Steve'a Reicha

Nie mylić ze Stevem Roachem (muzykiem) .

Steve Reich na Holland Festival , ok. czerwiec 1976

Stephen Michael Reich ( / r aɪ ʃ / RYSHE ; urodzony 3 października 1936) to amerykański kompozytor znany ze swojego wkładu w rozwój muzyki minimalnej od połowy do późnych lat 60. Twórczość Reicha charakteryzuje się wykorzystaniem powtarzających się figur , powolnego rytmu harmonicznego i kanonów . Reich opisuje tę koncepcję w swoim eseju „Muzyka jako proces stopniowy”, stwierdzając: „Interesują mnie dostrzegalne procesy. Chcę móc usłyszeć proces zachodzący w całej brzmiącej muzyce”. Aby to osiągnąć, jego muzyka wykorzystuje technikę przesunięcia fazowego, w której fraza jest nieznacznie zmieniana w czasie, w przepływie wyraźnie wyczuwalnym dla słuchacza.

Jego innowacje obejmują wykorzystanie pętli taśmy do tworzenia wzorów fazowych , jak we wczesnych kompozycjach It's Gonna Rain (1965) i Come Out (1966), oraz wykorzystanie prostych, słyszalnych procesów , jak w Pendulum Music (1968) i Four Organs (1970) . ). Nagranie Music for 18 Musicians z 1978 roku pomogłoby umocnić minimalizm jako ruch. Twórczość Reicha nabrała mroczniejszego charakteru w latach 80. wraz z wprowadzeniem tematów historycznych, a także motywów związanych z jego żydowskim dziedzictwem, zwłaszcza Różne pociągi (1988).

Styl komponowania Reicha wywarł wpływ na wielu współczesnych kompozytorów i zespoły, zwłaszcza w Stanach Zjednoczonych. Pisząc w The Guardian , krytyk muzyczny Andrew Clements zasugerował, że Reich jest jednym z „nielicznych żyjących kompozytorów, którzy mogą słusznie twierdzić, że zmienili kierunek historii muzyki”.

Wczesne życie

Reich urodził się w Nowym Jorku jako syn autorki tekstów z Broadwayu, June Sillman i Leonarda Reicha. Kiedy miał rok, jego rodzice rozwiedli się, a Reich dzielił swój czas między Nowy Jork i Kalifornię. Jest przyrodnim bratem pisarza Jonathana Carrolla . Jako dziecko pobierał lekcje gry na fortepianie i opisuje dorastanie z „ulubieńcami klasy średniej”, nie mając styczności z muzyką napisaną przed 1750 ani po 1900 roku. W wieku 14 lat zaczął poważnie studiować muzykę, po wysłuchaniu muzyki z okres baroku i wcześniejsze, a także muzykę XX wieku. Reich studiował grę na perkusji u Rolanda Kohloffa, aby grać jazz . Uczęszczając na Cornell University , studiował muzykę, którą ukończył w 1957 roku z tytułem licencjata z filozofii. Praca licencjacka Reicha dotyczyła Ludwiga Wittgensteina ; później oprawiał teksty tego filozofa w muzykę w Przysłowie (1995) i Jesteś (wariacje) (2006).

Przez rok po ukończeniu studiów Reich studiował kompozycję prywatnie u Halla Overtona , zanim zapisał się do Juilliard , aby pracować z Williamem Bergsmą i Vincentem Persichettim (1958–1961). Następnie uczęszczał do Mills College w Oakland w Kalifornii , gdzie studiował u Luciano Berio i Dariusa Milhauda (1961–1963) i uzyskał tytuł magistra kompozycji. W Mills Reich skomponował Melodica na melodikę i taśmę , który pojawił się w 1986 roku na trzypłytowym wydaniu Music from Mills .

Reich współpracował z San Francisco Tape Music Center wraz z Pauline Oliveros , Ramonem Senderem , Mortonem Subotnickiem , Philem Leshem i Terrym Rileyem . Był zaangażowany w premierę Riley's In C i zasugerował użycie pulsu ósemkowego, który jest obecnie standardem w wykonaniu utworu.

Kariera

1960

Wczesne próby Reicha w dziedzinie kompozycji obejmowały eksperymenty z dwunastotonową kompozycją , ale rytmiczne aspekty liczby dwanaście uznał za bardziej interesujące niż aspekty tonacji. Reich skomponował także ścieżki dźwiękowe do filmów Plastic Haircut (1963), Oh Dem Watermelons (1965) i Thick Pucker (1965), trzech filmów Roberta Nelsona . Ścieżka dźwiękowa do filmu Plastic Haircut , skomponowana w 1963 roku, była krótkim kolażem na taśmie, być może pierwszym utworem Reicha. W ścieżce dźwiękowej Arbuzy wykorzystano dwa XIX-wieczne melodie minstrela jako podstawę i używał powtarzających się fraz razem w dużym pięciogłosowym kanonie . Muzyka do Thick Pucker powstała z nagrań ulicznych, które Reich wykonał podczas spaceru po San Francisco z Nelsonem, który kręcił na czarno-białej taśmie 16 mm. Ten film już nie przetrwał. Czwarty film z 1965 roku, trwający około 25 minut i wstępnie zatytułowany „Thick Pucker II”, został zmontowany przez Nelsona z fragmentów tej sesji i większej ilości surowego dźwięku nagranego przez Reicha. Nelson nie był zadowolony z powstałego filmu i nigdy go nie pokazał.

Reich był pod wpływem innego minimalistycznego Terry'ego Rileya, którego praca In C łączy proste wzorce muzyczne, przesunięte w czasie, aby stworzyć powoli zmieniającą się, spójną całość. Reich przyjął to podejście, aby skomponować swoje pierwsze duże dzieło, It's Gonna Rain . Skomponowany w 1965 roku utwór wykorzystał fragment kazania o końcu świata wygłoszonego przez Czarnego Zielonoświątkowca uliczny kaznodzieja znany jako brat Walter. Reich oparł się na swojej wczesnej taśmie, przenosząc ostatnie trzy słowa fragmentu „będzie padać!”, Do wielu pętli taśmy, które stopniowo przesuwają się względem siebie w fazie.

13-minutowy Come Out (1966) wykorzystuje podobnie zmanipulowane nagrania pojedynczej kwestii wypowiedzianej przez Daniela Hamma, jednego z fałszywie oskarżonych Harlem Six , który został ciężko ranny przez policję. Ocalały, który został pobity, przebił siniaka na własnym ciele, aby przekonać policję o swoim pobiciu. Wers mówiony zawiera zwrot „aby krew z siniaka wypłynęła, aby je pokazać”. Reich ponownie nagrał fragment „wyjdź, aby im pokazać” na dwóch kanałach, które początkowo są odtwarzane unisono. Szybko wymykają się z synchronizacji; stopniowo rozbieżność poszerza się i staje się pogłosem. Następnie dwa głosy podzieliły się na cztery, zapętlone w sposób ciągły, potem osiem i dalej dzielą się, aż rzeczywiste słowa staną się niezrozumiałe, pozostawiając słuchaczowi jedynie rytmiczne i tonalne wzorce mowy.

Melodica (1966) wykorzystuje ideę zapętlania faz ze swoich poprzednich prac i stosuje ją do muzyki instrumentalnej. Steve Reich wziął prostą melodię, którą zagrał na melodice , a następnie ją nagrał. Następnie ustawia melodię na dwa oddzielne kanały i powoli przesuwa je poza fazę, tworząc skomplikowaną, zazębiającą się melodię. Ten utwór jest bardzo podobny do Come Out w strukturze rytmicznej i jest przykładem tego, jak jeden proces rytmiczny może zostać zrealizowany w różnych dźwiękach, aby stworzyć dwa różne utwory muzyczne. Reich zainspirował się do skomponowania tego utworu ze snu, który miał 22 maja 1966 roku i złożył go w jeden dzień. Melodica była ostatnim utworem, który Reich skomponował wyłącznie na taśmę i uważa to za przejście od muzyki taśmowej do muzyki instrumentalnej.

Pierwszą próbą Reicha przeniesienia tej techniki fazowania z nagranej taśmy na występy na żywo była faza fortepianu z 1967 roku na dwa fortepiany. W Piano Phase wykonawcy powtarzają szybką dwunastodźwiękową figurę melodyczną , początkowo unisono. Podczas gdy jeden z muzyków utrzymuje tempo z robotyczną precyzją, drugi przyspiesza bardzo nieznacznie, aż dwie partie znów się wyrównają, ale w odstępie jednej szesnastki. Następnie drugi gracz wznawia poprzednie tempo. Ten cykl przyspieszania, a następnie blokowania trwa przez cały utwór; cykl zatacza koło trzy razy, drugi i trzeci cykl wykorzystują krótsze wersje figury początkowej. Violin Phase , również napisany w 1967 roku, jest zbudowany na tych samych zasadach. Piano Phase i Violin Phase miały swoją premierę podczas serii koncertów w nowojorskich galeriach sztuki.

Podobnym, mniej znanym przykładem tej tak zwanej muzyki procesowej jest Pendulum Music (1968), która składa się z dźwięku kilku mikrofonów kołyszących się nad głośnikami, do których są przymocowane, wytwarzając przy tym sprzężenie zwrotne . „Pendulum Music” nigdy nie został nagrany przez samego Reicha, ale został wprowadzony do rockowej publiczności przez Sonic Youth pod koniec lat 90.

Reich próbował również stworzyć efekt fazowania w utworze, „który nie wymagałby żadnego instrumentu poza ludzkim ciałem”. Odkrył, że pomysł fazowania był nieodpowiedni dla prostych sposobów, w jakie eksperymentował, aby uzyskać dźwięk. Zamiast tego skomponował Clapping Music (1972), w której muzycy nie wchodzą i nie wycofują się ze sobą, ale zamiast tego jeden wykonawca zachowuje jedną linijkę frazy o długości 12 ósemek (12 ósemek) i inni wykonawcy przesuwają się o jedną ósemkę co 12 taktów, aż obaj wykonawcy wrócą unisono 144 takty później.

Prototypowy utwór Slow Motion Sound z 1967 roku nie został wykonany, chociaż Chris Hughes wykonał go 27 lat później jako Slow Motion Blackbird na swoim inspirowanym Reichem albumie Shift z 1994 roku . Wprowadził pomysł spowolnienia nagranego dźwięku do wielokrotności jego pierwotnej długości bez zmiany wysokości lub barwy, co Reich zastosował w Four Organs (1970), który dotyczy w szczególności wzmocnienia. Utwór ma marakasy grające szybki puls ósemki , podczas gdy cztery organy akcentują pewne ósemki za pomocą akordu 11. Dlatego ta praca dotyczyła powtórzeń i subtelnych zmian rytmicznych. W przeciwieństwie do typowej cyklicznej struktury Reicha, Four Organs jest wyjątkowy wśród jego prac, ponieważ wykorzystuje strukturę liniową - powierzchownie podobne Phase Patterns , również na cztery organy, ale bez marakasy, jest (jak sama nazwa wskazuje) cyklicznym utworem fazowym podobnym do innych skomponowanych podczas miesiączki. Four Organs wykonano w ramach Boston Symphony Orchestra program i była pierwszą kompozycją Reicha wykonaną w dużej tradycyjnej scenerii.

lata 70

W 1970 roku Reich wyruszył w pięciotygodniową podróż na studia muzyczne do Ghany, podczas której uczył się od perkusisty mistrza Gideona Alorwoyie. Reich studiował także balijski gamelan w Seattle w 1973 i 1974. [ kiedy? ] Ze swoich afrykańskich doświadczeń, jak również ze Studiów muzyki afrykańskiej AM Jonesa o muzyce ludu Ewe , Reich czerpał inspirację do swojego 90-minutowego utworu Drumming , który skomponował wkrótce po powrocie. Skomponowany na dziewięcioosobowy zespół perkusyjny z głosami żeńskimi i Piccolo , perkusja zapoczątkowała nowy etap w jego karierze, mniej więcej w tym czasie założył swój zespół, Steve Reich and Musicians , i coraz bardziej koncentrował się na komponowaniu i występach z nimi. Steve Reich and Musicians, który przez wiele lat miał być jedynym zespołem interpretującym jego dzieła, nadal pozostaje aktywny z wieloma swoimi pierwotnymi członkami. [ potrzebne źródło ]

Po Drumming Reich odszedł od techniki „przesunięcia fazowego”, której był pionierem, i zaczął pisać bardziej rozbudowane utwory. Badał inne procesy muzyczne, takie jak augmentacja (wydłużenie w czasie fraz i fragmentów melodycznych). W tym okresie napisał utwory takie jak Muzyka na instrumenty młotkowe, głosy i organy (1973) oraz Sześć fortepianów (1973).

W 1974 Reich zaczął pisać muzykę dla 18 muzyków . Ten utwór zawierał wiele nowych pomysłów, chociaż nawiązywał również do wcześniejszych utworów. Opiera się na cyklu jedenastu akordów (tzw. „Pulses”), po których następuje mały fragment muzyki oparty na każdym akordzie („Sections I-XI” ) , a na końcu powrót do pierwotnego cyklu („Sections I-XI”) Impulsy"). Była to pierwsza próba Reicha pisania dla większych zespołów . Zwiększona liczba wykonawców zaowocowała większym polem do efektów psychoakustycznych, które zafascynowały Reicha i zaznaczył, że chciałby „dalej zgłębiać ten pomysł”. Reich zauważył, że ta jedna praca zawierała więcej ruchu harmonicznego w ciągu pierwszych pięciu minut niż jakakolwiek inna praca, którą napisał. Steve Reich i muzycy dokonali premierowego nagrania tego utworu w ECM Records .

Reich zgłębiał te idee w swoich często nagrywanych utworach Music for a Large Ensemble (1978) i Octet (1979). W tych dwóch utworach Reich eksperymentował z „ludzkim oddechem jako miarą trwania muzyki… akordy grane przez trąbki są napisane tak, aby wykonać jeden wygodny oddech”. Ludzkie głosy są częścią muzycznej palety w Music for a Large Ensemble , ale pozbawione słów partie wokalne po prostu tworzą część tekstury (tak jak w Drumming ). Z Oktetem i jego pierwszym utworem orkiestrowym Wariacje na instrumenty dęte, smyczkowe i klawiszowe (również 1979), muzyka Reicha wykazywała wpływ kantylacji biblijnej , którą studiował w Izraelu od lata 1977 roku. muzyka.

Technika ... polega na pobraniu wcześniej istniejących wzorców melodycznych i połączeniu ich w celu utworzenia dłuższej melodii w służbie świętego tekstu. Jeśli usuniesz tekst, zostaje ci pomysł łączenia małych motywów w dłuższe melodie – technika, z którą wcześniej się nie spotkałem.

W 1974 roku Reich opublikował książkę „Pisma o muzyce” , zawierającą eseje na temat jego filozofii, estetyki i projektów muzycznych napisane w latach 1963–1974. Zaktualizowana i znacznie obszerniejsza kolekcja „ Pisma o muzyce (1965–2000)” została opublikowana w 2002 roku.

lata 80

Rzesza około 1982-1984

Prace Reicha nabrały mroczniejszego charakteru w latach 80. wraz z wprowadzeniem wątków historycznych, a także motywów związanych z jego żydowskim dziedzictwem. Tehillim (1981), po hebrajsku psalmy , jest pierwszym dziełem Reicha, które wyraźnie odwołuje się do jego żydowskiego pochodzenia. Utwór składa się z czterech części i przeznaczony jest na zespół czterech głosów kobiecych (jeden sopran wysoki , dwa soprany liryczne i jeden alt ), piccolo , flet, obój , rożek angielski , dwa klarnety , sześć instrumentów perkusyjnych (gra na małych strojonych tamburynach bez dżingli, klaskania, marakasy , marimba , wibrafon i krotale ), dwa organy elektroniczne , dwoje skrzypiec, altówka , wiolonczela i kontrabas, ze wzmocnionymi głosami, smyczkami i instrumentami dętymi. Zestaw tekstów z Psalmów 19: 2–5 (19: 1–4 w tłumaczeniach chrześcijańskich), 34: 13–15 (34: 12–14), 18: 26–27 (18: 25–26) i 150 :4–6, Tehillim jest odejściem od innej pracy Reicha w jej formalnej strukturze; oprawa kilkuwierszowych tekstów zamiast fragmentów użytych w poprzednich utworach czyni melodię elementem merytorycznym. Użycie formalnego kontrapunktu i funkcjonalnej harmonii kontrastuje również z wcześniejszymi pracami o luźnej strukturze minimalistycznej.

„Elektryczny kontrapunkt III szybki” (1989)
25-sekundowy utwór „Electric Counterpoint III Fast” w wykonaniu Pata Metheny'ego. Z Different Trains / Electric Counterpoint .
Masz problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc dotyczącą multimediów .

Different Trains (1988), na kwartet smyczkowy i taśmę, wykorzystuje nagraną mowę, podobnie jak we wcześniejszych utworach, ale tym razem jako element melodyczny, a nie rytmiczny. W Different Trains Reich porównuje i zestawia swoje wspomnienia z dzieciństwa z podróży pociągiem między Nowym Jorkiem a Kalifornią w latach 1939–1941 z bardzo różnymi pociągami używanymi do transportu ówczesnych europejskich dzieci na śmierć pod rządami nazistów . Nagranie Different Trains dla Kronos Quartet otrzymało nagrodę Grammy za najlepszą współczesną kompozycję klasyczną Richard Taruskin opisał kompozycję jako „jedyną adekwatną odpowiedź muzyczną - jedną z nielicznych adekwatnych odpowiedzi artystycznych w jakimkolwiek medium - na Holokaust ” i przypisał temu utworowi zdobycie przez Reicha miejsca wśród wielkich kompozytorów XX wiek.

lata 90

W 1993 roku Reich współpracował ze swoją żoną, artystką wideo Beryl Korot , nad operą The Cave , która bada korzenie judaizmu, chrześcijaństwa i islamu poprzez słowa Izraelczyków, Palestyńczyków i Amerykanów, które muzycznie odbijają się echem od zespołu. Utwór na perkusję, głosy i smyczki to muzyczny dokument, nazwany na cześć jaskini Machpelah w Hebronie , gdzie obecnie stoi meczet i podobno pochowano Abrahama .

Reich i Korot współpracowali przy operze Three Tales , która dotyczy katastrofy w Hindenburgu , testowania broni jądrowej na atolu Bikini i innych bardziej współczesnych problemów, w szczególności owcy Dolly , klonowania i technologicznej osobliwości .

Reich zastosował techniki samplowania w utworach takich jak Three Tales i City Life z 1994 roku. Reich powrócił do komponowania czysto instrumentalnych utworów na salę koncertową, zaczynając od Triple Quartet z 1998 roku napisanego dla Kronos Quartet, który może być wykonywany przez kwartet smyczkowy i taśmę, trzy kwartety smyczkowe lub 36-osobowa orkiestra smyczkowa. Według Reicha, utwór jest inspirowany Bartóka i Alfreda Schnittkego oraz Yo Shakespeare Michaela Gordona .

2000s

Kontynuacją instrumentalnej serii dla sali koncertowej były Dance Patterns (2002), Cello Counterpoint (2003) i wiele utworów skupionych wokół wariacji: You Are (Variations) (2004), Variations for Vibes, Pianos, and Strings (2005) oraz Wariacje Daniela ( 2006). You Are spogląda wstecz na teksty wokalne Tehillim i The Desert Music, podczas gdy Daniel Variations , które Reich nazwał „znacznie mroczniejszymi, wcale nie z tego, z czego jestem znany”, są częściowo inspirowane śmiercią Daniela Pearla .

w 2002 roku Reich został zaproszony przez Waltera Finka na doroczny Komponistenporträt Rheingau Musik Festival jako dwunasty kompozytor.

Grudzień 2010 Nonesuch Records i Indaba Music zorganizowały konkurs remiksów społeczności, w którym otrzymano ponad 250 zgłoszeń, a Steve Reich i Christian Carey oceniali finały. Reich powiedział w powiązanym wywiadzie dla BBC, że kiedy już skomponował utwór, sam już go nie zmieni; „Kiedy to się skończy, to się skończy” – powiedział. Z drugiej strony przyznał, że remiksy mają starą tradycję, np. słynne utwory muzyki religijnej, w których melodie były dalej rozwijane w nowe pieśni.

2010s

Reich miał premierę utworu WTC 9/11 , napisanego na kwartet smyczkowy i taśmę (instrumentacja podobna do tej z Different Trains ) w marcu 2011 roku. Wykonał go Kronos Quartet z Duke University w Karolinie Północnej w USA.

5 marca 2013 roku London Sinfonietta pod dyrekcją Brada Lubmana w Royal Festival Hall w Londynie dała światową premierę utworu Radio Rewrite na 11-osobowy zespół, inspirowanego muzyką Radiohead . W programie znalazł się także Double Sextet na zespół z 12 muzykami, Clapping Music na dwie osoby i cztery ręce z udziałem samego Reicha obok perkusisty Colina Currie , Electric Counterpoint z gitarą elektryczną Matsa Bergströma towarzyszy wielowarstwowa ścieżka dźwiękowa, a także dwa małe utwory zespołowe Reicha, jeden na instrumenty akustyczne, drugi na instrumenty elektryczne i taśmę.

utworu Music for Ensemble and Orchestra odbyła się 4 listopada 2018 r. w Los Angeles Philharmonic pod dyrekcją Susanny Mälkki w Walt Disney Concert Hall , co oznaczało powrót Reicha do pisania dla orkiestry po ponad trzydziestu latach przerwy.

Nagrody

W 2005 roku Reich został odznaczony Medalem Edwarda MacDowella.

Reich otrzymał nagrodę Praemium Imperiale w dziedzinie muzyki w październiku 2006 roku.

25 stycznia 2007 roku Reich otrzymał nagrodę Polar Music Prize wraz z saksofonistą jazzowym Sonnym Rollinsem w 2007 roku .

20 kwietnia 2009 r. Reich otrzymał Nagrodę Pulitzera w dziedzinie muzyki 2009 , uznając Double Sextet , wykonany po raz pierwszy w Richmond 26 marca 2008 r. W cytacie nazwano to „głównym dziełem, które wykazuje zdolność do skierowania początkowego wybuchu energii w wydarzenie muzyczne na dużą skalę, zbudowane z mistrzowską kontrolą i niezmiennie intrygujące dla ucha”.

W maju 2011 Steve Reich otrzymał tytuł doktora honoris causa New England Conservatory of Music .

W 2012 roku Steve Reich otrzymał Złoty Medal w dziedzinie muzyki od Amerykańskiej Akademii Sztuki i Literatury.

nagrodę BBVA Foundation Frontiers of Knowledge w wysokości 400 000 USD w dziedzinie muzyki współczesnej za wprowadzenie nowej koncepcji muzyki, opartej na wykorzystaniu realistycznych elementów z dziedziny życia codziennego i innych zaczerpniętych z tradycyjnej muzyki Afryki i Azji.

We wrześniu 2014 roku Reich otrzymał „Leone d'Oro” (Złotego Lwa za całokształt twórczości muzycznej) na Biennale w Wenecji .

W marcu 2016 roku Reich otrzymał tytuł doktora honoris causa Royal College of Music w Londynie.

Wpływ

Amerykański kompozytor i krytyk Kyle Gann powiedział, że Reich „może… być uważany, przez ogólne uznanie, za największego żyjącego kompozytora Ameryki”. Styl komponowania Reicha wywarł wpływ na wielu innych kompozytorów i grupy muzyczne, w tym Johna Adamsa , zespół rocka progresywnego King Crimson , gitarzystę New Age Michaela Hedgesa , art-popowego i elektronicznego muzyka Briana Eno , eksperymentalną grupę artystyczno-muzyczną The Residents. , elektroniczna grupa Underworld , kompozytorzy związani z festiwalem Bang on a Can (m.in. David Lang , Michael Gordon i Julia Wolfe ) oraz liczni muzycy indie rockowi , w tym autorzy piosenek Sufjan Stevens i Matthew Healy z 1975 roku , a także zespoły instrumentalne Tortoise , The Mercury Program i Szczęść Boże! Black Emperor (który zatytułował niewydaną piosenkę „Steve Reich”).

John Adams skomentował: „Nie tyle wynalazł koło na nowo, ile pokazał nam nowy sposób jazdy”. Miał również wpływ na artystów wizualnych, takich jak Bruce Nauman , a wielu wybitnych choreografów tworzyło tańce do jego muzyki, między innymi Eliot Feld , Jiří Kylián , Douglas Lee i Jerome Robbins ; wyraził szczególny podziw dla pracy Anne Teresy De Keersmaeker w swoich utworach.

Zawierając próbkę Reich's Electric Counterpoint (1987) w utworze Little Fluffy Clouds z 1990 roku , brytyjski zespół ambient techno, The Orb , odsłonił nową generację słuchaczy jego muzyki. W 1999 roku album Reich Remixed zawierał remiksy wielu dzieł Reicha autorstwa różnych producentów elektronicznej muzyki tanecznej, takich jak między innymi DJ Spooky , Kurtis Mantronik , Ken Ishii i Coldcut .

Reich's Cello Counterpoint (2003) był inspiracją dla serii zamówień na wiolonczelę solo z nagranymi wcześniej wiolonczelami wykonanymi przez Ashley Bathgate w 2017 roku, w tym nowe utwory Emily Cooley i Alexa Weisera .

Reich często cytuje Pérotina , JS Bacha , Debussy'ego , Bartóka i Strawińskiego jako kompozytorów, których podziwia i którzy wywarli na niego wielki wpływ, gdy był młody. Jazz jest główną częścią formowania się stylu muzycznego Reicha, a dwoma najwcześniejszymi wpływami na jego twórczość byli wokaliści Ella Fitzgerald i Alfred Deller , których nacisk na artystyczne możliwości samego głosu z niewielkimi vibrato lub innymi zmianami był inspiracją do jego najwcześniejsze dzieła. Johna Coltrane'a styl, który Reich opisał jako „granie wielu nut przy bardzo niewielu harmoniach”, również miał wpływ; szczególnie interesujący był album Africa / Brass , który „był w zasadzie półgodzinny w E”. [ nieudana weryfikacja ] Wpływ Reicha na jazz ma swoje korzenie również w muzyce zachodnioafrykańskiej, którą studiował podczas swoich odczytów i wizyty w Ghanie. Inne ważne inspiracje to Kenny Clarke i Miles Davis oraz przyjaciele artyści wizualni, tacy jak Sol LeWitt i Richard Serra . Reich stwierdził również, że podziwia muzykę zespołu Radiohead , co zaowocowało jego kompozycją Radio Rewrite .

Pracuje

Kompozycje

  • Pitch Charts , oprzyrządowanie zmienne (1963)
  • Ścieżka dźwiękowa do Plastic Haircut , taśma (1963)
  • Muzyka na dwa lub więcej fortepianów (1964)
  • Środki do życia (1964)
  • Będzie padać , taśma (1965)
  • Ścieżka dźwiękowa do Arbuzy Oh Dem , taśma (1965)
  • Wyjdź , taśma (1966)
  • Melodica na melodykę i taśmę (1966)
  • Reed Phase na saksofon sopranowy lub inny instrument stroikowy i taśmę lub trzy instrumenty stroikowe (1966)
  • Piano Phase na dwa fortepiany, czyli dwie marimby (1967)
  • Kawałek koncepcyjny dźwięku w zwolnionym tempie (1967)
  • Faza skrzypiec na skrzypce i taśmę lub czworo skrzypiec (1967)
  • Nazywam się na trzy magnetofony i wykonawców (1967)
  • Pendulum Music na 3 lub 4 mikrofony, wzmacniacze i głośniki (1968) (poprawiona 1973)

Wybrana dyskografia

Książki

  •   Rzesza, Steve (1974). Pisma o muzyce . Halifax: Press of the Nova Scotia College of Art and Design . ISBN 0-8147-7358-3 .
  •   Reich, Steve (1 kwietnia 2002). Hillier, Paul (red.). Pisma o muzyce, 1965–2000 . Oksford: Oxford University Press. ISBN 0-19-511171-0 .
  •   Rzesza, Steve (2022). Rozmowy . Nowy Jork: Hanover Square Press. ISBN 9781335425720 .

Zobacz też

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne

Wywiady

Słuchający

Inni

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Steve_Reich&oldid=1143232740 ”