Shirley Clarke

Dla krykieta z Barbadosu, zobacz Shirley Clarke (krykiecista) .
Shirley Clarke
Shirley Clarke.jpg
Clarke w 1970 roku
Urodzić się
Shirley Brimberg

( 1919-10-02 ) 2 października 1919
Nowy Jork , Stany Zjednoczone
Zmarł 23 września 1997 ( w wieku 77) ( 23.09.1997 )
Boston , Massachusetts , USA
Edukacja


Stephens College Uniwersytet Johnsa Hopkinsa Bennington College Uniwersytet Północnej Karoliny
Zawód Filmowiec
Współmałżonek
Berta Clarke'a
​
​
( m. 1943; dz. 1963 <a i=5>) ​
Dzieci 1
Krewni Elaine Dundy (siostra)

Shirley Clarke (z domu Brimberg ; 2 października 1919 - 23 września 1997) była amerykańską filmowcem.

Życie

Urodzona jako Shirley Brimberg w Nowym Jorku , była córką polskiego imigranta, który dorobił się fortuny na produkcji. Jej matka była córką multimilionera żydowskiego producenta i wynalazcy. Najstarsza z trzech córek, jej siostra była pisarką Elaine Dundy . Jej zainteresowanie tańcem zaczęło się w młodym wieku, ale spotkało się z dezaprobatą ojca, brutalnego łobuza.

Clarke uczęszczał do Stephens College , Johns Hopkins University , Bennington College i University of North Carolina . W wyniku lekcji tańca w każdej z tych szkół trenowała pod techniką Marthy Graham , techniką Humphreya-Weidmana oraz metodą tańca nowoczesnego Hanya Holm . Wyszła za mąż za Berta Clarke'a, aby uciec spod kontroli ojca, aby móc uczyć się tańca u mistrzów w Nowym Jorku. Ich córka Wendy urodziła się w 1944 roku. Jej małżeństwo z Bertem zakończyło się rozwodem w 1963 roku. Karierę rozpoczęła jako tancerka w nowojorskim awangardowym ruchu tańca nowoczesnego. Była zapaloną uczestniczką lekcji tańca i występów w Stowarzyszeniu Młodych Kobiet Hebrajskich .

W 1972 roku Clarke była sygnatariuszką kampanii magazynu Ms „Miałyśmy aborcje”, która wzywała do położenia kresu „archaicznym prawom” ograniczającym wolność reprodukcyjną; uczestniczki zachęcały kobiety do dzielenia się swoimi historiami i podejmowania działań.

Krótkie filmy

W swoim pierwszym filmie Dance in the Sun (1953) zaadaptowała choreografię Daniela Nagrina . New York Dance Film Society uznało go za najlepszy film taneczny roku. W Dance in the Sun (1953) Clarke wykorzystał rytmiczne ujęcia, kręcąc taniec na scenie, a następnie przecinając scenę ze sceny na plażę i tam iz powrotem przez cały film. Przeszła od bycia tancerką do bycia filmowcem i wyrażania swojej sztuki poprzez nowe medium.

Clarke studiował reżyserię filmową u Hansa Richtera w City College of New York po nakręceniu In Paris Parks (1954). W 1955 roku została członkiem Independent Filmmakers of America i była częścią kręgu niezależnych twórców filmowych w Greenwich Village, takich jak Maya Deren , Stan Brakhage , Jonas Mekas i Lionel Rogosin .

W A Moment in Love Clarke użyła abstrakcyjnej linii i koloru, aby uchwycić czysty taniec. Film Clarke'a Bridges Go-Round (1958) jest głównym przykładem abstrakcyjnego ekspresjonizmu w filmie, z dwiema alternatywnymi ścieżkami dźwiękowymi, jedną z muzyką elektroniczną Louisa i Bebe Barrona , a drugą zorientowaną na jazz i stworzoną przez Teo Macero . Używała aparatu do tworzenia wrażenia ruchu podczas filmowania struktur nieożywionych.

Otrzymała nominację do Oscara za Drapacz chmur (1959) wraz z dwoma innymi twórcami filmów dokumentalnych. Film krótkometrażowy, nakręcony głównie w 1958 roku, przedstawia budowę 666 Fifth Avenue , która rozpoczęła się w 1957 roku. 20-minutowy film zawiera ujęcia Roxy Theatre , który został zburzony w roku, w którym wydano Skyscraper . W 1959 roku zdobył nagrodę Golden Gate na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w San Francisco .

A Scary Time (1960), ukazujący ubóstwo i choroby wśród dzieci w krajach Trzeciego Świata, został wyprodukowany przez UNICEF w porozumieniu z Thoroldem Dickinsonem . Zawiera muzykę Peggy Glanville-Hicks .

Funkcje wydane w latach 60

Clarke opisała wpływ, jaki jej doświadczenie jako kobiety wywarło na jej kręcenie filmów:

Jest kilka powodów, dla których w ogóle mi się udało. Po pierwsze, miałem wystarczająco dużo pieniędzy, aby przeżyć, nie musiałem zostać sekretarką. A po drugie, rozwinąłem tę osobowość, taki sposób bycia... Tak się złożyło, że wybrałem dziedzinę, w której muszę być, być w ciągłym kontakcie, zarządzać ogromnymi pieniędzmi, sprzętem i ludźmi. I nie jest to szczególnie rola kobiety w naszym społeczeństwie… Identyfikowałem się z czarnymi ludźmi, ponieważ nie mogłem poradzić sobie z kwestią kobiecą i transponowałem ją. Z łatwością mogłem zrozumieć problemy czarnych iw jakiś sposób zrównałem je z tym, jak się czułem. Kiedy zrobiłem Połączenie , który był o ćpunach, nie wiedziałem nic o śmieciach i mniej mnie to obchodziło. To był symbol – ludzie, którzy są na zewnątrz. Zawsze czułam się samotna i poza kulturą, w której przebywałam. Dorastałam w czasach, gdy kobiety nie rządziły. Nadal nie są.

W 1962 roku opisała swoje cele: „Buntuję się przeciwko konwencjom filmów. Kto powiedział, że film musi kosztować milion dolarów i być wystarczająco bezpieczny i nieszkodliwy, aby zadowolić każdego 12-latka w Ameryce?”

Połączenie

Jej pierwszy film fabularny The Connection (1961), na podstawie sztuki Jacka Gelbera , opowiadający o uzależnionych od heroiny muzykach jazzowych, był częścią powstania niezależnego ruchu fabularnego w Nowym Jorku. Film zwiastował nowy styl poruszania istotnych problemów społecznych w czarno-białych filmach niskobudżetowych. Clarke zamierzał wykorzystać film jako przypadek testowy w udanej walce o zniesienie cenzury stanu Nowy Jork . Pełniła też funkcję komentarza do porażek kinematografii verité . Ma sprawiać wrażenie dokumentującego spontaniczne interakcje współczesnego, specyficznego stylu życia (Bohemian New York z początku lat 60.).

Połączenie wywołało kontrowersje i dyskusję w społeczności artystycznej w centrum Nowego Jorku. Oryginalna sztuka Jacka Gelbera została potępiona przez krytyków głównego nurtu podczas jej występów poza Broadwayem, ale i tak przyciągnęła publiczność, w skład której wchodzili Leonard Bernstein , Anita Loos , Salvador Dalí i Lillian Hellman , którzy porównali ją do „dobrego spędzenia czasu w cyrk'".

Clarke był zdeterminowany, aby sfilmować sztukę, a po ukończeniu otrzymała ona pozytywne recenzje. Został pokazany poza konkursem na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1961 roku, gdzie ponownie został pozytywnie przyjęty. Gwiazdy pokolenia American Beat , które przebywały w tym czasie w Europie, pojechały do ​​Cannes, aby okazać poparcie dla filmu Clarke'a. Pokazy filmu Połączenie w stanie Nowy Jork zostały następnie zakazane w następstwie skarg dotyczących nieprzyzwoitości, na podstawie ujęcia zawierającego magazyn pornograficzny i słowo uznane za nieprzyzwoite. W tamtym czasie stan Nowy Jork zezwalał na publiczne wyświetlanie filmów tylko wtedy, gdy otrzymały one licencję od stanowej rady cenzorów. Rok później podjęto kolejną próbę publicznego wyświetlenia filmu, ale interweniowała policja, ponieważ filmowcy nadal nie mieli licencji Państwowej Rady Cenzorów. Po tych incydentach krytyczne recenzje The Connection stała się przeważnie negatywna. Sytuacja utrudniała Clarke zorganizowanie finansowania i dystrybucji jej projektów filmowych.

Podczas kręcenia The Connection zakochała się w aktorze Carlu Lee . Po rozwodzie z Bertem Clarke'em rozpoczęła związek z Lee, który trwał aż do jego śmierci w 1986 roku z powodu AIDS , na który nabawił się używania brudnej igły podskórnej.

Później w dekadzie

W 1961 roku Clarke podpisała manifest „Statement for a New American Cinema ”, aw 1962 wraz z Jonasem Mekasem założyła The Film-Makers' Cooperative w Nowym Jorku .

Robert Frost: A Lover's Quarrel With the World (1963), wyreżyserowany przez Clarke'a, z udziałem poety Roberta Frosta , zdobył Oscara za pełnometrażowy film dokumentalny .

Oparty na powieści Warrena Millera film fabularny Clarke'a, The Cool World (1964), opowiadał o życiu młodego mężczyzny, który wyrósł na przywódcę nieletniego gangu. Pierwszy film przedstawiający historię gangów czarnych ulic bez polegania na hollywoodzkim moralizatorstwie. Został nakręcony w Harlemie i wyprodukowany przez Fredericka Wisemana . The Cool World był pierwszym niezależnie zrealizowanym filmem, który został pokazany na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji .

Clarke wyreżyserował pełnometrażowy wywiad z homoseksualną czarną prostytutką, Portret Jasona (1967), który został wybrany na Festiwal Filmowy w Nowym Jorku . Film, zmontowany z 12 godzin nagrań z wywiadów, został opisany przez Lauren Rabinovitz jako eksploracja charakteru jednej osoby, a jednocześnie odnosi się do zakresu i ograniczeń stylu Cinema-Verité. Portret Jasona (1967) spotkał się z mieszaną reakcją krytyków amerykańskich. Z wyjątkiem publikacji spoza głównego nurtu, recenzenci byli generalnie negatywni, skupiając się na rzekomym „chorobliwym punkcie widzenia Clarke'a i braku dopracowania produkcji”. Portret Jasona spotkał się z lepszym przyjęciem w Europie. Dystrybucją filmu zajmowało się Centrum Dystrybucyjne Film-Makers. Współzałożony przez Clarke'a w 1966 roku dystrybutor został zamknięty w 1970 roku po napotkaniu trudności finansowych.

Prace wideo i inne projekty

W latach 70. i wczesnych 80. Clarke eksperymentowała z występami wideo na żywo, wracając do swoich korzeni jako tancerka. Założyła The TeePee Video Space Troupe w swoim hotelu Chelsea . Do tej grupy należeli artyści wideo Andy Gurian, Bruce Ferguson, Stephanie Palewski, DeeDee Halleck, Vickie Polan, Shrider Bapat, córka Clarke'a Wendy Clarke i wielu innych. The Troupe byli również wczesnymi eksperymentatorami z nagranymi na taśmę występami wideo, instalacją i dokumentacją.

Po kilku latach pracy nad filmami wideo w hotelu Chelsea, Clarke został poproszony przez Rogera Cormana o pracę nad jego kolejnym filmem Crazy Mama (1975). To wywołało nieporozumienia dotyczące kreatywnych podejść. Clarke zdał sobie sprawę, że Corman spodziewał się protegowanego bez doświadczenia filmowego. W wywiadzie z 1985 roku Clarke stwierdziła, że ​​nie wierzy, że sytuacja miałaby miejsce, gdyby była filmowcem płci męskiej:

Najwyraźniej nie mógł rozmawiać z uznanym filmowcem, który zdobył nagrody i tak dalej. W ogóle nie wiedział, kim jestem. […] Czy on kiedykolwiek rozmawiałby w ten sposób z mężczyzną? Nie ufał mi, to pewne. Istnieje głęboka dyskryminacja artystek, która wciąż jest bardzo silna. Byłem przedstawicielem tokenizmu. Uważano, że jestem kobietą filmowcem. Nikt nie może udźwignąć tego ciężaru. Nie ma wątpliwości, że moja kariera potoczyłaby się inaczej, gdybym był mężczyzną, ale gdybym był mężczyzną, byłbym innym człowiekiem.

Od czasu do czasu członkami Trupy byli członkowie pionierskiego kolektywu wideo Videofreex : David Cort, Parry Teasdale, Chuck Kennedy, Skip Blumberg, Bart Freidman i Nancy Cain. Zespół pracował w hotelu Chelsea przy West 23rd Street w Nowym Jorku i wokół niego, często ustawiając wiele kamer i monitorów na dachu lub na klatce schodowej. Wśród zaproszonych gości Chelsea byli Viva , Arthur C. Clarke (bez związku), Severn Darden i Agnès Varda . Trupa odwiedziła uczelnie i centra medialne, w tym Bucknell College w Pensylwanii, gdzie pracowała ze studentami teatru i tańca podczas masowego wieczornego przedstawienia w centrum studenckim, oraz SUNY Cortland, gdzie stworzyli mural wideo ze studentami sztuki.

Ostatnim filmem Clarke'a był Ornette: Made in America (1985), dokumentalny profil saksofonisty jazzowego i kompozytora Ornette Colemana .

Inne czynności

Oprócz reżyserowania własnych filmów Clarke zagrała niezależnego filmowca w komedii Agnès Varda w stylu cinéma vérité Lions Love (1969) . Clarke pojawia się również na krótko w filmie dokumentalnym On Stands in a Desert Counting the Seconds of His Life (1986) Jonasa Mekasa. Nogi Clarke'a pojawiły się w Johna Lennona i Yoko Ono Up Your Legs Forever z 1971 roku .

Clarke regularnie wykładał, przemawiając w teatrach i muzeach. W okresie między 1971 a 1974 rokiem Clarke prowadził szereg warsztatów turystycznych Tipi w różnych miejscach i instytucjach, w tym w kuchni, Muzeum Sztuki Nowoczesnej („Otwarte obwody”), Antioch College w Baltimore, Wesleyan College, Bucknell University, Film Study Center, Hampshire College i University of Buffalo. Clarke został profesorem na UCLA w 1975 roku, ucząc filmu i wideo do 1983 roku.

Śmierć i dziedzictwo

Clarke zmarła na udar mózgu w Bostonie w stanie Massachusetts po walce z chorobą Alzheimera , na krótko przed swoimi 78. urodzinami.

Jedynym pełnometrażowym filmem fabularnym, który za życia Clarke był szeroko komentowany w mediach, był The Connection . Nie był to jedyny jej film, który podlegał zakazom cenzorów stanu Nowy Jork lub wyzwaniom dystrybucyjnym wynikającym z braku infrastruktury dla niezależnych filmowców. Reputacja Clarke słabła przez wiele lat, w okresie, gdy była „marginalizowana, wypisana z historii i odrzucona jako dyletantka”. Jednak zainteresowanie jej twórczością filmową wzrosło. Pierwszą nagrodę Shirley Clarke Avant-Garde Filmmaker Award otrzymała Barbara Hammer w październiku 2006. Thomas Cohen w książce z 2012 roku omawiającej jej karierę opisał jej filmy fabularne jako „filmy uważane za podstawowe dzieła Nowego Kina Amerykańskiego”.

Od 2012 roku firma Milestone Films podjęła się „Project Shirley”, dogłębnego, ośmioletniego projektu mającego na celu wydanie odrestaurowanych wersji wielu filmów Clarke'a na DVD i Blu-ray, poprzedzonych ograniczonymi pokazami kinowymi. Obejmowało to Ornette: Made in America (tom 1, 11 listopada 2014), Portrait of Jason (tom 2, 11 listopada 2014), The Connection (tom 3, 24 lutego 2015) i The Magic Box: The Films of Shirley Clarke'a. 1927-1986 (tom 4, 15 listopada 2016).

Filmografia

Zobacz też

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Shirley_Clarke&oldid=1144284500 ”