Zachodnie malarstwo XX wieku

Henri Matisse , Taniec I , 1909, Muzeum Sztuki Nowoczesnej . Jeden z kamieni węgielnych współczesnej sztuki XX wieku .

Zachodnie malarstwo XX wieku zaczyna się od dziedzictwa malarzy z końca XIX wieku Vincenta van Gogha , Paula Cézanne'a , Paula Gauguina , Georgesa Seurata , Henri de Toulouse-Lautreca i innych, którzy byli niezbędni dla rozwoju sztuki nowoczesnej. Na początku XX wieku Henri Matisse i kilku innych młodych artystów, w tym prekubista Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy i Maurice de Vlaminck , zrewolucjonizował paryski świat sztuki „dzikimi”, wielobarwnymi, ekspresyjnymi pejzażami i obrazami figuralnymi, które krytycy nazwali fowizmem . Druga wersja Tańca Matisse'a oznaczała kluczowy punkt w jego karierze i rozwoju nowoczesnego malarstwa. Odzwierciedlał początkową fascynację Matisse'a sztuką prymitywną : intensywny ciepły kolor postaci na chłodnym niebiesko-zielonym tle i rytmiczne następstwo tańczących aktów oddają uczucia emocjonalnego wyzwolenia i hedonizmu .

Początkowo pod wpływem Toulouse-Lautreca, Gauguina i innych innowatorów z końca XIX wieku, Pablo Picasso stworzył swoje pierwsze kubistyczne obrazy w oparciu o ideę Cézanne'a, że ​​wszelkie przedstawienie natury można zredukować do trzech brył: sześcianu , kuli i stożka . Obrazem Les Demoiselles d'Avignon (1907; zobacz galerię) Picasso stworzył nowy i radykalny obraz przedstawiający surową i prymitywną scenę burdelu z pięcioma prostytutkami, brutalnie pomalowanymi kobietami, przypominającymi afrykańskie maski plemienne i jego własne nowe protokubistyczne . Kubizm analityczny , którego przykładem są skrzypce i świeczniki w Paryżu , został opracowany wspólnie przez Pabla Picassa i Georgesa Braque'a od około 1908 do 1912 roku. Po kubizmie analitycznym nastąpił kubizm syntetyczny , charakteryzujący się wprowadzeniem różnych tekstur, powierzchni, elementów kolażu , papier collé i duża różnorodność połączonej tematyki.

Kryształowy kubizm był destylowaną formą kubizmu zgodną z przesunięciem między 1915 a 1916 rokiem w kierunku silnego nacisku na płaską powierzchnię i duże nakładające się płaszczyzny geometryczne, praktykowane przez Braque'a, Picassa, Jeana Metzingera, Alberta Gleizesa , Juana Grisa , Diego Rivera , Henri Laurensa , Jacques Lipchitz , Alexander Archipenko , Fernand Léger i kilku innych artystów do lat dwudziestych XX wieku.

W latach między 1910 a końcem I wojny światowej i po okresie rozkwitu kubizmu w Paryżu powstało kilka ruchów. Giorgio de Chirico przeniósł się do Paryża w lipcu 1911 roku, gdzie dołączył do swojego brata Andrei (poety i malarza znanego jako Alberto Savinio ). Poprzez swojego brata poznał Pierre'a Laprade'a, członka jury Salon d'Automne , gdzie wystawił trzy swoje wymarzone prace: Enigma of the Oracle , Enigma of an Afternoon i Self-Portrait . W 1913 roku wystawiał swoje prace w Salon des Indépendants i Salon d'Automne, gdzie jego twórczość została zauważona przez Pabla Picassa , Guillaume'a Apollinaire'a i innych. Jego fascynujące i tajemnicze obrazy są uważane za instrumentalne dla wczesnych początków surrealizmu . Song of Love (1914) jest jednym z najsłynniejszych dzieł de Chirico i jest wczesnym przykładem stylu surrealistycznego, chociaż został namalowany dziesięć lat przed „założeniem” ruchu przez André Bretona w 1924 roku.

W pierwszych dwóch dekadach XX wieku, wraz z ewolucją kubizmu, pojawiło się kilka innych ważnych ruchów; Futuryzm ( Giacomo Balla ), sztuka abstrakcyjna ( Wassily Kandinsky ), Der Blaue Reiter ( Kandinsky i Franz Marc ), Bauhaus ( Kandinsky i Paul Klee ), orfizm ( Robert Delaunay i František Kupka ), synchromizm ( Morgan Russell i Stanton Macdonald-Wright ), De Stijl ( Theo van Doesburg i Piet Mondrian ), suprematyzm ( Kazimir Malewicz ), konstruktywizm ( Władimir Tatlin ), dadaizm ( Marcel Duchamp , Picabia i Jean Arp ) oraz surrealizm ( Giorgio de Chirico , André Breton , Joan Miró , René Magritte , Salvador Dalí i Maksa Ernsta ). Malarstwo nowoczesne wpłynęło na wszystkie sztuki wizualne, od modernistycznej architektury i designu po awangardowy film, teatr i taniec nowoczesny , i stało się eksperymentalnym laboratorium ekspresji doświadczeń wizualnych, od fotografii i poezji konkretnej po sztukę reklamową i modę. Obrazy Van Gogha wywarły wielki wpływ na XX-wieczny ekspresjonizm , co widać w twórczości Fauves , Die Brücke (grupa kierowana przez niemieckiego malarza Ernsta Kirchnera ) oraz ekspresjonizm Edvarda Muncha , Egona Schielego , Marca Chagalla , Amedeo Modiglianiego , Chaïma Soutine'a i innych.

Początek 20 wieku

Pionierzy abstrakcji

Piet Mondrian , Kompozycja II w czerwieni, błękicie i żółci , 1930, De Stijl

Wassily Kandinsky , rosyjski malarz, grafik i teoretyk sztuki , jest powszechnie uważany za pierwszego ważnego malarza współczesnej sztuki abstrakcyjnej . Jako wczesny modernista , poszukujący nowych sposobów ekspresji wizualnej i duchowej, teoretyzował — podobnie jak współcześni okultyści i teozofowie — że czysta abstrakcja wizualna ma współwystępowanie z dźwiękiem i muzyką. Zakładali, że czysta abstrakcja może wyrażać czystą duchowość. Jego najwcześniejsze abstrakcje nosiły na ogół tytuły (jak przykład w powyższej galerii) Kompozycja VII , nawiązująca do twórczości kompozytorów muzycznych. Kandinsky zawarł wiele swoich teorii na temat sztuki abstrakcyjnej w swojej książce Concerning the Spiritual in Art . Sztuka Pieta Mondriana była również związana z jego studiami duchowymi i filozoficznymi. W 1908 roku zainteresował się ruchem teozoficznym zapoczątkowanym przez Helenę Pietrowną Bławacką pod koniec XIX wieku. Bławatska wierzyła, że ​​​​możliwe jest osiągnięcie głębszej wiedzy o naturze niż ta, którą zapewniają środki empiryczne, a większość prac Mondriana do końca jego życia była inspirowana jego poszukiwaniem tej duchowej wiedzy. Inni główni pionierzy wczesnej abstrakcji to szwedzki malarz Hilma af Klint , rosyjski malarz Kazimierz Malewicz i szwajcarski malarz Paul Klee . Robert Delaunay był francuskim artystą związanym z orfizmem , (przypomina związek czystej abstrakcji z kubizmem). Jego późniejsze prace były bardziej abstrakcyjne, przypominające Paula Klee. Jego kluczowy wkład w malarstwo abstrakcyjne odnosi się do odważnego użycia koloru i wyraźnej miłości do eksperymentowania zarówno z głębią, jak i tonem. Na zaproszenie Kandinsky'ego Delaunay i jego żona artystka Sonia Delaunay dołączyli w 1911 roku do The Blue Rider ( Der Blaue Reiter ), monachijskiej grupy artystów abstrakcyjnych, a jego sztuka zwróciła się ku abstrakcji. Jeszcze inni ważni pionierzy malarstwa abstrakcyjnego to czeski malarz František Kupka a także amerykańscy artyści Stanton Macdonald-Wright i Morgan Russell , którzy w 1912 roku założyli Synchromism , ruch artystyczny bardzo przypominający orfizm .

Fowizm, Der Blaue Reiter, Die Brücke

Główne artykuły: Fowizm , Der Blaue Reiter i Die Brücke
Amedeo Modigliani , Portret Soutine 1916, Soutine był ważnym praktykiem ekspresjonizmu

Les Fauves (po francusku Dzikie bestie ) byli malarzami z początku XX wieku, eksperymentującymi ze swobodą ekspresji poprzez kolor. Nazwę nadał grupie żartobliwie, a nie jako komplement, krytyk sztuki Louis Vauxcelles . Fowizm był krótkotrwałą i luźną grupą artystów, których prace kładły nacisk na walory malarskie i pomysłowe użycie głębokiego koloru nad wartościami reprezentacyjnymi. Fauwiści sprawili, że temat obrazu był łatwy do odczytania i przesadzone perspektywy. Prorocza przepowiednia Fauwów została wyrażona w 1888 roku przez Paula Gauguina Paweł Serusier :

„Jak widzisz te drzewa? Są żółte. Więc postaw na żółto; ten cień, raczej niebieski, pomaluj go czystą ultramaryną ; te czerwone liście? Umieść cynober ”.

Przywódcami ruchu byli Henri Matisse i André Derain — swego rodzaju przyjacielscy rywale, z których każdy miał swoich zwolenników. Ostatecznie Matisse stał się yang dla yin Picassa w XX wieku. Do malarzy fowistów należeli Albert Marquet , Charles Camoin , Maurice de Vlaminck , Raoul Dufy , Othon Friesz , holenderski malarz Kees van Dongen i partner Picassa w kubizmie, Georges Braque .

Fowizm jako ruch nie miał konkretnych teorii i był krótkotrwały, począwszy od 1905 r., A skończywszy na 1907 r. Fowowie mieli tylko trzy wystawy. Matisse był postrzegany jako przywódca ruchu ze względu na jego starszy wiek i wcześniejsze ugruntowanie się w akademickim świecie sztuki. Jego portret z 1905 r. Mme. Matisse, The Green Line (powyżej), wywołał sensację w Paryżu, kiedy został wystawiony po raz pierwszy. Powiedział, że chce tworzyć sztukę, która zachwyca; sztuka jako dekoracja była jego celem i można powiedzieć, że jego użycie jasnych kolorów stara się zachować spokój kompozycji. W 1906 roku, za sugestią swojego dealera, Ambroise'a Vollarda , André Derain wyjechał do Londynu i wyprodukował serię obrazów, takich jak Most Charing Cross w Londynie (powyżej) w stylu fowistycznym, parafrazując słynną serię impresjonistycznego malarza Claude'a Moneta .

Edvard Munch , Śmierć Marata I (1907), przykład ekspresjonizmu

W 1907 roku fowizm nie był już szokującym nowym ruchem, wkrótce został zastąpiony przez kubizm na ekranie radaru krytyków jako najnowsze osiągnięcie w sztuce współczesnej tamtych czasów. W 1907 roku Apollinaire , komentując Matisse'a w artykule opublikowanym w La Falange, powiedział: „Nie jesteśmy tutaj w obliczu ekstrawaganckiego lub ekstremistycznego przedsięwzięcia: sztuka Matisse'a jest wybitnie rozsądna”.

Der Blaue Reiter był niemieckim ruchem trwającym od 1911 do 1914 roku, fundamentalnym dla ekspresjonizmu, wraz z Die Brücke , grupą niemieckich artystów ekspresjonistycznych utworzoną w Dreźnie w 1905 roku. Członkami założycielami Die Brücke byli Fritz Bleyl , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner i Karla Schmidta-Rottluffa . Później członkami byli Max Pechstein , Otto Mueller i inni. Była to przełomowa grupa, która w swoim czasie wywarła ogromny wpływ na ewolucję sztuki nowoczesnej w XX wieku i stworzyła styl ekspresjonizmu .

Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , których psychicznie ekspresyjny obraz rosyjskiego tancerza Portret Aleksandra Sacharowa , 1909 znajduje się w galerii powyżej, Marianne von Werefkin , Lyonel Feininger i inni założyli grupę Der Blaue Reiter w odpowiedzi na odrzucenie obrazu Kandinsky'ego Sąd Ostateczny z wystawy. Der Blaue Reiter nie miał centralnego manifestu artystycznego, ale skupiał się wokół Kandinsky'ego i Marca. Zaangażowani byli także artyści Gabriele Münter i Paul Klee .

Nazwa ruchu pochodzi od obrazu Kandinsky'ego namalowanego w 1903 roku. Twierdzi się również, że nazwa mogła wywodzić się z entuzjazmu Marca dla koni i zamiłowania Kandinsky'ego do koloru niebieskiego. Dla Kandinsky'ego niebieski jest kolorem duchowości: im ciemniejszy, tym bardziej budzi ludzkie pragnienie wieczności.

Ekspresjonizm, symbolizm, modernizm amerykański, Bauhaus

Główne artykuły: ekspresjonizm , symbolizm (sztuka) , amerykański modernizm , modernizm i Bauhaus
Chaïm Soutine , Ekspresjonizm , ok. 1920
Pierre Bonnard , 1913, europejski modernistyczny obraz narracyjny

Ekspresjonizm i symbolizm to szerokie rubryki obejmujące kilka ważnych i powiązanych ruchów w malarstwie XX wieku, które zdominowały większość sztuki awangardowej tworzonej w Europie Zachodniej, Wschodniej i Północnej. Prace ekspresjonistyczne były malowane głównie między I a II wojną światową, głównie we Francji, Niemczech, Norwegii, Rosji, Belgii i Austrii. Style ekspresjonistyczne są spokrewnione zarówno z surrealizmem, jak i symbolizmem, a każdy z nich jest wyjątkowy i nieco ekscentrycznie osobisty. Fowizm , Die Brücke i Der Blaue Reiter to trzy z najbardziej znanych grup malarzy ekspresjonistów i symbolistów. Artyści tak interesujący i różnorodni jak Marc Chagall I and the Village , którego obraz (powyżej) opowiadają autobiograficzną historię, która bada związek między artystą a jego pochodzeniem, z leksykonem symbolizmu artystycznego . Gustav Klimt , Egon Schiele , Edvard Munch , Emil Nolde , Chaïm Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Yitzhak Frenkel Frenel , Max Beckmann , Franz Marc , Käthe Schmidt Kollwitz , Georges Rouault , Amedeo Modigliani i niektórzy Amerykanie za granicą, jak Marsden Hartley i Stuart Davis , byli uważani za wpływowych malarzy ekspresjonistycznych. Chociaż Alberto Giacometti jest przede wszystkim uważany za surrealistycznego rzeźbiarza , malował także intensywne obrazy ekspresjonistyczne. W USA w okresie między I a II wojną światową malarze wyjeżdżali do Europy w poszukiwaniu uznania. Modernistyczni artyści, tacy jak Marsden Hartley , Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy i Stuart Davis , stworzyli reputację za granicą. Podczas gdy Patrick Henry Bruce tworzył obrazy związane z kubizmem w Europie, zarówno Stuart Davis , jak i Gerald Murphy tworzyli obrazy, które były wczesną inspiracją dla amerykańskiego pop-artu a Marsden Hartley eksperymentował z ekspresjonizmem . W latach dwudziestych XX wieku fotograf Alfred Stieglitz wystawiał Georgię O'Keeffe , Arthura Dove , Alfreda Henry'ego Maurera , Charlesa Demutha , Johna Marina i innych artystów, w tym europejskich mistrzów Henri Matisse'a , Auguste'a Rodina , Henri Rousseau , Paula Cézanne'a i Pabla Picassa w swoim nowojorskim Galeria miejska 291 . W Europie mistrzowie tacy jak Henri Matisse i Pierre Bonnard nadal rozwijali swoje style narracyjne niezależnie od ruchu.

Dadaizm i surrealizm

Max Ernst , Mordujący samolot , 1920, wczesny surrealizm
Joan Miró , Koń, fajka i czerwony kwiat , 1920, wczesny surrealizm

Marcel Duchamp zyskał międzynarodową sławę po nowojorskim pokazie zbrojeniowym w 1913 roku, gdzie jego Akt schodzący po schodach stał się przyczyną célèbre . Następnie stworzył The Bride Stripped Bare by Her Bachelor, Even , Large Glass . The Large Glass popchnął sztukę malowania do radykalnie nowych granic, częściowo malując, częściowo kolażując, częściowo konstruując. Duchamp (który wkrótce porzucił sztukę na rzecz szachów ) związał się ściśle z dadaizmem ruch, który rozpoczął się w neutralnym Zurychu w Szwajcarii podczas I wojny światowej i osiągnął szczyt w latach 1916-1920. Ruch ten obejmował głównie sztuki wizualne, literaturę (poezję, manifesty sztuki, teorię sztuki), teatr i projektowanie graficzne, i koncentrował swoją politykę antywojenną poprzez odrzucenie panujących standardów w sztuce poprzez dzieła kultury będące antysztuką . Francis Picabia , Man Ray , Kurt Schwitters , Tristan Tzara , Hans Richter , Jean Arp , Sophie Taeuber-Arp , wraz z Duchampem i wieloma innymi są związani z ruchem dadaistycznym. Duchamp i kilku dadaistów jest również związanych z surrealizmem, ruchem, który zdominował malarstwo europejskie w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku.

Marcel Duchamp , Akt schodzący po schodach, nr 2 , 1912, Muzeum Sztuki w Filadelfii

W 1924 roku André Breton opublikował Manifest surrealistów . Surrealistyczny ruch w malarstwie stał się synonimem awangardy i obejmował artystów, których prace wahały się od abstrakcji do superrealizmu. Dzięki pracom na papierze, takim jak Machine Turn Quickly (powyżej), Francis Picabia kontynuował swoje zaangażowanie w ruch Dada do 1919 roku w Zurychu i Paryżu, zanim oderwał się od niego po rozwinięciu zainteresowania sztuką surrealistyczną . Yves Tanguy , René Magritte i Salvador Dalí są szczególnie znani ze swoich realistycznych przedstawień sennych obrazów i fantastycznych przejawów wyobraźni. Uprawne pole Joana Miró z lat 1923–1924 graniczy z abstrakcją, to wczesne malowanie zespołu przedmiotów i postaci oraz układów postaci aktywnych seksualnie; było pierwszym surrealistycznym arcydziełem Miró . Bardziej abstrakcyjne Joan Miró , Jean Arp , André Masson i Max Ernst były bardzo wpływowe, zwłaszcza w Stanach Zjednoczonych w latach czterdziestych.

W latach trzydziestych surrealizm stawał się coraz bardziej widoczny dla ogółu społeczeństwa. Grupa surrealistów rozwinęła się w Wielkiej Brytanii i według Bretona ich Międzynarodowa Wystawa Surrealistów w Londynie w 1936 r . Była szczytem tego okresu i stała się wzorem dla międzynarodowych wystaw. Grupy surrealistyczne w Japonii, a zwłaszcza w Ameryce Łacińskiej , na Karaibach iw Meksyku tworzyły nowatorskie i oryginalne dzieła.

Dalí i Magritte stworzyli jedne z najbardziej rozpoznawalnych obrazów tego ruchu. Obraz This Is Not A Pipe z lat 1928/1929 jest tematem książki Michela Foucaulta z 1973 r. This is not a Pipe (wydanie angielskie, 1991), która omawia obraz i jego paradoks. Dalí dołączył do grupy w 1929 roku i brał udział w szybkim tworzeniu stylu wizualnego w latach 1930-1935.

Surrealizm jako ruch wizualny znalazł metodę: obnażyć psychologiczną prawdę, pozbawiając zwykłych przedmiotów ich normalnego znaczenia, aby stworzyć przekonujący obraz, który wykraczał poza zwykłą organizację formalną i percepcję, czasem wywołując empatię u widza, czasem śmiech i czasem oburzenie i zdumienie.

Rok 1931 był rokiem, w którym kilku malarzy surrealistów stworzyło prace, które stanowiły punkty zwrotne w ich ewolucji stylistycznej: w jednym przykładzie płynne kształty stały się znakiem rozpoznawczym Dalego, szczególnie w jego Trwałości pamięci , który przedstawia wizerunek zegarków, które zwisają, jakby były topienie. Ewokacje czasu i jego fascynującej tajemnicy i absurdu.

Cechy charakterystyczne tego stylu – połączenie obrazowości, abstrakcji i psychologii – stały się wyrazem wyobcowania, jakie wielu ludzi odczuwało w okresie modernizmu, połączonego z poczuciem sięgania głębiej w psychikę, „uczynienia całości z własną indywidualnością”.

Max Ernst studiował filozofię i psychologię w Bonn i interesował się alternatywnymi rzeczywistościami, jakich doświadczają obłąkani. Jego obrazy, takie jak Murdering Airplane (1920), mogły być inspirowane badaniami psychoanalityka Zygmunta Freuda nad urojeniami paranoika Daniela Paula Schrebera. Freud zidentyfikował fantazję Schrebera o zostaniu kobietą jako kompleks kastracyjny . Centralny wizerunek dwóch par nóg nawiązuje do hermafrodytycznych pragnień Schrebera. Napis Ernsta na odwrocie obrazu brzmi: Obraz jest ciekawy ze względu na swoją symetrię. Obie płcie równoważą się.

W latach dwudziestych prace André Massona wywarły ogromny wpływ na pomoc młodemu artyście Joanowi Miró w znalezieniu korzeni w nowym malarstwie surrealistycznym. Miró przyznał w listach do swojego dealera Pierre'a Matisse'a znaczenie Massona jako przykładu dla niego we wczesnych latach w Paryżu.

Długo po tym, jak osobiste, polityczne i zawodowe napięcia podzieliły surrealistyczną grupę na kawałki, Magritte, Miró, Dalí i inni surrealiści nadal definiują program wizualny w sztuce. Inni wybitni surrealistyczni artyści to Giorgio de Chirico , Méret Oppenheim , Toyen , Grégoire Michonze , Roberto Matta , Kay Sage , Leonora Carrington , Dorothea Tanning i Leonor Fini .

Neue Sachlichkeit, socrealizm, regionalizm, malarstwo sceny amerykańskiej, symbolizm

W latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku oraz podczas Wielkiego Kryzysu europejska scena artystyczna charakteryzowała się surrealizmem, późnym kubizmem, Bauhausem , De Stijl , Dada, Neue Sachlichkeit i ekspresjonizmem; i był zajęty przez mistrzowskich malarzy modernistycznych , takich jak Henri Matisse i Pierre Bonnard .

Amerykańskie malarstwo sceniczne oraz ruchy socrealizmu i regionalizmu , które zawierały zarówno komentarze polityczne, jak i społeczne, zdominowały świat sztuki w USA. Artyści tacy jak Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh i inni stali się wybitni. W Ameryce Łacińskiej, obok urugwajskiego malarza Joaquína Torresa Garcíi i Rufino Tamayo z Meksyku, ruch muralistyczny z Diego Riverą , Davidem Siqueirosem , José Orozco , Pedro Nel Gómezem i Santiago Martinezem Delgado oraz symbolistyczne obrazy Fridy Kahlo zapoczątkowały renesans sztuki w regionie, wykorzystując kolor oraz przesłania historyczne i polityczne. Symbolistyczne prace Fridy Kahlo również silnie nawiązują do surrealizmu i realizmu magicznego ruch w literaturze. Dramat psychologiczny w wielu autoportretach Kahlo (powyżej) podkreśla żywotność i znaczenie jej obrazów dla artystów XXI wieku.

Pablo Picasso , 1937, Guernica , protest przeciwko faszyzmowi

W Niemczech Neue Sachlichkeit („Nowa obiektywność”) pojawiła się, gdy Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz i inni związani z berlińską secesją upolitycznili swoje obrazy. Twórczość tych artystów wyrosła z ekspresjonizmu, była odpowiedzią na napięcia polityczne Republiki Weimarskiej i często miała ostry charakter satyryczny.

Diego Rivera jest prawdopodobnie najbardziej znany publiczności ze swojego muralu „ Człowiek na rozdrożu” z 1933 r ., znajdującego się w holu budynku RCA w Rockefeller Center . Kiedy jego patron Nelson Rockefeller odkrył, że mural zawiera portret Lenina i inne komunistyczne obrazy, zwolnił Riverę, a niedokończone dzieło zostało ostatecznie zniszczone przez personel Rockefellera. Film Cradle Will Rock zawiera dramatyzację kontrowersji. Frida Kahlo Prace (żony Rivery) często charakteryzują się surowym przedstawieniem bólu. Spośród jej 143 obrazów 55 to autoportrety , które często zawierają symboliczne portrety jej fizycznych i psychicznych ran. Kahlo była pod silnym wpływem rdzennej kultury meksykańskiej, co jest widoczne w jasnych kolorach jej obrazów i dramatycznej symbolice. W jej pracach często pojawiają się również motywy chrześcijańskie i żydowskie ; łączyła elementy klasycznej religijnej tradycji meksykańskiej - często krwawej i brutalnej - z surrealizmem renderingi. Chociaż jej obrazy nie są jawnie chrześcijańskie - była zdeklarowaną komunistką - z pewnością zawierają elementy makabrycznego meksykańskiego chrześcijańskiego stylu obrazów religijnych.

Grant Wood , 1930, Socrealizm . American Gothic przedstawia rolnika trzymającego widły i młodszą kobietę przed domem w stylu gotyckim cieśli . Jest to jeden z najbardziej znanych i kultowych obrazów w sztuce amerykańskiej XX wieku .

W latach trzydziestych radykalna lewicowa polityka charakteryzowała wielu artystów związanych z surrealizmem , w tym Pabla Picassa . 26 kwietnia 1937 roku, podczas hiszpańskiej wojny domowej , baskijskie miasto Gernika było miejscem „ bombardowania Gerniki ” przez Legion Condor Luftwaffe nazistowskich Niemiec. Niemcy atakowali, aby wesprzeć wysiłki Francisco Franco w celu obalenia rządu baskijskiego i hiszpańskiego rządu republikańskiego. Miasto zostało zdewastowane, chociaż zgromadzenie biskajskie i dąb Gernika przetrwały. Picasso namalował jego mural wielkości Guernica , aby upamiętnić okropności bombardowania.

W swojej ostatecznej formie Guernica to ogromny czarno-biały mural namalowany olejem o wysokości 3,5 metra i szerokości 7,8 metra. Mural przedstawia scenę śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezsilności bez ukazywania ich bezpośrednich przyczyn. Wybór malowania czarno-białego kontrastuje z intensywnością przedstawionej sceny i przywołuje bezpośredniość zdjęcia z gazety. Picasso namalował obraz wielkości muralu o nazwie Guernica w proteście przeciwko bombardowaniu. Obraz został po raz pierwszy wystawiony w Paryżu w 1937 r., potem w Skandynawii, następnie w Londynie w 1938 r., aw końcu w 1939 r. na prośbę Picassa obraz został wysłany do Stanów Zjednoczonych w ramach przedłużonej pożyczki (na przechowanie) w MoMA . Obraz udał się na wycieczkę po muzeach w całych Stanach Zjednoczonych, aż do ostatecznego powrotu do Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku, gdzie był wystawiany przez prawie trzydzieści lat. Ostatecznie, zgodnie z życzeniem Picassa, aby dać obraz mieszkańcom Hiszpanii w prezencie, został wysłany do Hiszpanii w 1981 roku.

Podczas Wielkiego Kryzysu lat trzydziestych XX wieku, przez lata II wojny światowej, sztuka amerykańska charakteryzowała się socrealizmem i amerykańskim malarstwem scenicznym (jak widać powyżej) w pracach Granta Wooda , Edwarda Hoppera , Bena Shahna , Thomasa Harta Bentona i kilku inni. Nighthawks (1942) to obraz Edwarda Hoppera przedstawiający ludzi siedzących w śródmiejskiej jadłodajni późno w nocy. To nie tylko najsłynniejszy obraz Hoppera, ale jeden z najbardziej rozpoznawalnych w sztuce amerykańskiej. Obecnie znajduje się w zbiorach Art Institute of Chicago . Scena została zainspirowana restauracją ( zburzoną) w Greenwich Village , dzielnicy domu Hoppera na Manhattanie . Hopper zaczął go malować natychmiast po ataku na Pearl Harbor . Po tym wydarzeniu w kraju zapanowała wielka ponurość, uczucie, które jest przedstawione na obrazie. Miejska ulica jest pusta na zewnątrz restauracji, a wewnątrz żaden z trzech klientów najwyraźniej nie patrzy ani nie rozmawia z innymi, ale zamiast tego jest pogrążony we własnych myślach. Ten portret współczesnego życia miejskiego jako pustego lub samotnego jest częstym tematem w całej twórczości Hoppera.

American Gothic to obraz Granta Wooda z 1930 roku. Przedstawiający rolnika trzymającego widły i młodszą kobietę przed domem w stylu Carpenter Gothic , jest jednym z najbardziej znanych obrazów amerykańskiej sztuki XX wieku . Krytycy sztuki mieli przychylne opinie na temat obrazu, jak Gertrude Stein i Christopher Morley , zakładali, że obraz miał być satyrą na wiejskie życie w małym miasteczku. Był zatem postrzegany jako część trendu w kierunku coraz bardziej krytycznych przedstawień wiejskiej Ameryki, na wzór Sherwooda Andersona „ 1919” Winesburg, Ohio , „1920 Main Street ” Sinclaira Lewisa i „Wytatuowana hrabina ” Carla Van Vechtena w literaturze. Jednak wraz z nadejściem Wielkiego Kryzysu obraz zaczął być postrzegany jako przedstawienie niezłomnego ducha amerykańskiego pioniera.

Ekspresjonizm abstrakcyjny

Lata czterdzieste w Nowym Jorku były zwiastunem triumfu amerykańskiego abstrakcyjnego ekspresjonizmu , ruchu modernistycznego, który łączył lekcje wyciągnięte od Henri Matisse'a , Pabla Picassa , surrealizmu, Joana Miró , kubizmu, fowizmu i wczesnego modernizmu, poprzez wielkich nauczycieli w Ameryce, takich jak Hans Hofmann i John D. Grahama . Artyści amerykańscy korzystali z obecności Pieta Mondriana , Fernanda Légera , Maxa Ernsta i André Bretona. grupę, galerię Pierre'a Matisse'a i galerię The Art of This Century Peggy Guggenheim , a także inne czynniki.

Amerykańskie malarstwo po drugiej wojnie światowej, zwane ekspresjonizmem abstrakcyjnym, obejmowało artystów takich jak Jackson Pollock , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Mark Rothko , Hans Hofmann , Clyfford Still , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Barnett Newman , Mark Tobey , James Brooks , Philip Guston , Robert Motherwell , Conrad Marca-Relli , Jack Tworkov , William Baziotes , Richard Pousette-Dart , Ad Reinhardt , Esteban Vicente , Hedda Sterne , Jimmy Ernst , Bradley Walker Tomlin i Theodoros Stamos . Amerykański ekspresjonizm abstrakcyjny otrzymał swoją nazwę w 1946 roku od krytyka sztuki Roberta Coatesa . Jest postrzegana jako połączenie emocjonalnej intensywności i samozaparcia niemieckich ekspresjonistów z antyfiguratywną estetyką europejskich szkół abstrakcyjnych, takich jak futuryzm , Bauhaus i kubizm syntetyczny. Ekspresjonizm abstrakcyjny, malarstwo akcji i malarstwo Color Field są synonimami szkoły nowojorskiej .

Technicznie surrealizm był ważnym poprzednikiem ekspresjonizmu abstrakcyjnego z naciskiem na tworzenie spontaniczne, automatyczne lub podświadome. Kapiąca farba Jacksona Pollocka na płótno rozłożone na podłodze to technika wywodząca się z twórczości André Massona . Innym ważnym wczesnym przejawem tego, co stało się abstrakcyjnym ekspresjonizmem, są prace Marka Tobeya , artysty z amerykańskiego północno-zachodniego zachodu , zwłaszcza jego płótna z „białym pismem”, które, choć generalnie nie są duże, antycypują „cały” wygląd obrazów kroplowych Pollocka.

Ponadto abstrakcyjny ekspresjonizm ma obraz zbuntowanego, anarchicznego, wysoce idiosynkratycznego i, zdaniem niektórych, raczej nihilistycznego. W praktyce termin ten odnosi się do dowolnej liczby artystów działających (głównie) w Nowym Jorku, którzy prezentowali całkiem różne style, a nawet odnosi się do prac, które nie są szczególnie abstrakcyjne ani ekspresjonistyczne. aktywne obrazy ” Pollocka , z ich „zajętym” charakterem, różnią się zarówno pod względem technicznym, jak i estetycznym, od brutalnej i groteskowej serii „ Kobiety ” Willema de Kooninga . Jak widać powyżej w galerii Kobieta V to jeden z serii sześciu obrazów wykonanych przez de Kooninga w latach 1950-1953, które przedstawiają kobiecą postać o długości trzech czwartych. Pierwszy z tych obrazów, Kolekcja Kobieta I : Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku, rozpoczął w czerwcu 1950 r., wielokrotnie zmieniając i malując obraz, aż do stycznia lub lutego 1952 r., kiedy obraz został porzucony w stanie niedokończonym. Historyk sztuki Meyer Schapiro wkrótce potem zobaczył obraz w pracowni de Kooninga i zachęcił artystę do wytrwania. Odpowiedzią De Kooninga było rozpoczęcie trzech innych obrazów na ten sam temat; Kobieta II , The Museum of Modern Art , Nowy Jork, Kobieta III , Teheran Museum of Contemporary Art , Kobieta IV , Nelson-Atkins Museum of Art , Kansas City, Missouri . Latem 1952 roku, spędzonym w East Hampton , de Kooning dalej zgłębiał ten temat poprzez rysunki i pastele. Mógł zakończyć pracę nad Kobietą I do końca czerwca, a być może dopiero w listopadzie 1952 roku, i prawdopodobnie pozostałe trzy zdjęcia kobiet zostały ukończone mniej więcej w tym samym czasie. Seria Woman jest zdecydowanie obrazy figuratywne . Innym ważnym artystą jest Franz Kline , o czym świadczy jego obraz High Street z 1950 roku, podobnie jak z Jacksonem Pollockiem i innymi abstrakcyjnymi ekspresjonistami, został nazwany malarzem akcji ze względu na jego pozornie spontaniczny i intensywny styl, skupiający się mniej lub wcale na postaciach lub obrazy, ale na rzeczywistych pociągnięciach pędzla i użyciu płótna.

Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb i spokojnie mieniące się bloki kolorów w pracach Marka Rothko (co nie jest tym, co zwykle nazywa się ekspresjonizmem i któremu Rothko zaprzecza jako abstrakcji), są klasyfikowane jako abstrakcyjni ekspresjoniści, aczkolwiek z tego, co Clement Greenberg nazwał kierunek pola koloru abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Zarówno Hansa Hofmanna, jak i Roberta Motherwella (galeria) można śmiało określić jako praktyków action painting i Malowanie pola kolorowego .

Edward Dugmore , Bez tytułu , 1954, 84 x 51 cali, szkoła ekspresjonizmu abstrakcyjnego w rejonie Zatoki San Francisco

Ekspresjonizm abstrakcyjny ma wiele stylistycznych podobieństw do rosyjskich artystów początku XX wieku, takich jak Wassily Kandinsky . Chociaż prawdą jest, że spontaniczność lub wrażenie spontaniczności charakteryzowało wiele dzieł ekspresjonistów abstrakcyjnych, większość z tych obrazów wymagała starannego planowania, zwłaszcza że wymagały tego ich duże rozmiary. Wyjątkiem mogą być obrazy kroplowe Pollocka. Dlaczego ten styl zyskał akceptację głównego nurtu w latach pięćdziesiątych, jest przedmiotem dyskusji. Amerykański socrealizm był głównym nurtem w latach trzydziestych XX wieku. Wpływ na to miał nie tylko Wielki Kryzys ale także przez socrealistów z Meksyku, takich jak David Alfaro Siqueiros i Diego Rivera . Klimat polityczny po II wojnie światowej nie tolerował długo społecznych protestów tych malarzy. Ekspresjonizm abstrakcyjny powstał podczas II wojny światowej i zaczął być prezentowany na początku lat czterdziestych w nowojorskich galeriach, takich jak The Art of This Century Gallery . Od późnych lat czterdziestych do połowy pięćdziesiątych XX wieku nastała era McCarthy'ego . Było to po II wojnie światowej, w okresie politycznego konserwatyzmu i skrajnej cenzury artystycznej w Stanach Zjednoczonych. Niektórzy przypuszczali, że ponieważ tematyka była często całkowicie abstrakcyjna, ekspresjonizm abstrakcyjny stał się bezpieczną strategią dla artystów w dążeniu do tego stylu. Sztuka abstrakcyjna może być postrzegana jako apolityczna. Lub jeśli sztuka była polityczna, wiadomość była głównie dla wtajemniczonych. Ci teoretycy są jednak w mniejszości. Ekspresjonizm abstrakcyjny, jako pierwsza prawdziwie oryginalna szkoła malarska w Ameryce, pokazał żywotność i kreatywność kraju w latach powojennych, a także jego zdolność (lub potrzebę) rozwijania zmysłu estetycznego, który nie był ograniczony standardami europejskimi. Piękna.

Chociaż abstrakcyjny ekspresjonizm rozprzestrzenił się szybko w całych Stanach Zjednoczonych, głównymi ośrodkami tego stylu były Nowy Jork i Kalifornia, zwłaszcza w szkole nowojorskiej oraz w rejonie Zatoki San Francisco. Abstrakcyjne obrazy ekspresjonistyczne mają pewne wspólne cechy, w tym użycie dużych płócien, „całe” , w którym całe płótno jest traktowane z jednakową wagą (w przeciwieństwie do tego, że środek jest bardziej interesujący niż krawędzie). Płótno jako arena stało się credo malarstwa akcji , natomiast integralność płaszczyzny obrazu stało się credo malarzy Color Field. Wielu innych artystów zaczęło wystawiać swoje abstrakcyjne obrazy związane z ekspresjonizmem w latach pięćdziesiątych, w tym Alfred Leslie , Sam Francis , Joan Mitchell , Helen Frankenthaler , Cy Twombly , Milton Resnick , Michael Goldberg , Norman Bluhm , Ray Parker , Nicolas Carone , Grace Hartigan , Friedel Dzubas , i między innymi Roberta Goodnougha .

W latach pięćdziesiątych malarstwo Color Field początkowo odnosiło się do szczególnego rodzaju abstrakcyjnego ekspresjonizmu , zwłaszcza prac Marka Rothko , Clyfforda Stilla , Barnetta Newmana , Roberta Motherwella i Adolpha Gottlieba . Zasadniczo obejmował abstrakcyjne obrazy z dużymi, płaskimi przestrzeniami koloru, które wyrażały zmysłowe i wizualne odczucia oraz właściwości dużych obszarów zniuansowanej powierzchni. krytyka sztuki Clementa Greenberga postrzegał malarstwo Color Field jako pokrewne, ale różne od Action Painting. Ogólny rozmach i gestalt prac wczesnych malarzy zajmujących się kolorem mówi o prawie religijnym doświadczeniu, pełnym podziwu w obliczu rozszerzającego się wszechświata zmysłowości, koloru i powierzchni. Od początku do połowy lat 60. malarstwo Color Field zaczęło odnosić się do stylów artystów takich jak Jules Olitski , Kenneth Noland i Helen Frankenthaler , których prace były związane z abstrakcyjnym ekspresjonizmem drugiej generacji, oraz do młodszych artystów, takich jak Larry Zox i Frank Stella – wszystko zmierza w nowym kierunku. Artyści tacy jak Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox i inni często używali znacznie zredukowanych odniesień do natury i malowali z wysoce wyartykułowanym i psychologicznym użyciem koloru. Ogólnie rzecz biorąc, artyści ci wyeliminowali rozpoznawalne obrazy. W górach i morzu , z 1952 r., przełomowe dzieło Malarstwo Colorfield autorstwa Helen Frankenthaler artystka po raz pierwszy zastosowała technikę plamy.

W Europie nastąpiła kontynuacja surrealizmu, kubizmu, dadaizmu i twórczości Matisse'a . Również w Europie taszyzm (europejski odpowiednik abstrakcyjnego ekspresjonizmu) i informalizm zawładnęły najnowszą generacją. Serge Poliakoff , Nicolas de Staël , Georges Mathieu , Vieira da Silva , Jean Dubuffet , Yves Klein i Pierre Soulages między innymi są uważani za ważne postacie powojennego malarstwa europejskiego.

Ostatecznie malarstwo abstrakcyjne w Ameryce przekształciło się w takie ruchy, jak neo-dada , malarstwo Color Field , postmalarska abstrakcja , op-art , malarstwo hard-edge , sztuka minimalna , malarstwo na płótnie , abstrakcja liryczna , neoekspresjonizm i kontynuacja abstrakcyjnego ekspresjonizmu . W odpowiedzi na tendencję do abstrakcji, obrazy pojawiły się w różnych nowych ruchach, zwłaszcza pop-artu .

Realizm, Krajobraz, Figuracja, Martwa natura, Pejzaż miejski

Edward Hopper , Nighthawks (1942), Pejzaż miejski

W latach trzydziestych do sześćdziesiątych XX wieku malarstwo abstrakcyjne w Ameryce i Europie ewoluowało w takie ruchy, jak ekspresjonizm abstrakcyjny , malarstwo w polu kolorów , abstrakcja postmalarska , op-art , malarstwo ostre , minimal art , malarstwo na płótnie w kształcie i abstrakcja liryczna . Inni artyści zareagowali jako odpowiedź na tendencję do abstrakcji, pozwalającą na kontynuację obrazów w różnych nowych kontekstach, takich jak ruch figuratywny Bay Area w latach pięćdziesiątych i nowe formy ekspresjonizmu od 1940 do 1960 roku. We Włoszech w tym czasie Giorgio Morandi był czołowym malarzem martwych natur, badającym różnorodne podejścia do przedstawiania codziennych butelek i przyborów kuchennych. W XX wieku wielu malarzy praktykowało realizm i używało ekspresyjnych obrazów; uprawianie malarstwa pejzażowego i figuratywnego ze współczesnymi tematami i solidną techniką oraz wyjątkową ekspresją, jak Milton Avery , John D. Graham , Fairfield Porter , Edward Hopper , Andrew Wyeth , Balthus , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Leon Kossoff , Philip Pearlstein , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Grace Hartigan , Robert De Niro senior , Elaine de Kooning i inni. Wraz z Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard , Georges Braque i innymi mistrzami XX wieku. Figuratywne dzieło Francisa Bacona , Frida Kahlo , Edward Hopper , Lucian Freud, Andrew Wyeth i inni służyli jako swego rodzaju alternatywa dla abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Jednym z najbardziej znanych obrazów amerykańskiej sztuki XX wieku jest obraz Wyetha Świat Christiny , znajdujący się obecnie w zbiorach Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Przedstawia kobietę leżącą na ziemi na bezdrzewnym, przeważnie płowym polu, patrzącą w górę i czołgającą się w kierunku szarego domu na horyzoncie; do domu przylega stodoła i różne inne małe budynki gospodarcze. Ta temperówka prace wykonane w realistycznym stylu są prawie zawsze wystawiane w Museum of Modern Art w Nowym Jorku.

Portret prawdopodobnie jego przyjaciela Willema de Kooninga autorstwa Arshile'a Gorkiego (po lewej) jest przykładem ewolucji ekspresjonizmu abstrakcyjnego z kontekstu malarstwa figur, kubizmu i surrealizmu . Wraz ze swoimi przyjaciółmi de Kooningiem i Johnem D. Grahamem Gorky tworzył biomorficzne i abstrakcyjne kompozycje figuratywne, które w latach czterdziestych XX wieku przekształciły się w całkowicie abstrakcyjne obrazy. Praca Gorky'ego wydaje się być uważną analizą pamięci, emocji i kształtu, używając linii i koloru do wyrażenia uczuć i natury.

Studium według portretu papieża Innocentego X Velázqueza z 1953 r . to obraz irlandzkiego artysty Francisa Bacona , który jest przykładem europejskiego ekspresjonizmu po II wojnie światowej . Praca przedstawia zniekształconą wersję Portretu Innocentego X namalowanego przez hiszpańskiego artystę Diego Velázqueza w 1650 r. Praca jest jednym z serii wariantów obrazu Velázqueza, który Bacon wykonał w latach pięćdziesiątych i wczesnych sześćdziesiątych XX wieku, w sumie czterdzieści pięć dzieł. Zapytany, dlaczego tak często wracał do tego tematu, Bacon odpowiedział, że nie ma nic przeciwko papieżom, że jedynie „chciał znaleźć pretekst do używania tych kolorów, a nie można nadać zwykłym ubraniom tego fioletowego koloru bez wpadnięcia w szał”. rodzaj fałszywej fauny Papież w tej wersji kipi gniewem i agresją, a ciemne kolory nadają obrazowi groteskowy i koszmarny wygląd. Plisowane zasłony tła stają się przezroczyste i wydają się opadać na twarz Papieża.

Po drugiej wojnie światowej termin School of Paris często odnosił się do tachisme , europejskiego odpowiednika amerykańskiego ekspresjonizmu abstrakcyjnego, a artyści ci są również spokrewnieni z Cobrą . W 1952 roku Michel Tapié napisał książkę Un Autre art , która nadała nazwę i głos informalizmowi . Ważnymi orędownikami byli Jean Dubuffet , Pierre Soulages , Nicolas de Staël , Hans Hartung , Serge Poliakoff i Georges Mathieu , między innymi. We wczesnych latach pięćdziesiątych Dubuffet (który zawsze był artystą figuratywnym) i de Staël porzucili abstrakcję i powrócili do obrazów poprzez figurację i pejzaż. Twórczość De Staëla szybko została doceniona w powojennym świecie sztuki i stał się on jednym z najbardziej wpływowych artystów lat pięćdziesiątych. do reprezentacji (pejzaże morskie, piłkarze, muzycy jazzowi, mewy) na początku lat 50 . David Park , Elmer Bischoff , Wayne Thiebaud , Nathan Oliveira , Joan Brown i inni wykonali podobny ruch; powrót do obrazów w połowie lat pięćdziesiątych. Wiele z późnych prac de Staëla - w szczególności jego rozcieńczone i rozcieńczone abstrakcyjne pejzaże olejne na płótnie z połowy lat pięćdziesiątych XX wieku przewiduje malarstwo Color Field i abstrakcję liryczną z lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych. Nicolasa de Staëla Odważne i intensywnie żywe kolory na jego ostatnich obrazach przewidują kierunek większości współczesnego malarstwa, które pojawiło się po nim, w tym pop-artu z lat 60.

Pop Art

Andy Warhol , Zupa Campbella I, 1968
Andy Warhol , 1962, pop-art

Pop-art w Ameryce był początkowo w dużym stopniu inspirowany twórczością Jaspera Johnsa , Larry'ego Riversa i Roberta Rauschenberga . Chociaż obrazy Geralda Murphy'ego , Stuarta Davisa i Charlesa Demutha z lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku przygotowały stół dla pop-artu w Ameryce. W Nowym Jorku w połowie lat pięćdziesiątych Robert Rauschenberg i Jasper Johns tworzyli dzieła sztuki, które początkowo wydawały się kontynuacją abstrakcyjnego ekspresjonizmu . obraz. W rzeczywistości ich prace i prace Larry'ego Riversa były radykalnym odejściem od abstrakcyjnego ekspresjonizmu, zwłaszcza w użyciu banalnych i dosłownych obrazów oraz włączenia i łączenia przyziemnych materiałów w ich pracach. Innowacje specyficznego wykorzystania przez Johnsa różnych obrazów i przedmiotów, takich jak krzesła, liczby, tarcze, puszki po piwie i flaga amerykańska ; Obrazy Riversa przedstawiające tematy zaczerpnięte z kultury popularnej, takie jak George Washington przekraczający Delaware , oraz jego włączenia obrazów z reklam, takich jak wielbłąd z papierosów Camel , a zaskakujące konstrukcje Rauschenberga wykorzystujące inkluzje przedmiotów i obrazów zaczerpniętych z kultury popularnej, sklepów z narzędziami, złomowisk, ulic miast i taksydermii dały początek radykalnie nowemu ruchowi w sztuce amerykańskiej . Ostatecznie w 1963 roku ruch ten stał się znany na całym świecie jako pop-art.

Pop-art reprezentują artyści: Andy Warhol , Claes Oldenburg , Wayne Thiebaud , James Rosenquist , Jim Dine , Tom Wesselmann i Roy Lichtenstein . Lichtenstein użył oleju i farby Magna w swoich najbardziej znanych dziełach, takich jak Drowning Girl (1963), która została zawłaszczona z głównej historii w Secret Hearts # 83 DC Comics . ( Drowing Girl jest teraz w kolekcji Museum of Modern Art, Nowy Jork ). Zawiera również grube kontury, odważne kolory i kropki Ben-Day do reprezentowania pewnych kolorów, jakby stworzone przez reprodukcję fotograficzną. Lichtenstein powiedziałby o swojej pracy: Ekspresjoniści abstrakcyjni „kładą rzeczy na płótno i reagują na to, co zrobili, na pozycje kolorów i rozmiary. Mój styl wygląda zupełnie inaczej, ale natura kładzenia linii jest prawie taka sama moje po prostu nie wyglądają na kaligraficzne, jak te Pollocka czy Kline'a. Pop-art łączy kulturę popularną i masową ze sztuką piękną, dodając jednocześnie humor, ironię oraz rozpoznawalne obrazy i treści. W październiku 1962 Sidney Janis Gallery wystawiła The New Realists pierwsza duża wystawa grupowa pop-artu w galerii sztuki na przedmieściach Nowego Jorku. Sidney Janis zamontował wystawę w sklepie przy 57th Street w pobliżu swojej galerii przy 15 E. 57th Street. Spektakl wywołał falę uderzeniową w New York School i odbił się echem na całym świecie. Wcześniej, jesienią 1962 r., Historycznie ważna i przełomowa wystawa pop-artu New Painting of Common Objects , której kuratorem był Walter Hopps w Muzeum Sztuki w Pasadenie, wstrząsnęła zachodnimi Stanami Zjednoczonymi. Puszki z zupą Campbella (czasami określane jako 32 Campbell's Soup Cans ) to tytuł dzieła Andy'ego Warhola , które powstało w 1962 roku. Składa się z trzydziestu dwóch płócien, każde o wymiarach 20 cali wysokości x 16 cali szerokości (50,8 x 40,6 cm), z których każde składa się z obraz przedstawiający puszkę zupy Campbell's - po jednej z każdej odmiany zupy w puszce, którą firma oferowała w tamtym czasie. Poszczególne obrazy zostały wykonane w częściowo zmechanizowanym sitodruku , przy użyciu stylu niemalarskiego . Pomogli zapoczątkować pop-art jako główny ruch artystyczny który opierał się na motywach z kultury popularnej . Te prace Andy'ego Warhola są powtarzalne i wykonane w niemalarski sposób komercyjny.

, Lawrence Alloway użył terminu Pop Art na określenie obrazów, które celebrowały konsumpcjonizm okresu po II wojnie światowej. Ruch ten odrzucił abstrakcyjny ekspresjonizm i jego skupienie się na hermeneutycznym i psychologicznym wnętrzu na rzecz sztuki, która przedstawiała i często celebrowała materialną kulturę konsumpcyjną, reklamę i ikonografię epoki masowej produkcji. Wczesne prace Davida Hockneya , którego obrazy pojawiły się w Anglii w latach 60., takie jak A Bigger Splash , oraz prace Richarda Hamiltona , Petera Blake'a i Eduardo Paolozzi są uważani za przełomowe przykłady w ruchu.

Podczas gdy artyści w śródmieściu nowojorskiej East Village przy 10th Street tworzyli amerykańską wersję pop-artu. Claes Oldenburg miał swoją witrynę sklepową, a Green Gallery na 57th Street zaczęły pokazywać Toma Wesselmanna i Jamesa Rosenquista . Później Leo Castelli wystawiał innych amerykańskich artystów, w tym większość karier Andy'ego Warhola i Roya Lichtensteina oraz jego użycie kropek Bendaya, techniki używanej w komercyjnej reprodukcji i widocznej w zwykłych komiksach oraz na obrazach takich jak Tonąca dziewczyna , 1963, w galerii powyżej. Istnieje związek między radykalnymi dziełami Duchampa i Man Rayem , zbuntowanymi dadaistami – z poczuciem humoru; oraz artystów pop, takich jak Alex Katz (który stał się znany ze swoich parodii fotografii portretowej i życia na przedmieściach), Claes Oldenburg , Andy Warhol , Roy Lichtenstein i inni.

Art Brut, Nowy Realizm, Ruch Figuratywny Bay Area, Neo-Dada, Fotorealizm

John Baeder , Fotorealizm

W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku malarstwo abstrakcyjne w Ameryce i Europie ewoluowało w kierunku takich ruchów, jak malarstwo Color Field , postmalarska abstrakcja , op-art , malarstwo hard-edge , minimal art , malarstwo na płótnie , abstrakcja liryczna i kontynuacja ekspresjonizmu abstrakcyjnego . Inni artyści zareagowali jako odpowiedź na tendencję do abstrakcji za pomocą Art brut , jak widać w Court les rues, 1962, autorstwa Jeana Dubuffeta , Fluxus , neo-dada , nowy realizm , pozwalając na ponowne pojawienie się obrazów w różnych nowych kontekstach, takich jak pop-art , ruch figuratywny Bay Area (doskonałym przykładem jest Pejzaż miejski I (Krajobraz nr 1) Diebenkorna , 1963, olej na płótnie, 60 1/4 x 50 1/2 cala, kolekcja: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco ), a później w latach 70. neoekspresjonizm . Ruch Figuratywny Bay Area , którego David Park , Elmer Bischoff , Nathan Oliveira i Richard Diebenkorn , których obraz Cityscape 1, 1963 jest typowym przykładem, byli wpływowymi członkami rozkwitającymi w Kalifornii w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych . Chociaż przez cały XX wiek malarze nadal praktykowali realizm i używali obrazów, uprawiając malarstwo pejzażowe i figuratywne ze współczesnymi tematami i solidną techniką oraz wyjątkową ekspresją, jak Milton Avery , Edward Hopper , Jean Dubuffet , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Philip Pearlstein i inni. Młodsi malarze praktykowali użycie obrazów w nowy i radykalny sposób. Yves Klein , Martial Raysse , Niki de Saint Phalle , David Hockney , Alex Katz , Antoni Tàpies , Malcolm Morley , Ralph Goings , Audrey Flack , Richard Estes , Chuck Close , Susan Rothenberg , Eric Fischl , John Baeder i Vija Celmins byli kilkoma, którzy stali się znani między 1960 a 1980 rokiem. Fairfield Porter był w dużej mierze samoukiem i tworzył prace reprezentacyjne pośród ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego . Jego tematami były głównie pejzaże, wnętrza domowe i portrety rodziny, przyjaciół i innych artystów, wielu z nich związanych z New York School of Writers, w tym John Ashbery , Frank O'Hara i James Schuyler . Wiele z jego obrazów zostało osadzonych w rodzinnym domu letnim na Great Spruce Head Island w stanie Maine lub w jego pobliżu .

Neo-dada to ruch, który rozpoczął się w latach 50. i 60. XX wieku i był związany z ekspresjonizmem abstrakcyjnym jedynie za pomocą obrazów. Charakteryzuje się pojawieniem się połączonych przedmiotów wykonanych z materiałów artystycznych, odchodzących od poprzednich konwencji malarskich. Przykładem tego nurtu w sztuce są prace Jaspera Johnsa i Roberta Rauschenberga , których „ kombajny ” w latach 50 . fotografia. Roberta Rauschenberga , Jaspera Johnsa , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine i Edward Kienholz byli między innymi ważnymi pionierami zarówno abstrakcji, jak i pop-artu; tworzenie nowych konwencji tworzenia sztuki; uczynili akceptowalnym w poważnych kręgach sztuki współczesnej radykalne włączenie nieprawdopodobnych materiałów jako części ich dzieł sztuki.

Abstrakcja geometryczna, Op Art, Hard-Edge, Color field, Minimal Art, New Realism

W latach 60. i 70. malarstwo abstrakcyjne nadal rozwijało się w Ameryce poprzez różne style. Abstrakcja geometryczna , sztuka optyczna, malarstwo ostre , malarstwo w polu kolorów i malarstwo minimalne to niektóre powiązane ze sobą kierunki zaawansowanego malarstwa abstrakcyjnego, a także kilka innych nowych ruchów. Morris Louis był ważnym pionierem zaawansowanego malarstwa Colorfield , jego prace mogą służyć jako pomost pomiędzy ekspresjonizmem abstrakcyjnym , malarstwem Colorfield i Minimal Art . Dwóch wpływowych nauczycieli Josef Albers i Hans Hofmann przedstawili nowemu pokoleniu amerykańskich artystów swoje zaawansowane teorie koloru i przestrzeni. Josef Albers jest najlepiej pamiętany ze swojej pracy jako malarza i teoretyka abstrakcjonisty geometrycznego . Najbardziej znane są setki obrazów i grafik składających się na cykl Hołd dla Placu . W tej rygorystycznej serii, zapoczątkowanej w 1949 roku, Albers badał interakcje chromatyczne z płaskimi kolorowymi kwadratami ułożonymi koncentrycznie na płótnie. Teorie Albersa dotyczące sztuki i edukacji ukształtowały następne pokolenie artystów. Jego własne obrazy stanowią podstawę zarówno malarstwa hard-edge, jak i op-artu.

Josef Albers , Hans Hofmann , Ilya Bolotowsky , Burgoyne Diller , Victor Vasarely , Bridget Riley , Richard Anuszkiewicz , Frank Stella , Morris Louis , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Larry Poons , Ronald Davis , John Hoyland , Larry Zox i Al Trzymany to artyści ściśle związani z abstrakcją geometryczną , op-artem, malarstwem Color Field, aw przypadku Hofmanna i Newmana także abstrakcyjnym ekspresjonizmem. Agnes Martin , Robert Mangold , Brice Marden , Jo Baer , Robert Ryman , Richard Tuttle , Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, to przykłady artystów kojarzonych z minimalizmem i (z wyjątkiem Martina, Baera i Mardena) wykorzystaniem kształtowanego płótna także w okresie rozpoczynającym się na początku lat 60. Wiele Geometryczni abstrakcjoniści , minimaliści i malarze Hard-edge postanowili wykorzystać krawędzie obrazu do zdefiniowania kształtu obrazu, zamiast akceptować format prostokątny. W rzeczywistości użycie kształtowanego płótna kojarzy się przede wszystkim z obrazami z lat 60. i 70., które są chłodno abstrakcyjne, formalistyczne, geometryczne, obiektywne, racjonalistyczne, o czystych liniach, zuchwale ostrych krawędziach lub minimalistycznym charakterze . Bykert Gallery i Park Place Gallery były ważnymi wizytówkami minimalizmu i na płótnie w kształcie w Nowym Jorku w latach 60.

Museum of Modern Art w Nowym Jorku odbyła się wystawa zatytułowana The Responsive Eye , której kuratorem był William C. Seitz . Pokazane prace były bardzo różnorodne, obejmując minimalizm Franka Stelli , op-art Larry'ego Poonsa, prace Alexandra Libermana , a także mistrzów ruchu Op-Art: Victora Vasarely'ego , Richarda Anuszkiewicza , Bridget Riley i innych. Wystawa koncentrowała się na percepcyjnych aspektach sztuki, które wynikają zarówno z iluzji ruchu, jak i interakcji relacji kolorystycznych. Op-art, znany również jako sztuka optyczna, to styl obecny w niektórych obrazach i innych dziełach sztuki, które wykorzystują iluzje optyczne . Op-art jest również blisko spokrewniony z abstrakcją geometryczną i malarstwem ostrym . Chociaż czasami używanym terminem jest abstrakcja percepcyjna. Op-art to metoda malarska dotycząca interakcji między iluzją a płaszczyzną obrazu, między rozumieniem a widzeniem. Dzieła op-artu są abstrakcyjne, a wiele z bardziej znanych dzieł jest wykonanych tylko w czerni i bieli. Kiedy widz na nie patrzy, odnosi wrażenie ruchu, ukrytych obrazów, błysków i wibracji, wzorów lub ewentualnie spęcznienia lub wypaczenia.

Kształtowane płótno, waszyngtońska szkoła kolorów, abstrakcyjny iluzjonizm, liryczna abstrakcja

Malarstwo Color Field wyraźnie wskazywało na nowy kierunek w malarstwie amerykańskim, z dala od abstrakcyjnego ekspresjonizmu . Malarstwo Color Field jest związane z abstrakcją postmalarską , suprematyzmem , ekspresjonizmem abstrakcyjnym, malarstwem hard-edge i abstrakcją liryczną .

Malarstwo Color Field miało na celu uwolnienie sztuki od zbędnej retoryki. Artyści tacy jak Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox , a inni często używali znacznie ograniczonych odniesień do natury i malowali z wysoce artykułowanym i psychologicznym użyciem koloru. Ogólnie rzecz biorąc, artyści ci wyeliminowali rozpoznawalne obrazy. Niektórzy artyści nawiązywali do sztuki dawnej lub teraźniejszej, ale generalnie malarstwo pola kolorowego przedstawia abstrakcję jako cel sam w sobie. Podążając w tym kierunku sztuki nowoczesnej , artyści chcieli przedstawić każdy obraz jako jeden jednolity, spójny, monolityczny obraz. Gene Davis wraz z Kennethem Nolandem , Morrisem Louisem i kilkoma innymi był członkiem Washington Color School malarzy, którzy zaczęli tworzyć obrazy Color Field w Waszyngtonie w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku, Black, Grey, Beat to obraz z dużymi pionowymi paskami, typowy dla twórczości Gene'a Davisa.

Frank Stella , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Ronald Davis , Neil Williams , Robert Mangold , Charles Hinman , Richard Tuttle , David Novros i Al Loving to przykłady artystów związanych z wykorzystaniem kształtowanego płótna w okresie rozpoczynającym się w początek lat 60. Wielu geometrycznych artystów abstrakcyjnych , minimalistów i hard-edge malarze zdecydowali się użyć krawędzi obrazu do zdefiniowania kształtu obrazu, zamiast akceptować format prostokątny. W rzeczywistości użycie kształtowanego płótna kojarzy się przede wszystkim z obrazami z lat 60. i 70., które są chłodno abstrakcyjne, formalistyczne, geometryczne, obiektywne, racjonalistyczne, o czystych liniach, zuchwale ostrych krawędziach lub minimalistycznym charakterze . Od 1960 roku Frank Stella tworzył obrazy farbami aluminiowymi i miedzianymi i są to jego pierwsze prace wykorzystujące płótna profilowane (płótna w kształcie innym niż tradycyjny prostokąt lub kwadrat), często w kształcie litery L, N, U lub T. Te później rozwinęły się w bardziej wyszukane projekty, na przykład w Irregular Polygon (67). Również w latach 60. Stella zaczęła stosować szerszą gamę kolorów, zwykle ułożonych w proste lub zakrzywione linie. Później rozpoczął serię obrazów Kątomierz (71), w których łuki , czasem nachodzące na siebie, w obrębie kwadratowych granic są ułożone obok siebie, tworząc pełne i półkola pomalowane w pierścienie o koncentrycznych kolorach. Harran II, 1967, jest przykładem Seria kątomierzy . Obrazy te noszą nazwy okrągłych miast, które odwiedził na Bliskim Wschodzie w latach 60. Płótna Irregular Polygon i seria Kątomierz dodatkowo rozszerzyły koncepcję płótna kształtowego .

Andre Emmerich Gallery, Leo Castelli Gallery, Richard Feigen Gallery i Park Place Gallery były ważnymi prezentacjami malarstwa Color Field, malarstwa na płótnie w kształcie i abstrakcji lirycznej w Nowym Jorku w latach 60. Istnieje związek z abstrakcją postmalarską , która sprzeciwiała się mistycyzmowi abstrakcyjnych ekspresjonizmów, hipersubiektywności i naciskowi na uwidocznienie samego aktu malowania – a także uroczyste przyjęcie płaskiego prostokąta jako niemal rytualnego warunku poważne malarstwo. W latach 60. malarstwa Color Field i Minimal art często były ze sobą ściśle powiązane. W rzeczywistości na początku lat siedemdziesiątych oba ruchy stały się zdecydowanie zróżnicowane.

Inny pokrewny ruch późnych lat 60., Lyrical Abstraction (termin ukuty przez Larry'ego Aldricha , założyciela Aldrich Contemporary Art Museum , Ridgefield Connecticut), obejmował to, co Aldrich powiedział, że widział w pracowniach wielu artystów w tym czasie. Jest to również nazwa wystawy zapoczątkowanej w Muzeum Aldricha i podróżującej do Whitney Museum of American Art i innych muzeów w całych Stanach Zjednoczonych w latach 1969-1971.

Abstrakcja liryczna w późnych latach 60. charakteryzuje się malarstwem Dana Christensena , Ronniego Landfielda , Petera Younga i innych, a wraz z ruchem Fluxus i postminimalizmem (termin ukuty po raz pierwszy przez Roberta Pincusa-Wittena na łamach Artforum w 1969) starał się poszerzyć granice malarstwa abstrakcyjnego i minimalizmu, skupiając się na procesie, nowych materiałach i nowych sposobach ekspresji. Postminimalizm często obejmujący materiały przemysłowe, surowce, fabrykacje, znalezione przedmioty, instalacje, seryjne powtórzenia i często z odniesieniami do dadaizmu i surrealizmu najlepiej ilustrują rzeźby Evy Hesse . Abstrakcja liryczna, sztuka konceptualna , postminimalizm , sztuka ziemi , wideo , performance , instalacja , wraz z kontynuacją Fluxus , ekspresjonizm abstrakcyjny, malarstwo w polu kolorów, malarstwo ostre , minimal art , op-art, pop-art, fotorealizm i nowy realizm rozszerzyły granice sztuki współczesnej od połowy lat 60. do 70. XX wieku. Abstrakcja liryczna to rodzaj swobodnego malarstwa abstrakcyjnego, który pojawił się w połowie lat 60. XX wieku, kiedy malarze abstrakcyjni powrócili do różnych form malarskiego, malarskiego ekspresjonizmu, z dominującym naciskiem na proces, gestalt i ogólnie powtarzalne strategie kompozycyjne.

Lyrical Abstraction ma podobieństwa z malarstwem Color Field i abstrakcyjnym ekspresjonizmem, zwłaszcza w swobodnym użyciu farby – tekstury i powierzchni. Bezpośredni rysunek, kaligraficzne użycie linii, efekty szczotkowanej, spryskanej, bejcowanej, wyciskanej, wylewanej i spryskanej farby powierzchownie przypominają efekty obserwowane w malarstwie abstrakcyjnego ekspresjonizmu i kolorowego pola. Jednak style są wyraźnie różne. Od ekspresjonizmu abstrakcyjnego i malarstwa akcji z lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku odróżnia go podejście do kompozycji i dramaturgii. Jak widać w Action Painting, nacisk kładziony jest na pociągnięcia pędzla, wysoki dramatyzm kompozycyjny, dynamiczne napięcie kompozycyjne. będąc w Abstrakcja liryczna , której przykładem jest obraz Ronniego Landfielda Garden of Delight z 1971 roku (powyżej), istnieje poczucie kompozycyjnej przypadkowości, całej kompozycji, niskiego tonu i zrelaksowanego dramatu kompozytorskiego oraz nacisku na proces, powtórzenie i ogólną wrażliwość. W latach sześćdziesiątych i siedemdziesiątych XX wieku artyści tak potężni i wpływowi jak Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Philip Guston , Lee Krasner , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Richard Diebenkorn , Josef Albers , Elmer Bischoff , Agnes Martin , Al Held , Sam Francis , Ellsworth Kelly , Morris Louis , Helen Frankenthaler , Gene Davis , Frank Stella , Kenneth Noland , Joan Mitchell , Friedel Dzubas i młodsi artyści tacy jak Brice Marden , Robert Mangolda , Sama Gilliama , John Hoyland , Sean Scully , Blinky Palermo , Pat Steir , Elizabeth Murray , Larry Poons , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Joan Snyder , Richard Tuttle , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile , Mino Argento a dziesiątki innych stworzyły ważne i wpływowe obrazy.

Monochromatyczny, minimalizm, postminimalizm

Ellsworth Kelly , The Meschers, 1951, Minimalizm , Malarstwo monochromatyczne . Kelly był pionierem malarstwa ostrego w latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku.

Artyści tacy jak Larry Poons — którego prace związane były z op-artem, z naciskiem na kropki, owale i powidoki odbijające się od kolorowych pól — Ellsworth Kelly , Kenneth Noland , Ralph Humphrey, Robert Motherwell i Robert Ryman również zaczęli badać paski, monochromatyczne i twarde formaty od późnych lat pięćdziesiątych do sześćdziesiątych XX wieku.

Z powodu tendencji w minimalizmie do wykluczania tego, co obrazowe, iluzjonistyczne i fikcyjne, na rzecz tego, co dosłowne – czego dowiódł Robert Mangold , który rozumiał koncepcję kształtu płótna i jego związek z przedmiotowością – nastąpiło odejście od malarstwa i w kierunku zagadnień rzeźbiarskich. Donalda Judda zaczynał jako malarz, a skończył jako twórca przedmiotów. Jego przełomowy esej „Specific Objects” (opublikowany w Arts Yearbook 8, 1965) był kamieniem probierczym w teorii kształtowania estetyki minimalistycznej. W tym eseju Judd znalazł punkt wyjścia dla nowego terytorium dla sztuki amerykańskiej, a jednocześnie odrzucił pozostałe odziedziczone europejskie wartości artystyczne. Wskazał na dowody tego rozwoju w pracach wielu artystów działających wówczas w Nowym Jorku, w tym Jaspera Johnsa, Dana Flavina i Lee Bontecou. „Wstępne” znaczenie dla Judda miała praca George'a Earla Ortmana , który skonkretyzował i wydestylował formy malarskie w tępe, twarde, filozoficznie naładowane geometrie. Te Konkretne Obiekty zamieszkiwały przestrzeń, której nie można było wówczas wygodnie zaklasyfikować ani jako malarstwa, ani jako rzeźby. To, że kategoryczna tożsamość takich przedmiotów sama w sobie była kwestionowana i że unikały łatwego skojarzenia z dobrze zużytymi i zbyt dobrze znanymi konwencjami, było częścią ich wartości dla Judda.

W znacznie bardziej ogólnym sensie można by szukać europejskich korzeni minimalizmu w malarzach abstrakcji geometrycznej w Bauhausie , w pracach Pieta Mondriana i innych artystów związanych z ruchem DeStijl, w rosyjskich konstruktywistach i w twórczości rumuńskiego rzeźbiarza Constantina Brâncuşi . Amerykańscy malarze, tacy jak Brice Marden i Cy Twombly, wykazują wyraźne wpływy europejskie w swojej czystości abstrakcja, malarstwo minimalistyczne z lat 60. Prace poliuretanowe Ronalda Davisa z późnych lat 60. XX wieku są hołdem dla potłuczonego szkła Marcela Duchampa .

Ruch ten był mocno krytykowany przez krytyków i historyków sztuki wysokich modernistów i formalistów. Niektórzy zaniepokojeni krytycy uważali, że sztuka minimalistyczna stanowiła niezrozumienie współczesnej dialektyki malarstwa i rzeźby, zgodnie z definicją krytyka Clementa Greenberga , prawdopodobnie dominującego amerykańskiego krytyka malarstwa w okresie poprzedzającym lata sześćdziesiąte. Najbardziej godną uwagi krytykę minimalizmu przedstawił Michael Fried , krytyk Greenberga, który sprzeciwił się pracy ze względu na jej „teatralność”. W sztuce i przedmiotowości (opublikowane w Artforum w czerwcu 1967) deklarował, że minimalistyczne dzieło sztuki, a zwłaszcza minimalistyczna rzeźba, opiera się na zaangażowaniu w fizyczność widza. Przekonywał, że praca taka jak Roberta Morrisa przekształciła akt oglądania w rodzaj spektaklu , w którym odsłania się sztuczność obserwacji aktu i udział widza w pracy. Fried postrzegał to przesunięcie doświadczenia widza z wewnętrznego zaangażowania estetycznego na wydarzenie poza dziełem sztuki jako porażkę sztuki minimalistycznej.

Ad Reinhardt , właściwie artysta pokolenia abstrakcyjnego ekspresjonizmu , ale którego redukcyjne , całkowicie czarne obrazy zdawały się antycypować minimalizm, tak powiedział o wartości redukcyjnego podejścia do sztuki: „Im więcej w nim rzeczy, tym bardziej pracowita praca sztuki, tym gorzej. Więcej znaczy mniej. Mniej znaczy więcej. Oko jest zagrożeniem dla czystego wzroku. Obnażanie się jest nieprzyzwoite. Sztuka zaczyna się od pozbycia się natury".

Jeszcze inne ważne innowacje w malarstwie abstrakcyjnym miały miejsce w latach 60. i 70. XX wieku, charakteryzujące się malowaniem monochromatycznym i malowaniem o ostrych krawędziach inspirowanym przez Ad Reinhardta, Barnetta Newmana , Miltona Resnicka i Ellswortha Kelly'ego . Artyści tak różnorodni jak Agnes Martin, Al Held, Larry Zox , Frank Stella , Larry Poons , Brice Marden i inni badali potęgę uproszczenia. Konwergencja Color Field , minimal art , malarstwo ostre, abstrakcja liryczna i postminimalizm zatarły różnice między ruchami, które stały się bardziej widoczne w latach 80. i 90. XX wieku. Ruch neoekspresjonizmu jest powiązany z wcześniejszym rozwojem ekspresjonizmu abstrakcyjnego , neo-dada , abstrakcji lirycznej i malarstwa postminimalistycznego.

Neoekspresjonizm

Pod koniec lat 60. abstrakcyjny malarz ekspresjonistyczny Philip Guston pomógł przeprowadzić przejście od abstrakcyjnego ekspresjonizmu do neoekspresjonizmu w malarstwie, porzucając tak zwaną „czystą abstrakcję” ekspresjonizmu abstrakcyjnego na rzecz bardziej kreskówkowych przedstawień różnych osobistych symboli i przedmiotów. Prace te były inspiracją dla nowej generacji malarzy zainteresowanych odrodzeniem ekspresyjnych obrazów. Jego obraz Malarstwo, palenie, jedzenie 1973, widziany powyżej w galerii, jest przykładem ostatecznego i ostatecznego powrotu Gustona do reprezentacji.

Na przełomie lat 70. i 80. nastąpił także powrót do malarstwa, który nastąpił niemal równocześnie we Włoszech, Niemczech, Francji i Wielkiej Brytanii . Ruchy te nosiły nazwy Transavantguardia , Neue Wilde , Figuration Libre , neoekspresjonizm , szkoła londyńska, a pod koniec lat 90. Stuckists , grupa, która pojawiła się odpowiednio pod koniec lat 90. Malarstwo to charakteryzowało się dużymi formatami, swobodną ekspresją znakowania, figuracją, mitem i wyobraźnią. Wszystkie prace z tego gatunku zaczęto nazywać neoekspresjonizmem . Krytyczna reakcja była podzielona. Niektórzy krytycy uważali, że napędzają go motywacje zysku dużych galerii handlowych. Ten rodzaj sztuki nadal cieszy się popularnością w XXI wieku, nawet po krachu artystycznym późnych lat 80.

Pod koniec lat 70. w Stanach Zjednoczonych malarze, którzy rozpoczęli pracę z ożywionymi powierzchniami i powrócili do obrazów, jak Susan Rothenberg , zyskali na popularności, zwłaszcza jak widać powyżej na obrazach takich jak Horse 2, 1979. W latach 80. amerykańscy artyści, tacy jak Eric Fischl , David Salle , Jean-Michel Basquiat (który zaczynał jako artysta graffiti ), Julian Schnabel i Keith Haring oraz włoscy malarze, tacy jak Mimmo Paladino , Sandro Chia i Enzo Cucchi między innymi zdefiniował ideę neoekspresjonizmu w Ameryce.

Neoekspresjonizm był stylem nowoczesnego malarstwa, który stał się popularny pod koniec lat 70. i dominował na rynku sztuki do połowy lat 80. Powstała w Europie jako reakcja na sztukę konceptualną i minimalistyczną lat 60. i 70. XX wieku. Neoekspresjoniści powrócili do przedstawiania rozpoznawalnych przedmiotów, takich jak ludzkie ciało (choć czasami w sposób wręcz abstrakcyjny), w szorstki i brutalnie emocjonalny sposób, używając żywych kolorów i banalnych harmonii kolorystycznych. Weterani malarzy Philip Guston , Frank Auerbach , Leon Kossoff , Gerhard Richter , AR Penck i Georg Baselitz , wraz z nieco młodszymi artystami, takimi jak Anselm Kiefer , Eric Fischl , Susan Rothenberg , Francesco Clemente , Damien Hirst , Jean-Michel Basquiat , Julian Schnabel , Keith Haring i wielu innych, stali się znani z pracy w tym intensywnym ekspresjonistycznym żyła malarstwa.

Przykład spin artu Damiena Hirsta , 2003

Współczesne malarstwo w XXI wiek

Główne artykuły: Sztuka współczesna , Sztuka postmodernistyczna i Późny modernizm

Na początku XXI wieku współczesne malarstwo i ogólnie sztuka współczesna rozwija się w kilku ciągłych trybach, charakteryzujących się ideą pluralizmu .

Malarstwo głównego nurtu zostało odrzucone przez artystów epoki postmodernistycznej na rzecz artystycznego pluralizmu . Według krytyka sztuki Arthura Danto dominuje postawa „wszystko ujdzie” ; syndrom „wszystko się dzieje”, aw konsekwencji „nic się nie dzieje”; tworzy to estetyczny korek uliczny bez wyraźnego i wyraźnego kierunku, a każdy pas artystycznej autostrady jest wypełniony po brzegi.

Zobacz też

Bibliografia

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=20th-century_Western_painting&oldid=1123164461 ”