Jeana-Luca Godarda

„Godard” przekierowuje tutaj. W przypadku innych zastosowań zobacz Godard (ujednoznacznienie) .

Jeana-Luca Godarda
Jean-Luc Godard at Berkeley, 1968.jpg
Godarda w 1968 roku
Urodzić się ( 1930-12-03 ) 3 grudnia 1930
Paryż, Francja
Zmarł 13 września 2022 (13.09.2022) (w wieku 91)
Rolle , Szwajcaria
Narodowość
  • Francuski
  • szwajcarski
Zawody
  • Filmowiec
  • krytyk filmowy
lata aktywności 1950–2022
Godna uwagi praca
Ruch francuska nowa fala
Małżonkowie
​
​
  ( m. 1961 ; dz. 1965 <a i=6>) ​
​
​
( m. 1967; dz. 1979 <a i=5>) ​
​
​
(po 1979 r. <a i=1>). ​
Partner Anne-Marie Miéville (od 1978)
Krewni
Nagrody
Podpis
Jean Luc Godard Signature.svg

Jean-Luc Godard ( UK : / był ɡ ɒ d ɑːr / GOD -ar , US : / ɡ oʊ d ɑːr ; 3 grudnia 1930 - 13 września 2022) / goh- DAR ; francuski: [ʒɑ̃ lyk ɡɔdaʁ] Francuzem -Szwajcarski reżyser, scenarzysta i krytyk filmowy. Zyskał rozgłos jako pionier francuskiego ruchu filmowego Nowej Fali lat 60. obok takich filmowców jak m.in. François Truffaut , Agnès Varda , Éric Rohmer i Jacques Demy . Był prawdopodobnie najbardziej wpływowym francuskim filmowcem okresu powojennego . Według AllMovie , jego praca „zrewolucjonizowała formę filmu” poprzez eksperymenty z narracją, ciągłością , dźwiękiem i pracą kamery . Do jego najbardziej uznanych filmów należą Bez tchu (1960), Vivre sa vie (1962), Pogarda (1963), Band of Outsiders (1964), Alphaville (1965), Pierrot le Fou (1965), Męska kobiecość (1966), Weekend (1967) i Goodbye to Language (2014).

Podczas swojej wczesnej kariery jako krytyk filmowy dla wpływowego magazynu Cahiers du Cinéma , Godard krytykował „Tradycję jakości” głównego nurtu francuskiego kina, która nie kładła nacisku na innowacje i eksperymenty. W odpowiedzi on i podobnie myślący krytycy zaczęli kręcić własne filmy, rzucając wyzwanie konwencjom tradycyjnego Hollywood , oprócz kina francuskiego . Godard po raz pierwszy zyskał światowe uznanie za swój film fabularny Breathless z 1960 roku , który pomógł ustanowić ruch Nowej Fali. W swojej twórczości często wykorzystuje hołdy i odniesienia do historii filmu i często wyrażał swoje poglądy polityczne; był zapalonym czytelnikiem egzystencjalizmu i filozofii marksistowskiej , aw 1969 roku wraz z innymi radykalnymi filmowcami założył Grupę Dziga Wiertow, aby promować dzieła polityczne. Po Nowej Fali jego polityka była mniej radykalna, a jego późniejsze filmy opowiadają o konfliktach międzyludzkich i reprezentacji artystycznej „z perspektywy humanistycznej , a nie marksistowskiej”.

Godard był trzykrotnie żonaty, z aktorkami Anną Kariną i Anne Wiazemsky , które zagrały w kilku jego filmach, a później ze swoją wieloletnią partnerką Anne-Marie Miéville . Jego współpraca z Kariną - która obejmowała takie docenione przez krytyków filmy jak Vivre sa vie (1962), Bande à part (1964) i Pierrot le Fou (1965) - została nazwana „prawdopodobnie najbardziej wpływowym dziełem w historii kina” przez magazyn Filmmaker . W widoku i dźwięku z 2002 roku w ankiecie Godard zajął trzecie miejsce w pierwszej dziesiątce reżyserów wszechczasów krytyków. Mówi się, że „wygenerował jeden z największych zbiorów krytycznej analizy każdego filmowca od połowy XX wieku”. Jego prace miały kluczowe znaczenie dla teorii narracji i „rzuciły wyzwanie zarówno normom kina narracyjnego, jak i słownictwu krytyki filmowej”. W 2010 roku Godard otrzymał Honorową Nagrodę Akademii .

Wczesne życie

Jean-Luc Godard urodził się 3 grudnia 1930 r. w 7. dzielnicy Paryża jako syn Odile ( z domu Monod) i Paula Godarda, szwajcarskiego lekarza. Jego zamożni rodzice pochodzili z protestanckich rodzin pochodzenia francusko-szwajcarskiego, a matką była córka Juliena Monoda, założyciela Banque Paribas . Była prawnuczką teologa Adolfa Monoda . Inni krewni ze strony matki to kompozytor Jacques-Louis Monod , przyrodnik Théodore Monod , pastor Frédéric Monod oraz były premier, a później prezydent Peru Pedro Pablo Kuczyński . Cztery lata po narodzinach Jeana-Luca jego ojciec przeniósł się z rodziną do Szwajcarii. W chwili wybuchu II wojny światowej Godard przebywał we Francji i z trudem wrócił do Szwajcarii. Większość wojny spędził w Szwajcarii, chociaż jego rodzina odbywała potajemne wycieczki do posiadłości jego dziadka po francuskiej stronie Jeziora Genewskiego . Godard uczęszczał do szkoły w Nyonie w Szwajcarii.

Nie będąc częstym bywalcem kina, przypisał swoje wprowadzenie do kina lekturze eseju André Malraux Zarys psychologii kina oraz lekturze La Revue du cinéma , która została wznowiona w 1946 r. W 1946 r. udał się do studiować w Lycée Buffon w Paryżu i dzięki koneksjom rodzinnym mieszać się z członkami elity kulturalnej. Mieszkał u pisarza Jeana Schlumbergera . Po nieudanym maturalnym w 1948 roku wrócił do Szwajcarii. Studiował w Lozannie i mieszkał z rodzicami, których małżeństwo się rozpadało. Spędził trochę czasu w Genewie także z grupą, w skład której wchodzili inny fanatyk filmu, Roland Tolmatchoff i skrajnie prawicowy filozof Jean Parvulesco. Jego starsza siostra Rachel zachęciła go do malowania, co zrobił, w abstrakcyjnym stylu. Po pobycie w szkole z internatem w Thonon , gdzie przygotowywał się do egzaminu poprawkowego, który zdał, wrócił w 1949 roku do Paryża. Zapisał się na dyplom z antropologii na Uniwersytecie Paryskim (Sorbonie), ale nie uczęszczał na zajęcia.

Wczesna kariera (1950–1959)

Krytyka filmowa

W Paryżu, w Dzielnicy Łacińskiej tuż przed 1950 rokiem, kluby kinowe (towarzystwa filmowe) zyskiwały na znaczeniu. Godard zaczął uczęszczać do tych klubów - Cinémathèque Française , Ciné-Club du Quartier Latin (CCQL), Work and Culture ciné club i innych - które stały się jego stałymi miejscami. Cinémathèque została założona przez Henri Langlois i Georgesa Franju w 1936 roku; Praca i Kultura była grupą edukacyjną robotników, dla której André Bazin organizował pokazy filmów wojennych i dyskusje, które stały się wzorem dla klubów filmowych, które powstały w całej Francji po wyzwoleniu; CCQL, założona około 1947 lub 1948 roku, była animowana i kierowana intelektualnie przez Maurice'a Schérera . W tych klubach poznał innych entuzjastów filmu, w tym Jacquesa Rivette'a , Claude'a Chabrola i François Truffauta. . Godard należał do pokolenia, dla którego kino miało szczególne znaczenie. Powiedział: „W latach pięćdziesiątych kino było równie ważne jak chleb - ale już tak nie jest. Myśleliśmy, że kino stanie się narzędziem wiedzy, mikroskopem… teleskopem… W Cinémathèque I odkryłem świat, o którym nikt ze mną nie rozmawiał. Opowiadali nam o Goethem , ale nie o Dreyerze .… Oglądaliśmy nieme filmy w epoce talkie. Marzyliśmy o filmie. Byliśmy jak chrześcijanie w katakumbach ”.

Jego przygoda z filmem zaczęła się od krytyki . Wraz z Maurice'em Schérerem (piszącym pod słynnym pseudonimem Éric Rohmer ) i Jacquesem Rivette założył krótkotrwały dziennik filmowy La Gazette du cinéma [ fr ] , w którym w 1950 roku ukazało się pięć numerów. -założył wpływowy magazyn krytyczny Cahiers du Cinéma w 1951 roku, Godard był pierwszym publikowanym przez młodszych krytyków z grupy CCQL/Cinémathèque. W numerze ze stycznia 1952 roku ukazała się jego recenzja amerykańskiego melodramatu w reżyserii Rudolpha Maté , Żadnych smutnych piosenek dla mnie . Jego „Obrona i ilustracja klasycznego Découpage”, opublikowana we wrześniu 1952 r., W której atakuje wcześniejszy artykuł Bazina i broni techniki strzału odwróconego , jest jednym z jego najwcześniejszych ważnych wkładów w krytykę kinową. Chwaląc Otto Premingera i „największego amerykańskiego artystę – Howarda Hawksa ”, Godard wznosi ich surowe melodramaty ponad bardziej „formalne i jawnie pomysłowe filmy Wellesa , De Siki i Wylera” . które popierał Bazin ”. W tym momencie działalność Godarda nie obejmowała kręcenia filmów. Raczej oglądał filmy i pisał o nich oraz pomagał innym kręcić filmy, zwłaszcza Rohmerowi, z którym pracował nad Présentation ou Charlotte et son steak .

Tworzenie filmu

Po opuszczeniu Paryża jesienią 1952 roku Godard wrócił do Szwajcarii i zamieszkał z matką w Lozannie. Zaprzyjaźnił się z kochankiem swojej matki, Jean-Pierre Laubscherem, który był robotnikiem na zaporze Grande Dixence . Dzięki Laubscherowi sam zapewnił sobie pracę jako robotnik budowlany na placu budowy Plaz Fleuri przy zaporze. Widział możliwość nakręcenia filmu dokumentalnego o tamie; po wygaśnięciu jego pierwotnego kontraktu, aby przedłużyć swój czas na zaporze, przeniósł się na stanowisko operatora centrali telefonicznej. Podczas pełnienia służby w kwietniu 1954 r. Zadzwonił do Laubschera, który przekazał wiadomość, że Odile Monod, matka Godarda, zginęła w wypadku na skuterze. Dzięki szwajcarskim przyjaciołom, którzy pożyczyli mu a 35 mm mógł kręcić na taśmie 35 mm. Przepisał komentarz, który napisał Laubscher, i nadał swojemu filmowi rymowany tytuł Opération béton ( Operacja Beton ). Firma zarządzająca zaporą kupiła film i wykorzystała go do celów reklamowych.

Kontynuując pracę dla Cahiers , nakręcił w Genewie Une femme coquette (1955), 10-minutowy film krótkometrażowy ; aw styczniu 1956 wrócił do Paryża. Plan filmu fabularnego Goethe's Elective Affinities okazał się zbyt ambitny i spełzł na niczym. Truffaut poprosił go o pomoc w pracy nad pomysłem na film oparty na prawdziwej historii kryminalnej drobnego przestępcy Michela Portaila, który zastrzelił policjanta na motocyklu i którego dziewczyna wydała go na policję, ale Truffautowi się nie udało. zainteresować żadnych producentów. Zrezygnowano również z innego projektu z Truffaut, komedii o wiejskiej dziewczynie przybywającej do Paryża. Pracował z Rohmerem nad planowaną serią filmów krótkometrażowych skupiających się na życiu dwóch młodych kobiet, Charlotte i Véronique; a jesienią 1957 r. Pierre Braunberger wyprodukował pierwszy film z serii, All the Boys Are Called Patrick , wyreżyserowany przez Godarda na podstawie scenariusza Rohmera. A Story of Water (1958) powstał w dużej mierze z niewykorzystanego materiału nakręconego przez Truffauta. W 1958 roku Godard, z obsadą, w której znaleźli się Jean-Paul Belmondo i Anne Colette, nakręcił swój ostatni film krótkometrażowy, zanim zyskał międzynarodową sławę jako filmowiec, Charlotte et son Jules , hołd złożony Jeanowi Cocteau . Film został nakręcony w pokoju hotelowym Godarda przy rue de Rennes i najwyraźniej odzwierciedlał coś z „romantycznej surowości” własnego życia Godarda w tamtym czasie. Jego szwajcarski przyjaciel Roland Tolmatchoff zauważył: „W Paryżu miał duży Bogarta na ścianie i nic więcej”. W grudniu 1958 roku Godard relacjonował Festiwal Filmów Krótkometrażowych w Tours i chwalił twórczość Jacquesa Demy'ego , Jacquesa Roziera i Agnès Varda oraz zaprzyjaźnił się z nimi — znał już Alaina Resnaisa . którego wpis pochwalił - ale Godard chciał teraz nakręcić film fabularny. Pojechał na Festiwal Filmowy w Cannes w 1959 roku i poprosił Truffauta, aby pozwolił mu wykorzystać historię, nad którą współpracowali w 1956 roku, o złodzieju samochodów Michelu Portailu. Szukał pieniędzy u producenta Georgesa de Beauregarda , którego poznał wcześniej podczas krótkiej pracy w dziale reklamy paryskiego biura Twentieth Century Fox i który również był na festiwalu. Beauregard mógł zaoferować swoją wiedzę, ale był zadłużony z powodu dwóch produkcji opartych na Pierre Loti historie; w związku z tym finansowanie pochodziło od dystrybutora filmów, René Pignières.

Okres nowej fali (1960–1967)

Najbardziej znany okres Godarda jako reżysera rozciąga się mniej więcej od jego pierwszego filmu fabularnego, Bez tchu (1960), aż do Weekendu (1967). Jego praca w tym okresie koncentrowała się na stosunkowo konwencjonalnych filmach, które często odnoszą się do różnych aspektów historii kina. Chociaż twórczość Godarda z tego okresu jest uważana za przełomową samą w sobie, okres ten kontrastuje z okresem, który nastąpił bezpośrednio po nim, kiedy Godard ideologicznie potępił większość historii kina jako burżuazyjną, a zatem bezwartościową.

Filmy

Zdyszany

Bez tchu Godarda ( À bout de souffle , 1960), z Jean-Paulem Belmondo i Jeanem Sebergiem w rolach głównych , wyraźnie wyrażał styl francuskiej Nowej Fali i zawierał cytaty z kilku elementów kultury popularnej - zwłaszcza amerykańskiego filmu noir . W filmie zastosowano różne techniki, takie jak nowatorskie wykorzystanie przeskoków (tradycyjnie uważanych za amatorskie), pomijanie postaci i przerywanie dopasowania linii oczu w montażu ciągłym . Innym wyjątkowym aspektem Bez tchu było spontaniczne pisanie scenariusza w dniu kręcenia — technika, która wzbudziła niepokój aktorów — co przyczyniło się do powstania spontanicznej, dokumentalnej atmosfery filmu.

Od początku swojej kariery Godard umieszczał w swoich filmach więcej odniesień filmowych niż którykolwiek z jego kolegów z Nowej Fali. W Bez tchu jego cytaty obejmują plakat filmowy przedstawiający Humphreya Bogarta — z jego ostatniego filmu The Harder They Fall (którego wyraz twarzy główny aktor Jean-Paul Belmondo stara się z czcią naśladować) — wizualne cytaty z filmów Ingmara Bergmana , Samuela Fullera , Fritza Langa i innych; oraz ekranowa dedykacja dla Monogram Pictures , amerykańskiego filmu klasy B studio. Cytaty i odniesienia do literatury obejmują Williama Faulknera , Dylana Thomasa , Louisa Aragona , Rilkego , Françoise Sagan i Maurice'a Sachsa . Film zawiera również cytaty w obrazach lub na ścieżce dźwiękowej — Mozarta , Picassa , JS Bacha , Paula Klee i Auguste'a Renoira . „To kino pierwszoosobowe odwoływało się nie do doświadczenia reżysera, ale do jego obecności”.

Godard chciał zatrudnić amerykańską aktorkę Jean Seberg, która mieszkała w Paryżu ze swoim mężem François Moreuilem, prawnikiem, do roli Amerykanki. Seberg stała się sławna w 1956 roku, kiedy Otto Preminger wybrał ją do roli Joanny d'Arc w swojej Świętej Joannie , a następnie obsadził ją w swojej cierpkiej adaptacji Bonjour Tristesse z 1958 roku . Jej występ w tym filmie nie został powszechnie uznany za sukces — The New York Times krytyk nazwał ją „niewłaściwą amatorką” – ale Truffaut i Godard nie zgodzili się z tym. W roli Michela Poiccarda Godard obsadził Belmondo, aktora, którego już nazywał, pisząc w Arts w 1958 roku, „ Michel Simon i Jules Berry jutra”. Operatorem kamery był Raoul Coutard , wybrany przez producenta Beauregarda. Godard chciał Bez tchu być kręcony jak dokument, lekką kamerą ręczną i minimalnym dodatkowym oświetleniem; Coutard miał doświadczenie jako operator filmów dokumentalnych, pracując dla służb informacyjnych armii francuskiej w Indochinach podczas wojny francusko-indochińskiej . Ujęcia śledzące zostały sfilmowane przez Coutarda z wózka inwalidzkiego pchanego przez Godarda. Chociaż Godard przygotował tradycyjny scenariusz, zrezygnował z niego i dzień po dniu pisał dialogi w miarę postępu produkcji. Znaczenie filmu zostało natychmiast docenione, aw styczniu 1960 roku Godard zdobył nagrodę im. Jeana Vigo , przyznawaną „za zachęcanie autora przyszłości ”. Jeden z recenzentów wspomniał o przepowiedni Alexandre'a Astruca o epoce caméra-stylo , aparatu, którego nowe pokolenie będzie używać ze skutecznością, z jaką pisarz używa pióra - „oto w rzeczywistości pierwsza praca autentycznie napisany z caméra-stylo ” .

Anna Karina , odrzuciwszy rolę w Bez tchu , pojawiła się w kolejnym filmie Godarda, Le petit Soldat ( Mały żołnierz ), który dotyczył wojny Francji w Algierii.

Wczesna praca z Anną Kariną

W 1960 roku Godard nakręcił Le Petit Soldat ( Mały żołnierz ). W obsadzie znalazła się przyszła żona Godarda, Anna Karina . W tym czasie Karina praktycznie nie miała doświadczenia jako aktorka. Godard wykorzystał jej niezręczność jako element swojego występu. Godard i Karina byli parą pod koniec zdjęć. Pojawiła się ponownie, wraz z Belmondo, w pierwszym kolorowym filmie Godarda, A Woman Is a Woman (1961), ich pierwszym projekcie, który miał zostać wydany. Film miał być hołdem złożonym amerykańskiemu musicalowi . Korekty wprowadzone przez Godarda do oryginalnej wersji historii nadały jej autobiograficzny rezonans, „szczególnie w odniesieniu do jego relacji z Anną Kariną”. Film ujawnił „uwięzienie w czterech ścianach życia domowego” oraz „emocjonalne i artystyczne podziały, które zagrażały ich związkowi”.

Moje życie do przeżycia

Następny film Godarda, Vivre sa vie ( Moje życie do przeżycia , 1962), był jednym z jego najpopularniejszych wśród krytyków. Karina zagrała Nanę, zbłąkaną matkę i aspirującą aktorkę, której napięte warunki finansowe doprowadziły ją do życia ulicznicy . Jest to epizodyczna relacja z jej racjonalizacji, aby udowodnić, że jest wolna, mimo że jest uwiązana na końcu alfonsa . W jednej ze scen, w kawiarni, rozkłada ręce i ogłasza, że ​​może je podnosić lub opuszczać według własnego uznania.

Film odniósł popularny sukces i doprowadził do tego, że Columbia Pictures zawarła z nim umowę, w ramach której otrzyma 100 000 dolarów na nakręcenie filmu, z pełną kontrolą artystyczną.

Mały żołnierz i Karabinierzy

Le petit Soldat ukazał się dopiero w 1963 roku, pierwszym z trzech filmów, które wypuścił w tym roku. Le Petit Soldat zajmował się algierską wojną o niepodległość . Został zakazany przez rząd francuski przez następne dwa lata ze względu na jego polityczny charakter. „Małego żołnierza” Bruno Forestiera grał Michel Subor . Forestier był postacią bliską samemu Godardowi, twórcą obrazów i intelektualistą, „mniej więcej moim rzecznikiem, ale nie do końca”, powiedział Godard w wywiadzie.

Akcja filmu rozpoczyna się 13 maja 1958 roku, w dniu próby puczu w Algierii , a kończy w tym samym miesiącu. W filmie Bruno Forestier, fotoreporter powiązany z prawicową grupą paramilitarną pracującą dla francuskiego rządu, otrzymuje zlecenie zamordowania profesora oskarżonego o pomoc w algierskim ruchu oporu. Jest zakochany w Veronice Dreyer, młodej kobiecie, która pracowała z algierskimi bojownikami. Zostaje schwytany przez algierskich bojowników i torturowany. Jego organizacja łapie ją i torturuje. W tworzeniu Le Petit Soldat , Godard podjął niezwykły krok, pisząc codziennie dialogi i wymawiając kwestie do aktorów podczas filmowania – technika możliwa dzięki kręceniu bez bezpośredniego dźwięku i dubbingowaniu dialogów w postprodukcji.

Jego kolejnym filmem był Les Carabiniers , oparty na opowiadaniu Roberto Rosselliniego , jednego z twórców, na którego Godard miał wpływ. Film opowiada o dwóch chłopach, którzy dołączają do armii króla, tylko po to, by znaleźć daremność w całej sprawie, gdy król ujawnia oszustwo przywódców zarządzających wojną.

Pogarda

Jego ostatnim filmem z 1963 roku i najbardziej komercyjnym filmem w jego karierze był Le Mépris ( Pogarda ) z udziałem Michela Piccoli i jednej z największych francuskich gwiazd kobiecych, Brigitte Bardot . Film śledzi Paula (Piccoli), scenarzystę, któremu Prokosch ( Jack Palance ), arogancki amerykański producent filmowy, zleca przepisanie scenariusza do adaptacji Odysei Homera , którą kręcił austriacki reżyser Fritz Lang . Wysoka kultura Langa ' interpretacja tej historii jest zagubiona w przypadku Prokoscha, którego postać jest stanowczym oskarżeniem komercyjnej hierarchii filmowej.

Filmy Anouchki

W 1964 roku Godard i Karina założyli firmę produkcyjną Anouchka Films. Wyreżyserował Bande à part ( Band of Outsiders ), kolejną współpracę między nimi, opisaną przez niego jako „ Alicja w krainie czarów spotyka Franza Kafkę ”. Podąża za dwoma młodymi mężczyznami, którzy chcą zdobyć punkty podczas napadu, którzy zakochują się w Karinie, i cytuje kilka konwencji filmów gangsterskich . Promując film, Godard napisał, że według DW Griffitha do zrobienia filmu wystarczy „dziewczyna i broń”.

Une femme mariée ( Zamężna kobieta , 1964) nastąpiła po Band of Outsiders . To był powolny, przemyślany, stonowany czarno-biały obraz bez prawdziwej historii. Film został nakręcony w cztery tygodnie i był „filmem jawnie i surowo modernistycznym”. Pokazała „zaangażowanie Godarda w najbardziej zaawansowane myślenie tamtych czasów, wyrażone w pracach Claude'a Lévi-Straussa i Rolanda Barthesa ”, a jej fragmentaryczność i abstrakcja odzwierciedlały również „utratę wiary w znajomy Hollywood style.” Godard nakręcił film w fazie planowania dla Pierrot le Fou (1965).

W 1965 roku Godard wyreżyserował Alphaville , futurystyczne połączenie science fiction, filmu noir i satyry. Eddie Constantine zagrał Lemmy'ego Caution , detektywa wysłanego do miasta kontrolowanego przez gigantyczny komputer o nazwie Alpha 60. Jego misją jest nawiązanie kontaktu z profesorem von Braunem ( Howard Vernon ), słynnym naukowcem, który w tajemniczy sposób zamilkł i uważa się, że został stłumiony przez komputer. Jego kolejnym filmem był Pierrot le Fou (1965). Gilles Jacob , autor, krytyk i prezes The Festiwal Filmowy w Cannes nazwał to zarówno „retrospektywą”, jak i podsumowaniem. Poprosił o udział Jeana-Paula Belmondo , już wówczas znanego aktora, aby zagwarantować niezbędną kwotę finansowania drogiego filmu. Godard powiedział, że film był „powiązany z przemocą i samotnością, które są dziś tak bliskie szczęścia. To w dużej mierze film o Francji”.

Masculin Féminin (1966), oparty na dwóch opowiadaniach Guya de Maupassanta , La Femme de Paul i Le Signe , był studium współczesnej francuskiej młodzieży i jej zaangażowania w politykę kulturalną. Podtytuł odnosi się do postaci jako „Dzieci Marksa i Coca-Coli ”. Chociaż czasami uważa się, że kino Godarda przedstawia całkowicie męski punkt widzenia, Phillip John Usher pokazał, jak film, poprzez sposób, w jaki łączy obrazy i odmienne wydarzenia, wydaje się zacierać granice płci.

Następnie Godard stworzył Made in USA (1966), którego materiałem źródłowym był The Jugger Richarda Starka . Klasyczny thriller kryminalny Nowej Fali, inspirowany amerykańskimi filmami Noir. Anna Karina występuje jako antybohaterka poszukująca zamordowanego kochanka, aw filmie wystąpiła Marianne Faithfull . Rok później ukazały się Dwie lub trzy rzeczy, które o niej wiem (1967), w których Marina Vlady portretuje kobietę prowadzącą podwójne życie jako gospodyni domowa i prostytutka, uważaną za „jedno z największych osiągnięć filmowych”.

La Chinoise (1967) widział Godarda w jego najbardziej politycznej szczerości do tej pory. Film skupiał się na grupie studentów i angażował się w idee wychodzące z grup aktywistów studenckich we współczesnej Francji. Wydany tuż przed wydarzeniami z maja 1968 roku , niektórzy uważają, że film był zapowiedzią buntów studenckich, które miały miejsce.

Koniec tygodnia

W tym samym roku Godard nakręcił bardziej kolorowy i polityczny film Week End . Opowiada historię pary paryskiej, która wyjeżdża na weekendową wycieczkę po francuskiej wsi, aby odebrać spadek. Następuje konfrontacja z tragicznymi wadami nadmiernie konsumpcyjnej burżuazji . Film zawiera ośmiominutowe ujęcie śledzące pary, która utknęła w nieustannym korku, gdy opuszczają miasto, cytowana jako technika, której Godard użył do dekonstrukcji burżuazyjnych trendów. Co zaskakujące, kilka ujęć zawiera dodatkowy materiał niejako przed rozpoczęciem ujęcia (kiedy aktorzy się przygotowują) i po zakończeniu ujęcia (kiedy aktorzy wychodzą z postaci). Week Endu , która brzmi „End of Cinema”, odpowiednio oznaczała koniec narracyjnego i filmowego okresu w karierze filmowej Godarda. [ potrzebna strona ]

Polityka

Godard był znany ze swojego „wysoce politycznego głosu” i regularnie pokazywał treści polityczne w swoich filmach. Jeden z jego najwcześniejszych filmów, Le petit soldat , który dotyczył algierskiej wojny o niepodległość , wyróżniał się próbą przedstawienia złożoności sporu; film był postrzegany jako dwuznaczny i przedstawiający „moralną równoważność” między siłami francuskimi a Frontem Wyzwolenia Narodowego . Wzdłuż tych linii, Les Carabiniers przedstawia fikcyjną wojnę, która początkowo jest romantyzowana w sposobie, w jaki jej bohaterowie podchodzą do służby, ale staje się sztywnym antywojennym metonimem . Oprócz międzynarodowych konfliktów, na które Godard szukał artystycznej odpowiedzi, bardzo interesowały go także problemy społeczne we Francji. Najwcześniejszym i najlepszym tego przykładem jest potężny portret prostytutki Kariny w Vivre sa vie . W Paryżu lat 60. środowisko polityczne nie było przytłoczone jednym konkretnym ruchem. Istniał jednak wyraźny klimat powojenny, ukształtowany przez różne konflikty międzynarodowe, takie jak kolonializm w Afryce Północnej i Azji Południowo-Wschodniej. Marksistowskie usposobienie Godarda nie stało się zbyt wyraźne aż do La Chinoise i Week End , ale jest widoczne w kilku filmach - mianowicie Pierrot i Une femme mariée .

Godard był oskarżany przez niektórych o antysemickie poglądy : w 2010 roku, w okresie poprzedzającym wręczenie honorowego Oscara Godardowi, głośny artykuł Michaela Cieply'ego w The New York Times zwrócił uwagę na krążący przez prasie w poprzednich tygodniach, że Godard może być antysemitą, a tym samym niezasługującym na pochwałę. Cieply nawiązuje do książki Richarda Brody'ego Wszystko jest kinem: Życie zawodowe Jeana-Luca Godarda i nawiązuje do wcześniejszego, dłuższego artykułu opublikowanego przez Jewish Journal jako leżące w pobliżu źródła debaty. Artykuł opiera się również na książce Brody'ego, na przykład w następującym cytacie, który Godard zamieścił w telewizji w 1981 roku: „ Mojżesz jest moim głównym wrogiem… Mojżesz, kiedy otrzymał przykazania, zobaczył obrazy i przetłumaczył je. w tekstach nie pokazał tego, co widział. Dlatego naród żydowski jest przeklęty”.

Zaraz po opublikowaniu artykułu Ciepłego Brody wyraźnie skrytykował „niezwykle wybiórcze i wąskie użycie” fragmentów swojej książki i zauważył, że praca Godarda podeszła do Holokaustu z „największą moralną powagą”. Rzeczywiście, jego filmy dokumentalne przedstawiają obrazy z Holokaustu w kontekście sugerującym, że uważa on nazizm i Holokaust za najniższy punkt w historii ludzkości. Poglądy Godarda stają się bardziej złożone w odniesieniu do państwa Izrael . W 1970 roku Godard udał się na Bliski Wschód, aby nakręcić pro-palestyński film, którego nie ukończył i którego materiał ostatecznie stał się częścią filmu Ici et ailleurs z 1976 roku . W tym filmie Godard wydaje się postrzegać Palestyny ​​jako jeden z wielu światowych lewicowych ruchów rewolucyjnych. Gdzie indziej Godard wyraźnie przedstawił się jako antysyjonista , ale zaprzeczył oskarżeniom o antysemityzm.

wojna wietnamska

Godard wyprodukował kilka utworów, które bezpośrednio odnoszą się do wojny w Wietnamie . Ponadto w Pierrot le fou są dwie sceny , które poruszają ten problem. Pierwsza to scena, która ma miejsce podczas początkowej jazdy samochodem pomiędzy Ferdinandem (Belmondo) i Marianne (Karina). Przez radio samochodowe obaj słyszą wiadomość „garnizon zmasakrowany przez Viet Cong , który stracił 115 ludzi”. Marianne odpowiada długą refleksją na temat sposobu, w jaki radio odczłowiecza bojowników z północnego Wietnamu. Wojna jest obecna w całym filmie we wzmiankach, aluzjach i przedstawieniach w kronikach filmowych materiał filmowy, a na styl filmu wpłynął polityczny gniew Godarda na wojnę, co zakłóciło jego zdolność czerpania z wcześniejszych stylów filmowych.

Warto zauważyć, że brał także udział w Loin du Vietnam (1967). Projekt antywojenny, składa się z siedmiu szkiców wyreżyserowanych przez Godarda (który wykorzystał materiał filmowy z La Chinoise ), Claude Lelouch , Joris Ivens , William Klein , Chris Marker , Alain Resnais i Agnès Varda .

Bertolta Brechta

Zaangażowanie Godarda z niemieckim poetą i dramaturgiem Bertoltem Brechtem wynika przede wszystkim z jego próby transpozycji Brechtowskiej teorii teatru epickiego i jej perspektywy alienacji widza ( Verfremdungseffekt ) poprzez radykalne oddzielenie elementów medium (teatr u Brechta, ale u Godarda , film). Wpływ Brechta jest wyraźnie odczuwalny w większości prac Godarda, zwłaszcza przed 1980 rokiem, kiedy Godard używał filmowej ekspresji do określonych celów politycznych.

Na przykład eliptyczny montaż Breathless, który odmawia widzowi płynnej narracji typowej dla kina głównego nurtu, zmusza widzów do przyjęcia bardziej krytycznych ról, łączenia samych elementów i odejścia z większym zaangażowaniem w treść dzieła . W wielu jego najbardziej politycznych utworach, w szczególności Weekend , Pierrot le Fou i La Chinoise , postacie zwracają się do publiczności z myślami, uczuciami i instrukcjami.

marksizm

Zobacz też: Karol Marks w filmie

Marksistowskie odczytanie jest możliwe w przypadku większości , jeśli nie wszystkich wczesnych prac Godarda. Bezpośrednia interakcja Godarda z marksizmem staje się jednak wyraźnie widoczna dopiero w Weekend , gdzie imię Karola Marksa jest cytowane w połączeniu z postaciami takimi jak Jezus Chrystus . Stałym refrenem w całym okresie filmowym Godarda jest burżuazyjny konsumpcjonizm , utowarowienie codziennego życia i działalności oraz wyobcowanie człowieka - wszystkie główne cechy Marksowskiej krytyki kapitalizmu .

W eseju o Godardzie, filozof i badacz estetyki, Jacques Rancière , stwierdza: „Kiedy w Pierrot le fou , 1965, filmie bez jasnego przesłania politycznego, Belmondo grał na słowie„ skandal ”i„ wolność ”, które rzekomo oferował pas skandalu kobiet, kontekst marksistowskiej krytyki utowarowienia , szyderstw z pop-artu w konsumpcjonizmie i feministycznego potępienia fałszywego „wyzwolenia” kobiet wystarczył, by wesprzeć dialektyczny odczytanie dowcipu i całej historii.” Sposób, w jaki Godard traktował politykę w swoim kinie, polegał na przedstawianiu żartu, dzieła sztuki lub relacji jako narzędzi odniesienia, romantyzacji marksistowskiej retoryki, zamiast być wyłącznie narzędziami edukacyjnymi.

Une femme mariée jest również zbudowana wokół Marksowskiej koncepcji fetyszyzmu towarowego . Godard powiedział kiedyś, że jest to „film, w którym jednostki traktowane są jak rzeczy, w którym pościgi w taksówce przeplatają się z wywiadami etologicznymi, w którym spektakl życia przeplata się z jego analizą”. Był bardzo świadomy sposobu, w jaki chciał przedstawić człowieka. Jego wysiłki są wyraźnie charakterystyczne dla Marksa, który w swoich Rękopisach ekonomicznych i filozoficznych z 1844 r. podaje jedno ze swoich najbardziej szczegółowych opracowań, analizując, w jaki sposób robotnik jest wyobcowany ze swojego produktu, przedmiotu jego działalności produkcyjnej. Georges Sadoul w swoich krótkich rozważaniach na temat filmu opisuje go jako „socjologiczne studium wyobcowania współczesnej kobiety”.

Okres rewolucyjny (1968–1979)

Okresowi, który rozciąga się od maja 1968 do lat 70., nadano różne etykiety - od okresu „wojowniczego” po okres „radykalny”, wraz z określeniami tak szczegółowymi, jak „maoistowski” i tak niejasnymi, jak „polityczny ” . W każdym razie w tym okresie Godard stosował konsekwentną rewolucyjną retorykę w swoich filmach i publicznych wypowiedziach.

Zainspirowany przewrotem majowym 68 , Godard, wraz z François Truffautem , poprowadził protesty, które zamknęły Festiwal Filmowy w Cannes w 1968 roku w geście solidarności ze studentami i robotnikami. Godard stwierdził, że na festiwalu nie było ani jednego filmu, który reprezentowałby ich cele. „Ani jednego, czy to przez Milosa [Formana], przeze mnie, [Romana] Polańskiego czy François. Nie ma takich. Jesteśmy spóźnieni”.

Filmy

Wśród wstrząsów późnych lat 60. Godard stał się pasjonatem „kręcenia filmów politycznych w sposób polityczny”. Chociaż wiele jego filmów z lat 1968-1972 to filmy pełnometrażowe, są one niskobudżetowe i kwestionują pojęcie tego, czym może być film. Oprócz porzucenia głównego nurtu filmowego, Godard próbował także uciec od kultu jednostki , który się wokół niego ukształtował. Pracował anonimowo we współpracy z innymi filmowcami, przede wszystkim Jean-Pierre Gorinem , z którym założył Dziga-Wiertow. kolektyw kinowy. W tym okresie Godard kręcił filmy w Anglii, Włoszech, Czechosłowacji, Palestynie i Stanach Zjednoczonych, a także we Francji. On i Gorin koncertowali ze swoją pracą, próbując wywołać dyskusję, głównie na kampusach uniwersyteckich. Punktem kulminacyjnym tego okresu była wysokobudżetowa produkcja Tout Va Bien , w której zagrali Yves Montand i Jane Fonda . Z powodu wypadku motocyklowego, który poważnie ubezwłasnowolnił Godarda, Gorin wyreżyserował to najsłynniejsze z ich dzieł niemal w pojedynkę. Jako dodatek do Tout va bien , para stworzyła List do Jane , 50-minutowe „badanie fotosu” przedstawiające Jane Fondę odwiedzającą Viet Cong podczas wojny w Wietnamie . Film jest dekonstrukcją ideologii zachodniego imperializmu. To był ostatni film, który Godard i Gorin nakręcili razem.

Mozambiku zlecił Godardowi nakręcenie filmu krótkometrażowego. W tym czasie jego doświadczenie z Kodaka skłoniło go do skrytykowania taśmy filmowej jako „z natury rasistowskiej”, ponieważ nie odzwierciedlała różnorodności, niuansów ani złożoności ciemnobrązowej lub ciemnej skóry . Stało się tak, ponieważ karty Kodak Shirley były przeznaczone tylko dla osób rasy kaukaskiej, problem ten został rozwiązany dopiero w 1995 roku.

Obraz syna

W 1972 roku Godard i jego partnerka życiowa, szwajcarska filmowiec Anne-Marie Miéville, założyli w Grenoble firmę Sonimage zajmującą się produkcją i dystrybucją alternatywnych filmów wideo . W ramach Sonimage Godard wyprodukował Comment ca va , Numéro Deux (1975) i Sauve qui peut (la vie) (1980). W 1976 roku Godard i Miéville, jego żona, współpracowali przy serii innowacyjnych prac wideo dla europejskiej telewizji, zatytułowanych Six fois deux/Sur et sous la communication (1976) i France/tour/détour/deux/enfants (1978). Od czasu, gdy Godard powrócił do głównego nurtu kręcenia filmów w 1980 roku, Anne-Marie Miéville pozostała ważnym współpracownikiem.

Jean-Pierre'a Gorina

Po wydarzeniach z maja 1968 r. , kiedy w Paryżu doszło do całkowitego przewrotu w odpowiedzi na „autorytarnego de Gaulle'a ”, a cel zawodowy Godarda został ponownie rozważony, zaczął on współpracować z podobnie myślącymi osobami na arenie filmowej. Jego najbardziej znanym współpracownikiem był Jean-Pierre Gorin , maoistyczny student Louisa Althussera , Michela Foucaulta i Jacquesa Lacana , późniejszy profesor filmoznawstwa na Uniwersytecie Kalifornijskim w San Diego , z pasją do kina, która przyciągnęła uwagę Godarda.

W latach 1968-1973 Godard i Gorin współpracowali przy realizacji pięciu filmów o silnym przesłaniu maoistycznym. Najbardziej znanym filmem z tej współpracy był Tout Va Bien (1972). W filmie wystąpiła Jane Fonda , która była wówczas żoną francuskiego filmowca Rogera Vadima . Fonda była u szczytu swojej kariery aktorskiej, zdobywając Oscara za rolę w Klute (1971) i zyskała rozgłos jako lewicowa działaczka antywojenna. Męską rolę zagrał legendarny francuski piosenkarz i aktor Yves Montand , który pojawił się w prestiżowych filmach Georgesa Clouzota , Alaina Résnais , Sachy Guitry , Vincente Minelli , George'a Cukora i Costy-Gavrasa .

Grupa Dziga Wiertow

Główny artykuł: Grupa Dziga Wiertow

Niewielka grupa maoistów, którą zebrał Godard, do której należał Gorin, przyjęła nazwę Grupa Dziga Wiertowa. Godard szczególnie interesował się Dzigą Wiertowem , radzieckim filmowcem, który był znany z serii radykalnych filmów dokumentalnych zatytułowanych „ Kino Prawda ” (dosłownie „filmowa prawda”) oraz późnego niemego filmu fabularnego „Człowiek z kamerą” (1929 ). Wiertow był także rówieśnikiem zarówno radzieckich montażu , zwłaszcza Siergieja Eisensteina , jak i rosyjskich konstruktywistów i awangardowych, takich jak Aleksander Rodczenko i Władimir Tatlin . Część politycznej zmiany Godarda po maju 1968 roku dotyczyła proaktywnego udziału w walce klasowej i czerpał inspirację od filmowców związanych z rewolucją rosyjską .

Pod koniec tego okresu życia Godard zaczął odczuwać rozczarowanie swoimi maoistowskimi ideałami i został porzucony przez ówczesną żonę Annę Wiazemsky. W tym kontekście, według biografa Antoine de Baecque, Godard dwukrotnie próbował popełnić samobójstwo.

Powrót do filmów komercyjnych i Histoire (s) du cinéma : 1980–2000

Godard powrócił do nieco bardziej tradycyjnej fikcji z Sauve qui peut (la vie) (1980), pierwszym z serii bardziej mainstreamowych filmów naznaczonych nurtami autobiograficznymi: po nim nastąpił Passion , Lettre à Freddy Buache (oba 1982), Prénom Carmen (1983) i Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma (1986). Była jednak kolejna fala kontrowersji z Je vous salue, Marie (1985), który został potępiony przez Kościół rzymskokatolicki za rzekomą herezję , a także z King Lear (1987), film esej o Williamie Szekspirze i języku. W 1987 roku ukończono także fragment filmu Aria , który był luźno oparty na fabule Armide ; rozgrywa się na sali gimnastycznej i wykorzystuje kilka arii Jean -Baptiste Lully'ego z jego słynnego Armide .

Jego późniejsze filmy charakteryzowały się wielkim pięknem formalnym i często poczuciem requiem: Nouvelle Vague ( Nowa fala , 1990), autobiograficzny JLG/JLG, autoportrait de décembre ( JLG/JLG: Self-Portrait in December , 1995) oraz For Zawsze Mozarta (1996). Allemagne année 90 neuf zéro ( Niemcy, rok 90, dziewięć zero , 1991), która jest quasi-kontynuacją Alphaville , ale zrobiona z elegijnym tonem i skupiona na nieuchronnym rozpadzie wieku. w 1990 roku , Godard otrzymał nagrodę specjalną od National Society of Film Critics . W latach 1988-1998 wyprodukował wieloczęściową serię Histoire(s) du cinéma , monumentalny projekt, który łączył wszystkie innowacje jego pracy wideo z pełnym pasji zaangażowaniem w kwestie historii XX wieku i historii samego filmu.

Filmy z późnego okresu: 2001–2022

W 2001 roku ukazała się płyta Éloge de l'amour ( Pochwała miłości ). Film wyróżnia się wykorzystaniem zarówno filmu, jak i wideo - pierwsza połowa nagrana na czarno-białym taśmie 35 mm, druga połowa nakręcona w kolorze na DV - a następnie przeniesiona na kliszę do montażu. Film jest również znany z poruszania tematów starzenia się, miłości, separacji i ponownego odkrywania, ponieważ podąża za młodym artystą Edgarem w jego rozważaniach nad nową pracą na czterech etapach miłości. W Notre musique (2004) Godard skupił się na wojnie, a konkretnie na wojnie w Sarajewie , ale z uwzględnieniem wszystkich wojen, w tym wojny secesyjnej , wojny między Stanami Zjednoczonymi a rdzennymi Amerykanami oraz konfliktu izraelsko-palestyńskiego . Film jest podzielony na trzy królestwa Dantejczyków : piekło, czyściec i raj . Fascynacja Godarda paradoksem jest w filmie stała. Rozpoczyna się długim, ociężałym montażem obrazów wojennych, które od czasu do czasu przechodzą do komiksu; Raj jest pokazany jako bujna, zalesiona plaża patrolowana przez amerykańską piechotę morską .

Film Godarda Film Socialisme (2010) miał swoją premierę w sekcji Un Certain Regard na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2010 roku . Został wydany w kinach we Francji w maju 2010 roku. Mówiono, że Godard rozważa wyreżyserowanie filmowej adaptacji wielokrotnie nagradzanej książki o Holokauście Daniela Mendelsohna The Lost: A Search for Six of Six Million . W 2013 roku Godard wydał film krótkometrażowy Les trois désastres ( Trzy katastrofy ) jako część zbiorczego filmu 3X3D z twórcami filmowymi Petera Greenawaya i Edgara Pery . 3X3D miał swoją premierę na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2013 roku . Jego film Goodbye to Language z 2014 roku , nakręcony w 3D , opowiada o parze, która nie może się ze sobą porozumieć, dopóki ich pies nie będzie dla nich tłumaczem. Film nawiązuje do szerokiego wachlarza wpływów, takich jak obrazy Nicolasa de Staëla i pisarstwo Williama Faulknera, a także prace matematyka Laurenta Schwartza i dramaturg Bertolt Brecht - jeden z najważniejszych wpływów Godarda. Został wybrany do walki o Złotą Palmę w sekcji konkursu głównego Festiwalu Filmowego w Cannes w 2014 roku , gdzie zdobył Nagrodę Jury . Nietradycyjny scenariusz Godarda do filmu został opisany jako kolaż odręcznego tekstu i obrazów oraz sama „dzieło sztuki”.

W 2015 roku J. Hoberman poinformował, że Godard pracuje nad nowym filmem. Początkowo zatytułowany Tentative de bleu , w grudniu 2016 r. Współzałożyciel Wild Bunch , Vincent Maraval, stwierdził, że Godard kręcił Le livre d'image ( The Image Book ) przez prawie dwa lata „w różnych krajach arabskich, w tym w Tunezji” i że jest to badanie współczesnego świata arabskiego. Le livre d'image został po raz pierwszy pokazany w listopadzie 2018 r. 4 grudnia 2019 r. W Fondazione Prada otwarto instalację artystyczną stworzoną przez Godarda w Mediolanie. Instalacja zatytułowana Le Studio d'Orphée jest odtworzoną przestrzenią roboczą i obejmuje sprzęt montażowy, meble i inne materiały używane przez Godarda w postprodukcji .

W 2020 roku Godard powiedział Les Inrockuptibles , że jego nowy film będzie opowiadał o protestującym w żółtej kamizelce i wskazał, że wraz z materiałami archiwalnymi „będzie też sesja zdjęciowa. Nie wiem, czy znajdę tak zwanych aktorów… ja chciałbym sfilmować ludzi, których widzimy na kanałach informacyjnych, ale wrzucając ich w sytuację, w której spotykają się filmy dokumentalne i fabularne”. W marcu 2021 roku podczas wirtualnego wywiadu na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Kerali powiedział, że pracuje nad dwoma nowymi filmami . Godard stwierdził: „Kończę swoje życie filmowe - tak, życie filmowca - robiąc dwa scenariusze… Potem powiem:„ Do widzenia, kino ” .

W lipcu 2021 roku operator i wieloletni współpracownik Fabrice Aragno powiedział, że prace nad filmami idą powoli, a Godard bardziej skupia się na „książkach, pomysłach na film, a mniej na tworzeniu”. Godard zasugerował nakręcenie filmu takiego jak La Jetée Chrisa Markera , aby „powrócić do swojego pochodzenia”. Większość filmu zostałaby nakręcona na taśmie 35 mm, 16 mm i 8 mm, ale koszt taśmy celuloidowej i pandemia COVID-19 wstrzymały produkcję. Aragno spodziewał się nakręcić materiał testowy tej jesieni. Dodał, że drugi film był dla Arte we Francji.

Aragno powiedział, że nie sądził, aby którykolwiek z tych filmów był ostatnim filmem Godarda, dodając: „Często mówię, że Éloge de l'amour był początkiem jego ostatniego gestu. Te pięć, sześć lub siedem filmów jest ze sobą połączonych w pewnym sensie nie są to tylko kropki. To nie jest tylko jeden obraz ”.

Dziedzictwo

Godard został uznany za jednego z najbardziej wpływowych twórców filmowych XX wieku i jednego z liderów francuskiej Nowej Fali.

W 1969 roku krytyk filmowy Roger Ebert napisał o znaczeniu Godarda w kinie:

Godard jest reżyserem pierwszej rangi; żaden inny reżyser w latach 60. nie miał większego wpływu na rozwój filmu pełnometrażowego. Podobnie jak Joyce w beletrystyce czy Beckett w teatrze, jest pionierem, którego obecna twórczość jest nie do przyjęcia dla obecnej publiczności. Ale jego wpływ na innych reżyserów stopniowo tworzy i edukuje publiczność, która być może w następnym pokoleniu będzie mogła spojrzeć wstecz na jego filmy i zobaczyć, że to tam zaczęło się ich kino.

W 2001 roku Ebert wspominał swoje początki jako krytyk, pisząc: „Choć rozmawialiśmy o Tarantino po Pulp Fiction , rozmawialiśmy wtedy o Godardzie”. Quentin Tarantino nazwał firmę produkcyjną, którą założył, A Band Apart , nawiązując do filmu Godarda z 1964 roku .

Dzieła i innowacje Godarda były chwalone przez wybitnych reżyserów, takich jak Michelangelo Antonioni , Satyajit Ray i Orson Welles . Welles podziwiał Godarda jako reżysera, ale skrytykował go jako myśliciela, mówiąc Peterowi Bogdanovichowi : „Ma decydujący wpływ , jeśli nie tak naprawdę, to pierwszy wielki artysta filmowy ostatniej dekady, a jego talent reżyserski jest ogromny. Po prostu nie mogę traktuj go bardzo poważnie jako myśliciela - i właśnie tym się różnimy, ponieważ on tak jest”. Davida Thomsona doszedł do podobnego wniosku, pisząc, że „wielkość Godarda polega na tym, że uchwycił ideę, iż filmy składają się z ruchomych obrazów, fragmentów filmów, obrazów wyświetlanych przed publicznością”, ale że „zna się tylko na kinie: na polityce i rzeczywistości życiu jest dziecinny i pretensjonalny”. Mimo to Thomson nazywa wczesne filmy Godarda „wspaniałym krytycznym wyjaśnieniem amerykańskich filmów” i „jednym z nieuniknionych dzieł” i zasługuje na retrospektywy. Thomson umieścił Pierrota Le Fou na swojej liście Sight & Sound . Fritz Lang zgodził się wziąć udział w filmie Godarda Le Mépris ze względu na jego podziw dla Godarda jako reżysera. Akira Kurosawa wymienił Breathless jako jeden ze swoich 100 ulubionych filmów. Działacz polityczny, krytyk i filmowiec Tariq Ali wymienił film Godarda Tout Va Bien jako jeden ze swoich dziesięciu ulubionych filmów wszechczasów w ankiecie krytyków Sight and Sound z 2012 roku. Amerykański krytyk filmowy Armond White umieścił film Godarda Nouvelle Vague jako jeden z dziesięciu jego ulubionych filmów w tej samej ankiecie. Susan Sontag nazwała Vivre sa vie „jednym z najbardziej niezwykłych, pięknych i oryginalnych dzieł sztuki, jakie znam”.

Filmy Godarda wywarły wpływ i zainspirowały wielu reżyserów, w tym Martina Scorsese , Francisa Forda Coppolę , George'a Lucasa , Davida Lyncha , Davida Cronenberga , Petera Bogdanovicha , Briana De Palmę , Olivera Stone'a , Williama Friedkina , Stevena Soderbergha , Andrieja Tarkowskiego , Andrieja Konczałowskiego , Alejandro Jodorowsky'ego , Abbas Kiarostami , Lars von Trier , Atom Egoyan , DA Pennebaker , Claire Denis , Robert Altman , Jim Jarmusch , Takeshi Kitano , Gaspar Noé , John Waters , Mamoru Oshii , Shane Carruth , Stan Brakhage , Ken Loach , Kevin Macdonald , Abel Ferrara , Luca Guadagnino , Terence Davies , Paul Schradera , Rainer Werner Fassbinder , Wong Kar-wai , Edward Yang , Hou Hsiao-hsien , Wim Wenders , Chantal Akerman , Bela Tarr , Theo Angelopoulos , Raoul Peck , Glauber Rocha , Fernando Solanas , Octavio Getino , Emir Kusturica , Terrence Malick , Paul Thomas Anderson , Wesa Andersona , Richarda Linklatera , Harmony Korine , Darren Aronofsky , Bernardo Bertolucci , Dušan Makavejev , Marco Bellocchio i Pier Paolo Pasolini .

Cztery filmy Godarda znajdują się na liście 100 najlepszych filmów magazynu British Film Institute (BFI) Sight and Sound z 2022 r .: Bez tchu (13), Le Mépris (21), Pierrot le Fou (42) i Histoire (s) ) du cinéma (48).

60. Festiwal Filmowy w Nowym Jorku , który odbył się w 2022 roku, był hołdem dla zmarłego na początku tego roku Godarda. Po jego śmierci amerykańska gazeta satyryczna The Onion zamieściła nagłówek „Jean-Luc Godard umiera pod koniec życia w nietypowo liniowym wyborze narracyjnym”.

Życie osobiste i śmierć

Godard był żonaty z dwiema swoimi czołowymi kobietami: Anną Kariną (1961–1965) i Anną Wiazemsky (1967–1979). Od 1970 roku współpracował osobiście i zawodowo z Anne-Marie Miéville . Godard mieszkał z Miéville w Rolle w Szwajcarii od 1978 roku i został opisany przez swoją byłą żonę Karinę jako „samotnik”. Według Patricka Jeannereta, doradcy Godarda, Godard poślubił Miéville w 2010 roku.

W szczególności jego związek z Kariną zaowocował niektórymi z jego najbardziej uznanych przez krytyków filmów, a ich związek został szeroko nagłośniony: The Independent opisał ich jako „jedną z najbardziej znanych par lat 60.”. Magazyn Filmmaker nazwał ich współpracę „prawdopodobnie najbardziej wpływowym dorobkiem w historii kina”. Jednak pod koniec życia Karina powiedziała, że ​​już ze sobą nie rozmawiają.

Przez ojca był kuzynem Pedra Pabla Kuczyńskiego , byłego prezydenta Peru .

W 2017 roku Michel Hazanavicius wyreżyserował film o Godardzie, Redoubtable , oparty na wspomnieniach Rok później (francuski: Un an après ; 2015) Wiazemsky'ego. Skupia się na jego życiu pod koniec lat 60., kiedy razem z Wiazemskim kręcili filmy. Film miał swoją premierę na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2017 roku. Godard powiedział, że film to „głupi, głupi pomysł”.

Film dokumentalny Agnes Varda Faces Places z 2017 roku kończy się, gdy Varda i współreżyser JR pukają do drzwi wejściowych Godarda w Rolle, aby uzyskać wywiad. Godard zgodził się na spotkanie, ale „wystawia ich”. Jego siostrzeniec i asystent Paul Grivas wyreżyserował film dokumentalny Film Catastrophe z 2018 roku , który zawierał materiał zza kulis, nakręcony na statku wycieczkowym Costa Concordia przez Grivasa podczas kręcenia Film Socialism , przedstawiający Godarda pracującego z aktorami i reżyserującego film. Godard brał udział w filmie dokumentalnym z 2022 roku Do zobaczenia w piątek, Robinsonie [ fr ] . Reżyser Mitra Farahani zainicjował wymianę e-maili między Godardem a irańskim filmowcem Ebrahimem Golestanem , wysyłając e-maile z Golestanem i odpowiedziami Godarda w postaci „filmów, obrazów i aforyzmów”.

W wieku 91 lat Godard zmarł 13 września 2022 roku w swoim domu w Rolle. Jego śmierć została zgłoszona jako procedura wspomaganego samobójstwa , która jest legalna w Szwajcarii. Radca prawny Godarda powiedział, że miał „wiele patologii powodujących niepełnosprawność”, ale członek rodziny powiedział, że „nie był chory, był po prostu wyczerpany”. Miéville był u jego boku, gdy umierał. Jego ciało zostało skremowane i nie było nabożeństwa pogrzebowego.

Wybrana filmografia

Główny artykuł: Filmografia Jeana-Luca Godarda

Filmy fabularne

Lista nie obejmuje wieloreżysowych antologii filmów , do których Godard napisał filmy krótkometrażowe.

Współpraca z ECM Records

Godard przyjaźnił się z Manfredem Eicherem , założycielem i szefem niemieckiej wytwórni muzycznej ECM Records . Wytwórnia wydała ścieżki dźwiękowe do Godarda Nouvelle Vague (ECM NewSeries 1600–01) i Histoire (s) du cinéma (ECM NewSeries 1706). Ta współpraca rozwijała się przez lata, prowadząc do tego, że Godard udzielił ECM pozwolenia na wykorzystanie fotosów z jego filmów na okładkach albumów, podczas gdy Eicher przejął kierownictwo muzyczne filmów Godarda, takich jak Allemagne 90 neuf zéro , Hélas Pour Moi , JLG i Na zawsze Mozarta . W jego filmach wykorzystano utwory z płyt ECM; na przykład ścieżka dźwiękowa do In Praise of Love w dużym stopniu wykorzystuje album Epigraphs Ketila Bjørnstada i Davida Darlinga . Godard wydał także dla wytwórni kolekcję filmów krótkometrażowych, które nakręcił z Anne-Marie Miéville, zatytułowaną Four Short Films (ECM 5001).

Wśród okładek albumów ECM z fotosami filmowymi Godarda są:

Zobacz też

Źródła i dalsze lektury

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Jean-Luc_Godard&oldid=1140557035 ”