amerykański modernizm

Amerykański modernizm , podobnie jak ruch modernizmu w ogóle, jest nurtem myśli filozoficznej wynikającym z powszechnych zmian w kulturze i społeczeństwie w dobie nowoczesności . Amerykański modernizm to ruch artystyczny i kulturalny w Stanach Zjednoczonych, który rozpoczął się na przełomie XIX i XX wieku, z głównym okresem między I a II wojną światową. Podobnie jak jego europejski odpowiednik, amerykański modernizm wywodził się z odrzucenia oświeceniowego , dążąc do lepszego przedstawienia rzeczywistości w nowym, bardziej uprzemysłowionym świecie.

Historia

Cechą charakterystyczną sztuki modernistycznej jest tendencja do abstrakcji, jest nowatorska, estetyczna, futurystyczna i autotematyczna. Obejmuje sztuki wizualne , literaturę , muzykę, film , design , architekturę , a także styl życia . Reaguje na historyzm , artystyczne konwencje i instytucjonalizację sztuki. Sztuka nie miała zajmować się tylko w akademiach, teatrach czy filharmoniach, ale miała być włączona w codzienność i dostępna dla wszystkich. Ponadto instytucje kultury koncentrowały się na sztukach pięknych , a uczeni nie zwracali uwagi na rewolucyjne style modernizmu. Postęp gospodarczy i technologiczny w Stanach Zjednoczonych w szalonych latach dwudziestych dał początek powszechnemu utopizmowi , który wpłynął na niektórych modernistycznych artystów, podczas gdy inni byli sceptyczni wobec przyjęcia technologii. Zwycięstwo w I wojnie światowej potwierdziło status USA jako gracza międzynarodowego i dało narodowi pewność siebie i poczucie bezpieczeństwa. W tym kontekście amerykański modernizm zapoczątkował sztukę amerykańską jako odrębną i niezależną od europejskiego gustu, przełamując konwencje artystyczne ukształtowane dotychczas na podstawie europejskich tradycji.

Amerykański modernizm skorzystał z różnorodności kultur imigrantów. Artyści czerpali inspirację z afrykańskich, karaibskich, azjatyckich i europejskich kultur ludowych i osadzali te egzotyczne style w swoich pracach.

Modernistyczny ruch amerykański był odzwierciedleniem amerykańskiego życia w XX wieku. W szybko uprzemysławiającym się świecie i przyspieszonym tempie życia, jednostka mogła łatwo zostać pochłonięta przez ogrom rzeczy, pozostawiona w błąkaniu się, pozbawiona celu. Kwestionowano społeczne granice rasowe, klasowe, płciowe, majątkowe i religijne. Gdy struktura społeczna została zakwestionowana przez nowe napływające poglądy, granice tradycyjnych standardów i struktury społecznej zniknęły, a pozostała utrata tożsamości, co ostatecznie przełożyło się na izolację, wyobcowanie i ogólne poczucie odrębności od jakiejkolwiek „całości”. Jedność ogarniętego wojną kraju umierała, a wraz z nią złudzenie uprzejmości sprzedawanych żołnierzom i obywatelom. Świat pozostał brutalny, wulgarny i duchowo pusty.

Robotnik z klasy średniej znalazł się w wyraźnie niezauważalnej pozycji, trybik o wiele za mały, by mieć nadzieję na uznanie w znacznie większej maszynie. Obywatele zostali pokonani przez własną bezsilność. Marzenia młodych ludzi rozwiały się wraz z porażką i rozczarowującym rozczarowaniem rozpoznaniem ograniczeń i strat. Życie rozczarowanych i wyrzutków stało się bardziej skupione. Ceniona stała się umiejętność definiowania siebie poprzez ciężką pracę i zaradność, tworzenia własnej wizji siebie bez pomocy tradycyjnych środków. Niektórzy autorzy to popierali, podczas gdy inni, jak F. Scott Fitzgerald, kwestionowali, jak kuszące, ale destrukcyjnie fałszywe mogą być wartości przywilejów.

Modernistyczna Ameryka musiała znaleźć wspólny grunt w świecie, który nie był już zjednoczony w wierzeniach. Znaleziona jedność leżała na wspólnym gruncie wspólnej świadomości w całym ludzkim doświadczeniu. Podkreślono znaczenie jednostki; prawdziwie ograniczona natura ludzkiego doświadczenia stworzyła więź ponad wszystkimi mostami rasy, klasy, płci, bogactwa czy religii. W ten sposób społeczeństwo znalazło wspólne znaczenie, nawet w nieładzie.

Niektórzy widzą modernizm w tradycji XIX-wiecznego estetyzmu i ruchu „ sztuka dla sztuki ”. Clement Greenberg argumentuje, że sztuka modernistyczna wyklucza „wszystko poza sobą”. Inni postrzegają sztukę modernistyczną, na przykład w bluesowej i jazzowej , jako nośnik emocji i nastrojów, a wiele prac dotyczyło współczesnych problemów, takich jak feminizm i życie w mieście. Niektórzy artyści i teoretycy dodawali nawet do amerykańskiego modernizmu wymiar polityczny.

Amerykański modernistyczny design i architektura umożliwiły ludziom prowadzenie nowoczesnego życia. Życie zawodowe i rodzinne zmieniło się radykalnie i szybko w wyniku ożywienia gospodarczego w latach dwudziestych XX wieku. W Stanach Zjednoczonych samochód stał się popularny i dostępny dla wielu osób, czas wolny i rozrywka zyskały na znaczeniu, a rynek pracy otworzył się dla kobiet. Aby uczynić życie bardziej efektywnym, projektanci i architekci dążyli do uproszczenia prac domowych.

Wielki Kryzys końca lat 20. i 30. pozbawił ludzi złudzeń co do stabilności gospodarczej kraju i podkopał myślenie utopijne. Wybuch i terror II wojny światowej spowodowały dalsze zmiany w mentalności. Okres powojenny , który nastąpił, nazwano późnym modernizmem . Era postmodernizmu była powszechnie uważana za charakterystyczną dla sztuki końca XX wieku, począwszy od lat 80 .

Dzieła wizualne

Amerykańskie malarstwo modernistyczne

Główny artykuł: malarstwo zachodnie

Nie ma jednej daty początku ery nowożytnej w Ameryce, ponieważ na początku XX wieku działało kilkudziesięciu malarzy. W tym czasie pojawiły się pierwsze kubistyczne ( precyzyjność ), martwe natury i portrety; jasne kolory weszły do ​​​​palet malarzy, aw galeriach pojawiły się pierwsze nieobiektywne obrazy.

Ruch modernistyczny w okresie formowania się stał się również popularny w Nowym Jorku do 1913 r. W popularnej galerii studyjnej Wilhelminy Weber Furlong (1878–1962) na Manhattanie oraz dzięki pracy Whitney Studio Cub w 1918 r. Według Davidsona, początek amerykańskiego malarstwa modernistycznego można datować na lata 1910. Wczesna część tego okresu trwała 25 lat i zakończyła się około 1935 roku, kiedy sztukę współczesną określano mianem tego, co Greenberg nazwał awangardą .

wystawie Armory Show w Nowym Jorku w 1913 r. pokazano współczesne prace artystów europejskich, a także Amerykanów. Obrazy impresjonistów , fowistów i kubistów zaskoczyły wielu amerykańskich widzów , przyzwyczajonych do bardziej konwencjonalnej sztuki. Jednak zainspirowani tym, co zobaczyli, wielu amerykańskich artystów było pod wpływem radykalnych i nowych pomysłów.

Początek XX wieku upłynął pod znakiem poszukiwania różnych technik i sposobów artystycznej ekspresji. Wielu amerykańskich artystów, takich jak Wilhelmina Weber , Man Ray , Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy i inni, wyjechało do Europy, zwłaszcza do Paryża, aby tworzyć sztukę. Powstawanie różnych zgromadzeń artystycznych doprowadziło do wieloznaczności w sztukach wizualnych. Szkoła Ashcan skupiona wokół realizmu ( Robert Henri czy George Luks ); krąg Stieglitza gloryfikował abstrakcyjne wizje Nowego Jorku ( Max Weber , Abraham Walkowitz ) ; malarze kolorowi ewoluowali w kierunku barwnych, abstrakcyjnych „ synchromii ” ( Stanton Macdonald-Wright i Morgan Russell ), podczas gdy precyzja wizualizowała uprzemysłowiony krajobraz Ameryki w postaci ostrej i dynamicznej geometryzacji ( Joseph Stella , Charles Sheeler , Morton Livingston Schamberg , Charlesa Rosena i Charlesa Demutha ). Ostatecznie artyści tacy jak Charles Burchfield , Marsden Hartley , Stuart Davis , Arthur Dove , Georgia O'Keeffe, uważana za matkę amerykańskiego modernizmu, John Marin , Arthur Beecher Carles , Alfred Henry Maurer , Andrew Dasburg , James Daugherty , John Covert , Henrietta Shore , William Zorach , Marguerite Thompson (Zorach), Manierre Dawson , Arnold Friedman i Oscar Bluemner zapoczątkowali erę modernizmu w szkole nowojorskiej .

Zmiana punktu ciężkości i wielość tematów w sztukach wizualnych jest również cechą charakterystyczną amerykańskiej sztuki modernistycznej. I tak na przykład grupa The Eight skupiła się na nowoczesnym mieście i położyła nacisk na różnorodność różnych klas obywateli. Dwaj najwybitniejsi przedstawiciele Ósemki, Robert Henri i John Sloan , malowali obrazy o społecznej różnorodności, często obierając za główny temat mieszkańców slumsów uprzemysłowionych miast. Koniec lat dwudziestych i trzydziestych należał (między innymi) do dwóch ruchów w malarstwie amerykańskim, regionalizmu i socrealizmu . Regionaliści skupili się na barwności amerykańskiego krajobrazu i złożoności wiejskiego życia, podczas gdy socrealiści skupili się na tematyce Wielkiego Kryzysu , biedy i niesprawiedliwości społecznej. Socrealiści protestowali przeciwko rządowi i establishmentowi, który wydawał się obłudny, stronniczy i obojętny na kwestie ludzkich nierówności. Abstrakcja, pejzaż i muzyka były popularnymi tematami modernistycznymi pierwszej połowy XX wieku. Artyści tacy jak Charles Demuth, który stworzył swoje arcydzieło I Saw The Figure Five in Gold w 1928 r., Morton Schamberg (1881–1918) i Charles Sheeler , również byli blisko związani z ruchem precyzyjnym . Sheeler zazwyczaj malował pejzaże miejskie i architekturę przemysłową, czego przykładem jest jego obraz Amoskeag Canal 1948. Stuart Davis improwizował jazz i muzykę , czego przykładem jest Hot Still-Scape for Six Colours – 7th Avenue Style z 1940 roku.

Modernizm wypełnił lukę między sztuką a zróżnicowaną społecznie publicznością w Stanach Zjednoczonych Rosnąca liczba muzeów i galerii ma na celu przybliżenie społeczeństwu nowoczesności. Pomimo początkowego oporu wobec celebracji postępu, technologii i miejskiego życia, sztuki wizualne w ogromnym stopniu przyczyniły się do samoświadomości i świadomości narodu amerykańskiego. Nowe malarstwo modernistyczne rzuciło światło na emocjonalne i psychiczne stany odbiorców, co było fundamentalne dla kształtowania się amerykańskiej tożsamości.

Liczne kierunki amerykańskiego „modernizmu” nie zaowocowały jednym spójnym stylem, lecz budziły chęć eksperymentów i wyzwań. Udowodnił, że sztuka współczesna wykracza poza utarte zasady.

Główne szkoły i ruchy amerykańskiego modernizmu

  • grupa Stieglitza _
  • koło Arensberga _
  • malarze kolorowi
  • Precyzja
  • Niezależnych
  • szkole filadelfijskiej
  • Niezależni z Nowego Jorku
  • Chicago i na zachód

Malarstwo modernistyczne

Główne artykuły: modernizm , historia malarstwa i malarstwo zachodnie

Georgia O'Keeffe , znana jako „Matka amerykańskiego modernizmu”, jest główną postacią amerykańskiego modernizmu od lat dwudziestych XX wieku. Otrzymała szerokie uznanie za kwestionowanie granic współczesnego amerykańskiego stylu artystycznego. Znana jest głównie z obrazów przedstawiających kwiaty, skały, muszle, kości zwierząt i pejzaże, w których syntezowała abstrakcję i reprezentację. Ram's Head White Hollyhock and Little Hills z 1935 roku to dobrze znany obraz O'Keeffe.

Georgia O'Keeffe , Baranina głowa Biała Malwa i Małe Wzgórza, 1935
Arthur Dove , Ja i księżyc 1937

Arthur Dove używał szerokiej gamy mediów, czasem w niekonwencjonalnych kombinacjach, aby stworzyć swoje abstrakcje i abstrakcyjne krajobrazy. Me and the Moon z 1937 roku jest dobrym przykładem abstrakcyjnego krajobrazu Arthura Dove'a i jest określany jako jedno z kulminacyjnych dzieł w jego karierze. Dove wykonał serię eksperymentalnych kolaży w latach dwudziestych XX wieku. Eksperymentował także z technikami, łącząc farby, takie jak ręcznie mieszany olej lub tempera, z emulsją woskową .

Afroamerykański malarz Aaron Douglas (1899–1979) jest jednym z najbardziej znanych i najbardziej wpływowych afroamerykańskich malarzy modernistycznych. Jego prace w dużym stopniu przyczyniły się do rozwoju ruchu estetycznego, który jest ściśle powiązany z odrębnymi cechami afroamerykańskiego dziedzictwa i kultury. Douglas wywarł wpływ na afroamerykańskie sztuki wizualne, zwłaszcza w okresie renesansu w Harlemie .

Jednym z najpopularniejszych obrazów Douglasa jest Ukrzyżowanie . Został opublikowany w God's Trombones Jamesa Weldona Johnsona w 1927 roku. Przedstawiona na obrazie scena ukrzyżowania przedstawia kilka elementów składających się na sztukę Douglasa: wyraźne zarysowanie, zmianę cieni i światła, stylizowane ciała ludzkie i figury geometryczne jako koncentryczne okręgi w przeciwieństwie do form liniowych. Temat obrazu przypomina nie tylko scenę biblijną, ale może być również postrzegany jako aluzja do afroamerykańskiej tradycji religijnej: przerośnięty, ciemny Jezus dźwiga swój krzyż, oczy skierowane ku niebu, z którego światło pada na jego wyznawców. Stylizowani rzymscy żołnierze flankują scenę ze swoimi spiczastymi włóczniami. W rezultacie obserwatorowi przypomina się na przykład afroamerykańska tradycja ewangelii, ale także historia represji. Beauford Delaney , Charles Alston , Jacob Lawrence i Romare Bearden byli również ważnymi afroamerykańskimi malarzami modernistycznymi , którzy inspirowali pokolenia artystów, którzy podążali za nimi.

Fotografia modernistyczna

Rrose Selavy (Marcel Duchamp). 1921. Zdjęcie Mana Raya . Kierownictwo artystyczne: Marcel Duchamp.
Zobacz też: Foto-Secesja

Na początku amerykańskiego modernizmu fotografia wciąż walczyła o uznanie jej za formę sztuki. Fotograf Alfred Stieglitz opisał to tak: „Artyści, którzy widzieli moje wcześniejsze fotografie, zaczęli mi mówić, że mi zazdroszczą, że uważają, że moje fotografie są lepsze od ich obrazów, ale niestety fotografia nie jest sztuką. Nie mogłem tego zrozumieć. dlaczego artyści mieliby mi zazdrościć mojej pracy, a jednocześnie potępiać ją za to, że została wykonana maszynowo”. (Stieglitz: 8). W 1902 roku Stieglitz założył Photo-Secession z członkami takimi jak Edward Steichen , Gertrude Käsebier i Clarence Hudson White , której celem było podniesienie standardu i zwiększenie świadomości fotografii artystycznej. W tym momencie ich głównym stylem był piktorializm , który był znany z modyfikowania zdjęć za pomocą miękkiej ostrości, specjalnych filtrów lub egzotycznych procesów drukowania, aby naśladować styl obrazów i akwafort z tamtych czasów. Jeśli chodzi o publikację, Stieglitz, jako siła napędowa ruchu, założył magazyn Camera Work , w którym publikował artystów, których uważał za przedstawicieli ruchu. Prowadził też kolejno trzy galerie: „291” (1905–1917), „Galerię intymną” (1925–1929) i „An American Place” (1929–1947). w Stanach Zjednoczonych dzieła sztuki wczesnego modernizmu europejskich artystów, takich jak Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau , Paul Cézanne i Pablo Picasso . Dalszy związek z awangardą europejską ustanowił Man Ray . Urodzony w Ameryce i zainspirowany pracami, które oglądał w galeriach Stieglitza, Ray wyemigrował w 1921 roku do Paryża i wraz z artystami europejskiego ruchu dadaistycznego i surrealistycznego stworzył nowe techniki fotograficzne, takie jak rayografy (umieszczanie obiektów bezpośrednio na papierze światłoczułym).

Na początku lat dwudziestych fotografowie skierowali się w stronę tego, co nazywali fotografią prostą . W przeciwieństwie do stylu piktorialistycznego odrzucili teraz wszelkie manipulacje w procesie fotograficznym (np. miękki obiektyw, specjalne metody wywoływania czy drukowania) i starali się wykorzystać zalety aparatu fotograficznego jako wyjątkowego medium do uchwycenia rzeczywistości. Ich motywy miały wyglądać jak najbardziej obiektywnie. Odwracając uwagę od klasycznego portretu i stylu piktorialistycznego, fotografowie zaczęli używać swoich zdjęć jako środka do przedstawiania surowych realiów życia codziennego, ale jednocześnie starali się szukać piękna w szczegółach lub ogólnej strukturze estetycznej. Dominującymi motywami stały się maszyny i praca fabryczna, drapacze chmur i nowinki techniczne. W 1932 roku kilku młodszych fotografów (np. Ansel Adams , Imogen Cunningham , Willard Van Dyke , Edward Weston ) założyło Grupę f/64 opartą na ideałach prostej fotografii, która stała się najbardziej postępowym stowarzyszeniem swoich czasów.

amerykańskiej literatury modernistycznej

Amerykańska literatura modernistyczna była dominującym nurtem w literaturze amerykańskiej między I a II wojną światową . Era modernizmu uwydatniła innowacyjność w formie i języku poezji i prozy, a także poruszała wiele współczesnych tematów, takich jak stosunki rasowe, płeć i kondycja ludzka. W tym czasie wielu amerykańskich modernistów wyemigrowało do Europy, często stając się zwolennikami ruchu europejskiego, jak to było w przypadku TS Eliota , Ezry Pounda i Gertrude Stein . Pisarze ci byli często nazywani straconym pokoleniem .

W odpowiedzi na ten trend wielu amerykańskich autorów i poetów zapoczątkowało nurt „natywizmu”, starając się reprezentować współczesne amerykańskie doświadczenia w Ameryce. Znani współtwórcy tego trendu to William Carlos Williams , Wallace Stevens i Marianne Moore . Ci poeci często krytycznie odnosili się do dzieł pisarzy emigrantów, takich jak Eliot i Pound, o czym świadczą wiersze takie jak Spring and All .

Pod wpływem pierwszej wojny światowej wielu amerykańskich pisarzy modernistycznych badało psychologiczne rany i duchowe blizny doświadczeń wojennych. Kryzys gospodarczy w Ameryce na początku lat 30. odcisnął swoje piętno także na literaturze, jak np. Grona gniewu Johna Steinbecka . Powiązanym problemem jest utrata siebie i potrzeba samookreślenia, gdy pracownicy zniknęli w tle miejskiego życia, niezauważonymi trybikami w maszynie pragnącej samookreślenia. Amerykańscy moderniści powtórzyli skupienie się połowy XIX wieku na próbie „zbudowania siebie” - temat zilustrowany przez Fitzgeralda The Great Gatsby . Szaleństwo i jego przejawy wydają się być kolejnym ulubionym motywem modernistów, co widać w Cesarzu Jonesie Eugene'a O'Neilla , Wojowniku Hemingwaya i That Evening Sun Faulknera . Niemniej jednak wszystkie te negatywne aspekty zrodziły nowe nadzieje i aspiracje oraz poszukiwanie nowego początku nie tylko dla współczesnych jednostek, ale także dla fikcyjnych postaci amerykańskiej literatury modernistycznej.

Literatura modernistyczna pozwoliła także na rozwój nurtów regionalnych w obrębie literatury amerykańskiej, w tym Harlem Renaissance i południowego modernizmu. Harlem Renaissance oznaczał odrodzenie sztuki afroamerykańskiej, scentralizowanej w rejonie Harlemu w Nowym Jorku. Pisarze i myśliciele, tacy jak Alain Locke , Claude McKay , Langston Hughes i Zora Neale Hurston byli jednymi z kluczowych postaci ruchu. Ruch ten był powiązany z modą na kulturę afroamerykańską, co widać również w popularności muzyki jazzowej, z wieloma pisarzami finansowanymi przez białych mecenasów. Wielu pisarzy tego ruchu używało modernistycznych technik do przedstawiania życia Afroamerykanów, na przykład włączając rytmy muzyki jazzowej i dialekty kultury afroamerykańskiej do poezji i prozy. Południowy modernizm podobnie reprezentował życie i wyjątkowe doświadczenia Południa, używając modernistycznej estetyki, ze znanymi postaciami, takimi jak William Faulkner i Tennessee Williams .

Nowa krytyka w Ameryce

Od lat trzydziestych do sześćdziesiątych XX wieku Nowa Krytyka stała się siłą krytyczną w Stanach Zjednoczonych. Była to najpotężniejsza perspektywa w amerykańskiej krytyce literackiej. Reprezentantami byli John Crowe Ransom , Allen Tate , Cleanth Brooks , Robert Penn Warren . „Wpływowe metody krytyczne opracowane przez tych profesorów-poetów kładły nacisk na wyostrzenie umiejętności czytania z bliska. Nowa krytyka uprzywilejowała ocenę poezji jako uzasadnienie badań literackich”. Brooks and Warren's Understanding Poetry (1938) stał się jednym z najbardziej wpływowych podręczników poezji uniwersyteckiej lat trzydziestych XX wieku i był poprawiany i przedrukowywany aż do lat siedemdziesiątych. (Morrissona: 29).

Nowa krytyka objawiła się w takich utworach, jak wiersze Eliota i Yeatsa . „Poezja, która najlepiej pasuje do estetycznych kryteriów Nowej Krytyki, była podkreślana w ważnych antologiach nauczania w klasie” (Morrisson: 29). TS Eliot na nowo zdefiniował tradycję w swoim eseju „Tradycja i indywidualny talent”. Sformułował takie krytyczne koncepcje, jak „obiektywny korelat” i ponownie przemyślał kanon literacki, wywyższając jakobiański dramat i poezję metafizyczną. Jego praca miała fundamentalny wpływ na nową krytykę w Ameryce.

Architektura i przestrzeń

Stany Zjednoczone odegrały wielką rolę w ruchu modernistycznym dotyczącym nowych zaawansowanych technologii budowlanych i konstrukcyjnych. Wśród innowacji budowlanych znalazły się takie materiały jak żelazo, stal i żelbet. Most Brookliński autorstwa Johna i Washingtona Roeblinga (1869–1883) (więcej szczegółów w artykule John Roebling / Washington Roebling)

Louis Henry Sullivan stał na czele tak zwanej chicagowskiej szkoły architektury, która wyróżniała się rozwojem projektowania funkcjonalnego wraz z nowoczesnymi materiałami. Zwolennik Sullivana, Frank Lloyd Wright, przejął od swojego „lieber Master” (drogi mistrzu) ​​niemiecką romantyczną tradycję architektury organicznej. Opracował nowe i oryginalne podejście do projektowania mieszkań przed I wojną światową, które stało się znane jako „styl prerii”. Łączył zasady otwartego planowania z poziomym akcentem, asymetrycznymi elewacjami i szerokimi, osłoniętymi dachami. Robie House w Chicago (1909) i Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku (1946–59) to dwa z jego przełomowych dzieł.

W swoich pracach Wright coraz bardziej zbliżał się do poczucia naturalnej formy związanej z ziemią, używając nieociosanego kamienia i drewna i zawsze dążąc w swoich domach do uzyskania efektu intymnego i ochronnego schronienia.

Architekci urodzeni za granicą, tacy jak Richard Neutra , Rudolf Schindler i William Lescaze, odegrali w latach 20. II wojna. Przykładami tego nowego stylu są takie budynki, jak Lever House Skidmore, Owings and Merrill ( 1952) oraz Seagram Building Ludwiga Miesa van der Rohe (1956–58) w Nowym Jorku. Kiedy tak znani Europejczycy jak Walter Gropius i Mies wyemigrowali do Stanów Zjednoczonych, wiele amerykańskich szkół architektonicznych przeszło pod wpływ tradycji Bauhausu w Niemczech.

Zobacz też

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=American_modernism&oldid=1116637973 ”