Edvard Munch

Aby zapoznać się z filmem, zobacz Edvard Munch (film) .

Edvard Munch
Munch na niedatowanym zdjęciu
Urodzić się	( 12.12.1863 ) 12 grudnia 1863 Ådalsbruk , Løten , Szwecja–Norwegia
Zmarł	23 stycznia 1944 (23.01.1944) (w wieku 80) Oslo , Norwegia
Narodowość	norweski
Znany z	Malarz i grafik
Godna uwagi praca	Krzyk Madonna Chore dziecko
Ruch	ekspresjonizm , symbolizm

Edvard Munch ( / m ʊ ŋ k / MUUNK , norweski: [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] ( słuchaj ) ; 12 grudnia 1863 - 23 stycznia 1944) był norweskim malarzem. Jego najbardziej znane dzieło, Krzyk (1893), stało się jednym z najbardziej kultowych obrazów zachodniej sztuki.

Jego dzieciństwo zostało przyćmione chorobą, żałobą i lękiem przed odziedziczeniem choroby psychicznej, która występowała w rodzinie. Studiując w Królewskiej Szkole Sztuki i Projektowania w Kristianii (dzisiejsze Oslo), Munch rozpoczął życie bohemy pod wpływem nihilisty Hansa Jægera , który namawiał go do namalowania własnego stanu emocjonalnego i psychicznego („ malarstwo duszy ”). Z tego wyłonił się jego charakterystyczny styl.

Podróże przyniosły nowe wpływy i ujścia. W Paryżu wiele nauczył się od Paula Gauguina , Vincenta van Gogha i Henriego de Toulouse-Lautreca , zwłaszcza ich użycia koloru. W Berlinie poznał szwedzkiego dramaturga Augusta Strindberga , którego namalował, rozpoczynając główną serię obrazów, które później nazwał Fryzem życia , przedstawiając serię głęboko odczuwanych tematów, takich jak miłość, niepokój, zazdrość i zdrada. , przesiąknięty atmosferą.

Krzyk powstał w Kristianii. Według Muncha spacerował o zachodzie słońca, kiedy „usłyszał ogromny, nieskończony krzyk natury”. Udręczona twarz obrazu jest powszechnie utożsamiana z niepokojem współczesnego człowieka. W latach 1893-1910 wykonał dwie wersje malarskie i dwie pastelowe oraz szereg grafik. Jeden z pasteli ostatecznie osiągnąłby czwartą najwyższą cenę nominalną płaconą za obraz na aukcji.

Gdy jego sława i bogactwo rosły, jego stan emocjonalny pozostawał niepewny. Krótko rozważał małżeństwo, ale nie mógł się zobowiązać. Załamanie psychiczne w 1908 roku zmusiło go do porzucenia intensywnego picia, a jego rosnąca akceptacja przez mieszkańców Kristianii i ekspozycja w miejskich muzeach dodawały mu otuchy. Późniejsze lata spędził pracując w spokoju i prywatności. Chociaż jego prace były zakazane w okupowanej przez nazistów Europie, większość z nich przetrwała II wojnę światową , zapewniając mu spuściznę.

Życie

Dzieciństwo

Edvard Munch urodził się na farmie we wsi Ådalsbruk w Løten w Norwegii jako syn księdza Laury Catherine Bjølstad i Christiana Muncha. Christian był lekarzem i lekarzem, który poślubił Laurę, kobietę o połowę młodszą, w 1861 roku. Edvard miał starszą siostrę Johanne Sophie i troje młodszego rodzeństwa: Petera Andreasa, Laurę Catherine i Inger Marie. Laura była utalentowana artystycznie i mogła zachęcić Edvarda i Sophie. Edvard był spokrewniony z malarzem Jacobem Munchem i historykiem Peterem Andreasem Munchem .

Rodzina przeniosła się do Christianii (przemianowanej na Kristiania w 1877 r., a obecnie Oslo ) w 1864 r., kiedy Christian Munch został mianowany oficerem medycznym w twierdzy Akershus . Matka Edvarda zmarła na gruźlicę w 1868 r., Podobnie jak ulubiona siostra Muncha, Johanne Sophie w 1877 r. Po śmierci matki rodzeństwo Munchów było wychowywane przez ojca i ciotkę Karen. Często chory przez większą część zimy i trzymany z dala od szkoły, Edvard rysował, żeby się czymś zająć. Uczył się u kolegów ze szkoły i ciotki. Christian Munch uczył także syna historii i literatury oraz zabawiał dzieci żywymi opowieściami o duchach i opowieściami amerykańskiego pisarza Edgara Allana Poe .

Jak pamiętał Edvard, pozytywne zachowanie Christiana wobec jego dzieci zostało przyćmione przez jego chorobliwy pietyzm . Munch napisał: „Mój ojciec był temperamentnie nerwowy i obsesyjnie religijny - aż do psychonerwicy. Po nim odziedziczyłem ziarno szaleństwa. Anioły strachu, smutku i śmierci stały u mojego boku od dnia moich narodzin”. Christian zganił swoje dzieci, mówiąc im, że ich matka patrzy z nieba i smuci się z powodu ich złego zachowania. Opresyjne środowisko religijne, zły stan zdrowia Edvarda i żywe historie o duchach pomogły zainspirować jego makabryczne wizje i koszmary; chłopiec czuł, że śmierć nieustannie go zbliża. U jednej z młodszych sióstr Muncha, Laury, we wczesnym wieku zdiagnozowano chorobę psychiczną. Z pięciorga rodzeństwa tylko Andreas ożenił się, ale zmarł kilka miesięcy po ślubie. Munch napisał później: „Odziedziczyłem dwóch najstraszniejszych wrogów ludzkości - dziedzictwo konsumpcji i szaleństwa”.

Żołd wojskowy Christiana Muncha był bardzo niski, a jego próby rozwinięcia prywatnej praktyki pobocznej nie powiodły się, utrzymując rodzinę w dystyngowanej, ale wiecznej biedzie. Często przeprowadzali się z jednego taniego mieszkania do drugiego. Wczesne rysunki i akwarele Muncha przedstawiały te wnętrza oraz poszczególne przedmioty, takie jak butelki z lekarstwami i przybory do rysowania, a także niektóre krajobrazy. Gdy był nastolatkiem, zainteresowania Muncha zdominowała sztuka. W wieku 13 lat Munch po raz pierwszy zetknął się z innymi artystami w nowo utworzonym Art Association, gdzie podziwiał prace norweskiej szkoły krajobrazu. Wrócił do kopiowania obrazów i wkrótce zaczął malować olejami.

Studia i wpływy

Autoportret z ramieniem szkieletu , 1895, Muzeum Muncha , Oslo

W 1879 roku Munch zapisał się do technikum , aby studiować inżynierię, gdzie celował w fizyce , chemii i matematyce . Uczył się rysunku skalowanego i perspektywicznego, ale częste choroby przerywały mu studia. W następnym roku, ku rozczarowaniu ojca, Munch opuścił college zdeterminowany, by zostać malarzem. Jego ojciec postrzegał sztukę jako „bezbożny zawód”, a sąsiedzi zareagowali gorzko i wysłali mu anonimowe listy. W przeciwieństwie do wściekłego pietyzmu ojca, Munch przyjął niedogmatyczną postawę wobec sztuki. W swoim dzienniku zapisał swój cel: „W mojej sztuce próbuję wyjaśnić sobie życie i jego sens”.

W 1881 roku Munch zapisał się do Królewskiej Szkoły Sztuki i Projektowania w Kristianii, której jednym z założycieli był jego daleki krewny Jacob Munch. Jego nauczycielami byli rzeźbiarz Julius Middelthun i malarz naturalistyczny Christian Krohg . W tym samym roku Munch zademonstrował, jak szybko pochłonął go trening postaci w akademii, wykonując swoje pierwsze portrety, w tym jeden przedstawiający ojca i pierwszy autoportret. W 1883 roku Munch wziął udział w swojej pierwszej publicznej wystawie i dzielił pracownię z innymi studentami. Jego pełnometrażowy portret Karla Jensena-Hjella, znanego artysty z miasta, spotkał się z lekceważącą reakcją krytyka: „To impresjonizm doprowadzony do skrajności. To parodia sztuki”. Akty Muncha z tego okresu przetrwały tylko w szkicach, z wyjątkiem Standing Nude (1887). Mogły zostać skonfiskowane przez jego ojca.

Impresjonizm inspirował Muncha od najmłodszych lat. W tych wczesnych latach eksperymentował z wieloma stylami, w tym z naturalizmem i impresjonizmem. Niektóre wczesne prace przypominają Maneta. Wiele z tych prób przyniosło mu nieprzychylną krytykę ze strony prasy i ciągłe nagany ze strony ojca, który mimo to zapewniał mu niewielkie sumy na utrzymanie. Jednak w pewnym momencie ojciec Muncha, być może zachwycony negatywną opinią kuzyna Muncha, Edvarda Diriksa (uznanego, tradycyjnego malarza), zniszczył co najmniej jeden obraz (prawdopodobnie akt) i odmówił dalszych pieniędzy na materiały artystyczne.

Munch spotkał się również z gniewem ojca za jego związek z Hansem Jægerem , miejscowym nihilistą, który żył zgodnie z zasadą „pasja niszczenia jest także pasją twórczą” i który opowiadał się za samobójstwem jako ostateczną drogą do wolności. Munch znalazł się pod wpływem swojego złowrogiego, anty-establishmentowego zaklęcia. „Moje idee rozwinęły się pod wpływem bohemy, a raczej Hansa Jægera. Wiele osób błędnie twierdziło, że moje idee powstały pod wpływem Strindberga i Niemców… ale to nieprawda. Już wtedy powstały”. W tym czasie, w przeciwieństwie do wielu innych bohemy, Munch nadal szanował kobiety, był powściągliwy i dobrze wychowany, ale zaczął poddawać się upijaniu się i bójkom swojego kręgu. Niepokoiła go trwająca wówczas rewolucja seksualna i otaczające go niezależne kobiety. Później stał się cyniczny w sprawach seksualnych, co wyrażało się nie tylko w jego zachowaniu i sztuce, ale także w jego pismach, czego przykładem jest długi wiersz zatytułowany Miasto wolnej miłości . Wciąż zależny od rodziny przy wielu posiłkach, stosunki Muncha z ojcem pozostawały napięte z powodu obaw o jego artystyczne życie.

Po licznych eksperymentach Munch doszedł do wniosku, że impresjonistyczny idiom nie pozwala na wystarczającą ekspresję. Uznał to za powierzchowne i zbyt zbliżone do eksperymentów naukowych. Czuł potrzebę pójścia głębiej i zbadania sytuacji pełnych treści emocjonalnej i ekspresyjnej energii. Zgodnie z przykazaniem Jægera, aby Munch „spisał swoje życie”, co oznaczało, że Munch powinien zbadać swój własny stan emocjonalny i psychiczny, młody artysta rozpoczął okres refleksji i samooceny, zapisując swoje myśli w swoim „dzienniku duszy”. Ta głębsza perspektywa pomogła mu w nowym spojrzeniu na sztukę. Napisał, że jego obraz Chore dziecko (1886), oparty na śmierci jego siostry, był jego pierwszym „malowaniem duszy”, pierwszym zerwaniem z impresjonizmem. Obraz spotkał się z negatywną reakcją krytyków i jego rodziny i wywołał kolejny „gwałtowny wybuch moralnego oburzenia” społeczności.

Bronił go tylko jego przyjaciel Christian Krohg:

Maluje, a raczej patrzy na rzeczy w sposób inny niż inni artyści. Widzi tylko to, co istotne, i to oczywiście wszystko, co maluje. Z tego powodu obrazy Muncha są z reguły „niekompletne”, co ludzie z radością odkrywają na własne oczy. O tak, są kompletne. Jego kompletne dzieło. Sztuka jest kompletna, gdy artysta naprawdę powiedział wszystko, co miał na myśli, i to jest właśnie przewaga Muncha nad malarzami drugiego pokolenia, że ​​naprawdę wie, jak pokazać nam to, co czuł i co go chwyciło, i temu podporządkowuje wszystko inne.

Munch nadal stosował różnorodne techniki pociągnięcia pędzla i palety kolorów w latach osiemdziesiątych i wczesnych dziewięćdziesiątych XIX wieku, próbując zdefiniować swój styl. Jego idiom nadal oscylował między naturalizmem , jak widać w Portret Hansa Jægera , a impresjonizmem , jak w Rue Lafayette . Jego Inger On the Beach (1889), który wywołał kolejną burzę zamieszania i kontrowersji, wskazuje na uproszczone formy, ciężkie kontury, ostre kontrasty i emocjonalną zawartość jego dojrzałego stylu, który ma nadejść. Zaczął dokładnie kalkulować swoje kompozycje, aby stworzyć napięcie i emocje. Choć stylistycznie pod wpływem postimpresjonistów , ewoluował temat, który miał treść symboliczną , przedstawiając raczej stan umysłu niż zewnętrzną rzeczywistość. W 1889 roku Munch zaprezentował swój pierwszy indywidualny pokaz prawie wszystkich swoich dotychczasowych prac. Uznanie, jakie otrzymał, zaowocowało dwuletnim stypendium państwowym na studia w Paryżu u francuskiego malarza Léona Bonnata .

Wydaje się, że Munch był wczesnym krytykiem fotografii jako formy sztuki i zauważył, że „nigdy nie będzie ona konkurować z pędzlem i paletą, dopóki zdjęcia nie będą mogły być robione w niebie lub piekle!”.

Młodsza siostra Muncha, Laura, była tematem jego wewnętrznej Melancholii z 1899 roku: Laura . Amanda O'Neill mówi o pracy: „W tej gorącej klaustrofobicznej scenie Munch nie tylko przedstawia tragedię Laury, ale także własny strach przed szaleństwem, które mógł odziedziczyć”.

Paryż

Munch przybył do Paryża podczas uroczystości Exposition Universelle (1889) i zamieszkał w pokoju z dwoma innymi norweskimi artystami. Jego obraz Poranek (1884) był wyświetlany w pawilonie norweskim. Poranki spędzał w ruchliwym studiu Bonnata (w którym znajdowały się modelki), a popołudnia na wystawach, galeriach i muzeach (gdzie od studentów oczekiwano wykonywania kopii w celu nauki techniki i obserwacji). Munch odnotował niewielki entuzjazm dla lekcji rysunku Bonnata - „To mnie męczy i nudzi - to odrętwiające” - ale lubił komentarze mistrza podczas wycieczek do muzeów.

Munch był zachwycony ogromną wystawą współczesnej sztuki europejskiej, w tym prac trzech wpływowych artystów: Paula Gauguina , Vincenta van Gogha i Henri de Toulouse-Lautreca — wszyscy znani ze sposobu, w jaki używali koloru do wyrażania emocji. Munch był szczególnie zainspirowany „reakcją Gauguina na realizm” i jego credo, że „sztuka była dziełem człowieka, a nie imitacją Natury”, co wcześniej stwierdził Whistler . Jak powiedział później jeden z jego berlińskich przyjaciół o Munchu, „nie musi udawać się na Tahiti, aby zobaczyć i doświadczyć prymitywnej natury ludzkiej. Nosi w sobie własne Tahiti”. Pod wpływem Gauguina, a także akwafort niemieckiego artysty Maxa Klingera , Munch eksperymentował z grafikami jako medium do tworzenia graficznych wersji swoich prac. W 1896 roku stworzył swoje pierwsze drzeworyty - medium, które okazało się idealne dla symbolicznych obrazów Muncha. Wraz ze swoim rówieśnikiem Nikołajem Astrupem Munch jest uważany za innowatora drzeworytu w Norwegii.

W grudniu 1889 roku zmarł jego ojciec, pozostawiając rodzinę Muncha bez środków do życia. Wrócił do domu i załatwił dużą pożyczkę od bogatego norweskiego kolekcjonera, gdy zamożni krewni nie pomogli, i od tego czasu przejął odpowiedzialność finansową za swoją rodzinę. Śmierć Christiana przygnębiła go i nękały go myśli samobójcze: „Żyję ze zmarłymi - moją matką, moją siostrą, moim dziadkiem, moim ojcem… Zabij się, a potem to koniec. Po co żyć?” Obrazy Muncha z następnego roku zawierały szkicowe sceny z tawern i serię jasnych pejzaży miejskich, w których eksperymentował z puentylistycznym stylem Georgesa Seurata .

Berlin

Melancholia , 1891, olej, ołówek i kredka na płótnie, 73 × 101 cm, Munch Museum , Oslo

Muncha w 1902 r. w ogrodzie swojego patrona dr Maxa Linde w Lubece ; w tle odlew rzeźby Auguste'a Rodina „Epoka żelaza” .

Do 1892 roku Munch sformułował swoją charakterystyczną i oryginalną estetykę syntetystyczną , jak widać w Melancholii (1891), w której kolor jest elementem obciążonym symbolami. Uznawany przez artystę i dziennikarza Christiana Krohga za pierwszy symbolistyczny obraz norweskiego artysty, Melancholia została wystawiona w 1891 roku na Wystawie Jesiennej w Oslo. W 1892 roku Adelsteen Normann w imieniu Związku Artystów Berlińskich zaprosił Muncha do wystawienia się na listopadowej wystawie, pierwszej indywidualnej wystawie stowarzyszenia. Jednak jego obrazy wywołały gorzkie kontrowersje (ochrzczone „Sprawą Muncha”) i po tygodniu wystawę zamknięto. Munch był zadowolony z „wielkiego zamieszania” i napisał w liście: „Nigdy nie bawiłem się tak zabawnie - to niewiarygodne, że coś tak niewinnego jak malarstwo mogło wywołać takie poruszenie”.

W Berlinie Munch związał się z międzynarodowym kręgiem pisarzy, artystów i krytyków, w tym ze szwedzkim dramaturgiem i czołowym intelektualistą Augustem Strindbergiem , którego namalował w 1892 roku. Poznał także duńskiego pisarza i malarza Holgera Drachmanna , którego namalował w 1898 roku. Drachmann był 17 lat starszy od Muncha i towarzyszem picia w Zum schwarzen Ferkel w latach 1893–94. W 1894 roku Drachmann napisał o Munchu: „On ciężko walczy. Powodzenia w twoich zmaganiach, samotny Norwegu”.

W ciągu czterech lat spędzonych w Berlinie Munch naszkicował większość pomysłów, które miały znaleźć się w jego głównym dziele, Fryzie życia , przeznaczonym najpierw do ilustracji książkowych, ale później wyrażonym w obrazach. Sprzedawał niewiele, ale zarabiał na pobieraniu opłat za wstęp do oglądania jego kontrowersyjnych obrazów. Już Munch wykazywał niechęć do rozstania się ze swoimi obrazami, które nazywał swoimi „dziećmi”.

Inne jego obrazy, w tym sceny z kasyna, przedstawiają uproszczenie formy i szczegółów, które charakteryzowały jego wczesny dojrzały styl. Munch zaczął również faworyzować płytką przestrzeń obrazkową i minimalne tło dla swoich przednich postaci. Ponieważ pozy zostały wybrane tak, aby uzyskać jak najbardziej przekonujące obrazy stanów umysłu i warunków psychicznych, tak jak w Popiołach , postacie nadają monumentalny, statyczny charakter. Postacie Muncha wydają się odgrywać role na scenie teatralnej ( Śmierć w pokoju chorego ), której pantomima nieruchomych pozycji oznacza różne emocje; ponieważ każda postać ucieleśnia jeden wymiar psychologiczny, tak jak w Krzyku , mężczyźni i kobiety Muncha zaczęli wyglądać bardziej symbolicznie niż realistycznie. Napisał: „Nie powinno się już malować wnętrz, czytać ludzi i robić na drutach: byliby żyjący ludzie, oddychający i czujący, cierpiący i kochający”.

Krzyk

Główny artykuł: Krzyk

Krzyk (1893), Galeria Narodowa , Oslo

Krzyk występuje w czterech wersjach: dwóch pastelach (1893 i 1895) i dwóch obrazach (1893 i 1910). Istnieje również kilka litografii Krzyku (1895 i później ) .

Pastel z 1895 r. został sprzedany na aukcji 2 maja 2012 r. za 119 922 500 USD , w tym prowizję. Jest to najbardziej kolorowa z wersji i wyróżnia się pochyloną w dół postawą jednej z postaci w tle. Jest to również jedyna wersja, której nie posiada żadne norweskie muzeum.

Wersja z 1893 roku została skradziona z Galerii Narodowej w Oslo w 1994 roku i została odzyskana. Obraz z 1910 roku został skradziony w 2004 roku z Muzeum Muncha w Oslo, ale odzyskany w 2006 roku z ograniczonymi uszkodzeniami.

Krzyk to najsłynniejsze dzieło Muncha i jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w całej sztuce. Był szeroko interpretowany jako reprezentujący powszechny niepokój współczesnego człowieka. Namalowany szerokimi pasami jaskrawych kolorów i bardzo uproszczonymi formami oraz wykorzystujący wysoki punkt widzenia, redukuje udręczoną postać do odzianej czaszki w ferworze emocjonalnego kryzysu.

Tym obrazem Munch osiągnął swój wyznaczony cel, jakim było „badanie duszy, to znaczy badanie własnego ja”. Munch napisał o tym, jak powstał obraz: „Szedłem drogą z dwoma przyjaciółmi, gdy zaszło słońce; nagle niebo stało się czerwone jak krew. Zatrzymałem się i oparłem o płot, czując niewymowne zmęczenie. Języki ognia a krew rozlała się po niebieskawo-czarnym fiordzie. Moi przyjaciele szli dalej, podczas gdy ja pozostawałem w tyle, drżąc ze strachu. Wtedy usłyszałem ogromny, nieskończony krzyk natury. Później opisał osobistą udrękę stojącą za obrazem: „Przez kilka lat byłem prawie szalony… Znasz mój obraz„ Krzyk ”? Byłem rozciągnięty do granic możliwości - natura krzyczała w mojej krwi… Po tym straciłem nadzieję, że kiedykolwiek będę mógł ponownie kochać ”.

W 2003 roku, porównując obraz z innymi wielkimi dziełami, historyk sztuki Martha Tedeschi napisała:

Matka Whistlera , American Gothic Wooda , Mona Lisa Leonarda da Vinci i Krzyk Edvarda Muncha osiągnęły coś, czego nie osiąga większość obrazów – niezależnie od ich historycznego znaczenia, piękna czy wartości pieniężnej –: niemal natychmiast przekazują określone znaczenie niemal każdy widz. Te nieliczne prace z powodzeniem przeszły z elitarnego królestwa zwiedzającego muzeum do ogromnego miejsca kultury popularnej.

Fryz życia — wiersz o życiu, miłości i śmierci

Chociaż jest to bardzo niezwykłe przedstawienie, ten obraz może przedstawiać Maryję Dziewicę . Kwestionuje się, czy obraz ma konkretnie przedstawiać Maryję. Munch użył więcej niż jednego tytułu, w tym zarówno Loving Woman , jak i Madonna .

W grudniu 1893 roku na Unter den Linden w Berlinie odbyła się wystawa prac Muncha, na której pokazano między innymi sześć obrazów zatytułowanych Studium do serii: Miłość. To zapoczątkowało cykl, który później nazwał Fryzem życia — poematem o życiu, miłości i śmierci . Motywy Frieze of Life , takie jak The Storm i Moonlight , są przesiąknięte atmosferą. Inne motywy oświetlają nocną stronę miłości, takie jak Rose i Amelie i Vampire . W Death in the Sickroom tematem jest śmierć jego siostry Sophie, którą przerobił w wielu przyszłych wariacjach. Dramatyczny akcent obrazu, przedstawiający całą jego rodzinę, jest rozproszony w oddzielnych i oderwanych od siebie postaciach smutku. W 1894 poszerzył wachlarz motywów o Niepokój , Popiół , Madonnę i Kobiety w trzech fazach (od niewinności do starości).

Na początku XX wieku Munch pracował nad ukończeniem „Fryzu”. Namalował kilka obrazów, kilka z nich w większym formacie iw pewnym stopniu nawiązujących do ówczesnej secesyjnej . Wykonał drewnianą ramę z rzeźbionymi płaskorzeźbami do dużego obrazu Metabolizm (1898), początkowo zatytułowanego Adam i Ewa . Ta praca ujawnia zaabsorbowanie Muncha „upadkiem człowieka” i jego pesymistyczną filozofią miłości. Motywy takie jak Pusty Krzyż i Golgota (oba ok. 1900 ) odzwierciedlają orientację metafizyczną, a także odzwierciedlają pobożne wychowanie Muncha. Cały fryz został po raz pierwszy pokazany na secesyjnej wystawie w Berlinie w 1902 roku.

Motywy „Fryzu życia” powracają w całej twórczości Muncha, ale szczególnie skupił się na nich w połowie lat 90. XIX wieku. W szkicach, obrazach, pastelach i grafikach sięgał do głębi swoich uczuć, by zbadać główne motywy: etapy życia, femme fatale, beznadziejność miłości, niepokój, niewierność, zazdrość, upokorzenie seksualne, separację w życiu i śmierć. Te motywy są wyrażone w obrazach takich jak Chore dziecko (1885), Miłość i ból (zmieniony tytuł Wampir ; 1893–94), Popioły (1894) i Most . Ten ostatni przedstawia bezwładne postacie o pozbawionych wyrazu lub ukrytych twarzach, nad którymi majaczą groźne kształty ciężkich drzew i wylęgających się domów. Munch przedstawiał kobiety jako słabe, niewinne cierpiące (patrz Dojrzewanie , Miłość i ból ) lub jako przyczynę wielkiej tęsknoty, zazdrości i rozpaczy (patrz Separacja , Zazdrość i Popiół ).

Munch często używa cieni i kolorowych pierścieni wokół swoich postaci, aby podkreślić aurę strachu, zagrożenia, niepokoju lub intensywności seksualnej. Obrazy te zostały zinterpretowane jako odzwierciedlenie niepokojów seksualnych artysty, choć można również argumentować, że przedstawiają jego burzliwy stosunek do samej miłości i ogólny pesymizm co do ludzkiej egzystencji. Wiele z tych szkiców i obrazów zostało wykonanych w kilku wersjach, takich jak Madonna , Ręce i Dojrzewanie , a także przepisano je jako drzeworyty i litografie. Munch nienawidził rozstawać się ze swoimi obrazami, ponieważ myślał o swoich pracach jako o jednym zbiorze ekspresji. Aby więc wykorzystać swoją produkcję i zarobić trochę pieniędzy, zwrócił się ku grafice, aby odtworzyć wiele swoich obrazów, w tym te z tej serii. Munch przyznał się do osobistych celów swojej pracy, ale także oferował swoją sztukę szerszemu celowi: „Moja sztuka jest tak naprawdę dobrowolnym wyznaniem i próbą wyjaśnienia sobie mojego stosunku do życia - jest to więc właściwie rodzaj egoizmu , ale ciągle mam nadzieję, że dzięki temu mogę pomóc innym osiągnąć przejrzystość”.

Przyciągając zdecydowanie negatywne reakcje, w latach 90. XIX wieku Munch zaczął rozumieć swoje artystyczne cele, jak napisał jeden z krytyków: „Z bezwzględną pogardą dla formy, klarowności, elegancji, całości i realizmu maluje z intuicyjną siłą talentu najbardziej subtelne wizje duszy”. Jednym z jego wielkich zwolenników w Berlinie był Walther Rathenau , późniejszy minister spraw zagranicznych Niemiec , który mocno przyczynił się do jego sukcesu.

Paryż, Berlin i Kristiania

Chore dziecko (1907)

W 1896 roku Munch przeniósł się do Paryża, gdzie skupił się na graficznych przedstawieniach swoich motywów Frieze of Life . Dalej rozwijał technikę drzeworytniczą i litograficzną. Autoportret Muncha ze szkieletowym ramieniem (1895) jest wykonany metodą trawienia igłą i atramentem, stosowaną również przez Paula Klee . Munch wyprodukował także wielokolorowe wersje Chorego dziecka dotyczące gruźlicy , które dobrze się sprzedawały, a także kilka aktów i wiele wersji Pocałunku (1892). W maju 1896 Siegfried Bing zorganizował wystawę prac Muncha w Bing's Maison de l'Art Nouveau . Na wystawie pokazano 60 prac, w tym Pocałunek, Krzyk, Madonna, Chore dziecko, Komnata śmierci i Dzień później. Wystawa Binga pomogła przedstawić Muncha francuskiej publiczności. Mimo to wielu paryskich krytyków nadal uważało prace Muncha za „brutalne i brutalne”, nawet jeśli jego wystawy cieszyły się dużym zainteresowaniem i dobrą frekwencją. Jego sytuacja finansowa znacznie się poprawiła iw 1897 roku Munch kupił sobie domek letniskowy z widokiem na fiordy Kristiania, małą chatę rybacką zbudowaną pod koniec XVIII wieku w małym miasteczku Åsgårdstrand w Norwegii . Nazwał ten dom „Happy House” i wracał tu prawie każdego lata przez następne 20 lat. To było to miejsce, za którym tęsknił, kiedy przebywał za granicą, kiedy czuł się przygnębiony i wyczerpany. „Spacer po Åsgårdstrand jest jak spacer wśród moich obrazów – kiedy tu jestem, czerpię inspirację do malowania”.

Harald Nørregaard (namalowany przez Muncha w 1899 r., National Gallery ) był jednym z najbliższych przyjaciół Muncha od czasów dojrzewania, doradcą i prawnikiem

W 1897 Munch wrócił do Kristianii, gdzie również otrzymał niechętną akceptację - jeden z krytyków napisał: „Sporna liczba tych zdjęć była już wystawiana. Moim zdaniem poprawiają one znajomość”. W 1899 roku Munch nawiązał intymny związek z Tullą Larsen, „wyzwoloną” kobietą z klasy wyższej. Podróżowali razem do Włoch, a po powrocie Munch rozpoczął kolejny płodny okres w swojej sztuce, który obejmował pejzaże i jego ostatni obraz z serii „Fryz życia”, Taniec życia (1899). Larsen był chętny do małżeństwa, ale Munch nie. Jego picie i zły stan zdrowia wzmocniły jego obawy, jak napisał w trzeciej osobie: „Od dziecka nienawidził małżeństwa. Jego chory i nerwowy dom dał mu poczucie, że nie ma prawa się ożenić”. Munch prawie uległ Tulli, ale uciekł od niej w 1900 roku, odwracając się również od jej znacznej fortuny i przeniósł się do Berlina. Jego Dziewczyny na molo , stworzone w 18 różnych wersjach, ukazywały temat kobiecej młodości bez negatywnych konotacji. W 1902 roku wystawił swoje prace tematycznie w sali Secesji Berlińskiej, wywołując „efekt symfoniczny - wywołał wielkie poruszenie - dużo antagonizmu - i dużo aprobaty”. Krytycy berlińscy zaczęli doceniać twórczość Muncha, mimo że opinia publiczna wciąż uważała jego twórczość za obcą i dziwną.

Dobre relacje prasowe przyciągnęły Muncha uwagę wpływowych mecenasów Alberta Kollmana i Maxa Linde . Opisał obrót wydarzeń w swoim dzienniku: „Po 20 latach walki i nędzy siły dobra w końcu przychodzą mi z pomocą w Niemczech - i otwierają się przede mną jasne drzwi”. Jednak pomimo tej pozytywnej zmiany, autodestrukcyjne i nieobliczalne zachowanie Muncha doprowadziło go najpierw do gwałtownej kłótni z innym artystą, a następnie do przypadkowej strzelaniny w obecności Tulli Larsen, która wróciła na krótkie pojednanie, co zraniło dwóch jego palce. Munch później zobaczył autoportret przedstawiający go i Larsena na pół w wyniku strzelaniny i późniejszych wydarzeń. W końcu go opuściła i poślubiła młodszego kolegę Muncha. Munch uznał to za zdradę i przez jakiś czas zastanawiał się nad upokorzeniem, kierując część goryczy na nowe obrazy. Jego obrazy Martwa natura (Morderczyni) i Śmierć Marata I , wykonane w latach 1906–07, wyraźnie odwołują się do incydentu strzeleckiego i jego emocjonalnych następstw.

W latach 1903–04 Munch wystawiał w Paryżu, gdzie nadchodzący fowiści , znani ze swoich odważnie fałszywych kolorów, prawdopodobnie widzieli jego prace i mogli znaleźć w nich inspirację. Kiedy Fauves zorganizowali własną wystawę w 1906 roku, Munch został zaproszony i pokazał swoje prace wraz z ich pracami. Po przestudiowaniu rzeźby Rodina Munch mógł eksperymentować z plasteliną jako pomoc w projektowaniu, ale stworzył niewielką rzeźbę. W tym czasie Munch otrzymał wiele zleceń na portrety i odbitki, co poprawiło jego zwykle niepewną sytuację finansową. W 1906 roku namalował ekran do Ibsena w małym teatrze Kammerspiele mieszczącym się w berlińskim Deutsches Theater , w którym zawisł Fryz życia . Dyrektor teatru Max Reinhardt później go sprzedał; jest teraz w berlińskiej Nationalgalerie . Po wcześniejszym okresie pejzaży, w 1907 ponownie zwrócił się ku postaciom i sytuacjom ludzkim.

Załamanie i powrót do zdrowia

Muncha w 1933 r

Jesienią 1908 roku niepokój Muncha, spotęgowany nadmiernym piciem i bójkami, stał się ostry. Jak później napisał: „Mój stan graniczył z szaleństwem - to był dotyk i idź”. Z zastrzeżeniem halucynacji i uczucia prześladowań, wszedł do kliniki Daniela Jacobsona. Terapia , którą Munch otrzymywał przez następne osiem miesięcy, obejmowała dietę i „elektryzację” (leczenie modne wówczas w stanach nerwowych, którego nie należy mylić z terapią elektrowstrząsami ). Pobyt Muncha w szpitalu ustabilizował jego osobowość, a po powrocie do Norwegii w 1909 roku jego twórczość stała się bardziej barwna i mniej pesymistyczna. Jeszcze bardziej poprawiając jego nastrój, opinia publiczna Kristianii w końcu polubiła jego prace, a muzea zaczęły kupować jego obrazy. Został kawalerem Królewskiego Orderu św. Olafa „za zasługi dla sztuki”. Jego pierwsza amerykańska wystawa odbyła się w 1912 roku w Nowym Jorku.

W ramach rekonwalescencji dr Jacobson poradził Munchowi, aby spotykał się tylko z dobrymi przyjaciółmi i unikał picia w miejscach publicznych . Munch zastosował się do tej rady iw trakcie tego procesu stworzył kilka pełnometrażowych portretów wysokiej jakości przyjaciół i mecenasów - uczciwych portretów pozbawionych pochlebstw. Tworzył także pejzaże i sceny przedstawiające ludzi podczas pracy i zabawy, używając nowego, optymistycznego stylu — szerokich, luźnych pociągnięć pędzla w żywych kolorach z częstym stosowaniem białej przestrzeni i rzadkim użyciem czerni — z okazjonalnymi odniesieniami do swoich chorobliwych motywów. Mając większe dochody, Munch był w stanie kupić kilka nieruchomości, które dały mu nowe perspektywy dla jego sztuki i wreszcie był w stanie utrzymać rodzinę.

Wybuch I wojny światowej zastał Muncha z podzieloną lojalnością, jak stwierdził: „Wszyscy moi przyjaciele są Niemcami, ale kocham Francję”. W latach trzydziestych jego niemieccy patroni, wielu Żydów, straciło majątek, a niektórzy stracili życie podczas powstania ruchu nazistowskiego. Munch znalazł norweskich drukarzy, którzy zastąpili Niemców, którzy drukowali jego prace graficzne. Biorąc pod uwagę jego złą historię zdrowotną, w 1918 roku Munch czuł się szczęśliwy, że przeżył atak grypy hiszpanki , światowej pandemii tego roku.

Późniejsze lata

Grób Muncha na Cmentarzu Naszego Zbawiciela w Oslo

Munch spędził większość ostatnich dwóch dekad w samotności w swojej prawie samowystarczalnej posiadłości w Ekely, w Skøyen , Oslo. Wiele jego późnych obrazów przedstawia życie na farmie, w tym kilka, na których jako model użył swojego konia roboczego „Rousseau”. Bez żadnego wysiłku Munch przyciągał stały strumień modelek, które malował jako tematy licznych nagich obrazów. Prawdopodobnie z niektórymi z nich miał stosunki seksualne. Munch od czasu do czasu opuszczał swój dom, aby malować murale na zamówienie, w tym te wykonane dla Freia .

Do końca swojego życia Munch nadal malował bezlitosne autoportrety, dodając do swojego cyklu poszukiwania siebie i niezachwianej serii ujęć jego stanów emocjonalnych i fizycznych. W latach 30. i 40. naziści nazwali prace Muncha „ sztuką zdegenerowaną ” (wraz z pracami Picassa , Klee , Matisse'a , Gauguina i wielu innych współczesnych artystów) i usunęli jego 82 prace z niemieckich muzeów. Adolf Hitler ogłosił w 1937 roku: „Mimo wszystko, co nas obchodzi, ci prehistoryczni barbarzyńcy kultury epoki kamiennej i jąkający się w sztuce mogą powrócić do jaskiń swoich przodków i tam mogą zastosować swoje prymitywne międzynarodowe drapanie”.

W 1940 roku Niemcy napadły na Norwegię , a rządy przejęła partia nazistowska. Munch miał 76 lat. Z prawie całą kolekcją swojej sztuki na drugim piętrze swojego domu, Munch żył w strachu przed nazistowską konfiskatą. Siedemdziesiąt jeden obrazów zabranych wcześniej przez nazistów zostało zwróconych Norwegii w drodze zakupu przez kolekcjonerów (pozostałych 11 nigdy nie odzyskano), w tym Krzyk i Chore dziecko , i one również były ukryte przed nazistami.

Munch zmarł w swoim domu w Ekely niedaleko Oslo 23 stycznia 1944 r., Około miesiąc po swoich 80. urodzinach. Jego wyreżyserowany przez nazistów pogrzeb zasugerował Norwegom, że jest sympatykiem nazizmu, swego rodzaju zawłaszczeniem niezależnego artysty. Miasto Oslo kupiło majątek Ekely od spadkobierców Muncha w 1946 roku; jego dom został zburzony w maju 1960 roku.

Dziedzictwo

Muzeum Muncha w Oslo

Muzeum Muncha w Oslo

Z mojego gnijącego ciała wyrosną kwiaty , a ja będę w nich i to jest wieczność.

Edvard Munch

Kiedy Munch zmarł, jego pozostałe prace zostały przekazane miastu Oslo, które zbudowało Muzeum Muncha w Tøyen (otwarte w 1963 r.). Muzeum posiada kolekcję około 1100 obrazów, 4500 rysunków i 18 000 grafik, najszerszą kolekcję jego prac na świecie. Muzeum Muncha służy jako oficjalna posiadłość Muncha; aktywnie reagował na naruszenia praw autorskich, a także usuwał prawa autorskie do dzieła, takie jak pojawienie się Krzyku Muncha w kampanii reklamowej M&M z 2006 roku . Amerykańskim przedstawicielem ds. praw autorskich w Muzeum Muncha i posiadłości Edvarda Muncha jest Stowarzyszenie Praw Artystów .

Sztuka Muncha była wysoce spersonalizowana i niewiele nauczał. Jego „prywatna” symbolika była znacznie bardziej osobista niż innych malarzy symbolistów, takich jak Gustave Moreau i James Ensor . Munch nadal miał duży wpływ, szczególnie wśród niemieckich ekspresjonistów , którzy podążali za jego filozofią: „Nie wierzę w sztukę, która nie jest kompulsywnym wynikiem pragnienia człowieka, by otworzyć swoje serce”. Wiele jego obrazów, w tym Krzyk , oprócz bardzo osobistego znaczenia ma uniwersalny urok.

Prace Muncha są obecnie reprezentowane w wielu dużych muzeach i galeriach w Norwegii i za granicą. Jego domek, „Szczęśliwy Dom”, został przekazany gminie Åsgårdstrand w 1944 roku; służy jako małe Muzeum Muncha. Inwentarz został utrzymany dokładnie tak, jak go zostawił.

Jedna wersja Krzyku została skradziona z Galerii Narodowej w 1994 roku. W 2004 roku inna wersja Krzyku , wraz z wersją Madonny , została skradziona z Muzeum Muncha podczas brawurowego napadu w biały dzień. Wszystkie zostały ostatecznie odzyskane, ale obrazy skradzione podczas napadu w 2004 roku zostały poważnie uszkodzone. Zostały pieczołowicie odrestaurowane i ponownie wystawione. Trzy prace Muncha zostały skradzione z hotelu Refsnes Gods w 2005 roku; zostały wkrótce odzyskane, chociaż jedno z dzieł zostało uszkodzone podczas rabunku.

W październiku 2006 drzeworyt barwny Dwie osoby. Samotny ( To mennesker. De ensomme ) ustanowił nowy rekord swoich grafik, kiedy został sprzedany na aukcji w Oslo za 8,1 miliona koron (1,27 miliona dolarów, równowartość 1 700 000 dolarów w 2021 roku). Ustanowił również rekord najwyższej ceny zapłaconej na aukcji w Norwegii. 3 listopada 2008 r. Obraz Wampir ustanowił nowy rekord dla swoich obrazów, sprzedając go za 38 162 000 USD (równowartość 48 000 000 USD w 2021 r.) W Sotheby's New York.

Wizerunek Muncha pojawia się na norweskim banknocie o nominale 1000 koron wraz z obrazami inspirowanymi jego dziełami.

W lutym 2012 r. duża wystawa Muncha, Edvard Munch. The Modern Eye , otwarte w Schirn Kunsthalle we Frankfurcie ; wystawę otworzyła Mette-Marit, księżna koronna Norwegii .

W maju 2012 roku Krzyk został sprzedany za 119,9 miliona dolarów (równowartość 141 500 000 dolarów w 2021 roku) i jest drugim najdroższym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek sprzedano na otwartej aukcji. (Został przekroczony w listopadzie 2013 r. przez Three Studies of Lucian Freud , który został sprzedany za 142,4 mln USD).

W 2013 roku cztery obrazy Muncha zostały przedstawione w serii znaczków pocztowych norweskiej służby upamiętniającej w 2014 roku 150. rocznicę jego urodzin.

14 listopada 2016 r. Wersja Muncha The Girls on the Bridge została sprzedana za 54,5 mln USD (równowartość 61 500 000 USD w 2021 r.) W Sotheby's w Nowym Jorku, co czyni ją drugą najwyższą ceną osiągniętą za jeden z jego obrazów.

W kwietniu 2019 roku w British Museum odbyła się wystawa Edvard Munch: Love and Angst , obejmująca 83 dzieła sztuki, w tym rzadki oryginalny druk Krzyku .

W maju 2022 w Courtauld Gallery gościła wystawa Edvard Munch. Arcydzieła z Bergen , prezentujące 18 obrazów z kolekcji norweskiego przemysłowca Rasmusa Meyera .

Auli Uniwersyteckiej

Aula z Historią (po lewej), Słońce (przód), Alma Mater (po prawej), mniejsze obrazy w rogach

W 1911 roku odbył się finałowy konkurs na dekorację dużych ścian Auli Uniwersytetu w Oslo (aula) pomiędzy Munchem i Emanuelem Vigelandem . Odcinek jest znany jako „kontrowersje w Auli”. W 1914 roku Munchowi ostatecznie zlecono udekorowanie Auli, a prace zakończono w 1916 roku. To ważne dzieło norweskiego malarstwa monumentalnego obejmuje 11 obrazów o powierzchni 223 m2 ⁽ 2400 stóp kwadratowych). Kluczowymi dziełami w tej sekwencji są Słońce , Historia i Alma Mater . Munch oświadczył: „Chciałem, aby dekoracje tworzyły kompletny i niezależny świat pomysłów, a ich wizualna ekspresja była zarówno wyraźnie norweska, jak i uniwersalnie ludzka”. W 2014 roku sugerowano, że obrazy Auli mają wartość co najmniej 500 milionów koron.

Główne dzieła

Życie Muncha w Rådhuset (ratusz) w Oslo. Pokój nazywa się Pokój Muncha

Główny artykuł: Lista obrazów Edvarda Muncha

• 1885–1886: Chore dziecko
• 1892: Wieczór na temat Karla Johana
• 1893: Krzyk
• 1894: Popioły
• 1894: Kobieta w trzech etapach
• 1894–1895: Madonna
• 1894–1896: Melancholia
• 1895: Dojrzewanie
• 1895: Autoportret z papierosem
• 1895: Śmierć w pokoju chorych
• 1899–1900: Taniec życia
• 1899–1900: Martwa matka
• 1903: Wioska w świetle księżyca
• 1940–1942: Autoportret. Między zegarem a łóżkiem

Wybrane prace

• 

  Popioły , 1894, olej na płótnie, 120,5 cm x 141 cm ( 47 + 1 ⁄ 2 do 55 + 1 ⁄ 2 ). Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  Taniec życia , 1899–1900, olej na płótnie, 126 cm x 191 cm ( 49 + 1 ⁄ 2 do 75 cali), Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  Przy stole do ruletki w Monte Carlo , 1892, 74,5 cm x 116 cm ( 29 + 1 / 4 do 45 + 3 / 4 cala), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Śmierć w pokoju chorego , 1893, 134 cm x 160 cm ( 52 + 3 / 4 do 63 cali), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Gwiaździsta noc , 1893, 135,6 cm x 140 cm ( 53 + 1 / 2 do 55 cali), J. Paul Getty Museum

• 

  Lęk , 1894, 94 cm x 74 cm (37 cali x 29 + 1 / 4 cala), Munch Museum , Oslo

• 

  Miłość i ból (wampir) , 1895, 91 cm x 109 cm ( 35 + 3 / 4 do 43 cali), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Śmierć w pokoju chorego , ok. 1895, olej na płótnie, 150 cm x 168 cm (59 cali x 66 cali), Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  Separacja , 1896, 96 cm x 127 cm ( 37 + 3 / 4 do 50 cali), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  The Voice / Summer Night , 1896, 90 cm x 119 cm ( 35 + 1 / 2 cale x 46 + 3 / 4 cale ), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Czerwono-biały , 1899–1900, 93 cm × 129 cm ( 36 + 1 / 2 do 50 + 3 / 4 cala), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Golgota , 1900, olej na płótnie, Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Pocałunek IV , 1902, drzeworyt na drewnie, 47 cm x 47 cm ( 18 + 1 ⁄ 2 do 18 + 1 ⁄ 2 do ), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Cztery dziewczyny w Åsgårdstrand , 1903, 87 cm x 111 cm ( 34 + 1 / 4 w x 43 + 3 / 4 w), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Broszka, Eva Mudocci , 1903, druk litograficzny na papierze, 76 cm x 53,2 cm (30 cali x 21 cali), Munch Museum , Oslo

• 

  Portret Friedricha Nietzschego , 1906, Thiel Gallery , Sztokholm

• 

  Zazdrość , 1907, 75 cm x 98 cm ( 29 + 1 / 2 cale x 38 + 1 / 2 cale ), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Słońce , 1910–1911, 450 cm x 772 cm ( 177 + 1 / 4 do 304 cali), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Galopujący koń , 1910–12, 148 cm × 120 cm ( 58 + 1 / 4 do 47 + 1 / 4 do cala), Munch Museum , Oslo

• 

  Żółty dziennik , 1912, 129,5 cm x 159,5 cm (51 cali x 62 + 3 / 4 cala), Munch Museum , Oslo

• 

  Robotnicy w drodze do domu , 1913–14, 227 cm × 201 cm ( 89 + 1 / 4 do 79 + 1 / 4 do ), Muzeum Muncha , Oslo

Akty

• 

  Ręce , 1893, olej na płótnie, 91 x 77 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  Dojrzewanie , 1894–1895, olej na płótnie, 151,5 x 110 cm, Galeria Narodowa (Norwegia)

• 

  Pani z morza (fragment), 1896, olej na płótnie. 100 cm x 320 cm ( 39 + 1 / 2 do 126 cali)

• 

  Metabolizm , 1898–1899, 172 cm x 142 cm ( 67 + 3 / 4 do 56 cali), Munch Museum , Oslo

• 

  Śmierć Marata I 1907, 150 x 199 cm, Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Kąpiący się mężczyźni , 1907–1908, olej na płótnie, 206 x 227,5 cm, Ateneum , Helsinki

• 

  Płacząca kobieta , 1907–1909, olej na płótnie, własność prywatna

• 

  Poranne ziewanie , 1913, olej na płótnie, 108 × 98 cm, Muzeum Sztuki w Bergen

• 

  Weeping Nude , 1913–1914, 110 cm x 135 cm ( 43 + 1 / 4 in x 53 + 1 / 4 in), Munch Museum , Oslo

• 

  Model przy wiklinowym krześle , 1919–1921, olej na płótnie, 122,5 × 100 cm, Munch Museum , Oslo

Autoportrety

• 

  Autoportret , 1882, 26 cm x 19 cm ( 10 + 1 / 4 w x 7 + 1 / 2 w ), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Autoportret w piekle , 1903, 82 cm x 66 cm ( 32 + 1 / 4 do 26 cali), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Autoportret z pędzlami , 1904, 197 cm x 91 cm ( 77 + 1 / 2 do 35 + 3 / 4 cala), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Autoportret z butelką wina , 1906, 110 cm × 120 cm ( 43 + 1 / 4 do 47 + 1 / 4 cala), Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Autoportret z grypą hiszpanką , 1919, olej na płótnie, 150 x 131 cm, Galeria Narodowa (Norwegia)

• 

  Autoportret. Między zegarem a łóżkiem , ok. 1940–1943, Muzeum Muncha , Oslo

Krajobrazy

• 

  Małe jezioro z łódką , 1880, olej na papierze na desce, 12 x 18 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  Z Sandviken , ok. 1882, olej na tekturze, 20 x 25 cm, Muzeum Sztuki Flaten

• 

  Z Saxegårdsgate , ok. 1882, olej na płótnie, Muzeum Sztuki w Lillehammer , Lillehammer

• 

  Szkic do „Popiołów” , 1894, olej na płótnie, Bergen Kunstmuseum

• 

  Train Smoke , 1900, 84 cm x 109 cm (33 do 43 cali), Munch Museum , Oslo

• 

  Brzeg z czerwonym domem , 1904, olej na płótnie, 69 × 109 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  Krajobraz nad morzem , 1918, olej na płótnie, 120,9 x 160, Kunstmuseum Basel

• 

  Gwiaździsta noc , 1922-1924, olej na płótnie, 120,5 x 100 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  Noc zimowa, Ekely , 1930-1931, olej na płótnie

Fotografie

• 

  Autoportret przy 53 Am Strom w Warnemünde , 1907, Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Edvard Munch na plaży w Warnemünde , 1907, Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Autoportret „à la Marat” , 1908–09, Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Autoportret Gdzieś na kontynencie I , 1906, Muzeum Muncha , Oslo

• 

  Portret w wieku 26 lat

• 

  Portret Edvarda Muncha 1902

• 

  Portret Edvarda Muncha

• 

  Muncha w 1912 r

• 

  Rosa Meissner w hotelu Rohn w Warnemünde , 1907, fotografia, Muzeum Muncha , Oslo

Zobacz też

• Edvard Munch , film biograficzny z 1974 roku

Notatki

Źródła ogólne

• Zastępca, Arne (1961). „Tanker omkring et nedrevet hus”. Św. Hallwarda .
•   Berman, Patricia G., wyd. (1986). Edvard Munch: Odbicia lustrzane . West Palm Beach, Floryda: Norton Gallery & School of Art. OCLC 757178143 .
• Bernau, Mikołaj (2005). „Wo hing Munchs Lebens-Fries ? Zu dem Bau der Kammerspiele und ihrem berühmtesten Schmuck”. W Kobergu Roland; Stegemann, Bernd; Thomsen, Henrike (red.). Blätter des Deutschen Theatres . Berlin: Max Reinhard, Das Deutsche Theater.
•   Bischoff, Ulrich (2000). Edvard Munch: 1863–1944 . Taschen. ISBN 3-8228-5971-0 . Zarchiwizowane od oryginału w dniu 24 października 2021 r . Źródło 28 grudnia 2019 r .
•   Chipp, Herschel B. (1968). Teorie sztuki współczesnej: książka źródłowa artystów i krytyków . Berkeley, Kalifornia: University of California Press . P. 114 . ISBN 0-520-05256-0 .
•   Eggum, Arne (1984). Munch, Edvard (red.). Edvard Munch: obrazy, szkice i studia . Nowy Jork, NY: CN Potter . P. 305. ISBN 0-517-55617-0 . Zarchiwizowane od oryginału w dniu 4 czerwca 2021 r . Źródło 20 sierpnia 2019 r .
•   Faerna, José María (1995). Munch . Nowy Jork, NY: Harry N. Abrams. P. 16 . ISBN 0-8109-4694-7 .
•   Gerner, Kornelia (1993). Die "Madonna" in Edvard Munchs Werk – Frauenbilder und Frauenbild im ausgehenden 19. Jahrhundert . Knut Brynhildsvoll, Literaturverlag Norden Mark Reinhard, Morsbach. ISBN 978-3-927153-40-0 .
• Gibbs, Walter (10 marca 2005). „Sztuka, krótko; Wyznania kradzieży Muncha” . New York Timesa . Zarchiwizowane od oryginału w dniu 22 czerwca 2011 r . . Źródło 4 marca 2010 r .
• Jones, Jonathan (12 listopada 2013). „Dlaczego Francis Bacon zasługuje na pobicie rekordowej ceny The Scream” . Strażnik . Zarchiwizowane od oryginału w dniu 12 października 2014 r . Źródło 18 maja 2014 r .
•   MacDonald, Margaret F., wyd. (2003). Matka Whistlera: amerykańska ikona . Burlington, VT: Lund Humphries. ISBN 0-85331-856-5 .
•    Morehead, Allison (2019). „Ręce, sekcja i widzenie wcielone: ​​Strindberg i Munch”. W Schroeder, Jonathan; Westerstahl Stenport, Anna; Szalczer, Eszter (red.). August Strindberg i kultura wizualna: pojawienie się nowoczesności optycznej w obrazie, tekście i teatrze . Bloomsbury. doi : 10.5040/9781501338038.ch-002 . ISBN 978-1-5013-3800-7 . S2CID 192530363 .
•   Munch, Edvard (2005). Holandia, J. Gill (red.). Prywatne dzienniki Edvarda Muncha: Jesteśmy płomieniami, które wylewają się z ziemi . Madison, WI: University of Wisconsin Press. ISBN 0-299-19814-6 .
•   O'Neill, Amanda (1996). Życie i twórczość Muncha . Bristol: Parragon Book Service. ISBN 0-7525-1690-6 .
•   Prideaux, Sue (2005). Edvard Munch: Za krzykiem . New Haven, Connecticut: Yale University Press. ISBN 978-0-300-12401-9 .
•   Thiis, Jens (1933). Edvard Munch i Hans Samtid. Slekten, livet og kunsten, geniet . Oslo: Gyldendal. OCLC 637507959 . Zarchiwizowane od oryginału w dniu 1 sierpnia 2020 r . Źródło 12 września 2019 r .
•   Thompson, J. William; Sorvig, Kim (2008). Zrównoważona konstrukcja krajobrazu: przewodnik po zielonym budownictwie na zewnątrz (wyd. 2). Waszyngton, DC: Island Press. ISBN 978-1-59726-142-5 .
•   Thorpe, Vanessa (7 kwietnia 2019). „Edvard Munch„ ponownie spotkał się ”z narzeczoną na wystawie w British Museum” . Obserwator . ISSN 0029-7712 . Zarchiwizowane od oryginału w dniu 7 kwietnia 2019 r . Źródło 8 kwietnia 2019 r .
• Vogel, Carol (17 września 2012). „Krzyk” Muncha do powieszenia na sześć miesięcy w MoMA” . New York Timesa . Zarchiwizowane od oryginału w dniu 23 grudnia 2016 r . Źródło 15 lutego 2017 r .
•   Wells, John (2008). Słownik wymowy Longmana (wyd. 3). Pearsona Longmana. ISBN 978-1-4058-8118-0 .

Dalsza lektura

•   Czarny, Piotr; Bruteig, Magne, wyd. (2009). Edvard Munch: Drukuje . Londyn: Philip Wilson. ISBN 978-0-85667-677-2 . Katalog wystawy w Hunterian Museum and Art Gallery, University of Glasgow i National Gallery of Ireland, Dublin.
• Clarke, Jay (2014). „Munch na papierze”. Drukuj kwartalnik . 31 : 237–243.
•   Dolnick, Edward (2005). Artysta na ratunek: prawdziwa historia sztuki, złodziei i polowania na zaginione arcydzieło . Nowy Jork, NY: Wydawcy HarperCollins. ISBN 0-06-053118-5 . Opowiada o kradzieży Krzyku w 1994 roku z Norweskiej Galerii Narodowej w Oslo i jego ostatecznym odzyskaniu
•   Heller, Reinhold, wyd. (1984). Munch: Jego życie i praca . Londyn: Murray. ISBN 0-7195-4116-6 .
• Morehead, Allison (2014). „Błąd litograficzny i biologiczny u kobiet Edvarda Muncha w szpitalu ”. Drukuj kwartalnik . 31 : 308–315.
•   Schiefler, Gustaw (1907). Verzeichnis des Graphischen Werks Edvard Munchs bis 1906 (w języku niemieckim). Berlin: B. Cassirer. OCLC 39789318 .
•   Schiefler, Gustaw (1927). Das Graphische Werk von Edvard Munch: 1906–1926 (w języku niemieckim). Berlin: Euphorion Verlag. OCLC 638113186 .
•   Woll, Gerd (2009). Edvard Munch: Kompletne obrazy: Katalog Raisonné . Tom. 4. Londyn: Tamiza i Hudson. ISBN 978-0-500-09345-0 .

Linki zewnętrzne

• Edvarda Muncha w Muzeum Sztuki Nowoczesnej
• Oslo wysoko ocenia „Old Munch”.
• Munch at Olga's Gallery - duża internetowa kolekcja prac Muncha (ponad 200 obrazów)
• Munch w artcyclopedia
• Edvarda Muncha na WikiGallery.org
• Wystawa „Edvard Munch L'oeil moderne” — Centre Pompidou, Paryż 2011
• Edvarda Muncha w Norweskim Narodowym Muzeum Sztuki, Architektury i Projektowania