jego obrazów był taki, że ptaki próbowały jeść malowane winogrona. Apelles jest opisywany jako największy malarz starożytności , znany z doskonałej techniki rysowania, wspaniałego koloru i modelowania.

Sztuka rzymska była pod wpływem Grecji i można ją częściowo uznać za potomka starożytnego malarstwa greckiego. Jednak malarstwo rzymskie ma ważne unikalne cechy. Zachowane malowidła rzymskie obejmują malowidła ścienne i freski , wiele z willi w Kampanii , w południowych Włoszech, w miejscach takich jak Pompeje i Herkulanum . Takie malarstwo można podzielić na 4 główne „style” lub okresy i może zawierać pierwsze przykłady trompe-l'œil , pseudoperspektywa i czysty krajobraz. Prawie jedynymi malowanymi portretami, które przetrwały ze starożytnego świata, jest duża liczba portretów trumiennych w formie popiersia znalezionych na późnoantycznym cmentarzu Al-Fayum . Chociaż nie były to ani najlepsze okresy, ani najwyższej jakości, same w sobie są imponujące i dają wyobrażenie o jakości, jaką musiało mieć najwspanialsze dzieło starożytne. bardzo niewielka liczba miniatur z późnoantycznych ksiąg ilustrowanych, a raczej większa liczba ich kopii z okresu wczesnego średniowiecza.

Średniowiecze

Główne artykuły: sztuka średniowieczna , sztuka bizantyjska , iluminowany rękopis , średniowiecze i średniowiecze (historiografia)

Powstanie chrześcijaństwa nadało stylom malarskim innego ducha i cel. Sztuka bizantyjska , której styl został ustalony do VI wieku, kładła duży nacisk na zachowanie tradycyjnej ikonografii i stylu i stopniowo ewoluowała w ciągu tysiąca lat Cesarstwa Bizantyjskiego oraz żywych tradycji greckiego i rosyjskiego prawosławnego malarstwa ikonowego . Malarstwo bizantyjskie ma charakter hieratyczny, a ikony były i nadal są postrzegane jako reprezentacja boskiego objawienia. Było wiele fresków , ale mniej z nich przetrwało niż mozaiki . Sztuka bizantyjska została porównana do współczesnej abstrakcji , w jej płaskości i wysoce stylizowanych przedstawieniach postaci i krajobrazu. Niektóre okresy sztuki bizantyjskiej, zwłaszcza tak zwana sztuka macedońska z około X wieku, mają bardziej elastyczne podejście. W kościele Chora w Stambule zachowały się freski paleologicznego renesansu z początku XIV wieku .

Giotto

W postantycznej katolickiej Europie pierwszym wyróżniającym się stylem artystycznym, który obejmował malarstwo, była sztuka wyspiarska Wysp Brytyjskich, gdzie jedynymi zachowanymi przykładami są miniatury w iluminowanych rękopisach , takich jak Księga z Kells . Są one najbardziej znane ze swojej abstrakcyjnej dekoracji, chociaż przedstawiano także postacie, a czasem sceny, zwłaszcza na portretach ewangelistów . Sztuka karolińska i ottońska przetrwał również głównie w rękopisach, chociaż zachowało się trochę malowideł ściennych, a więcej jest udokumentowanych. Sztuka tego okresu łączy wpływy wyspiarskie i „barbarzyńskie” z silnymi wpływami bizantyjskimi i dążeniem do odzyskania klasycznej monumentalności i opanowania.

Ściany romańskich i gotyckich kościołów zdobiły freski i rzeźby, a wiele z nielicznych pozostałych malowideł ściennych ma wielką intensywność i łączy dekoracyjną energię sztuki wyspiarskiej z nową monumentalnością w traktowaniu postaci. Znacznie więcej miniatur w rękopisach iluminowanych przetrwało z tego okresu, wykazując te same cechy, które trwają do okresu gotyku .

Malarstwo tablicowe staje się bardziej powszechne w okresie romańskim , pod silnym wpływem ikon bizantyjskich. W połowie XIII wieku sztuka średniowieczna i malarstwo gotyckie stały się bardziej realistyczne, wraz z początkiem zainteresowania przedstawieniem objętości i perspektywy we Włoszech z Cimabue , a następnie jego uczniem Giotto . Od Giotta traktowanie kompozycji przez najlepszych malarzy również stało się znacznie bardziej swobodne i nowatorskie. Uważani są za dwóch wielkich średniowiecznych mistrzów malarstwa w kulturze zachodniej. Cimabue, w ramach tradycji bizantyjskiej, stosował bardziej realistyczne i dramatyczne podejście do swojej sztuki. Jego uczeń Giotto wyniósł te innowacje na wyższy poziom, co z kolei położyło podwaliny pod zachodnią tradycję malarstwa. Obaj artyści byli pionierami w dążeniu do naturalizmu.

Kościoły budowano z coraz większą liczbą okien, a kolorowe witraże stały się podstawą dekoracji. Jeden z najsłynniejszych tego przykładów znajduje się w katedrze Notre Dame de Paris . W XIV wieku społeczeństwa zachodnie były zarówno bogatsze, jak i bardziej kultywowane, a malarze znajdowali nowych mecenasów wśród szlachty, a nawet burżuazji . Iluminowane rękopisy nabrały nowego charakteru, a w ich pejzażach ukazano szczupłe, modnie ubrane dworki. Ten styl szybko stał się znany jako międzynarodowy styl gotycki i dominował od 1375 do 1425 roku z i na znaczeniu zyskują malowidła tablicowe temperowe i ołtarze.

Renesans i manieryzm

Główne artykuły: malarstwo renesansowe , malarstwo włoskiego renesansu , wczesne malarstwo niderlandzkie , malarstwo renesansu holenderskiego i flamandzkiego , manieryzm i wysoki renesans
Robert Campin – Ołtarz z Mérode , ok. 1427. Panel centralny L'Annonciation firmy Campin z panelami bocznymi wykonanymi przez asystenta

Renesans (po francusku „odrodzenie”), ruch kulturowy obejmujący z grubsza okres od XIV do połowy XVII wieku, był napędzany przez renesansowy humanizm i badanie źródeł klasycznych. W malarstwie, w latach dwudziestych i trzydziestych XV wieku czołowi malarze we Włoszech i Niderlandach wypracowali oddzielnie nowe sposoby malowania, które pozwoliły malowidłom wyglądać bardziej realistycznie niż w dziełach uznanych malarzy, których styl określany jest mianem międzynarodowego gotyku lub w niektórych przypadkach jako protorenesans (głównie we Włoszech). Okres ten, trwający do około 1495 roku, stał się znany jako tzw Wczesny renesans .

We Flandrii w Niderlandach, w następstwie rozwoju iluminacji rękopisów , zwłaszcza dokonanych przez braci Limbourg , którzy zmarli w 1416 r., artyści zafascynowani tym, co namacalne w widzialnym świecie, zaczęli przedstawiać przedmioty w niezwykle naturalistyczny sposób. Przyjęcie malarstwa olejnego , którego pierwsze użycie na obrazach panelowych było tradycyjnie, ale błędnie, przypisywane Janowi van Eyckowi , umożliwiło nowe prawdopodobieństwo przedstawienia tego naturalizmu. Medium farby olejnej było już obecne w twórczości Melchior Broederlam (zmarł w 1409 r.), ale Robert Campin (wcześniej znany jako mistrz Flémalle ) i van Eyck wynieśli jego zastosowanie na nowe wyżyny i wykorzystali go do reprezentowania naturalizmu, do którego dążyli. Dzięki temu nowemu medium malarze tego okresu byli w stanie tworzyć bogatsze kolory o głębokiej, intensywnej tonacji. Złudzenie świecącego światła z wykończeniem przypominającym porcelanę charakteryzowało wczesne malarstwo niderlandzkie i było główną różnicą w stosunku do matowej powierzchni farby temperowej używanej we Włoszech.

Fra Angelico , 1425-1428

W przeciwieństwie do Włochów, których twórczość mocno czerpała ze sztuki starożytnego Rzymu, mieszkańcy północy zachowali stylistyczną pozostałość średniowiecznej rzeźby i iluminowanych rękopisów (zwłaszcza jej naturalizm). Innym ważnym malarzem niderlandzkim tego okresu był Rogier van der Weyden , uczeń Campina, którego kompozycje kładły nacisk na ludzkie emocje i dramaty, czego wyrazem jest choćby jego Zdjęcie z krzyża , które należy do najsłynniejszych dzieł XV wieku i było najbardziej wpływowy niderlandzki obraz przedstawiający ukrzyżowanie Chrystusa. Inni ważni artyści byli Hugo van der Goes (którego prace były bardzo wpływowe we Włoszech), Dieric Bouts (który był jednym z pierwszych malarzy z północy, którzy zademonstrowali użycie pojedynczego punktu zbiegu), Petrus Christus , Hans Memling i Gerard David . Łącznie postęp w malarstwie w Europie na północ od Alp jest znany jako renesans północny .

We włoskim malarstwie renesansowym sztuka starożytności zainspirowała styl malarstwa, który podkreślał ideał. Masaccio jest uznawany za postęp w perspektywie liniowej, przedstawianie objętości na swoich postaciach oraz przedstawianie emocji na twarzach swoich postaci w latach dwudziestych XIV wieku. Następnie artyści tacy jak Paolo Uccello , Fra Angelico , Piero della Francesca , Andrea Mantegna , Filippo Lippi i Sandro Botticelli we wczesnym renesansie okres trwający do około 1495 roku, a następnie Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti i Raphael w okresie Wielkiego Renesansu od około 1495 do 1520 roku wynieśli malarstwo na wyższy poziom dzięki zastosowaniu perspektywy , studiowaniu anatomii i proporcji człowieka oraz poprzez ich rozwój bezprecedensowego wyrafinowania technik rysunkowych i malarskich. Nieco bardziej naturalistyczny styl późnego renesansu pojawił się w Wenecji . Malarze szkoły weneckiej , tacy jak Giovanni Bellini , Giorgione , Tycjan i Veronese mniej dbali o precyzję rysunku niż o bogactwo koloru i jedność efektu, który można osiągnąć dzięki bardziej spontanicznemu podejściu do malarstwa.

Flamandzcy, holenderscy i niemieccy malarze północnego renesansu , tacy jak Albrecht Dürer , Lucas Cranach , Matthias Grünewald i Hans Holbein Młodszy , mieli inne podejście niż ich włoscy odpowiednicy, bardziej realistyczne i mniej wyidealizowane. Niektórzy malarze z północy, poczynając od Dürera w latach 90. XIV wieku, podróżowali do Włoch, aby zobaczyć dzieła włoskiego wysokiego renesansu i w różnym stopniu włączali cechy sztuki włoskiej do swoich własnych. Pokolenie później początek malarstwa rodzajowego jako temat do wielkich prac rozpoczęli Peter Aertsen i Pieter Bruegel . Późniejsze pokolenie malarzy północnego renesansu, które podróżowało do Rzymu i przyjęło większość wyidealizowanego podejścia włoskiego renesansu, stało się znane jako romaniści .

Tycjan , 1520–1523

Malarstwo renesansowe odzwierciedla rewolucję ideową i naukową ( astronomia , geografia ), jaka nastąpiła w tym okresie, reformację i wynalezienie prasy drukarskiej . Grafika stawała się coraz ważniejsza i praktykowana przez wielu malarzy. Dürer, uważany za jednego z najwybitniejszych grafików, twierdzi, że malarze to nie tylko rzemieślnicy , ale także myśliciele . Wraz z rozwojem malarstwa sztalugowego w renesansie malarstwo uniezależniło się od architektury. Obrazy sztalugowe – ruchome obrazy, które z łatwością można było zawiesić na ścianach – stały się popularną alternatywą dla obrazów naklejanych na meble, ściany czy inne konstrukcje. Po stuleciach zdominowanych przez obrazy religijne świecka tematyka powoli powróciła do malarstwa zachodniego. Artyści umieszczali w swoich obrazach wizje otaczającego ich świata lub wytwory własnej wyobraźni. Ci, których było stać na taki wydatek, mogli zostać mecenasami i zamówić portrety siebie lub swojej rodziny.

Wysoki renesans we Włoszech dał początek stylizowanej sztuce znanej jako manieryzm po 1520 r., Chociaż niektórzy malarze, tacy jak Tycjan i Paolo Veronese , kontynuowali malowanie w stylu wysokiego renesansu pod koniec wieku. W miejsce wyważonych kompozycji i racjonalnego podejścia do perspektywy, które charakteryzowały sztukę początku XVI wieku, manieryści szukali niestabilności, sztuczności i wątpliwości. Spokojne Dziewice Rafaela i pogodne miny poddanych Leonarda zostają zastąpione przez niespokojne miny Pontormo i emocjonalną intensywność El Greco . Niespokojne i niestabilne kompozycje, często skrajne lub rozłączne efekty perspektywy i stylizowane pozy są charakterystyczne dla włoskich manierystów, takich jak Tintoretto , Pontormo i Bronzino , a później pojawiły się w pracach północnych manierystów , takich jak Hendrick Goltzius , Bartholomeus Spranger i Joachim Wtewael .

barok i rokoko

Główne artykuły: barok , malarstwo barokowe , rokoko , quadratura , holenderskie malarstwo złotego wieku i flamandzkie malarstwo barokowe

Malarstwo barokowe kojarzone jest z barokowym ruchem kulturowym , ruchem często utożsamianym z absolutyzmem i kontrreformacją czy odrodzeniem katolickim; istnienie ważnego malarstwa barokowego w państwach nieabsolutystycznych i protestanckich również podkreśla jego popularność, ponieważ styl ten rozprzestrzenił się w całej Europie Zachodniej.

Malarstwo barokowe charakteryzuje się wielkim dramatyzmem, bogatym, głębokim kolorem oraz intensywnymi jasnymi i ciemnymi cieniami, a celem sztuki jest wywołanie emocji i pasji zamiast spokojnej racjonalności, która była ceniona w okresie renesansu. Do najwcześniejszych malarzy barokowych należeli bracia Caracci, Annibale i Agostino , w ostatniej partyturze XVI wieku oraz Caravaggio w ostatniej dekadzie stulecia. Caravaggio jest uznawany za jednego z najwybitniejszych malarzy baroku i spadkobiercę humanistycznego Wielkiego Renesansu . Jego realistyczny Podejście do postaci ludzkiej, namalowanej wprost z życia i dramatycznie punktowej na ciemnym tle, zszokowało współczesnych i otworzyło nowy rozdział w historii malarstwa. Barok był dominującym stylem malarstwa, który rozpoczął się około 1600 roku i trwał przez cały XVII wiek. Wśród największych malarzy baroku są Rubens , Velázquez , Rembrandt , Frans Hals , Johannes Vermeer , Le Nain , Jusepe de Ribera , Poussin , Tour i Claude Lorraine , który skupił się na malarstwie pejzażowym. Poussin, Claude i La Tour, wszyscy Francuzi, przyjęli „klasyczny” styl barokowy, z mniejszym naciskiem na emocje i większą uwagę na zarys postaci na obrazie niż na kolor. Większość z tych malarzy podróżowała do Włoch w ramach swojego szkolenia, a następnie zabierała styl barokowy z powrotem do swoich ojczyzn, chociaż w niektórych przypadkach pozostawali we Włoszech przez większą część swojej kariery (Claude i Poussin). We Włoszech styl barokowy jest uosobieniem religijnych i mitologicznych obrazów w Wielki sposób autorstwa takich artystów jak Carracci , Guido Reni i Luca Giordano . Iluzjonistyczne freski na suficie kościoła autorstwa Pietro da Cortony zdawały się otwierać na niebo.

Rembrandt van Rijn , Żydowska panna młoda , ok. 1665-1669

Znacznie spokojniejszy typ baroku pojawił się w Republice Holenderskiej , gdzie obrazy sztalugowe o tematyce codziennej były popularne wśród kolekcjonerów z klasy średniej, a wielu malarzy zostało specjalistami od gatunku , inni od pejzażu, pejzażu morskiego lub martwej natury. Vermeer, Gerard ter Borch i Pieter de Hooch wnieśli wielkie wyrafinowanie techniczne do malowania scen domowych, podobnie jak Willem Claesz. Heda do martwej natury. W przeciwieństwie do tego Rembrandt celował w malowaniu każdego rodzaju tematyki i rozwinął indywidualny styl malarski styl, w którym światłocień i ciemne tła wywodzące się od Caravaggia i utrechckich caravagistów tracą teatralność. Holenderskie malarstwo barokowe jest często określane jako holenderskie malarstwo złotego wieku .

W XVIII wieku malarstwo rokokowe było lżejszym przedłużeniem baroku, często frywolnym i erotycznym, wykorzystującym jasne pastelowe kolory. Rokoko rozwinęło się jako pierwsze w rzemiośle dekoracyjnym i wystroju wnętrz we Francji. Ludwika XV przyniosła zmianę w sztuce dworskiej i ogólnej modzie artystycznej. Lata trzydzieste XVIII wieku to szczyt rozwoju rokoka we Francji, czego przykładem są dzieła Antoine Watteau i François Boucher . Rokoko nadal zachowywało barokowe zamiłowanie do złożonych form i skomplikowanych wzorów, ale w tym momencie zaczęło łączyć różnorodne cechy, w tym zamiłowanie do orientalnych projektów i asymetrycznych kompozycji.

Styl rokoko rozpowszechnił się wraz z francuskimi artystami i grawerowanymi publikacjami. Został on chętnie przyjęty w katolickich częściach Niemiec, Czech i Austrii, gdzie został połączony z żywymi tradycjami niemieckiego baroku. Rokoko niemieckie stosowano z entuzjazmem do kościołów i pałaców, zwłaszcza na południu, natomiast rokoko fryderyckie rozwijało się w Królestwie Prus .

francuscy mistrzowie Watteau , Boucher i Fragonard , podobnie jak Giovanni Battista Tiepolo i Jean-Baptiste-Siméon Chardin, uważany przez niektórych za najlepszego francuskiego malarza XVIII wieku – antyrokoko . Portret był ważnym elementem malarstwa we wszystkich krajach, ale szczególnie w Anglii, gdzie prym wiodą William Hogarth , reprezentujący dosadny realistyczny styl, oraz Francis Hayman , Angelica Kauffman (która była Szwajcarką), Thomas Gainsborough i Joshua Reynolds w bardziej pochlebnych stylach, na które wpływ miał Anthony van Dyck . We Francji w epoce rokoka Jean-Baptiste Greuze (ulubiony malarz Denisa Diderota ) celował w portretach i obrazach historycznych , a Maurice Quentin de La Tour i Élisabeth Vigée-Lebrun byli znakomitymi malarzami portretowymi . La Tour specjalizował się w pastelowym , które stało się popularnym medium w tym okresie.

William Hogarth pomógł opracować teoretyczne podstawy piękna w stylu rokoko. Chociaż nie celowo odwoływał się do ruchu, argumentował w swojej Analizie piękna (1753), że faliste linie i krzywe w kształcie litery S widoczne w rokoku były podstawą wdzięku i piękna w sztuce lub naturze (w przeciwieństwie do linii prostej lub koła w klasycyzm ) . Początek końca rokoka nastąpił na początku lat sześćdziesiątych XVIII wieku jako takie postacie jak Voltaire i Jacques-François Blondel zaczęli wyrażać krytykę powierzchowności i degeneracji sztuki. Blondel potępił „śmieszną zbieraninę muszli, smoków, trzciny, palm i roślin” we współczesnych wnętrzach.

Do 1785 roku rokoko wyszło z mody we Francji, zastąpione porządkiem i powagą artystów neoklasycznych , takich jak Jacques-Louis David , którego imponujące obrazy historyczne przedstawiające zarówno wydarzenia historyczne, jak i współczesne, ucieleśniały ideały rewolucji francuskiej .

XIX wiek: neoklasycyzm, malarstwo historyczne, romantyzm, impresjonizm, postimpresjonizm, symbolizm

Główne artykuły: neoklasycyzm , malarstwo historyczne , romantyzm , impresjonizm , postimpresjonizm i symbolizm

Po rokoko pojawił się pod koniec XVIII wieku w architekturze, a następnie w malarstwie surowy neoklasycyzm , najlepiej reprezentowany przez takich artystów jak David i jego spadkobierca Ingres . Prace Ingresa zawierają już wiele zmysłowości, ale nie ma w nich spontaniczności, która miała charakteryzować romantyzm .

W połowie XIX wieku malarze uwolnili się od wymogów mecenatu, by przedstawiać wyłącznie sceny z religii, mitologii, portretu czy historii. Sztuka stała się bardziej czysto osobistym środkiem wyrazu w twórczości malarzy takich jak Francisco de Goya , John Constable i JMW Turner . Malarze romantyczni uczynili malarstwa pejzażowego główny gatunek, traktowany dotychczas jako gatunek drugorzędny lub jako dekoracyjne tło kompozycji figuralnych. Niektórzy z głównych malarzy tego okresu to Eugène Delacroix , Théodore Géricault , JMW Turner, Caspar David Friedrich i John Constable. Późna twórczość Francisco Goya ukazuje romantyczne zainteresowanie tym, co irracjonalne, twórczość Arnolda Böcklina przywołuje tajemnicę, dzieło Bractwa Prerafaelitów w Anglii łączy wytrwałe oddanie naturze z nostalgią za kulturą średniowieczną, a obrazy artysty ruchu estetycznego Jamesa Abbotta McNeill Whistler przywołuje na myśl wyrafinowanie, dekadencję oraz filozofia „sztuki dla sztuki”. W Stanach Zjednoczonych romantyczna tradycja malarstwa pejzażowego była znana jako Hudson River School : jej przedstawiciele to Thomas Cole , Frederic Edwin Church , Albert Bierstadt , Thomas Moran i John Frederick Kensett . Luminizm był ruchem w amerykańskim malarstwie pejzażowym związanym z Hudson River School.

Johan Jongkind , 1871, zapowiedź impresjonizmu

Główną siłą napędową zwrotu ku realizmowi w połowie stulecia był Gustave Courbet , którego niezidealizowane obrazy zwykłych ludzi obrażały widzów przyzwyczajonych do konwencjonalnej tematyki i lizały sztukę akademicką , ale inspirowały wielu młodszych artystów. Wiodący malarz szkoły Barbizon, Jean-François Millet, malował także pejzaże i sceny z życia chłopskiego. Luźno związany ze szkołą Barbizon był Camille Corot , który malował zarówno w stylu romantycznym, jak i realistycznym żyła; jego prace zapowiadają impresjonizm , podobnie jak obrazy Johana Jongkinda i Eugène Boudina (który był jednym z pierwszych francuskich malarzy pejzażystów malujących w plenerze). Boudin wywarł istotny wpływ na młodego Claude'a Moneta , którego w 1857 roku wprowadził do malarstwa plenerowego .

W drugiej połowie wieku impresjoniści, tacy jak Édouard Manet , Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro , Alfred Sisley , Berthe Morisot , Mary Cassatt i Edgar Degas pracował w bardziej bezpośrednim podejściu niż wcześniej wystawiane publicznie. Unikali alegorii i narracji na rzecz zindywidualizowanych odpowiedzi na współczesny świat, czasami malowanych z niewielkimi studiami przygotowawczymi lub bez nich, polegając na zręczności rysunku i wysoce chromatycznej palecie. Monet, Pissarro i Sisley wykorzystali krajobraz jako główny motyw, a przemijalność światła i pogody odgrywała główną rolę w ich pracach. Zgodnie z praktyką, która stawała się coraz bardziej popularna w połowie stulecia, często zapuszczali się razem na wieś, aby malować w plenerze, ale nie w tradycyjnym celu wykonywania szkiców, które miały zostać przekształcone w starannie wykończone prace w pracowni. Malując w słońcu bezpośrednio z natury i odważnie wykorzystując żywe syntetyczne pigmenty, które stały się dostępne od początku wieku, opracowali coraz jaśniejszy sposób malowania.

Edvard Munch , 1893, wczesny przykład ekspresjonizmu

Manet, Degas, Renoir, Morisot i Cassatt koncentrowali się przede wszystkim na człowieku. Zarówno Manet, jak i Degas reinterpretowali klasyczne kanony figuratywne we współczesnych sytuacjach; w przypadku Maneta ponowne wyobrażenia spotkały się z wrogim przyjęciem publicznym. Renoir, Morisot i Cassatt zwrócili się do życia domowego w poszukiwaniu inspiracji, a Renoir skupił się na kobiecym akcie. Podczas gdy Sisley najściślej trzymał się pierwotnych zasad impresjonistycznego postrzegania krajobrazu, Monet szukał wyzwań w coraz bardziej chromatycznych i zmiennych warunkach, czego kulminacją była seria monumentalnych dzieł lilii wodnych namalowanych w Giverny .

Postimpresjoniści tacy jak Paul Cézanne i nieco młodszy Vincent van Gogh , Paul Gauguin i Georges-Pierre Seurat doprowadzili sztukę na skraj modernizmu . Dla Gauguina impresjonizm ustąpił miejsca osobistemu symbolizmowi. Seurat przekształcił zepsuty kolor impresjonizmu w naukowe studium optyczne, zbudowane na kompozycjach przypominających fryzy. Opracowana przez niego technika malarska, zwana dywizjonizmem , przyciągnęła wielu naśladowców, takich jak Paul Signac i przez kilka lat pod koniec lat osiemdziesiątych XIX wieku Pissarro przyjął niektóre z jego metod. Burzliwa metoda nakładania farby przez Van Gogha, w połączeniu z dźwięcznym użyciem koloru, przepowiadała ekspresjonizm i fowizm , a Cézanne, pragnący połączyć klasyczną kompozycję z rewolucyjną abstrakcją naturalnych form, stałby się postrzegany jako prekursor sztuki XX wieku .

Czar impresjonizmu był odczuwalny na całym świecie, w tym w Stanach Zjednoczonych, gdzie stał się integralną częścią malarstwa amerykańskich impresjonistów , takich jak Childe Hassam , John Henry Twachtman i Theodore Robinson . Wywarł również wpływ na malarzy, którzy w teorii nie byli głównie impresjonistami, jak malarz portretowy i pejzażowy John Singer Sargent . W tym samym czasie w Ameryce na przełomie XIX i XX wieku istniał rodzimy i niemal wyspiarski realizm, którego bogato odzwierciedleniem jest twórczość figuratywna Thomasa Eakinsa , szkołę Ashcan oraz krajobrazy i pejzaże morskie Winslowa Homera , których wszystkie obrazy były głęboko zainwestowane w solidność naturalnych form. Wizjonerski pejzaż, motyw w dużej mierze zależny od wieloznaczności nokturnu, znalazł swoich zwolenników w postaci Alberta Pinkhama Rydera i Ralpha Alberta Blakelocka .

Pod koniec XIX wieku istniało również kilka, raczej odmiennych, grup malarzy symbolistów , których prace odbiły się echem wśród młodszych artystów XX wieku, zwłaszcza fowistów i surrealistów . Wśród nich byli Gustave Moreau , Odilon Redon , Pierre Puvis de Chavannes , Henri Fantin-Latour , Arnold Böcklin , Ferdinand Hodler , Edvard Munch , Félicien Rops , Jan Toorop i Gustav Klimt i rosyjscy symboliści , tacy jak Michaił Wrubel .

Malarze symbolistyczni wydobywali mitologię i obrazy snów w poszukiwaniu wizualnego języka duszy, poszukując sugestywnych obrazów, które przywodziłyby na myśl statyczny świat ciszy. Symbole używane w Symbolizmie nie są znanymi emblematami ikonografii głównego nurtu , ale bardzo osobistymi, prywatnymi, niejasnymi i niejednoznacznymi odniesieniami. Bardziej filozofia niż rzeczywisty styl sztuki, malarze symboliści wywarli wpływ na współczesny Art Nouveau i Les Nabis . W swoich eksploracjach onirycznych tematów malarze symboliści spotykają się na przestrzeni wieków i kultur, tak jak są do dziś; Bernard Delvaille opisał surrealizm René Magritte'a jako „Symbolizm plus Freud ”.

XX wiek

Główny artykuł: XX-wieczne malarstwo zachodnie
Fernand Léger , 1919, Kubizm syntetyczny , Tubizm

Dziedzictwo malarzy takich jak Van Gogh , Cézanne , Gauguin i Seurat było niezbędne dla rozwoju sztuki nowoczesnej. Na początku XX wieku Henri Matisse i kilku innych młodych artystów, w tym prekubista Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy i Maurice de Vlaminck , zrewolucjonizowali paryski świat sztuki „dzikimi”, wielobarwnymi, ekspresyjnymi pejzażami i obrazami postaci którą krytycy nazwali fowizmem . Druga wersja Tańca Henri Matisse'a oznacza kluczowy punkt w jego karierze i rozwoju malarstwa nowoczesnego. Odzwierciedla początkową fascynację Matisse'a sztuką prymitywną : intensywne ciepłe kolory na chłodnym niebiesko-zielonym tle i rytmiczne następstwo tańczących aktów oddają uczucia emocjonalnego wyzwolenia i hedonizmu . Pablo Picasso stworzył swoje pierwsze kubistyczne obrazy w oparciu o ideę Cézanne'a, że ​​wszelkie przedstawienie natury można sprowadzić do trzech brył: sześcianu , kuli i stożek . Obrazem Les Demoiselles d'Avignon (1907) Picasso stworzył nowy i radykalny obraz przedstawiający scenę burdelu z pięcioma prostytutkami, brutalnie pomalowanymi kobietami, przypominający afrykańskie maski plemienne i jego własne kubistyczne wynalazki. Kubizm był wspólnie rozwijany od około 1908 do 1912 roku przez Pabla Picassa i Georgesa Braque'a , których skrzypce i świeczniki, Paryż (1910) są pokazane tutaj. Pierwszą wyraźną manifestacją kubizmu byli Braque, Picasso, Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Henri Le Fauconnier i Robert Delaunay . Wkrótce dołączyli Juan Gris , Marcel Duchamp , Alexander Archipenko , Joseph Csaky i inni. Kubizm syntetyczny , praktykowany przez Braque'a i Picassa, charakteryzuje się wprowadzeniem różnych tekstur, powierzchni, elementów kolażu , papier collé i dużej różnorodności połączonych tematów.

Salon d'Automne z 1905 roku przyniósł rozgłos i uwagę twórczości Henriego Matisse'a i fowizmu . Grupa zyskała swoją nazwę po tym, jak krytyk Louis Vauxcelles opisał ich pracę zwrotem „ Donatello chez les fauves” („Donatello wśród dzikich bestii”), kontrastując obrazy z rzeźbą typu renesansowego , która dzieliła z nimi pokój. Scena w dżungli „Głodny lew rzuca się na antylopę” Henriego Rousseau (który nie był Fauve) wisiał w pobliżu prac Matisse'a i być może zainspirował sarkastyczne określenie używane w prasie. Komentarz Vauxcelles został wydrukowany 17 października 1905 r. W dzienniku Gil Blas i przeszedł do powszechnego użytku.

W pierwszych dwóch dekadach XX wieku i po kubizmie pojawiło się kilka innych ważnych ruchów; Futuryzm ( Balla ), sztuka abstrakcyjna ( Kandinsky ) , Der Blaue Reiter (Kandinsky i Franz Marc ), Bauhaus (Kandinsky i Klee ), orfizm ( Delaunaya i Kupka ), Synchromizm ( Russell ), De Stijl ( van Doesburg i Mondrian) ), suprematyzm ( Malewicz ), konstruktywizm ( Tatlin ), dadaizm ( Duchamp , Picabia i Arp ) i surrealizm ( de Chirico , André Breton , Miró , Magritte , Dalí i Ernst ). Malarstwo nowoczesne wpłynęło na wszystkie sztuki wizualne, od modernistycznej architektury i designu po awangardę film, teatr i taniec nowoczesny , stając się eksperymentalnym laboratorium ekspresji doświadczeń wizualnych, od fotografii i poezji konkretnej po sztukę reklamową i modę.

Fowizm, Der Blaue Reiter, Die Brücke

Główne artykuły: Fowizm , Der Blaue Reiter i Die Brücke

Fowizm był luźną grupą artystów z początku XX wieku, których prace kładły nacisk na walory malarskie i pomysłowe użycie głębokiego koloru nad wartościami reprezentacyjnymi. Przywódcami ruchu byli Henri Matisse i André Derain – swego rodzaju przyjacielscy rywale, z których każdy miał swoich zwolenników. Ostatecznie Matisse stał się yang yin Picassa w XX wieku . Do malarzy fowistów należeli Albert Marquet , Charles Camoin , Maurice de Vlaminck , Raoul Dufy , Othon Friesz , holenderski malarz Kees van Dongen i partner Picassa w dziedzinie kubizmu, Georges Braque .

Fowizm nie miał konkretnych teorii i był krótkotrwały, począwszy od 1905 r., A skończywszy na 1907 r. Mieli tylko trzy wystawy. Matisse był postrzegany jako przywódca ruchu ze względu na jego starszy wiek i wcześniejsze ugruntowanie się w akademickim świecie sztuki. Jego portret z 1905 r. Mme. Matisse, The Green Stripe , wywołał sensację w Paryżu, kiedy został wystawiony po raz pierwszy. Powiedział, że chce tworzyć sztukę, która zachwyca, i można powiedzieć, że jego użycie jasnych kolorów stara się zachować spokój kompozycji. W 1906 roku, za sugestią swojego dilera Ambroise'a Vollarda , André Derain udał się do Londynu i wyprodukował serię obrazów, m.in. Charing Cross Bridge w Londynie w stylu fowistycznym , parafrazując słynny cykl impresjonistycznego malarza Claude'a Moneta .

W 1907 roku fowizm nie był już nowym, szokującym ruchem, a Appolinaire powiedział o Matisse'u w artykule opublikowanym w La Falange : „Nie jesteśmy tutaj w obliczu ekstrawaganckiego lub ekstremistycznego przedsięwzięcia: sztuka Matisse'a jest wybitnie rozsądna”.

Die Brücke to grupa niemieckich artystów ekspresjonistycznych utworzona w Dreźnie w 1905 roku. Członkami założycielami byli Fritz Bleyl , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner i Karl Schmidt-Rottluff . Późniejszymi członkami byli Max Pechstein i Otto Mueller . Ta przełomowa grupa miała ogromny wpływ na ewolucję sztuki nowoczesnej w XX wieku i stworzyła styl ekspresjonizmu .

Der Blaue Reiter był niemieckim ruchem trwającym od 1911 do 1914, fundamentalnym dla ekspresjonizmu. Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , którego psychologicznie ekspresyjny obraz rosyjskiego tancerza Portret Aleksandra Sacharowa (1909) można zobaczyć tutaj, Marianne von Werefkin , Lyonel Feininger i inni założyli grupę Der Blaue Reiter w odpowiedzi na odrzucenie obrazu Kandinsky'ego Sąd Ostateczny z wystawy. Der Blaue Reiter nie miał centralnego manifestu artystycznego, ale skupiał się wokół Kandinsky'ego i Marca. Zaangażowani byli także artyści Gabriele Münter i Paul Klee . Nazwa ruchu pochodzi od obrazu Kandinsky'ego z 1903 roku . Dla Kandinsky'ego niebieski jest kolorem duchowości: im ciemniejszy, tym bardziej budzi ludzkie pragnienie wieczności.

Ekspresjonizm, symbolizm, modernizm amerykański, Bauhaus

Główne artykuły: ekspresjonizm , symbolizm (sztuka) , amerykański modernizm , modernizm i Bauhaus

Ekspresjonizm i symbolizm to szerokie rubryki, które obejmują kilka powiązanych ruchów w malarstwie XX wieku, które zdominowały większość awangardowej sztuki tworzonej w Europie Zachodniej, Wschodniej i Północnej. Prace ekspresjonistyczne były malowane głównie między I a II wojną światową, głównie we Francji, Niemczech, Norwegii, Rosji, Belgii i Austrii. Fowizm , Die Brücke i Der Blaue Reiter to trzy najbardziej znane grupy malarzy ekspresjonistów i symbolistów. Obraz Marca Chagalla Ja i wioska opowiada autobiograficzną historię, która bada związek między artystą a jego pochodzeniem, z leksykonem symbolizmu artystycznego. Gustav Klimt , Egon Schiele , Edvard Munch , Emil Nolde , Chaïm Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Max Beckmann , Franz Marc , Georges Rouault , Amedeo Modigliani i niektórzy Amerykanie za granicą, tacy jak Marsden Hartley i Stuart Davis byli uważani za wpływowych malarzy ekspresjonistycznych. Chociaż Alberto Giacometti jest przede wszystkim uważany za surrealistycznego rzeźbiarza, tworzył również intensywne obrazy ekspresjonistyczne.

Malarze amerykańscy w okresie między I a II wojną światową zwykle jeździli do Europy w poszukiwaniu uznania. Artyści modernistyczni , tacy jak Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy i Stuart Davis, zdobyli reputację za granicą. Podczas gdy Patrick Henry Bruce tworzył w Europie obrazy związane z kubizmem , zarówno Stuart Davis, jak i Gerald Murphy tworzyli obrazy, które były wczesną inspiracją dla amerykańskiego pop-artu , a Marsden Hartley eksperymentował z ekspresjonizmem. W latach dwudziestych wystawiał fotograf Alfred Stieglitz Georgia O'Keeffe , Arthur Dove , Alfred Henry Maurer , Charles Demuth , John Marin i inni artyści, w tym europejscy mistrzowie Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne i Picasso, w jego nowojorskiej galerii 291 . W Europie mistrzowie tacy jak Henri Matisse i Pierre Bonnard nadal rozwijali swoje style narracyjne niezależnie od ruchu.

Pionierzy abstrakcji

Piet Mondrian , „Kompozycja nr 10” 1939–1942, De Stijl

Wassily Kandinsky jest powszechnie uważany za jednego z pierwszych ważnych malarzy współczesnej sztuki abstrakcyjnej . Jako wczesny modernista teoretyzował, podobnie jak współcześni okultyści i teozofowie , że czysta abstrakcja wizualna ma odpowiednie wibracje z dźwiękiem i muzyką. Zakładali, że czysta abstrakcja może wyrażać czystą duchowość. Jego najwcześniejsze abstrakcje były ogólnie zatytułowane jako przykład w Kompozycji VII , nawiązując do twórczości kompozytorów muzycznych. Kandinsky zawarł wiele swoich teorii na temat sztuki abstrakcyjnej w swojej książce Concerning the Spiritual in Art . Inni główni pionierzy wczesnej abstrakcji to szwedzki malarz Hilma af Klint , rosyjski malarz Kazimierz Malewicz i szwajcarski malarz Paul Klee . Robert Delaunay był francuskim artystą związanym z orfizmem , (przypomina związek czystej abstrakcji z kubizmem). Jego kluczowy wkład w malarstwo abstrakcyjne odnosi się do odważnego użycia koloru i eksperymentowania zarówno z głębią, jak i tonem.

Dadaizm i surrealizm

Marcel Duchamp zyskał międzynarodową sławę po pokazie zbrojowni w Nowym Jorku w 1913 roku, gdzie jego Akt schodzący po schodach nr 2 stał się przyczyną célèbre. Następnie stworzył The Bride Stripped Bare by Her Bachelor, Even , Large Glass . The Large Glass popchnął sztukę malowania do radykalnie nowych granic, częściowo malując, częściowo kolażując, częściowo konstruując. Duchamp (który wkrótce porzucił sztukę na rzecz szachów) związał się ściśle z Dada , który rozpoczął się w neutralnym Zurychu w Szwajcarii , podczas I wojny światowej i osiągnął szczyt w latach 1916-1920. Ruch ten obejmował przede wszystkim sztuki wizualne, literaturę (poezję, manifesty sztuki, teorię sztuki), teatr i projektowanie graficzne, aby rozwijać politykę antywojenną i odrzucić panujące standardy w sztuce poprzez anty -artystyczne dzieła kultury. Inni artyści związani z ruchem Dada to Francis Picabia , Man Ray , Kurt Schwitters , Hannah Höch , Tristan Tzara , Hans Richter , Jean Arp i Sophie Taeuber-Arp . Duchamp i kilku dadaistów jest również związanych z surrealizmem, ruchem, który zdominował malarstwo europejskie w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku.

Marcel Duchamp , Akt schodzący po schodach, nr 2 , 1912, Muzeum Sztuki w Filadelfii

W 1924 roku André Breton opublikował Manifest surrealistów . Surrealistyczny ruch w malarstwie stał się synonimem awangardy i obejmował artystów, których prace wahały się od abstrakcji do superrealizmu. Dzięki pracom na papierze, takim jak Machine Turn Quickly , Francis Picabia kontynuował swoje zaangażowanie w ruch Dada do 1919 roku w Zurychu i Paryżu, po czym oderwał się od niego po tym, jak zainteresował się sztuką surrealistyczną. Yves Tanguy , René Magritte i Salvador Dali są szczególnie znani z realistycznych przedstawień sennych obrazów i fantastycznych przejawów wyobraźni. W latach dwudziestych XX wieku André Massona była decydująca, pomagając młodemu artyście Joanowi Miró odnaleźć swoje korzenie w malarstwie surrealistycznym. The Tilled Field Miró (1923–1924) graniczy z abstrakcją, sugerując jednocześnie kompleks przedmiotów i postaci oraz układy postaci aktywnych seksualnie; było to pierwsze surrealistyczne arcydzieło Miró . Joan Miró, Jean Arp, André Masson i Max Ernst były bardzo wpływowe, zwłaszcza w Stanach Zjednoczonych w latach czterdziestych.

Max Ernst, którego obraz Murdering Airplane z 1920 roku jest tu widoczny, studiował filozofię i psychologię w Bonn i interesował się alternatywnymi rzeczywistościami, jakich doświadczają obłąkani. Jego obrazy mogły być inspirowane psychoanalityka Zygmunta Freuda nad urojeniami paranoika Daniela Paula Schrebera. Freud zidentyfikował fantazję Schrebera o zostaniu kobietą jako kompleks kastracyjny . Centralny wizerunek dwóch par nóg nawiązuje do hermafrodytycznych pragnień Schrebera. Napis Ernsta na odwrocie obrazu brzmi: Obraz jest ciekawy ze względu na swoją symetrię. Obie płcie równoważą się.

W latach trzydziestych surrealizm stawał się coraz bardziej widoczny dla ogółu społeczeństwa. Grupa surrealistów rozwinęła się w Wielkiej Brytanii i według Bretona ich Międzynarodowa Wystawa Surrealistów w Londynie w 1936 r . Była szczytem tego okresu i stała się wzorem dla międzynarodowych wystaw. Grupy surrealistyczne w Japonii, a zwłaszcza w Ameryce Łacińskiej, na Karaibach iw Meksyku tworzyły nowatorskie i oryginalne dzieła. Inni wybitni surrealistyczni artyści to Giorgio de Chirico , Méret Oppenheim , Toyen , Grégoire Michonze , Roberto Matta , Kay Sage , Leonora Carrington , Dorothea Tanning i Leonor Fini .

Neue Sachlichkeit, socrealizm, regionalizm, malarstwo sceny amerykańskiej, symbolizm

W latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku oraz podczas Wielkiego Kryzysu europejska scena artystyczna charakteryzowała się surrealizmem, późnym kubizmem, Bauhausem , De Stijl , Dada, Neue Sachlichkeit i ekspresjonizmem; i był zajęty przez mistrzowskich malarzy modernistycznych , takich jak Henri Matisse i Pierre Bonnard .

Max Beckmann , Noc (Die Nacht) , 1918–1919, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf

W Niemczech Neue Sachlichkeit („Nowa obiektywność”) pojawiła się, gdy Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz i inni upolitycznili swoje obrazy. Twórczość tych artystów wyrosła z ekspresjonizmu, była odpowiedzią na napięcia polityczne Republiki Weimarskiej i często miała ostry charakter satyryczny.

W latach trzydziestych radykalna lewicowa polityka charakteryzowała wielu artystów związanych z surrealizmem, w tym Pabla Picassa . 26 kwietnia 1937 r., podczas hiszpańskiej wojny domowej , baskijskie miasto Gernika było miejscem „ bombardowania Gerniki ” przez legion Condor nazistowskiej Luftwaffe. Niemcy atakowali, aby wesprzeć wysiłki Francisco Franco w celu obalenia rządu baskijskiego i hiszpańskiego rządu republikańskiego. Pablo Picasso namalował swój mural wielkości Guernica , aby upamiętnić okropności bombardowania.

Pablo Picasso , 1937, Guernica , protest przeciwko faszyzmowi

Guernica to ogromny czarno-biały mural namalowany olejem o wysokości 3,5 metra (11 stóp) i szerokości 7,8 metra (23 stóp). Mural przedstawia scenę śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezsilności bez ukazywania ich bezpośrednich przyczyn. Wybór malowania czarno-białego odwołuje się do bezpośredniości zdjęcia z gazety. Obraz został po raz pierwszy wystawiony w Paryżu w 1937 r., potem w Skandynawii i Londynie, aw 1939 r. na prośbę Picassa obraz został wysłany do Stanów Zjednoczonych w przedłużonym wypożyczeniu (na przechowanie) w MoMA . Ostatecznie, zgodnie z życzeniem Picassa, aby dać obraz mieszkańcom Hiszpanii w prezencie, został wysłany do Hiszpanii w 1981 roku.

Od Wielkiego Kryzysu lat trzydziestych XX wieku do lat II wojny światowej sztukę amerykańską charakteryzował socrealizm i amerykańskie malarstwo sceniczne . Ruchy regionalizmu , które zawierały zarówno komentarze polityczne, jak i społeczne, zdominowały świat sztuki w USA. Artyści tacy jak Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh i inni stali się wybitni.

American Gothic to obraz Granta Wooda z 1930 roku. Przedstawiający rolnika trzymającego widły i młodszą kobietę przed domem w stylu gotyckiego stolarza , jest jednym z najbardziej znanych obrazów w sztuce amerykańskiej XX wieku. Krytycy sztuki zakładali, że miał to charakter satyryczny; uważano, że jest to część trendu w kierunku coraz bardziej krytycznych przedstawień wiejskiej Ameryki, czego przykładem są 1919 r. Winesburg, Ohio Sherwooda Andersona z , Main Street Sinclaira Lewisa z 1920 r . i Carla Van Vechtena Wytatuowana hrabina w literaturze. Jednak wraz z nadejściem Wielkiego Kryzysu obraz zaczął być postrzegany jako obraz niezłomnego ducha amerykańskiego pioniera.

Odrodzenie sztuki w Ameryce Łacińskiej obejmowało urugwajskiego malarza Joaquína Torresa Garcíę , meksykańskiego malarza Rufino Tamayo , artystów meksykańskiego ruchu muralistycznego , takich jak Diego Rivera , David Siqueiros , José Orozco , Pedro Nel Gómez i Santiago Martinez Delgado , a także symbolistów . malarka Frida Kahlo . Muraliści przekazali przesłanie historyczne i polityczne. Diego Rivera jest prawdopodobnie najbardziej znany światu publicznemu ze swojego muralu „ Człowiek na rozdrożu” z 1933 r. , znajdującego się w holu budynku RCA w Rockefeller Center . Kiedy jego patron Nelson Rockefeller odkrył, że mural zawiera portret Lenina i inne komunistyczne obrazy, zwolnił Riverę, a niedokończone dzieło zostało ostatecznie zniszczone przez personel Rockefellera.

Prace Fridy Kahlo odnoszą się do surrealizmu i ruchu realizmu magicznego w literaturze. Jej prace często charakteryzują się surowymi przedstawieniami bólu. Spośród jej 143 obrazów 55 to autoportrety, które często zawierają symboliczne portrety jej fizycznych i psychicznych ran.

Ekspresjonizm abstrakcyjny

Jackson Pollock , Niebiescy Polacy , 1952, National Gallery of Australia

Lata czterdzieste XX wieku w Nowym Jorku zwiastowały triumf amerykańskiego abstrakcyjnego ekspresjonizmu , ruchu, który łączył lekcje wyniesione z europejskich modernistów przez wielkich nauczycieli w Ameryce, takich jak Hans Hofmann i John D. Graham . Artyści amerykańscy skorzystali na obecności Pieta Mondriana , Fernanda Légera , Maxa Ernsta i grupy André Bretona , galerii Pierre'a Matisse'a i galerii Peggy Guggenheim The Art of This Century , a także innych czynników.

Barnett Newman , Onement 1, 1948. W latach czterdziestych Barnett Newman napisał kilka artykułów o nowym malarstwie amerykańskim.

Amerykańskie malarstwo po drugiej wojnie światowej, zwane ekspresjonizmem abstrakcyjnym, obejmowało artystów takich jak Jackson Pollock , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Mark Rothko , Hans Hofmann , Clyfford Still , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Barnett Newman , Mark Tobey , James Brooks , Philip Guston , Robert Motherwell , Conrad Marca-Relli , Jack Tworkov , Esteban Vicente , William Baziotes , Richard Pousette-Dart , Ad Reinhardt , Hedda Sterne , Jimmy Ernst , Bradley Walker Tomlin i Theodoros Stamos . Amerykański abstrakcyjny ekspresjonizm otrzymał swoją nazwę w 1946 roku od krytyka sztuki Roberta Coatesa . Ekspresjonizm abstrakcyjny, malarstwo akcji i malarstwo Color Field są synonimami szkoły nowojorskiej .

Technicznie surrealizm był ważnym poprzednikiem ekspresjonizmu abstrakcyjnego z naciskiem na tworzenie spontaniczne, automatyczne lub podświadome. Kapiąca farba Jacksona Pollocka na płótno rozłożone na podłodze to technika wywodząca się z twórczości André Massona . Innym ważnym wczesnym przejawem tego, co stało się abstrakcyjnym ekspresjonizmem, są prace amerykańskiego artysty z Northwest, Marka Tobeya , zwłaszcza jego płótna z „białym pismem”, które, choć generalnie nie są duże, antycypują „cały” wygląd obrazów kroplowych Pollocka.

Ponadto abstrakcyjny ekspresjonizm ma obraz zbuntowanego, anarchicznego, wysoce idiosynkratycznego i, zdaniem niektórych, raczej nihilistycznego. W praktyce termin ten odnosi się do dowolnej liczby artystów działających (głównie) w Nowym Jorku, którzy prezentowali całkiem różne style, a nawet odnosi się do prac, które nie są szczególnie abstrakcyjne ani ekspresjonistyczne. aktywne obrazy ” Pollocka , z ich „zajętym” charakterem, różnią się zarówno pod względem technicznym, jak i estetycznym, od brutalnej i groteskowej serii „ Kobiety ” Willema de Kooninga . Kobieta V to jeden z serii sześciu obrazów wykonanych przez de Kooninga w latach 1950-1953, które przedstawiają kobiecą postać o długości trzech czwartych. Pierwszy z tych obrazów, Kobieta I, rozpoczął w czerwcu 1950 r., wielokrotnie zmieniając i malując obraz, aż do stycznia lub lutego 1952 r., kiedy obraz porzucono w stanie niedokończonym. Historyk sztuki Meyer Schapiro zobaczył obraz w pracowni de Kooninga i zachęcił artystę do wytrwania. Odpowiedzią De Kooninga było rozpoczęcie trzech innych obrazów na ten sam temat; Kobieta II, Kobieta III i Kobieta IV. Latem 1952 roku spędził w East Hampton , de Kooning dalej zgłębiał ten temat poprzez rysunki i pastele. Ukończył pracę nad Kobietą I do listopada 1952 roku i prawdopodobnie trzy pozostałe zdjęcia kobiet zostały ukończone mniej więcej w tym samym czasie. Cykl Kobieta to obrazy zdecydowanie figuratywne . Innym ważnym artystą jest Franz Kline , o czym świadczy jego obraz High Street (1950), który został nazwany malarzem akcji ze względu na jego pozornie spontaniczny i intensywny styl, skupiający się mniej lub wcale na postaciach lub obrazach, ale na rzeczywistym pociągnięcia pędzla i użycie płótna.

Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb i spokojnie mieniące się bloki kolorów w pracach Marka Rothko (co nie jest tym, co zwykle nazywa się ekspresjonizmem i któremu Rothko zaprzecza jako abstrakcji), są klasyfikowane jako abstrakcyjni ekspresjoniści, aczkolwiek z tego, co Clement Greenberg nazwał kierunek pola koloru abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Zarówno Hansa Hofmanna, jak i Roberta Motherwella można określić jako praktyków action painting i Color field painting.

W latach pięćdziesiątych malarstwo Color Field początkowo nawiązywało do określonego typu abstrakcyjnego ekspresjonizmu , zwłaszcza do twórczości Marka Rothko, Clyfforda Stilla, Barnetta Newmana, Roberta Motherwella. i Adolfa Gottlieba. Zasadniczo obejmował abstrakcyjne obrazy z dużymi, płaskimi przestrzeniami koloru, które wyrażały zmysłowe i wizualne odczucia oraz właściwości dużych obszarów zniuansowanej powierzchni. Krytyk sztuki Clement Greenberg postrzegał malarstwo Color Field jako spokrewnione z malarstwem Action, ale różniące się od niego. Ogólny rozmach i gestalt prac wczesnych malarzy zajmujących się kolorem mówi o prawie religijnym doświadczeniu, pełnym podziwu w obliczu rozszerzającego się wszechświata zmysłowości, koloru i powierzchni. Od początku do połowy lat 60. malarstwo Color Field zaczęło nawiązywać do stylów artystów takich jak Jules Olitski , Kenneth Noland i Helen Frankenthaler , których prace były związane z abstrakcyjnym ekspresjonizmem drugiej generacji, oraz młodsi artyści, tacy jak Larry Zox i Frank Stella – wszyscy podążali w nowym kierunku.

Realizm, krajobraz, pejzaż morski, figuracja, martwa natura, pejzaż miejski

W latach trzydziestych do sześćdziesiątych XX wieku malarstwo abstrakcyjne w Ameryce i Europie ewoluowało w takie kierunki, jak abstrakcyjny ekspresjonizm , malarstwo Color Field , abstrakcja postmalarska , op-art , malarstwo ostre , minimal art , malarstwo na płótnie w kształcie i abstrakcja liryczna . Inni artyści zareagowali jako odpowiedź na tendencję do abstrakcji, pozwalającą na kontynuację obrazów w różnych nowych kontekstach, takich jak ruch figuratywny Bay Area w latach pięćdziesiątych i nowe formy ekspresjonizmu od 1940 do 1960 roku. Przez cały XX wiek wielu malarzy praktykowało realizm i wykorzystywało ekspresyjne obrazy w malarstwie pejzażowym i figuratywnym ze współczesnymi tematami. Są wśród nich tacy artyści jak Milton Avery , John D. Graham , Fairfield Porter , Edward Hopper , Andrew Wyeth , Balthus , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Leon Kossoff , Philip Pearlstein , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Grace Hartigan , Robert De Niro senior i Elaine de Kooning .

We Włoszech w tym czasie Giorgio Morandi był czołowym malarzem martwych natur, badającym różnorodne podejścia do przedstawiania codziennych butelek i przyborów kuchennych.

Frida Kahlo , Autoportret z naszyjnikiem z cierni i kolibrem , 1940, symbolizm latynoamerykański

Portret Willema de Kooninga autorstwa Arshile'a Gorkiego jest przykładem ewolucji abstrakcyjnego ekspresjonizmu z kontekstu malarstwa figur, kubizmu i surrealizmu . Wraz ze swoimi przyjaciółmi de Kooningiem i Johnem D. Grahamem Gorky tworzył biomorficzne i abstrakcyjne kompozycje figuratywne, które w latach czterdziestych XX wieku przekształciły się w całkowicie abstrakcyjne obrazy. Praca Gorky'ego wydaje się być uważną analizą pamięci, emocji i kształtu, używając linii i koloru do wyrażenia uczuć i natury.

Studium według portretu papieża Innocentego X Velázqueza z 1953 r. to obraz urodzonego w Irlandii artysty Francisa Bacona , będący przykładem europejskiego ekspresjonizmu po II wojnie światowej . Praca przedstawia zniekształconą wersję Portretu Innocentego X namalowanego przez hiszpańskiego artystę Diego Velázqueza w 1650 r. Praca jest jednym z serii wariantów obrazu Velázqueza, który Bacon wykonał w latach pięćdziesiątych i wczesnych sześćdziesiątych XX wieku, w sumie czterdzieści pięć dzieł. Zapytany, dlaczego był zmuszony tak często powracać do tematu, Bacon odpowiedział, że nie ma nic przeciwko papieżom, że jedynie „chciał mieć pretekst do używania tych kolorów, a nie można nadać zwykłym ubraniom tego fioletowego koloru bez wpadnięcia w szał”. rodzaj fałszywej fauny Papież w tej wersji kipi gniewem i agresją, a ciemne kolory nadają obrazowi groteskowy i koszmarny wygląd. Plisowane zasłony tła stają się przezroczyste i wydają się opadać na twarz Papieża.

Figuratywna twórczość Francisa Bacona, Fridy Kahlo, Edwarda Hoppera, Luciana Freuda, Andrew Wyetha i innych służyła jako swego rodzaju alternatywa dla abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Nighthawks (1942) to realistyczny obraz Edwarda Hoppera, który przedstawia ludzi siedzących późno w nocy w knajpie w centrum miasta . To nie tylko najsłynniejszy obraz Hoppera, ale jeden z najbardziej rozpoznawalnych w sztuce amerykańskiej. Miejska ulica jest pusta na zewnątrz restauracji, a wewnątrz żaden z trzech klientów najwyraźniej nie patrzy ani nie rozmawia z innymi, ale zamiast tego jest pogrążony we własnych myślach. Ten portret współczesnego życia miejskiego jako pustego lub samotnego jest częstym tematem w całej twórczości Hoppera. Jednym z najbardziej znanych obrazów amerykańskiej sztuki XX wieku jest tempera Wyetha, Christina's World w zbiorach Museum of Modern Art w Nowym Jorku . Przedstawia kobietę leżącą na ziemi na bezdrzewnym, przeważnie płowym polu, patrzącą w górę i czołgającą się w kierunku szarego domu na horyzoncie; do domu przylega stodoła i różne inne małe budynki gospodarcze.

Po drugiej wojnie światowej termin School of Paris często odnosił się do tachisme , europejskiego odpowiednika amerykańskiego abstrakcyjnego ekspresjonizmu i ci artyści są również spokrewnieni z Cobrą . Ważnymi orędownikami byli Jean Dubuffet , Pierre Soulages , Nicolas de Staël , Hans Hartung , Serge Poliakoff i Georges Mathieu , między innymi. We wczesnych latach pięćdziesiątych Dubuffet (który zawsze był artystą figuratywnym) i de Staël porzucili abstrakcję i powrócili do obrazów poprzez figurację i pejzaż. De Staëla do reprezentacji ( pejzaże morskie, piłkarze , muzycy jazzowi , mewy) na początku lat 50 . Wayne Thiebaud , Nathan Oliveira , Joan Brown a inni wykonali podobny ruch; powrót do obrazów w połowie lat pięćdziesiątych. Wiele późnych prac de Staëla - w szczególności jego abstrakcyjne pejzaże z połowy lat pięćdziesiątych - przewiduje malarstwo Color Field i abstrakcję liryczną z lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych. Milton Avery również poprzez użycie koloru i zainteresowanie pejzażami morskimi i pejzażami związanymi z aspektem pola koloru abstrakcyjnego ekspresjonizmu, manifestowanym przez Adolpha Gottlieba i Marka Rothko , a także lekcjami, które amerykańscy malarze wyciągnęli z prac Henri Matisse'a .

Pop Art

Pop-art w Ameryce był początkowo w dużym stopniu inspirowany twórczością Jaspera Johnsa , Larry'ego Riversa i Roberta Rauschenberga , chociaż obrazy Geralda Murphy'ego , Stuarta Davisa i Charlesa Demutha z lat 20. sztuka.

W Nowym Jorku w połowie lat pięćdziesiątych Rauschenberg i Johns stworzyli dzieła sztuki, które początkowo wydawały się kontynuacją abstrakcyjnego malarstwa ekspresjonistycznego . W rzeczywistości ich prace, podobnie jak prace Larry'ego Riversa, były radykalnym odejściem od abstrakcyjnego ekspresjonizmu, zwłaszcza w stosowaniu banalnych i dosłownych obrazów oraz włączaniu do ich prac przyziemnych materiałów. wykorzystanie przez Johnsa różnych obrazów i przedmiotów, takich jak krzesła, liczby, tarcze, puszki po piwie i flaga amerykańska ; Obrazy Riversa przedstawiające tematy zaczerpnięte z kultury popularnej, takie jak George Washington przekraczający Delaware , i jego inkluzje obrazów z reklam, takich jak wielbłąd z papierosów Camel ; a zaskakujące konstrukcje Rauschenberga wykorzystujące inkluzje przedmiotów i obrazów zaczerpniętych z kultury popularnej, sklepów z narzędziami, złomowisk, ulic miasta i taksydermii dały początek radykalnie nowemu ruchowi w sztuce amerykańskiej. Ostatecznie w 1963 roku ruch ten stał się znany na całym świecie jako pop-art.

między innymi przez artystów Andy'ego Warhola , Claesa Oldenburga , Wayne'a Thiebauda , ​​Jamesa Rosenquista , Jima Dine'a , Toma Wesselmanna i Roya Lichtensteina . Lichtenstein użył farb olejnych i Magna w pracach takich jak Drowning Girl (1963; Museum of Modern Art, Nowy Jork ), która została zawłaszczona z głównej historii w Secret Hearts # 83 DC Comics . Grube kontury, odważne kolory i Kropki Ben-Day odtwarzają wygląd druku komercyjnego. Lichtenstein powiedziałby o swojej pracy: Ekspresjoniści abstrakcyjni „kładą rzeczy na płótno i reagują na to, co zrobili, na pozycje kolorów i rozmiary. Mój styl wygląda zupełnie inaczej, ale natura kładzenia linii jest prawie taka sama moje po prostu nie wyglądają na kaligraficzne, jak te Pollocka czy Kline'a. Pop-art łączy kulturę popularną i masową ze sztuką piękną, dodając jednocześnie humor, ironię oraz rozpoznawalne obrazy i treści. W październiku 1962 Sidney Janis Gallery wystawiła The New Realists , pierwsza duża grupowa wystawa pop-artu w galerii sztuki na przedmieściach Nowego Jorku. Spektakl wstrząsnął szkołą w Nowym Jorku i odbił się echem na całym świecie. Campbell's Soup Cans (czasami określane jako 32 Campbell's Soup Cans ) to tytuł dzieła Andy'ego Warhola , które zostało wyprodukowane w 1962 roku. Składa się z trzydziestu dwóch płócien o równej wielkości, z których każde zawiera obraz puszki z zupą Campbella — po jednej z każdej zupy w puszce różnorodność oferowana przez firmę w tamtym czasie. Poszczególne obrazy zostały wykonane w częściowo zmechanizowanym sitodruku , przy użyciu stylu niemalarskiego . Pomogli zapoczątkować pop-art jako główny ruch artystyczny, który opierał się na motywach z kultury popularnej .

, Lawrence Alloway użył terminu Pop Art na określenie obrazów, które celebrowały konsumpcjonizm okresu po II wojnie światowej. Ruch ten odrzucił abstrakcyjny ekspresjonizm i jego skupienie się na hermeneutycznym i psychologicznym wnętrzu na rzecz sztuki, która przedstawiała materialną kulturę konsumpcyjną, reklamę i ikonografię epoki masowej produkcji. Wczesne prace angielskiego artysty Davida Hockneya , takie jak A Bigger Splash , oraz prace Richarda Hamiltona , Petera Blake'a i Eduardo Paolozziego , są uważane za przełomowe przykłady w ruchu. W nowojorskich East Village przy 10th Street artyści formułowali amerykańską wersję pop-artu. Claes Oldenburg miał swoją witrynę sklepową, a Green Gallery na 57th Street zaczęły pokazywać Toma Wesselmanna i Jamesa Rosenquista . Istnieje związek między radykalnymi dziełami Duchampa i Man Rayem , zbuntowanymi dadaistami – z poczuciem humoru; oraz artystów popowych, takich jak Alex Katz , Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein i inni.

Art Brut, Nowy Realizm, Ruch Figuratywny Bay Area, Neo-Dada, Fotorealizm

W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku malarstwo abstrakcyjne w Ameryce i Europie przekształciło się w takie ruchy, jak malarstwo Color Field , postmalarska abstrakcja , op-art , malarstwo hard-edge , minimal art , malarstwo na płótnie , abstrakcja liryczna i kontynuacja ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Inni artyści zareagowali jako odpowiedź na tendencję do abstrakcji za pomocą Art brut , jak widać w Court les rues, 1962, autorstwa Jeana Dubuffeta , Fluxus , neo-dada , nowy realizm , fotorealizm , umożliwiając ponowne pojawienie się obrazów w różnych nowych kontekstach, takich jak pop-art , ruch figuratywny Bay Area (doskonałym przykładem jest Cityscape I (Pejzaż nr 1) Diebenkorna (1963), a później w latach 70. Neoekspresjonizm . Ruch figuratywny Bay Area , którego obrazy David Park , Elmer Bischoff , Nathan Oliveira i Richard Diebenkorn Typowym przykładem jest Cityscape 1 (1963), w którym wpływowi członkowie rozkwitali w Kalifornii w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych. Młodsi malarze praktykowali użycie obrazów w nowy i radykalny sposób. Yves Klein , Arman , Martial Raysse , Christo , Niki de Saint Phalle , David Hockney , Alex Katz , Malcolm Morley , Ralph Goings , Audrey Flack , Richard Estes , Chuck Close , Susan Rothenberg , Eric Fischl i Vija Celmins byli kilkoma, którzy stali się znani między 1960 a 1980 rokiem. Fairfield Porter był w dużej mierze samoukiem i tworzył prace reprezentacyjne pośród ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Jego tematami były przede wszystkim pejzaże, domowe wnętrza oraz portrety rodziny, przyjaciół i kolegów artystów.

Również w latach 60. i 70. nastąpiła reakcja przeciwko malarstwu. Krytycy, tacy jak Douglas Crimp, oglądali prace artystów takich jak Ad Reinhardt i ogłosili „śmierć malarstwa”. Artyści zaczęli praktykować nowe sposoby tworzenia sztuki. Nowe ruchy zyskały na znaczeniu, z których niektóre to: Fluxus , Happening , Sztuka wideo , Sztuka instalacji Sztuka poczty , sytuacjoniści , Sztuka konceptualna , Postminimalizm , Sztuka ziemi , arte povera , performance i body art między innymi.

Neo-dada to także ruch, który rozpoczął się w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku i był związany z abstrakcyjnym ekspresjonizmem tylko z obrazami. Ten trend, w którym wytwarzane przedmioty są łączone z materiałami artystycznymi, ilustrują prace Jaspera Johnsa i Roberta Rauschenberga . „Kombajny” Rauschenberga w latach pięćdziesiątych były prekursorami sztuki pop-artu i instalacji i wykorzystywały zgromadzenie dużych obiektów fizycznych, w tym wypchanych zwierząt, ptaków i fotografii komercyjnej. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine i Edward Kienholz między innymi stworzyli nowe konwencje tworzenia sztuki; uczynili akceptowalnym w poważnych kręgach sztuki współczesnej radykalne włączenie nieprawdopodobnych materiałów jako części ich dzieł sztuki.

Abstrakcja geometryczna, Op Art, Hard-Edge, Color field, Minimal Art, New Realism

W latach 60. i 70. malarstwo abstrakcyjne nadal rozwijało się w Ameryce poprzez różne style. Abstrakcja geometryczna , sztuka optyczna, malarstwo ostre , malarstwo w polu kolorów i malarstwo minimalne to niektóre powiązane ze sobą kierunki zaawansowanego malarstwa abstrakcyjnego, a także kilka innych nowych ruchów. Morris Louis był ważnym pionierem zaawansowanego malarstwa Colorfield , jego prace mogą służyć jako pomost między ekspresjonizmem abstrakcyjnym , malarstwem Colorfield i minimal art . Dwóch wpływowych nauczycieli, Josef Albers i Hans Hofmann , przedstawili nowemu pokoleniu amerykańskich artystów ich zaawansowane teorie koloru i przestrzeni. Albers jest najlepiej pamiętany ze swojej pracy jako malarza i teoretyka abstrakcjonisty geometrycznego . Najbardziej znane są setki obrazów i grafik składających się na cykl Hołd dla Placu . W tej rygorystycznej serii, zapoczątkowanej w 1949 roku, Albers badał interakcje chromatyczne z płaskimi kolorowymi kwadratami ułożonymi koncentrycznie na płótnie. Teorie Albersa dotyczące sztuki i edukacji ukształtowały następne pokolenie artystów. Jego własne obrazy stanowią podstawę zarówno malarstwa hard-edge, jak i op-artu.

Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky , Burgoyne Diller , Victor Vasarely , Bridget Riley , Richard Anuszkiewicz , Frank Stella , Morris Louis , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , John McLaughlin , Barnett Newman , Larry Poons , Ronald Davis , John Hoyland , Larry Zox , Al Held , Mino Argento to artyści ściśle związani z abstrakcją geometryczną , op-artem, malarstwem Color Field, aw przypadku Hofmanna i Newmana także abstrakcyjnym ekspresjonizmem. Agnes Martin , Robert Mangold , Brice Marden , Jo Baer , Robert Ryman , Richard Tuttle , Neil Williams , David Novros , Paul Mogenson to przykłady artystów kojarzonych z minimalizmem i (z wyjątkiem Martina, Baera i Mardena) wykorzystaniem kształtowanego płótna także w okresie rozpoczynającym się na początku lat 60. Wiele Geometryczni abstrakcjoniści , minimaliści i malarze Hard-edge postanowili wykorzystać krawędzie obrazu do zdefiniowania kształtu obrazu, zamiast akceptować format prostokątny. W rzeczywistości użycie kształtowanego płótna kojarzy się przede wszystkim z obrazami z lat 60. i 70., które są chłodno abstrakcyjne, formalistyczne, geometryczne, obiektywne, racjonalistyczne, o czystych liniach, zuchwale ostrych krawędziach lub minimalistycznym charakterze. Bykert Gallery i Park Place Gallery były ważnymi wizytówkami minimalizmu i malarstwa na płótnie w Nowym Jorku w latach 60.

Płótno w kształcie, Washington Color School, abstrakcyjny iluzjonizm, liryczna abstrakcja

Ronnie Landfield , 1971, Abstrakcja liryczna

Malarstwo Color Field wskazywało na nowy kierunek w malarstwie amerykańskim, z dala od abstrakcyjnego ekspresjonizmu . Związane z abstrakcją postmalarską , suprematyzmem , ekspresjonizmem abstrakcyjnym , malarstwem ostrym i abstrakcją liryczną , malarstwem Color Field dążyło do uwolnienia sztuki od zbędnej retoryki. Artyści tacy jak Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox i inni malowali z wysoce wyartykułowanym i psychologicznym użyciem koloru. Ogólnie rzecz biorąc, artyści ci wyeliminowali rozpoznawalne obrazy. Niektórzy artyści nawiązywali do sztuki dawnej lub teraźniejszej, ale generalnie malarstwo pola kolorowego przedstawia abstrakcję jako cel sam w sobie. Podążając w tym kierunku sztuki współczesnej , artyści chcieli przedstawić każdy obraz jako jeden spójny, monolityczny obraz. Gene Davis wraz z Kennethem Nolandem, Morrisem Louisem i kilkoma innymi byli członkami malarzy Washington Color School , którzy zaczęli tworzyć obrazy Color Field w Waszyngtonie w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku, Black, Grey, Beat to duży obraz w pionowe paski, typowy dla twórczości Gene'a Davisa. Frank Stella , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Ronald Davis , Neil Williams , Robert Mangold , Charles Hinman , Richard Tuttle , David Novros i Al Loving to przykłady artystów związanych z wykorzystaniem kształtowanego płótna w okresie rozpoczynającym się w początek lat 60.

Od 1960 roku Frank Stella tworzył obrazy farbami aluminiowymi i miedzianymi, a swoje pierwsze prace wykonywał na płótnach kształtowych (płótna o innym kształcie niż tradycyjny prostokąt lub kwadrat), często w kształcie litery L, N, U lub T. Te później rozwinęły się w bardziej wyszukane projekty, na przykład w serii Irregular Polygon (1967). Później rozpoczął swoją serię obrazów Kątomierz (1971), w której łuki , czasem nakładające się, w obrębie kwadratowych granic są ułożone obok siebie, tworząc pełne i półkola pomalowane w pierścienie o koncentrycznych kolorach. Harran II, 1967, jest przykładem Seria kątomierzy .

Andre Emmerich Gallery, Leo Castelli Gallery, Richard Feigen Gallery i Park Place Gallery były ważnymi prezentacjami malarstwa Color Field, malarstwa na płótnie i abstrakcji lirycznej w Nowym Jorku w latach 60. Istnieje związek z abstrakcją postmalarską , która sprzeciwiała się mistycyzmowi abstrakcyjnych ekspresjonizmów, hipersubiektywności i naciskowi na uwidocznienie samego aktu malowania – a także uroczyste przyjęcie płaskiego prostokąta jako niemal rytualnego warunku poważne malarstwo. W latach 60. malarstwa Color Field i Minimal art często były ze sobą ściśle powiązane. W rzeczywistości na początku lat siedemdziesiątych oba ruchy stały się zdecydowanie zróżnicowane.

Abstrakcja liryczna (termin ukuty przez Larry'ego Aldricha, założyciela Aldrich Contemporary Art Museum w Ridgefield w stanie Connecticut) obejmowała to, co Aldrich widział w pracowniach wielu ówczesnych artystów. Jest to również nazwa wystawy zapoczątkowanej w Aldrich Museum i podróżującej do Whitney Museum of American Art i innych muzeów w całych Stanach Zjednoczonych w latach 1969-1971. Abstrakcja liryczna to rodzaj swobodnego malarstwa abstrakcyjnego, które pojawiło się w połowie 1960, kiedy abstrakcjoniści powrócili do różnych form malarskiego, obrazowego, ekspresjonizmu, z dominującym naciskiem na proces, gestalt i ogólnie powtarzalne strategie kompozycyjne. W przeciwieństwie do Action Painting, gdzie nacisk kładziony jest na pociągnięcia pędzla i wysoki dramatyzm kompozycyjny, w Lyrical Abstraction – czego przykładem jest obraz z 1971 r. Ronnie Landfield maluje Garden of Delight — jest poczucie kompozycyjnej przypadkowości, zrelaksowany dramat kompozycyjny i nacisk na proces, powtórzenie i ogólną wrażliwość. Abstrakcja liryczna w późnych latach 60. charakteryzuje się malarstwem Dana Christensena , Ronniego Landfielda, Petera Younga i innych, a wraz z ruchem Fluxus i postminimalizmem (termin ukuty po raz pierwszy przez Roberta Pincusa-Wittena na łamach Artforum w 1969) starał się poszerzyć granice malarstwa abstrakcyjnego i minimalizmu, skupiając się na procesie, nowych materiałach i nowych sposobach ekspresji. Postminimalizm często obejmujący materiały przemysłowe, surowce, fabrykacje, znalezione przedmioty, instalacje, seryjne powtórzenia i często z odniesieniami do dadaizmu i surrealizmu najlepiej ilustrują rzeźby Evy Hesse . Abstrakcja liryczna, sztuka konceptualna , postminimalizm, sztuka ziemi , wideo, performance , instalacje , wraz z kontynuacją Fluxusu, ekspresjonizmu abstrakcyjnego, malarstwa Color Field, malarstwa Hard-edge, minimal artu, op-artu, pop-artu, fotorealizmu i nowego realizmu , rozszerzyły granice sztuki współczesnej od połowy lat 60. do 70. XX wieku.

Abstrakcyjny iluzjonizm, monochromia, minimalizm, postminimalizm

Ronald Davis , Pierścień , 1968, Abstrakcyjny iluzjonizm

Jednym z pierwszych artystów szczególnie kojarzonych z minimalizmem był Frank Stella , którego wczesne obrazy z „pasami” zostały wyróżnione na wystawie „16 Americans” z 1959 roku, zorganizowanej przez Dorothy Miller w Museum of Modern Art w Nowym Jorku . Szerokości pasów na obrazach w paski Stelli nie były całkowicie subiektywne, ale były określone przez wymiary tarcicy użytej do zbudowania podwozia nośnego, na którym naciągnięto płótno. W katalogu wystawy Carl Andre zauważył: „Sztuka wyklucza to, co niepotrzebne. Frank Stella uznał za konieczne malowanie pasów. W jego malarstwie nie ma nic innego”. Te redukujące prace ostro kontrastowały z pełnymi energii i pozornie naładowanymi emocjami obrazami Willema de Kooninga czy Franza Kline'a i skłaniały się bardziej w kierunku mniej gestykulacyjnych, kolorystycznych obrazów terenowych Barnetta Newmana i Marka Rothko .

Artyści tacy jak Larry Poons — którego prace związane były z op-artem, z naciskiem na kropki, owale i powidoki odbijające się od kolorowych pól — Kenneth Noland , Ralph Humphrey, Robert Motherwell i Robert Ryman również zaczęli badać paski, monochromatyczne i twarde formaty brzegowe od późnych lat pięćdziesiątych do sześćdziesiątych XX wieku.

Z powodu tendencji w minimalizmie do wykluczania tego, co obrazowe, iluzjonistyczne i fikcyjne, na rzecz tego, co dosłowne – czego dowiódł Robert Mangold , który rozumiał koncepcję kształtu płótna i jego związek z przedmiotowością – nastąpiło odejście od malarstwa i w kierunku zagadnień rzeźbiarskich. Donalda Judda zaczynał jako malarz, a skończył jako twórca przedmiotów. Jego przełomowy esej „Specific Objects” (opublikowany w Arts Yearbook 8, 1965) był kamieniem probierczym w teorii kształtowania estetyki minimalistycznej. W tym eseju Judd znalazł punkt wyjścia dla nowego terytorium dla sztuki amerykańskiej i jednoczesne odrzucenie szczątkowych odziedziczonych europejskich wartości artystycznych. Wskazał na dowody tego rozwoju w pracach wielu artystów działających w tym czasie w Nowym Jorku, w tym Jaspera Johnsa, Dana Flavina i Lee Bontecou. „Wstępne” znaczenie dla Judda miała praca George'a Earla Ortmana [2] , który skonkretyzował i wydestylował formy malarskie w tępe, twarde, filozoficznie naładowane geometrie. Te Konkretne Przedmioty zamieszkiwały przestrzeń, której nie można było wówczas wygodnie zaklasyfikować ani jako malarstwa, ani jako rzeźby. To, że kategoryczna tożsamość takich obiektów sama w sobie była kwestionowana i że unikały łatwego skojarzenia z dobrze zużytymi i zbyt dobrze znanymi konwencjami, było częścią ich wartości dla Judda.

W znacznie bardziej ogólnym sensie można by szukać europejskich korzeni minimalizmu w malarzach abstrakcji geometrycznej w Bauhausie , w pracach Pieta Mondriana i innych artystów związanych z ruchem DeStijl, w rosyjskich konstruktywistach i w twórczości rumuńskiego rzeźbiarza Constantina Brâncuşi . Amerykańscy malarze, tacy jak Brice Marden i Cy Twombly, wykazują wyraźne wpływy europejskie w swojej czystości abstrakcja, malarstwo minimalistyczne z lat 60. Prace poliuretanowe Ronalda Davisa z późnych lat 60. XX wieku są hołdem dla potłuczonego szkła Marcela Duchampa . Ruch ten był mocno krytykowany przez krytyków i historyków sztuki wysokich modernistów i formalistów. Niektórzy zaniepokojeni krytycy uważali, że sztuka minimalistyczna stanowiła niezrozumienie współczesnej dialektyki malarstwa i rzeźby, zgodnie z definicją krytyka Clementa Greenberga , prawdopodobnie dominującego amerykańskiego krytyka malarstwa w okresie poprzedzającym lata sześćdziesiąte. Najbardziej godną uwagi krytykę minimalizmu przedstawił Michael Fried , krytyk Greenberga, który sprzeciwił się pracy ze względu na jej „teatralność”. W Art and Objecthood (opublikowanej w Artforum w czerwcu 1967) deklarował, że minimalistyczne dzieło sztuki, zwłaszcza minimalistyczna rzeźba, opiera się na zaangażowaniu w fizyczność widza. Twierdził, że praca taka jak Roberta Morrisa przekształciła akt patrzenia w rodzaj spektaklu , w którym sztuczność aktu obserwacji i udział widza w pracy zostały odsłonięte. Fried postrzegał to przesunięcie doświadczenia widza z wewnętrznego zaangażowania estetycznego na wydarzenie poza dziełem sztuki jako porażkę sztuki minimalistycznej.

Ad Reinhardt , właściwie artysta pokolenia abstrakcyjnego ekspresjonizmu , ale którego redukcyjne , całkowicie czarne obrazy zdawały się antycypować minimalizm, tak powiedział o wartości redukcyjnego podejścia do sztuki: „Im więcej w nim rzeczy, tym bardziej pracowita praca sztuki, tym gorzej. Więcej znaczy mniej. Mniej znaczy więcej. Oko jest zagrożeniem dla czystego wzroku. Obnażanie się jest nieprzyzwoite. Sztuka zaczyna się od pozbycia się natury".

W latach 60. i 70. artyści tak potężni i wpływowi jak Adolph Gottlieb , Phillip Guston , Lee Krasner , Richard Diebenkorn , Elmer Bischoff , Agnes Martin , Sam Francis , Gene Davis , Joan Mitchell , Friedel Dzubas i młodsi artyści, jak Sam Gilliam , Sean Scully , Pat Steir , Elizabeth Murray , Walter Darby Bannard , Dan Christensen , Joan Snyder, Richard Tuttle , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile i dziesiątki innych tworzyli ważne i wpływowe obrazy.

Jeszcze inne ważne innowacje w malarstwie abstrakcyjnym miały miejsce w latach 60. i 70. XX wieku, charakteryzujące się malarstwem monochromatycznym i malarstwem Hard-edge inspirowanym przez Ad Reinhardta , Barnetta Newmana , Miltona Resnicka i Ellswortha Kelly'ego . Artyści tak zróżnicowani jak Al Held , Larry Zox , Frank Stella , Larry Poons , Brice Marden i inni badali potęgę uproszczenia. Konwergencja Pola Koloru malarstwo, sztuka minimalistyczna, malarstwo ostre, abstrakcja liryczna i postminimalizm zatarły różnice między ruchami, które stały się bardziej widoczne w latach 80. i 90. XX wieku. Ruch neoekspresjonizmu jest powiązany z wcześniejszym rozwojem ekspresjonizmu abstrakcyjnego, neo-dada , abstrakcji lirycznej i malarstwa postminimalistycznego.

Neoekspresjonizm

Pod koniec lat 60. abstrakcyjny malarz ekspresjonistyczny Philip Guston pomógł przeprowadzić przejście od abstrakcyjnego ekspresjonizmu do neoekspresjonizmu w malarstwie, porzucając tak zwaną „czystą abstrakcję” ekspresjonizmu abstrakcyjnego na rzecz bardziej kreskówkowych przedstawień różnych osobistych symboli i przedmiotów. Prace te były inspiracją dla nowej generacji malarzy zainteresowanych odrodzeniem ekspresyjnych obrazów. Jego obraz Malowanie, palenie, jedzenie jest przykładem powrotu Gustona do reprezentacji.

Na przełomie lat 70. i 80. nastąpił także powrót do malarstwa, który nastąpił niemal równocześnie we Włoszech, Niemczech, Francji i Wielkiej Brytanii . Ruchy te nazwano odpowiednio Transavantguardia , Neue Wilde , Figuration Libre , neoekspresjonizmem , szkołą londyńską, a pod koniec lat 80. Stuckistami . Malarstwo to charakteryzowało się dużymi formatami, swobodną ekspresją znakowania, figuracją, mitem i wyobraźnią. Wszystkie prace z tego gatunku zaczęto nazywać neoekspresjonizmem .

Neoekspresjonizm był stylem nowoczesnego malarstwa, który stał się popularny pod koniec lat 70. i dominował na rynku sztuki do połowy lat 80. Powstała w Europie jako reakcja na sztukę konceptualną i minimalistyczną lat 60. i 70. XX wieku. Neoekspresjoniści powrócili do przedstawiania rozpoznawalnych przedmiotów, takich jak ludzkie ciało (choć czasami w sposób wręcz abstrakcyjny), w szorstki i brutalnie emocjonalny sposób, używając żywych kolorów i banalnych harmonii kolorystycznych. Doświadczeni malarze Philip Guston, Frank Auerbach , Leon Kossoff , Gerhard Richter , AR Penck i Georg Baselitz , wraz z nieco młodszymi artystami Damienem Hirstem , Anselmem Kieferem , Amerykanami Ericem Fischlem , Susan Rothenberg , Davidem Salle , Jean-Michelem Basquiatem , Julianem Schnabelem i Keithem Haringiem , Włochami Francesco Clemente , Mimmo Paladino , Sandro Chia i Enzo Cucchi , i wielu innych stało się znanych z pracy w tym intensywnym ekspresjonistycznym stylu malarstwa. Krytyczna reakcja była podzielona. Niektórzy krytycy uważali, że napędzają go motywacje zysku dużych galerii handlowych.

Anselm Kiefer jest czołową postacią europejskiego neoekspresjonizmu. W latach 80. tematyka Kiefera rozszerzyła się od skupienia się na roli Niemiec w cywilizacji do losów sztuki i kultury w ogóle. Jego prace stały się bardziej rzeźbiarskie i obejmują nie tylko tożsamość narodową i pamięć zbiorową , ale także okultystyczną symbolikę, teologię i mistycyzm . Tematem wszystkich prac jest trauma doświadczana przez całe społeczeństwa oraz nieustanne odradzanie się i odnawianie życia.

Malarstwo nadal zajmuje poważaną pozycję w sztuce współczesnej . Sztuka jest otwartym polem, którego nie dzieli już dychotomia obiektywna i nieobiektywna. Artyści mogą osiągnąć krytyczny sukces, niezależnie od tego, czy ich obrazy są reprezentatywne, czy abstrakcyjne. To, co ma aktualność, to treść, badanie granic medium i odmowa podsumowania dzieł z przeszłości jako celu końcowego.

Damiena Hirsta , 2003

Współczesne malarstwo w XXI wiek

Główne artykuły: Sztuka współczesna , Sztuka postmodernistyczna i Późny modernizm

W XX wieku i w XXI wieku, wraz z pojawieniem się form sztuki nowoczesnej i postmodernistycznej , różnice między tym, co jest powszechnie uważane za sztuki piękne , a sztukami niskimi zaczęły zanikać, ponieważ współczesna sztuka wysoka nadal kwestionuje te koncepcje, mieszając z kulturą popularną .

Malarstwo głównego nurtu zostało odrzucone przez artystów epoki postmodernistycznej na rzecz artystycznego pluralizmu . Według krytyka sztuki Arthura Danto dominuje postawa „wszystko ujdzie” ; syndrom „wszystko się dzieje”, aw konsekwencji „nic się nie dzieje”; tworzy to estetyczny korek uliczny bez wyraźnego i wyraźnego kierunku, a każdy pas artystycznej autostrady jest wypełniony po brzegi.

Zobacz też

Źródła

O efektach druku Gutenberga

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Western_painting&oldid=1123165085 ”