György Ligeti

„Ligeti” przekierowuje tutaj. W przypadku innych osób o tym nazwisku zobacz Ligeti (nazwisko) .
Rodzima forma tego imienia to Ligeti György Sándor . W tym artykule przy wymienianiu osób zastosowano zachodnią kolejność imion .

Ligeti (1 lutego 1984)

György Sándor Ligeti ( / l ɪ ɡ ə t i 1923 / ; węgierski: [ˈliɡɛti ˈɟørɟ ˈʃaːndor] ; 28 maja - 12 czerwca 2006) był węgiersko-austriackim kompozytorem współczesnej muzyki klasycznej . Został opisany jako „jeden z najważniejszych awangardowych drugiej połowy XX wieku” oraz „jeden z najbardziej innowacyjnych i wpływowych wśród postępowych postaci swoich czasów”.

Urodzony w Siedmiogrodzie w Rumunii , przed emigracją do Austrii w 1956 roku mieszkał w Węgierskiej Republice Ludowej. W 1968 roku przyjął obywatelstwo austriackie. W 1973 roku został profesorem kompozycji w Hochschule für Musik und Theater w Hamburgu , gdzie pracował do emerytury w 1989. Zmarł w Wiedniu w 2006 roku.

Ograniczony w swoim stylu muzycznym przez władze komunistycznych Węgier, Ligeti dopiero po przedostaniu się na Zachód w 1956 roku mógł w pełni zrealizować swoje zamiłowanie do muzyki awangardowej i rozwinąć nowe techniki kompozytorskie. Po eksperymentach z muzyką elektroniczną w Kolonii w Niemczech, jego przełom nastąpił w utworach orkiestrowych, takich jak Atmosphères , w których użył techniki, którą później nazwał mikropolifonią . Po napisaniu „anty-anty-opery” Le Grand Macabre Ligeti odszedł od chromatyki w kierunku polirytmię w późniejszych utworach.

Najbardziej znany publiczności dzięki wykorzystaniu jego muzyki w ścieżkach dźwiękowych do filmów . Chociaż nie komponował bezpośrednio muzyki filmowej, fragmenty skomponowanych przez niego utworów zostały zaczerpnięte i zaadaptowane na użytek filmowy. Oprawa dźwiękowa Stanleya Kubricka , zwłaszcza muzyki z 2001: Odysei kosmicznej , czerpała z twórczości Ligetiego, a także zawierała utwory innych kompozytorów klasycznych.

Biografia

Wczesne życie

Ligeti urodził się w 1923 r. w Diciosânmartin ( Dicsőszentmárton ; przemianowany na Târnăveni w 1941 r.) w Transylwanii w Rumunii jako syn dr Sándora Ligetiego i dr Ilony Somogyi. Jego rodzina była węgierskimi Żydami . Był prawnukiem skrzypka Leopolda Auera i kuzynem węgierskiej filozofki Ágnes Heller . Niektóre źródła podają, że był raczej wnukiem Auera niż prawnuczkiem.

Ligeti wspomina, że ​​po raz pierwszy zetknął się z językami innymi niż węgierski pewnego dnia, słuchając rozmowy rumuńskojęzycznej policji miejskiej. Wcześniej nie wiedział, że istnieją inne języki. Przeniósł się do Cluj wraz z rodziną, gdy miał sześć lat. Do rodzinnego miasta wrócił dopiero w latach 90. W 1940 r. Północna Transylwania stała się częścią Węgier po Drugiej Nagrodzie Wiedeńskiej , w ten sposób Cluj również stał się częścią Węgier.

W 1941 roku Ligeti odbył wstępne szkolenie muzyczne w konserwatorium w Kolozsvár (Kluż) , a latem prywatnie u Pála Kadosy w Budapeszcie . W 1944 roku edukacja Ligetiego została przerwana, kiedy został wysłany do brygady pracy przymusowej przez reżim Horthy'ego podczas wydarzeń Holokaustu. Jego brat Gábor, lat 16, został deportowany do obozu koncentracyjnego Mauthausen-Gusen , a oboje rodziców do Auschwitz . Jego matka była jedyną osobą, która przeżyła w jego najbliższej rodzinie.

Po II wojnie światowej Ligeti powrócił na studia do Budapesztu, gdzie w 1949 roku ukończył Akademię Muzyczną im. Franciszka Liszta . Studiował u Pála Kadosy, Ferenca Farkasa , Zoltána Kodálya i Sándora Veressa . Prowadził etnomuzykologiczne nad węgierską muzyką ludową Siedmiogrodu. Jednak po roku powrócił do Akademii Franciszka Liszta w Budapeszcie, tym razem jako nauczyciel harmonii , kontrapunktu i analizy muzycznej. . Uzyskał to stanowisko z pomocą Kodály'ego i piastował je od 1950 do 1956 roku. Jako młody nauczyciel Ligeti podjął niezwykły krok i regularnie uczęszczał na wykłady starszego kolegi, dyrygenta i muzykologa Lajosa Bárdosa . Był konserwatywnym chrześcijaninem, którego krąg stanowił bezpieczną przystań dla Ligetiego. Kompozytor podziękował Bárdosowi za pomoc i rady we wstępach do swoich dwóch podręczników harmonii (1954 i 1956). Ze względu na ograniczenia komunistyczne rząd, komunikacja między Węgrami a Zachodem stała się wówczas utrudniona, a Ligeti i inni artyści zostali skutecznie odcięci od ostatnich wydarzeń poza blokiem wschodnim .

Po opuszczeniu Węgier

W grudniu 1956 roku, dwa miesiące po brutalnym stłumieniu powstania węgierskiego przez Armię Radziecką, Ligeti uciekł do Wiednia ze swoją byłą żoną Verą Spitz. (Ponownie pobrali się w 1957 roku i mieli razem syna.) Węgier nie zobaczył ponownie przez czternaście lat, kiedy został tam zaproszony do sędziowania konkursu w Budapeszcie. Podczas swojej pospiesznej ucieczki do Wiednia zostawił większość swoich węgierskich kompozycji w Budapeszcie, z których część zaginęła. Zabrał tylko to, co uważał za swoje najważniejsze elementy. Później powiedział: „Uważałem, że moja stara muzyka nie jest interesująca. Wierzyłem w dwunastotonowe muzyka!” W końcu wziął obywatelstwo austriackie w 1968 roku.

Karlheinz Stockhausen wykłada na Internationale Ferienkurse für neue Musik w Darmstadt , lipiec 1957

Kilka tygodni po przybyciu do Wiednia Ligeti wyjechał do Kolonii. Tam poznał kilka kluczowych awangardy i nauczył się bardziej współczesnych stylów i metod muzycznych. Byli wśród nich kompozytorzy Karlheinz Stockhausen i Gottfried Michael Koenig , obaj pracujący wówczas nad przełomową muzyką elektroniczną . Latem uczęszczał na Internationale Ferienkurse für Neue Musik w Darmstadt . Ligeti pracował w Studiu Muzyki Elektronicznej w Kolonii ze Stockhausenem i Koenigiem i zainspirowały go dźwięki, które tam usłyszał. Jednak tworzył niewiele własnej muzyki elektronicznej, zamiast tego skupiał się na utworach instrumentalnych, które często zawierają tekstury o brzmieniu elektronicznym .

Po około trzech latach pracy z nimi, pokłócił się z Kolońską Szkołą Muzyki Elektronicznej , ponieważ było wiele walk frakcyjnych: „było [ sic ] wiele walk politycznych, ponieważ różni ludzie, jak Stockhausen, jak Kagel chcieli być pierwszym. A ja osobiście nie mam ambicji być pierwszym ani ważnym”.

W latach 1961-1971 był gościnnym profesorem kompozycji w Sztokholmie. W 1972 został kompozytorem-rezydentem na Uniwersytecie Stanforda w Stanach Zjednoczonych.

W 1973 Ligeti został profesorem kompozycji w Hochschule für Musik und Theater w Hamburgu , ostatecznie przechodząc na emeryturę w 1989. Kiedy mieszkał w Hamburgu, jego żona Vera pozostała w Wiedniu z synem Lukasem , który później również został kompozytorem.

Zaproszony przez Waltera Finka , Ligeti był pierwszym kompozytorem prezentowanym w dorocznym Komponistenporträt Rheingau Musik Festival w 1990 roku.

daleko idących zainteresowań różnymi stylami muzycznymi, od renesansu po muzykę afrykańską, Ligeti interesował się także literaturą ( m.in. Był szczególnie zafascynowany geometrią fraktalną Benoit Mandelbrota i pismami Douglasa Hofstadtera .

Śmierć

Grób Ligetiego na Cmentarzu Centralnym w Wiedniu (30 grudnia 2010)

Stan zdrowia Ligetiego pogorszył się na przełomie tysiącleci; zmarł w Wiedniu 12 czerwca 2006 r. w wieku 83 lat. Chociaż wiadomo było, że od kilku lat chorował i przez ostatnie trzy lata życia korzystał z wózka inwalidzkiego, jego rodzina odmówiła ujawnienia szczegółów przyczyna o jego śmierci.

Austriacki kanclerz Wolfgang Schüssel i sekretarz ds. Sztuki Franz Morak [ de ] złożyli hołd Ligetiemu. Jego pogrzeb odbył się w Feuerhalle Simmering . Koncert pamiątkowy wykonał Pierre-Laurent Aimard i Chór Arnolda Schönberga . Jego prochy spoczęły na Cmentarzu Centralnym w Wiedniu w grobie honorowym (niem. Ehrengrab ). Pochowany jest obok brata.

Pozostawił żonę Verę i syna Lukasa . Ten ostatni jest kompozytorem i perkusistą mieszkającym w Stanach Zjednoczonych.

Muzyka

Zobacz też: Lista kompozycji György Ligetiego

Kompozycje na Węgrzech

Wiele najwcześniejszych utworów Ligetiego zostało napisanych na chór i zawierało oprawę pieśni ludowych. Jego największym dziełem w tym okresie była kompozycja dyplomowa Akademii Budapeszteńskiej zatytułowana Cantata for Youth Festival na czterech solistów wokalnych, chór i orkiestrę. Jednym z jego najwcześniejszych utworów w repertuarze jest Sonata wiolonczelowa , dzieło składające się z dwóch kontrastujących ze sobą części, napisane w 1948 i 1953 roku. Początkowo została zakazana przez Związek Kompozytorów kierowany przez ZSRR i nie była wykonywana publicznie przez ćwierć wieku. .

Najwcześniejsze utwory Ligetiego są często przedłużeniem języka muzycznego Béli Bartóka . Nawet jego cykl fortepianowy Musica ricercata (1953), choć napisany według Ligetiego z podejściem „kartezjańskim”, w którym „całą muzykę, którą znałem i kochałem, uważał za… nieistotną”, utwór został opisany przez jednego biografa jak ze świata bardzo bliskiego zestawowi dzieł fortepianowych Bartóka, Mikrokosmos . Zestaw Ligetiego składa się w sumie z jedenastu elementów. Utwór opiera się na prostym ograniczeniu: pierwszy utwór wykorzystuje wyłącznie jedną tonację A, słyszaną w wielu oktawach , i dopiero na samym końcu utworu słychać drugą nutę D. Drugi utwór wykorzystuje trzy nuty (E ♯ , F ♯ i G), trzeci utwór wykorzystuje cztery i tak dalej, tak że w ostatnim utworze występują wszystkie dwanaście nut skali chromatycznej .

Wkrótce po jego skomponowaniu Ligeti zaaranżował sześć części Musica ricercata na kwintet dęty pod tytułem „Sześć bagateli na kwintet dęty”. Bagatele zostały wykonane po raz pierwszy w 1956 roku, ale nie w całości: ostatnia część została ocenzurowana przez Sowietów za zbyt „niebezpieczną”.

Ze względu na sowiecką cenzurę jego najśmielsze utwory z tego okresu, w tym Musica ricercata i I Kwartet smyczkowy Métamorphoses nocturnes (1953–1954), zostały napisane z „dolnej szuflady”. Pierwszy kwartet smyczkowy, złożony z jednej części podzielonej na siedemnaście kontrastujących ze sobą części, połączonych motywami , jest pierwszym utworem Ligetiego, który sugeruje osobisty styl komponowania. Kwartet smyczkowy został wykonany dopiero w 1958 roku, po ucieczce z Węgier do Wiednia.

Ligeti (1 lutego 1984)

Od 1956 do Le Grand Macabre

Po przybyciu do Kolonii Ligeti zaczął pisać muzykę elektroniczną wraz z Karlheinzem Stockhausenem i Gottfriedem Michaelem Koenigiem w studiu elektronicznym Radia Zachodnioniemieckiego (WDR) . Ukończył jednak tylko dwa utwory w tym medium - utwory Glissandi (1957) i Artikulation (1958) - zanim powrócił do muzyki instrumentalnej. Trzecia praca, pierwotnie zatytułowana Atmosphères , ale później znana jako Pièce électronique Nr. 3 , był planowany, ale ówczesne ograniczenia techniczne uniemożliwiły Ligetiemu zrealizowanie go w całości. Ostatecznie zrealizowali go w 1996 roku holenderscy kompozytorzy Kees Tazelaar i Johan van Kreij z Instytutu Sonologii .

Wydaje się, że muzyka Ligetiego była później inspirowana jego elektronicznymi eksperymentami, a wiele stworzonych przez niego dźwięków przypominało elektroniczne tekstury . Ligeti ukuł termin „ mikropolifonia ”, aby opisać fakturę drugiej części Objawień (1958–59) i Atmosphères (1961). Ta tekstura jest podobna do polifonii , z tą różnicą, że polifonia jest przesłonięta gęstym i bogatym stosem tonów. Mikropolifonia może być wykorzystana do tworzenia niemal statycznych, ale powoli ewoluujących dzieł, takich jak Atmosphères w którym poszczególne instrumenty chowają się w złożonej sieci dźwięków. Według Ligetiego, po Objawieniach i Atmosferach „stał się sławny”.

Z Volumina (1961–62, poprawiona 1966) na organy solo, Ligeti kontynuował ze zbitkami nut , przetłumaczonymi na bloki dźwiękowe. W tym utworze Ligeti porzucił konwencjonalną notację muzyczną, zamiast tego użył diagramów do przedstawienia ogólnych obszarów wysokości, czasu trwania i lawiny nut.

Poème symphonique (1962) to utwór na sto metronomów mechanicznych podczas jego krótkiej znajomości z ruchem Fluxus .

Aventures (1962), podobnie jak towarzyszący mu utwór Nouvelles Aventures (1962–65), to kompozycja na trzech śpiewaków i septet instrumentalny do tekstu (własnego wymyślenia Ligetiego), który nie ma znaczenia semantycznego. W tych utworach każdy śpiewak ma do odegrania pięć ról, eksplorując pięć obszarów emocji i przełączając się z jednego na drugi tak szybko i gwałtownie, że wszystkie pięć obszarów jest obecnych w całym utworze.

Requiem (1963–65) to utwór na solistów sopranowych i mezzosopranowych, dwudziestogłosowy chór (po cztery sopran, mezzosopran, alt, tenor i bas) oraz orkiestrę. Chociaż Ligeti, trwający około pół godziny, jest najdłuższym utworem, jaki do tej pory skomponował, ustawia tylko około połowy tradycyjnego tekstu Requiem : „ Introitus ”, „ Kyrie ” (całkowicie chromatyczna quasi- fuga , gdzie części są montażem melizmatycznej , przeskakującej mikropolifonii), a „ Dies irae „… dzieląc tę ​​ostatnią sekwencję na dwie części: „De die judicii” i „ Lacrimosa ”.

Lux Aeterna (1966) to 16-głosowy utwór a cappella , którego tekst również kojarzy się z łacińskim Requiem.

Koncert wiolonczelowy Ligetiego (1966), poświęcony Siegfriedowi Palmowi , składa się z dwóch części: pierwsza zaczyna się prawie niezauważalną wiolonczelą, która wraz z orkiestrą powoli przechodzi w statyczne skupiska tonów, po czym osiąga crescendo i powoli zanika, podczas gdy druga to wirtuozowski utwór o dynamicznej melodii atonalnej w partii wiolonczeli.

Lontano (1967), na pełną orkiestrę, to kolejny przykład mikropolifonii, ale ogólny efekt jest bliższy harmonii, ze złożonymi tkanymi teksturami i nieprzejrzystością dźwięku, co daje harmonijny efekt. Stał się standardowym elementem repertuaru.

Kwartet smyczkowy nr 2 (1968) składa się z pięciu części. Różnią się znacznie między sobą rodzajami ruchu. W pierwszym, struktura jest w dużej mierze rozbita, jak w Aventures . W drugim wszystko sprowadzone jest do bardzo zwolnionego tempa, a muzyka wydaje się dochodzić z oddali, z wielkim liryzmem. pizzicato _ część trzecia to studia przypominające maszynę, twarde i mechaniczne, w których partie grające powtarzające się nuty tworzą „granulowane” kontinuum. W czwartej, która jest szybka i groźna, wszystko, co wydarzyło się wcześniej, jest stłoczone. Wreszcie, w silnym kontraście, rozciąga się część piąta. W każdej części powracają te same podstawowe konfiguracje, ale za każdym razem ich kolorystyka lub punkt widzenia jest inny, więc ogólna forma naprawdę pojawia się tylko wtedy, gdy słucha się wszystkich pięciu części w kontekście.

Rozgałęzienia (1968–69), ukończone rok przed Koncertem kameralnym, przeznaczone są na zespół smyczkowy w dwunastu częściach - siedmioro skrzypiec, dwie altówki, dwie wiolonczele i kontrabas - z których każda może być wykonana przez jednego lub kilku muzyków . Dwunastka jest podzielona na dwie równe numerycznie grupy, ale instrumenty z pierwszej grupy są nastrojone o około ćwierć tonu wyżej (czwórka skrzypiec, altówka i wiolonczela). Podczas gry w grupie, ten, który jest nastrojony wyżej, nieuchronnie ma tendencję do ześlizgiwania się w kierunku drugiego, i obaj zbliżają się do siebie tonem.

W Koncercie kameralnym (1969–70) na różnych płaszczyznach może przebiegać jednocześnie kilka warstw, procesów i rodzajów ruchu. Mimo częstych oznaczeń „senza tempo” instrumentaliści nie mają liniowej swobody; Ligeti nalega na utrzymywanie swojej tekstury pod ścisłą kontrolą w dowolnym momencie. Forma jest jak „precyzyjny mechanizm”. Ligetiego zawsze fascynowały niedziałające prawidłowo maszyny oraz świat techniki i automatyki. W wielu jego pracach pojawia się okresowe odgłosy mechaniczne, sugerujące niezbyt niezawodną maszynerię. Punktacja dotyczy fletu (podwojenie piccolo), oboju (podwojenie oboju d'amore i rożka angielskiego), klarnetu, klarnetu basowego (podwojenie drugiego klarnetu), rogu, puzonu, klawesynu (podwojenie organów Hammonda), fortepianu (podwojenie czelesty) i solowy kwintet smyczkowy.

Większość tych kompozycji ustanawia barwę, a nie tradycyjnie preferowane wymiary wysokości i rytmu, jako główny parametr formalny, praktykę znaną jako sonoryzm . Od lat 70. Ligeti odwrócił się od sonoryzmu i zaczął koncentrować się na rytmie. Utwory takie jak Continuum (1968) i Clocks and Clouds (1972–73) zostały napisane, zanim usłyszał muzykę Steve'a Reicha i Terry'ego Rileya w 1972 roku. Ale drugi z jego Three Pieces for Two Pianos (1976), zatytułowany „Autoportret z Reichem i Rileyem (z Chopinem w tle)”, upamiętnia tę afirmację i wpływ. W latach 70. zainteresował się także polifoniczną muzyką piszczałkową plemienia Banda -Linda z Republiki Środkowoafrykańskiej , którą usłyszał z nagrań jednego ze swoich uczniów.

W 1977 Ligeti ukończył swoją jedyną operę, Le Grand Macabre , trzynaście lat po jej pierwszym zamówieniu. Luźno oparty na sztuce Michela de Ghelderode La balade du grand macabre z 1934 roku , jest dziełem teatru absurdu - Ligeti nazwał to „anty-anty-operą” - w którym Śmierć (Nekrotzar) przybywa do fikcyjnego miasta Breughelland i zapowiada, że ​​koniec świata nastąpi o północy. Muzycznie Le Grand Macabre czerpie z technik niezwiązanych z wcześniejszą twórczością Ligetiego, w tym z cytatów oraz pseudocytaty innych prac oraz użycie tercji i sekst spółgłoskowych . Po Le Grand Macabre Ligeti zrezygnował z używania pastiszu , ale coraz częściej włączał do swojej pracy harmonie spółgłoskowe (nawet triady dur i moll ), choć nie w kontekście diatonicznym .

Po Le Grand Macabre

Od lewej do prawej: György Ligeti, Lukas Ligeti , Vera Ligeti, Conlon Nancarrow i Michael Daugherty na Światowych Dniach Muzyki ISCM w Grazu , Austria, 1982

Po Le Grand Macabre Ligeti przez jakiś czas walczył o znalezienie nowego stylu. Oprócz dwóch krótkich utworów na klawesyn , nie ukończył innego ważnego dzieła aż do Tria na skrzypce, róg i fortepian w 1982 roku, ponad cztery lata po operze. Jego muzyka z lat 80. i 90. nadal kładła nacisk na złożone rytmy mechaniczne, często w mniej gęstym idiomie chromatycznym, z tendencją do faworyzowania przesuniętych triad durowych i molowych oraz struktur polimodalnych . W tym czasie Ligeti zaczął również badać alternatywne systemy strojenia poprzez wykorzystanie naturalnych harmonicznych na rogi (jak w Trio na róg i Koncercie fortepianowym ) i skordaturę na smyczki (jak w Koncercie skrzypcowym ). Ponadto większość jego dzieł z tego okresu to utwory wieloczęściowe, a nie rozszerzone pojedyncze części Atmosphères i San Francisco Polyphony .

W latach 1985-2001 Ligeti ukończył trzy księgi Etiud na fortepian (Księga I, 1985; Księga II, 1988–94; Księga III, 1995–2001). Etiudy, składające się w sumie z osiemnastu kompozycji, czerpią z różnorodnych źródeł, w tym gamelanu , polirytmii afrykańskiej , Béli Bartóka, Conlona Nancarrowa , Theloniousa Monka i Billa Evansa . Księga I została napisana jako przygotowanie do Koncertu fortepianowego, który zawiera szereg podobnych motywów i elementy melodyczne. Muzyka Ligetiego z ostatnich dwóch dekad jego życia jest nie do pomylenia ze swoją rytmiczną złożonością. Pisząc o swojej pierwszej książce Etiudy fortepianowe, kompozytor twierdzi, że ta rytmiczna złożoność wywodzi się z dwóch bardzo różnych źródeł inspiracji: muzyki fortepianowej epoki romantyzmu Chopina i Schumanna oraz rdzennej muzyki Afryki Subsaharyjskiej .

Różnica między wcześniejszymi i późniejszymi utworami polega na nowej koncepcji pulsu . We wcześniejszych pracach puls jest czymś, co należy podzielić na dwa, trzy i tak dalej. Efektem tych różnych podziałów, zwłaszcza gdy występują one jednocześnie, jest zatarcie pejzażu dźwiękowego, tworząc efekt mikropolifonii muzyki Ligetiego.

Z drugiej strony muzyka późniejsza – i kilka wcześniejszych utworów, jak Continuum – traktuje puls jako muzyczny atom, wspólny mianownik, podstawową jednostkę, której nie da się dalej podzielić. Różne rytmy pojawiają się raczej poprzez zwielokrotnienie podstawowego pulsu niż przez podziały: to zasada muzyki afrykańskiej, którą przyjął Ligeti. Pojawia się również w muzyce Philipa Glassa , Steve'a Reicha i innych; i znacząco ma wiele wspólnego z addytywnymi rytmami bałkańskiej muzyki ludowej , muzyka młodości Ligetiego. Opisał muzykę Conlona Nancarrowa, z jej niezwykle złożonymi eksploracjami polirytmicznej złożoności, jako „największe odkrycie od czasów Weberna i Ivesa … coś wielkiego i ważnego dla całej historii muzyki! Jego muzyka jest tak całkowicie oryginalna, przyjemna, doskonale skonstruowana, ale jednocześnie emocjonalny… dla mnie to najlepsza muzyka każdego żyjącego obecnie kompozytora ”.

Koncercie fortepianowym przedstawiam swoje artystyczne credo : demonstruję swoją niezależność zarówno od kryteriów tradycyjnej awangardy , jak i modnego postmodernizmu ”. Pierwsze szkice Koncertu rozpoczęły się w 1980 roku, ale dopiero w 1985 roku znalazł drogę do przodu i prace potoczyły się szybciej. Koncert eksploruje wiele pomysłów wypracowanych w Etiudach, ale w kontekście orkiestrowym.

Wykonanie Síppal, dobbal, nádihegedűvel w wykonaniu Akros Percussion Collective z Niną Eidsheim, sopranistką na Uniwersytecie w Akron . W tej części utworu perkusiści grają na harmonijkach chromatycznych (3 maja 2009).

W 1993 roku Ligeti po czterech latach pracy ukończył swój Koncert skrzypcowy . Podobnie jak Koncert fortepianowy, Koncert skrzypcowy wykorzystuje szeroką gamę technik, które rozwinął do tej pory, a także nowe pomysły, nad którymi pracował w tej chwili. Wykorzystuje między innymi passacaglia, „ mikrotonalność” , szybko zmieniające się faktury , komiczne zestawienia… Węgierskie melodie ludowe , bułgarskie rytmy taneczne , odniesienia do muzyki średniowiecznej i renesansowej i solowe pisanie na skrzypcach, które waha się od powolnego i słodkiego tonu do kanciastego i ognistego”.

Inne godne uwagi dzieła z tego okresu to Viola Sonata (1994) i Nonsense Madrigals (1988–93), zestaw sześciu kompozycji a cappella , które zawierają angielskie teksty Williama Brighty Randsa , Lewisa Carrolla i Heinricha Hoffmana . Trzeci madrygał to oprawa alfabetu angielskiego .

Ostatnimi utworami Ligetiego były Koncert hamburski na róg solo, cztery rogi naturalne i orkiestrę kameralną (1998–99, poprawiony w 2003 r., Dedykowany Marie-Luise Neunecker ), cykl pieśni Síppal, dobbal, nádihegedűvel („Z piszczałkami, bębny, skrzypce” , 2000) oraz XVIII etiudę fortepianową „Canon” (2001). Dodatkowo, po Le Grand Macabre , Ligeti planował napisać drugą operę, najpierw opartą na Burzy Szekspira , a później Carrolla . Przygody Alicji w Krainie Czarów , ale żadne z nich nie przyniosło skutku.

Dziedzictwo

Ligeti został opisany jako „wraz z Boulezem , Berio , Stockhausenem i Cage'em jako jeden z najbardziej innowacyjnych i wpływowych postępowych postaci swoich czasów”. Od około 1960 roku twórczość Ligetiego stała się bardziej znana i szanowana. [ wymagane wyjaśnienie ] Jego najbardziej znane dzieło zostało napisane w okresie od Objawień do Lontano , które obejmuje Atmosphères , Volumina , Aventures i Nouvelles Aventures , Requiem , Lux Aeterna i jego Koncert wiolonczelowy; a także jego operę Le Grand Macabre . W ostatnich latach jego trzy książki z etiudami fortepianowymi stały się również dobrze znane i są przedmiotem projektu Inside the Score pianisty Pierre'a-Laurenta Aimarda .

Muzyka w filmach Stanleya Kubricka

Muzyka Ligetiego jest najlepiej znana publiczności nieznającej muzyki klasycznej XX wieku dzięki zastosowaniu jej w trzech filmach Stanleya Kubricka , które zyskały mu światową publiczność. Ścieżka dźwiękowa do filmu 2001: Odyseja kosmiczna zawiera fragmenty czterech jego utworów: Atmosphères , Lux Aeterna , Requiem i Aventures . Atmosphères słychać podczas sekwencji „Star Gate”, a fragmenty można również usłyszeć w uwerturze i przerwie. Lux Aeterna słychać w scenie księżycowego autobusu w drodze do monolitu Tycho. Sekwencja Kyrie z jego Requiem jest słyszalna podczas pierwszych trzech spotkań z monolitem. Elektronicznie zmieniona wersja Aventures , niewymieniona w napisach końcowych filmu, jest słyszalna w tajemniczych scenach końcowych. Muzyka została wykorzystana, aw niektórych przypadkach zmodyfikowana, bez wiedzy Ligetiego i bez pełnego na prawa autorskie . Kiedy dowiedział się o wykorzystaniu swojej muzyki w filmie, „z powodzeniem pozwał za zniekształcenie jego muzyki”, ale ugodę poza sądem . Kubrick w zamian poprosił o pozwolenie i zrekompensował Ligetiemu wykorzystanie jego muzyki w późniejszych filmach.

Lux Aeterna została ponownie użyta w kontynuacji 2001 , 2010 Petera Hyamsa z 1984 roku .

Późniejszy film Kubricka, Lśnienie , wykorzystuje małe fragmenty Lontano na orkiestrę.

Musica ricercata Ligetiego jest używany w kluczowych momentach w Kubrick's Eyes Wide Shut . Na niemieckiej premierze tego filmu, kiedy Kubrick zmarł, wdowa po nim była eskortowana przez samego Ligetiego.

Muzyka w innych filmach i mediach

Prace Ligetiego były również wykorzystywane w wielu filmach innych reżyserów. Lontano został również wykorzystany w thrillerze psychologicznym Martina Scorsese z 2010 roku Wyspa tajemnic . Pierwsza część Koncertu wiolonczelowego została wykorzystana w filmie kryminalnym Heat z 1995 roku Michaela Manna . Requiem w filmie Godzilla z 2014 roku . Koncert wiolonczelowy i koncert fortepianowy zostały wykorzystane w filmie Yorgosa Lanthimosa Zabicie świętego jelenia z 2017 roku .

Jego muzyka została również wykorzystana w telewizji i radiu. Lontano , Atmosphères i pierwsza część Koncertu wiolonczelowego zostały wykorzystane w filmie dokumentalnym Sophie Fiennes Over Your Cities Grass Will Grow , opowiadającym o powojennym niemieckim artyście Anselmie Kieferze . Lontano , Melodien i Volumina zostali wykorzystani w Fit the First , Fit the Fifth i Fit the Sixth z radiowej serii The Hitchhiker's Guide to the Galaxy jako podkład muzyczny do fragmentów narracji z Przewodnika.

Nagrody

Doktoraty honoris causa

  • Doktor honoris causa Universität Hamburg (1988)

Znani studenci

Aby zapoznać się z wybitnymi uczniami Ligetiego, zobacz Lista uczniów muzyki według nauczyciela: K do M § György Ligeti .

Pisma

  • Ligeti, György (1957). „Zur III. Klaviersonate von Boulez”. Die Reihe . 5: „Berichte - Analiza”: 38–40. Angielski jako „Some Remarks on Boulez' 3rd Piano Sonata”, przetłumaczony przez Leo Blacka. Die Reihe [wydanie angielskie] 5: „Raporty - Analizy” (1961): 56–58.
  • — (1958). „Pierre Boulez. Entscheidung und Automatik in der Structure 1a ”. Die Reihe . 4: „Junge Komponisten”: 38–63. Angielski jako „Pierre Boulez: Decyzja i automatyzm w strukturze 1a ”, przetłumaczone przez Leo Blacka. Die Reihe [wydanie angielskie] 4: „Młodzi kompozytorzy” (1960): 36–62.
  • — (1960). „Wandlungen der musikalischen Form”. Die Reihe . 7: „Forma - Raum”: 5–17. . Angielski jako „Metamorfozy formy muzycznej”, przetłumaczone przez Corneliusa Cardew . Die Reihe [wydanie angielskie] 7 „Forma - Przestrzeń” (1964): 5–19.
  • — (1960). „Zustände, Ereignisse, Wandlungen: Bemerkungen zu meinem Orchesterstück Objawienia ”. Bilder und Blätter 11. Przedruk jako „Zustände, Ereignisse, Wandlungen”. Melos 34 (1967): 165–169. Angielski jako „Stany, wydarzenia, transformacje”, przetłumaczone przez Jonathana W. Bernarda. Perspektywy nowej muzyki 31, no. 1 (zima 1993): 164–171.
  • — (1978). „O muzyce i polityce”, przetłumaczone przez Wesa Blomstera. Perspektywy nowej muzyki 16, no. 2 (wiosna – lato): 19–24. Pierwotnie opublikowany w języku niemieckim, w Darmstädter Beiträge zur Neuen Musik 13 (1973): 42–46.
  • — (1987). „Wiedeński wykładnik niedopowiedzenia: osobiste refleksje na temat Friedricha Cerhy ”, przetłumaczone przez Inge Goodwin. Tempo , Nowa seria, no. 161/162: „… Austriacki Quodlibet…” (czerwiec – wrzesień): 3–5.
  • — (1988). „On My Piano Concerto”, przekład Roberta Cogana . Sonus: A Journal of Investigations into Global Musical Możliwości 9, no. 1 (jesień): 8–13.
  • z Peterem Sellarsem (zima 1959). „ Le Grand Macabre : Opera w dwóch aktach (cztery sceny) 1974–1977”. Wielka ulica . Nr 59: „Czas”. s. 206–214.
  • — (2001). Neuf essais sur la musique , przetłumaczone przez Catherine Fourcassié. Genewa: Contrechamps.

Źródła

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne

Nekrologi i wspomnienia

Inny

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=György_Ligeti&oldid=1136348820 ”