Sidneya Lumeta
Sidneya Lumeta | |
|---|---|
 Lumeta w 1970 roku
| |
| Urodzić się |
Sidneya Arthura Lumeta
25 czerwca 1924 Filadelfia, Pensylwania, USA
|
| Zmarł | 09 kwietnia 2011 ( w wieku 86) ( Nowy Jork, Stany Zjednoczone
|
| Alma Mater | Uniwersytet Columbia |
| Zawody |
|
| lata aktywności | 1930–2007 |
| Małżonkowie |
Gal Jones
( m. 1963; dz. 1978 <a i=5>) Marii Gimbel ( m. 1980 <a i=3>) |
| Dzieci | 2, w tym Jenny Lumet |
| Rodzic |
|
Sidney Arthur Lumet ( / l uː m ɛ t amerykańskim / loo- MET ; 25 czerwca 1924 - 9 kwietnia 2011) był reżyserem. Był pięciokrotnie nominowany do Oscara : cztery dla najlepszego reżysera za 12 gniewnych ludzi (1957), Dog Day Afternoon (1975), Network (1976) i Werdykt (1982) oraz jeden za najlepszy scenariusz adaptowany dla Prince of the Miasto (1981). Nie zdobył indywidualnego Oscara, ale otrzymał Honorową Nagrodę Akademii , a 14 jego filmów było nominowanych do Oscara.
Według The Encyclopedia of Hollywood Lumet był jednym z najbardziej płodnych twórców filmowych ery nowożytnej, reżyserując średnio więcej niż jeden film rocznie od swojego debiutu reżyserskiego w 1957 roku . storytelling” i „socrealizm” w swoim najlepszym dziele. Krytyk filmowy Roger Ebert opisał go jako „jednego z najlepszych rzemieślników i najcieplejszych humanitarystów wśród wszystkich reżyserów filmowych”. Lumet był również znany jako „reżyser aktorski”, pracując z najlepszymi z nich w swojej karierze, prawdopodobnie bardziej niż „jakikolwiek inny reżyser”. Sean Connery , który zagrał w pięciu swoich filmach, uważał go za jednego ze swoich ulubionych reżyserów, który miał „wizję”.
Jako członek klasy inauguracyjnej w nowojorskim Actors Studio , Lumet rozpoczął karierę reżyserską w produkcjach off-broadwayowskich , a następnie został bardzo skutecznym reżyserem telewizyjnym. Jego pierwszy film, 12 Angry Men (1957), był dramatem sądowym skupiającym się na napiętych obradach jury. Następnie Lumet podzielił swoją energię na dramaty polityczne i społeczne, a także adaptacje sztuk literackich i powieści, wielkie stylowe historie, czarne komedie z Nowego Jorku i realistyczne dramaty kryminalne, w tym Serpico i Prince of the City . W wyniku reżyserowania 12 Angry Men był także odpowiedzialny za kierowanie pierwszą falą reżyserów, którzy pomyślnie przeszli z telewizji do filmów.
W 2005 roku Lumet otrzymał Oscara za całokształt twórczości za „wspaniałe zasługi dla scenarzystów, wykonawców i sztukę filmową”. Dwa lata później zakończył karierę dramatem Zanim diabeł dowie się, że nie żyjesz (2007). Kilka miesięcy po śmierci Lumeta w kwietniu 2011 r. w nowojorskim Lincoln Center odbyło się retrospektywne świętowanie jego twórczości z licznymi prelegentami i gwiazdami filmowymi. W 2015 roku Nancy Buirski wyreżyserowała film dokumentalny By Sidney Lumet o jego karierze, który był emitowany w ramach programu PBS American Masters w styczniu 2017 r.
Biografia
Wczesne lata
Lumet urodził się w Filadelfii i dorastał w dzielnicy Lower East Side na Manhattanie. Studiował aktorstwo teatralne w Professional Children's School of New York i Columbia University .
Rodzice Lumeta, Baruch i Eugenia (z domu Wermus) Lumet, byli weteranami teatru jidysz i byli polsko-żydowskimi emigrantami do Stanów Zjednoczonych. Jego ojciec, aktor, reżyser, producent i scenarzysta, urodził się w Warszawie. Matka Lumeta, która była tancerką, zmarła, gdy był dzieckiem. Miał starszą siostrę. Zawodowo zadebiutował w radiu w wieku czterech lat, a na scenie w Yiddish Art Theatre w wieku pięciu lat. Jako dziecko występował także w wielu produkcjach na Broadwayu , w tym w Dead End z 1935 roku i w sztuce Kurta Weilla Wieczna Droga .
W 1935 roku, w wieku 11 lat, pojawił się w filmie krótkometrażowym Henry'ego Lynna Papirossen (co oznacza „papierosy” w jidysz), którego koproducentem był gwiazda radia Herman Yablokoff . Film został pokazany w spektaklu teatralnym pod tym samym tytułem, opartym na przeboju „ Papirosn ”. Spektakl i film krótkometrażowy ukazały się w Bronx McKinley Square Theatre. W 1939 roku wystąpił w swoim jedynym filmie pełnometrażowym, w wieku 15 lat, w ...Jedna trzecia narodu ....
II wojna światowa przerwała jego wczesną karierę aktorską i spędził cztery lata w armii amerykańskiej . Po powrocie ze służby jako mechanik radarowy stacjonujący w Indiach i Birmie (1942–1946) związał się ze Studiem Aktorskim , a następnie założył własny warsztat teatralny. Zorganizował Off-Broadway i został jej dyrektorem, kontynuując reżyserię w letnim teatrze , jednocześnie ucząc aktorstwa w Wyższej Szkole Sztuk Scenicznych. Był starszym trenerem dramatu w nowym budynku „Performing Arts” przy 46. ulicy. 25-letni Lumet kierował działem dramatu w przedstawieniu Młodzi i piękni . [ potrzebne źródło ]
Wczesna kariera
Lumet rozpoczął swoją karierę jako reżyser od produkcji off-broadwayowskich , a następnie przekształcił się w bardzo szanowanego reżysera telewizyjnego. Po pracy poza Broadwayem iw letnim magazynie zaczął reżyserować telewizję w 1950 roku, po tym, jak pracował jako asystent przyjaciela, a następnie reżysera Yula Brynnera . Wkrótce opracował „błyskawiczną” metodę fotografowania ze względu na dużą rotację wymaganą przez telewizję. W rezultacie, pracując dla CBS, wyreżyserował setki odcinków Danger (1950–55), Mama (1949–57) i You Are There (1953–57), cotygodniowego serialu, w którym Walter Cronkite w jednym ze swoich wczesnych występów telewizyjnych. Lumet wybrał Cronkite'a do roli prezentera, „ponieważ założenia programu były tak głupie, tak oburzające, że potrzebowaliśmy kogoś z najbardziej amerykańską, samodziałową, ciepłą swobodą” - powiedział Lumet.
Reżyserował także oryginalne sztuki dla Playhouse 90 , Kraft Television Theatre i Studio One , wyreżyserował około 200 odcinków, dzięki czemu stał się „jednym z najbardziej płodnych i szanowanych reżyserów w branży”, według Turner Classic Movies . Jego zdolność do szybkiej pracy podczas kręcenia przeniosła się do jego kariery filmowej. Ponieważ jakość wielu dramatów telewizyjnych była tak imponująca, kilka z nich zostało później zaadaptowanych jako filmy.
Jego pierwszy film, 12 Angry Men (1957), oparty na sztuce CBS na żywo , był pomyślnym początkiem dla Lumeta. Był to krytyczny sukces i ugruntował go jako reżysera wykwalifikowanego w dostosowywaniu właściwości z innych mediów do filmów. W pełni połowa zbioru filmów Lumeta powstała w teatrze.
Rozgłos przyniósł mu kontrowersyjny program telewizyjny, który wyreżyserował w 1960 roku: The Sacco-Vanzetti Story w NBC. Według The New York Times dramat odbił się szerokim echem w stanie Massachusetts (gdzie Sacco i Vanzetti zostali osądzeni i straceni), ponieważ uważano, że postulowano, że skazani mordercy byli w rzeczywistości całkowicie niewinni. Jednak wynikające z tego kontrowersje w rzeczywistości przyniosły Lumetowi więcej pożytku niż szkody, wysyłając mu kilka prestiżowych zleceń filmowych.
Zaczął adaptować klasyczne sztuki do filmu i telewizji, reżyserując Marlona Brando , Joanne Woodward i Annę Magnani w filmie fabularnym The Fugitive Kind (1959), opartym na sztuce Tennessee Williamsa Orpheus Descending . Później wyreżyserował telewizyjną wersję The Iceman Cometh Eugene'a O'Neilla , po której pojawił się jego film A View from the Bridge (1962), kolejny dramat psychologiczny ze sztuki napisany przez Arthura Millera . Potem pojawiła się kolejna sztuka Eugene'a O'Neilla , która została przeniesiona do kina, Long Day's Journey into Night (również 1962), w której Katharine Hepburn zdobyła nominację do Oscara za rolę uzależnionej od narkotyków gospodyni domowej; czterech głównych aktorów zgarnęło nagrody aktorskie na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1962 roku . Został również uznany przez The New York Times za jeden z dziesięciu najlepszych filmów roku . [ potrzebne źródło ]
Styl i tematy reżyserskie
Realizm i energetyczny styl
Krytyk filmowy Owen Gleiberman zauważył, że Lumet był „twardym strzelcem prostym”, który, ponieważ był szkolony w złotej erze telewizji w latach pięćdziesiątych, zasłynął ze swojego energicznego stylu reżyserskiego. Słowa „Sidney Lumet” i „energia” – dodaje – stały się synonimami: „Energia była w najcichszych chwilach. To była wewnętrzna energia, szum istnienia, który Lumet obserwował w ludziach i w nich wydobywał… [kiedy] wszedł na ulice Nowego Jorku… uczynił je elektrycznymi:
To była energia klasy robotniczej z przedmieścia. Ulice Lumeta były równie podłe jak ulice Scorsese, ale ulice Lumeta wydawały się raczej proste niż poetyckie. Ukierunkował tę nowojorską skeezy witalność z tak naturalną siłą, że łatwo było przeoczyć, co tak naprawdę było zaangażowane w to osiągnięcie. Uchwycił ten klimat Nowego Jorku jak nikt inny, ponieważ go widział, żył nim, oddychał nim – ale potem musiał wyjść i go wystawić lub odtworzyć, prawie tak, jakby inscenizował film dokumentalny, pozwalając swoim aktorom jak przypadkowe drapieżniki, nalegając na jak najbardziej naturalne światło, sprawiając, że biura wyglądają tak brzydko i biurokratycznie, jak były, ponieważ wiedział, że pod tym kryje się nie tylko biura, ale legowiska, i że istnieje głębsza intensywność, prawie rodzaj piękna, do uchwycenia szorstkości rzeczywistości taką, jaka naprawdę wyglądała.
Współpraca
Lumet generalnie nalegał na wspólny charakter filmu, czasami wyśmiewając dominację „osobistego” reżysera, pisze historyk filmu Frank P. Cunningham. Dzięki temu Lumet zasłynął zarówno wśród aktorów, jak i operatorów filmowych dzięki otwartości na dzielenie się kreatywnymi pomysłami z pisarzem, aktorami i innymi artystami. Lumet „nie ma sobie równych w wybitnej reżyserii lepszych aktorów”, dodaje Cunningham, a wielu pochodzi z teatru. Był w stanie narysować potężne kreacje aktorów takich jak Ralph Richardson , Marlon Brando , Richard Burton , Katharine Hepburn , James Mason , Sophia Loren , Geraldine Fitzgerald , Blythe Danner , Rod Steiger , Vanessa Redgrave , Paul Newman , Sean Connery , Henry Fonda , Dustin Hoffman , Albert Finney , Simone Signoret i Anne Bancroft . „Daj mu dobrego aktora, a może po prostu znaleźć w sobie wielkiego aktora” - napisał krytyk filmowy Mick LaSalle .
W razie potrzeby Lumet wybierał nieprzeszkolonych aktorów, ale stwierdził: „przez dziewięćdziesiąt procent czasu potrzebuję najlepszych narzędzi, jakie mogę zdobyć: aktorów, scenarzystów, oświetleniowców, kamerzystów, rekwizytorów”. Niemniej jednak, kiedy używał mniej doświadczonych aktorów, nadal potrafił wydobyć lepsze i zapadające w pamięć kreacje aktorskie. Zrobił to z Nickiem Nolte , Anthonym Perkinsem , Armandem Assante , Jane Fondą , Faye Dunaway , Timothym Huttonem i Ali MacGraw , która sama określiła go jako „marzenie każdego aktora”. Zdaniem Fondy „był mistrzem. Taka kontrola nad swoim rzemiosłem. Miał silne, postępowe wartości i nigdy ich nie zdradził”.
Podczas gdy celem wszystkich filmów jest rozrywka, rodzaj filmu, w który wierzę, idzie o krok dalej. Zmusza widza do zbadania jednego lub drugiego aspektu własnego sumienia. Pobudza myślenie i wprawia w ruch soki mentalne.
— Sidneya Lumeta
Lumet uważał, że filmy to sztuka, a „ilość uwagi poświęcanej filmom jest bezpośrednio związana z jakością obrazów”. Ponieważ rozpoczął karierę jako aktor, stał się znany jako „reżyser aktorski” i przez lata pracował z najlepszymi z nich, prawdopodobnie nie mający sobie równych wśród innych reżyserów. Aktorski naukowiec Frank P. Tomasulo zgadza się z tym i zwraca uwagę, że wielu reżyserów, którzy są w stanie zrozumieć aktorstwo z perspektywy aktora, było „wielkimi komunikatorami”.
Według historyków filmu Geralda Masta i Bruce'a Kawina, „wrażliwość Lumeta na aktorów i rytmy miasta uczyniła go najdłużej żyjącym w Ameryce potomkiem neorealistycznej tradycji lat 50. i jej pilnym zaangażowaniem w odpowiedzialność etyczną”. Cytują jego wczesny film The Hill (1965) jako „jeden z najbardziej radykalnych politycznie i moralnie filmów lat 60.”. Dodają, że pod społecznymi konfliktami filmów Lumeta kryje się „przekonanie, że miłość i rozsądek w końcu zapanują w ludzkich sprawach” oraz że „prawu i sprawiedliwości w końcu stanie się zadość – lub nie”. Jego debiutancki film, Dwunastu gniewnych ludzi , był w swoim czasie uznanym obrazem, reprezentującym model liberalnego rozumu i wspólnoty w latach pięćdziesiątych. Film i Lumet byli nominowani do Oscara, a on był nominowany do nagrody Director's Guild Award, a film był szeroko chwalony przez krytyków.
The Encyclopedia of World Biography podaje, że w jego filmach często występowali aktorzy, którzy studiowali „ metodę aktorską ”, znaną z przedstawiania ziemskiego, introspektywnego stylu. Wiodącym przykładem takich aktorów „Method” byłby Al Pacino , który na początku swojej kariery studiował pod kierunkiem guru aktorstwa Method, Lee Strasberga . Lumet preferował również spontaniczność zarówno u swoich aktorów, jak i scenerii, co nadawało jego filmom improwizacyjny wygląd, kręcąc większość jego prac w plenerze.
Próba i przygotowanie
Lumet mocno wierzył w próby i czuł, że jeśli ćwiczy się poprawnie, aktor nie straci spontaniczności. Według aktora, Iana Bernarda, czuł, że daje to aktorom „cały łuk roli”, co daje im swobodę znalezienia tego „magicznego przypadku”. Reżyser Peter Bogdanovich zapytał go, czy dużo ćwiczył przed zdjęciami, a Lumet powiedział, że lubi ćwiczyć co najmniej dwa tygodnie przed rozpoczęciem zdjęć. W ciągu tych tygodni wspomina Faye Dunaway , która zagrała w Network (1976), blokował też sceny ze swoim operatorem. W rezultacie dodaje, że „podczas jego kręcenia nie marnuje się żadna minuta, co pokazuje nie tylko budżet studia, ale także impet wykonania”. Chwali jego styl reżyserski w Network , w którym zdobyła swojego jedynego Oscara:
Sidney jest, jeśli nie, jednym z najbardziej utalentowanych i profesjonalnych ludzi na świecie… a granie w Network było jednym z najszczęśliwszych doświadczeń, jakie kiedykolwiek miałem… To naprawdę utalentowany człowiek, który przyczynił się do dobry interes dla mojego występu.
Częściowo dlatego, że jego aktorzy byli dobrze wyszkoleni, mógł zrealizować przedstawienie w szybkim tempie, dzięki czemu jego produkcje mieściły się w ich skromnym budżecie. Na przykład podczas kręcenia Prince of the City (1981), chociaż było ponad 130 ról mówionych i 135 różnych lokalizacji, był w stanie skoordynować całą sesję w 52 dni. W rezultacie, jak piszą historycy Charles Harpole i Thomas Schatz, aktorzy chętnie z nim pracowali, uważając go za „wybitnego reżysera aktorskiego”. Gwiazda filmu, Treat Williams , powiedział, że Lumet był znany jako „energiczny”:
Był po prostu kulą ognia. Miał pasję do tego, co robił i „przychodził do pracy” z płonącymi wszystkimi beczkami. Jest prawdopodobnie najlepiej przygotowanym emocjonalnie reżyserem, z jakim kiedykolwiek pracowałem. Jego filmy zawsze pojawiały się zgodnie z harmonogramem i budżetem. I wszyscy wrócili do domu na obiad.
Harpole dodaje, że „podczas gdy wielu reżyserów nie lubiło prób ani doradzania aktorom, jak budować ich postać, Lumet celował w obu”. Mógł w ten sposób łatwiej dać swoim wykonawcom filmową prezentację ich umiejętności i pomóc im pogłębić ich wkład aktorski. Aktor Christopher Reeve , który zagrał w Deathtrap (1982), również zwrócił uwagę, że Lumet potrafił mówić językiem technicznym : robi to wszystko równie dobrze”.
W miarę upływu czasu film staje się coraz bardziej wyczerpujący i naprawdę potrzebujesz reżysera, który przez cały czas pomoże ci przypomnieć, gdzie jest twoja postać. Taki był Sidney Lumet. Wszyscy wspaniali reżyserzy to zrobią.
Joanna Rapf, pisząc o kręceniu Werdyktu (1982), stwierdza, że Lumet poświęcał swoim aktorom wiele osobistej uwagi, słuchając ich lub dotykając. Opisuje, jak Lumet i gwiazdor Paul Newman usiadł na ławce z dala od głównego planu, gdzie Newman zdjął buty, aby prywatnie omówić ważną scenę, która miała zostać nakręcona… aktorzy przechodzą przez swoje sceny, zanim kamera się włączy. To przygotowanie zostało zrobione, ponieważ Lumet lubi kręcić scenę w jednym ujęciu, najwyżej w dwóch. Newman lubił nazywać go „Speedy Gonzales”, dodając, że Lumet nie strzelał więcej, niż musiał. „On nie zapewnia sobie żadnej ochrony. Wiem, że bym to zrobił” - powiedział Newman.
Krytyk filmowy Betsey Sharkey zgadza się, dodając, że „był mistrzem jednego lub dwóch lat, zanim Clint Eastwood zamienił to w szanowaną specjalność”. Sharkey wspomina: „[Faye] Dunaway powiedział mi kiedyś, że Lumet pracował tak szybko, jakby jechał na rolkach. Puls wyścigowy generowany przez wielkie serce”.
Rozwój postaci
Biograf Joanna Rapf zauważa, że Lumet zawsze był niezależnym reżyserem i lubił robić filmy o „mężczyznach, którzy zbierają się na odwagę, by rzucić wyzwanie systemowi, o małym facecie przeciwko systemowi”. Obejmuje to również postacie kobiet, jak w Garbo Talks (1984). Jej gwiazda, Anne Bancroft, ucieleśniała typ portretu, który go pociągał: „zaangażowany działacz na rzecz wszelkiego rodzaju spraw, który staje w obronie praw uciskanych, który jest żywy, szczery, odważny, który odmawia dostosowania się ze względu na wygody i której zrozumienie życia pozwala jej umrzeć z godnością ... Garbo Talks na wiele sposobów to walentynki do Nowego Jorku”.
W wywiadzie udzielonym w 2006 roku powiedział, że zawsze był „zafascynowany kosztami ludzkimi związanymi z podążaniem za pasjami i zobowiązaniami oraz kosztami, jakie te pasje i zobowiązania nakładają na innych”. Rapf zauważa, że ten temat jest podstawą większości jego filmów, takich jak jego prawdziwe filmy o korupcji w nowojorskiej policji lub dramaty rodzinne, takie jak Daniel (1983).
Psychodramy
Historyk filmu Stephen Bowles uważa, że Lumet czuł się najbardziej komfortowo i skutecznie jako reżyser poważnych psychodramów , w przeciwieństwie do lekkich rozrywek. Na przykład wszystkie jego nominacje do Oscara dotyczyły studiów nad postaciami mężczyzn w kryzysie, od jego pierwszego filmu Dwunastu gniewnych ludzi po Werdykt . Lumet celował w umieszczaniu dramatu na ekranie. Większość jego postaci kieruje się obsesjami lub pasjami, takimi jak dążenie do sprawiedliwości, uczciwości i prawdy, zazdrość, pamięć lub poczucie winy. Lumet był zaintrygowany stanami obsesyjnymi, pisze Bowles.
Bohaterowie Lumeta to zazwyczaj antybohaterowie , ludzie wyizolowani i niezwykli, buntujący się przeciwko grupie lub instytucji. Najważniejszym kryterium dla Lumeta nie było po prostu to, czy działania ludzi są dobre, czy złe, ale to, czy były one autentyczne i uzasadnione sumieniem jednostki. demaskator Frank Serpico jest kwintesencją bohatera Lumeta, którego opisał jako „buntownika mającego sprawę”.
Wcześniejszym przykładem psychodramy był The Pawnbroker (1964) z Rodem Steigerem w roli głównej . Steiger zagrał w nim z Holokaustu , którego duch został złamany i który na co dzień żyje jako kierownik lombardu w Harlemie. Lumet wykorzystał film do zbadania, z retrospekcjami, psychologicznych i duchowych blizn, z którymi żyje postać Steigera, w tym utraconej zdolności odczuwania przyjemności. Steiger, który nakręcił prawie 80 filmów, powiedział podczas wywiadu telewizyjnego, że film ten był jego ulubionym aktorem.
Zagadnienia sprawiedliwości społecznej
To socrealizm, który przeniknął jego największe dzieło, naprawdę zdefiniował Lumeta – motywy młodzieńczego idealizmu pokonanego przez korupcję i beznadziejność nieudolnych instytucji społecznych pozwoliły mu wyprodukować kilka ostrych i mocnych filmów, których nie byłby w stanie zrobić żaden inny reżyser.
Serpico (1973) był pierwszym z czterech „przełomowych” filmów Lumeta nakręconych w latach 70., które uczyniły go „jednym z największych filmowców swojego pokolenia”. Była to historia władzy i zdrady w nowojorskiej policji, z idealistycznym policjantem walczącym z niemożliwymi przeciwnościami losu.
Ponieważ Lumet był dzieckiem podczas Wielkiego Kryzysu , dorastał w biedzie w Nowym Jorku i był świadkiem otaczającej go biedy i korupcji. To zaszczepiło mu we wczesnym wieku znaczenie sprawiedliwości dla demokracji, temat, który starał się umieścić w swoich filmach. Przyznał jednak, że nie wierzy, że sam biznes filmowy ma moc, by cokolwiek zmienić. „W branży rozrywkowej jest, jak mówi, dużo„ gówna ”, ale sekretem dobrej pracy jest zachowanie uczciwości i pasji”. Historyk filmu David Thomson pisze o swoich filmach:
Ma stałe tematy: kruchość wymiaru sprawiedliwości oraz policję i jej korupcję. Lumet szybko zyskał szacunek… [i] przyzwyczaił się do wielkich spraw - Fail Safe , The Pawnbroker , The Hill , - i wydawał się rozdarty między nudą a patosem. ... Był rzadkością lat 70., reżyserem, który chętnie służył swojemu materiałowi - ale pozornie nie został przez to dotknięty ani zmieniony. ... Jego wrażliwość na aktorów i rytmy miasta uczyniła go „najdłużej żyjącym w Ameryce potomkiem neorealistycznej tradycji lat 50. i jej pilnym zaangażowaniem w etyczną odpowiedzialność.
Ustawienia Nowego Jorku
Lumet zawsze wolał pracować w Nowym Jorku i unikał dominacji Hollywood. Jako reżyser mocno utożsamiał się z Nowym Jorkiem. „Zawsze lubiłem przebywać w świecie Woody'ego Allena” - powiedział. Twierdził, że „różnorodność Miasta, jego liczne etniczne dzielnice, jego sztuka i zbrodnia, jego wyrafinowanie i korupcja, jego piękno i brzydota, wszystko to zasila to, co go inspiruje”. Czuł, że aby tworzyć, trzeba na co dzień konfrontować się z rzeczywistością. Dla Lumeta „Nowy Jork jest pełen rzeczywistości; Hollywood to kraina fantazji”.
Scotta i Barbary Siegel wielokrotnie wykorzystywał Nowy Jork jako tło - jeśli nie symbol - swojego „zaabsorbowania upadkiem Ameryki” . Lumeta pociągały historie związane z przestępczością w miejskich scenach Nowego Jorku, w których przestępcy wpadają w wir wydarzeń, których nie mogą zrozumieć ani kontrolować, ale są zmuszeni rozwiązać.
Wykorzystanie współczesnych motywów żydowskich
Podobnie jak inni żydowscy reżyserzy z Nowego Jorku, tacy jak Woody Allen , Mel Brooks i Paul Mazursky , bohaterowie Lumeta często otwarcie wypowiadali się na kontrowersyjne kwestie tamtych czasów. Czuli się nieskrępowani, gdy filmowcy, a ich sztuka została „przefiltrowana przez ich żydowską świadomość”, napisał historyk filmu David Desser . Lumet, podobnie jak inni, czasami zwracał się do tematów żydowskich, aby rozwinąć wrażliwość etniczną charakterystyczną dla współczesnej kultury amerykańskiej, dynamicznie podkreślając jej „wyjątkowe napięcia i różnorodność kulturową”. Znalazło to po części odzwierciedlenie w zaabsorbowaniu Lumeta życiem w mieście. jego film A Stranger Among Us (1992) to historia tajnej policjantki i jej doświadczeń w społeczności chasydzkiej w Nowym Jorku.
Temat „winy”, wyjaśnia Desser, dominuje w wielu filmach Lumeta. Od jego pierwszego filmu fabularnego, 12 gniewnych ludzi (1957), w którym ława przysięgłych musi rozstrzygnąć o winie lub niewinności młodego człowieka, po Q&A (1990), w którym prawnik musi rozstrzygnąć kwestię winy i odpowiedzialności po stronie niezależny policjant, poczucie winy jest wspólnym wątkiem, który przewija się przez wiele jego filmów. W filmie takim jak Morderstwo w Orient Expressie (1974) wszyscy podejrzani są winni.
Jego filmy charakteryzowały się również silnym naciskiem na życie rodzinne, często ukazując napięcia w rodzinie. Ten nacisk na rodzinę obejmował „rodziny zastępcze”, jak w trylogii policyjnej składającej się z Serpico (1973), Prince of the City (1981) i Q & A . „Nietradycyjna rodzina” jest również przedstawiana w Dog Day Afternoon (1975).
Techniki reżyserskie
Sidney był filmowcem-wizjonerem, którego filmy pozostawiły niezatarty ślad w naszej popkulturze dzięki poruszającym komentarzom na temat naszego społeczeństwa. Przyszłe pokolenia filmowców będą szukać wskazówek i inspiracji w pracach Sidneya, ale nigdy nie będzie drugiego, który się do niego zbliży.
—kompozytor Quincy Jones
Według Joanny Rapf Lumet zawsze wolał naturalizm lub realizm. Nie podobał mu się „wygląd dekoratora”, w którym kamera mogła zwrócić na siebie uwagę. Montował swoje filmy tak, aby kamera nie rzucała się w oczy. Jego operator Ron Fortunato powiedział: „Sidney przewraca się, jeśli widzi zbyt artystyczne spojrzenie”.
Częściowo dlatego, że chciał i był w stanie zająć się tak wieloma istotnymi kwestiami i problemami społecznymi, osiągnął dobre występy głównych aktorów przy dobrej pracy aktorów charakterystycznych. Jest „jedną z niezłomnych postaci nowojorskiej kinematografii. Przestrzega dobrych scenariuszy, kiedy je dostaje”, powiedział krytyk David Thomson. Chociaż krytycy różnie oceniali jego filmy, ogólnie dorobek Lumeta cieszy się dużym uznaniem. Większość krytyków określiła go jako reżysera wrażliwego i inteligentnego, mającego dobry gust, odwagę eksperymentowania ze swoim stylem i „dar do obchodzenia się z aktorami”.
W cytacie ze swojej książki Lumet podkreślał logistykę reżyserii:
Ktoś kiedyś zapytał mnie, jak wygląda kręcenie filmu. Powiedziałem, że to jak układanie mozaiki. Każda konfiguracja jest jak maleńki kafelek (układ, podstawowy element produkcji filmu, składa się z jednej pozycji kamery i związanego z nią oświetlenia). Kolorujesz, kształtujesz, polerujesz najlepiej jak potrafisz. Zrobisz sześćset lub siedemset takich, może tysiąc. (W filmie może być tak wiele ustawień.) Następnie dosłownie wklejasz je razem i masz nadzieję, że to jest to, co zamierzasz zrobić.
Krytyk Justin Chang dodaje, że umiejętności Lumeta jako reżysera i tworzenia mocnych historii były kontynuowane aż do jego ostatniego filmu w 2007 roku, pisząc o jego „zwinnym kontakcie z wykonawcami, jego zdolności do wydobywania wielkiego ciepła i pikantnego humoru jedną ręką i namawiania ich w kierunku coraz mroczniejszych, bardziej udręczonych skrajności emocji z innymi, było satysfakcjonującym pokazem w jego ostatnim, ironicznie zatytułowanym filmie, Zanim diabeł dowie się, że nie żyjesz . ”
Wizja przyszłych filmów
W wywiadzie dla magazynu New York powiedział, że spodziewa się zobaczyć więcej reżyserów z różnych środowisk etnicznych i społeczności, opowiadających swoje historie. „Wiesz, zacząłem robić filmy o Żydach, Włochach i Irlandczykach, bo nie znałem się na niczym innym”.
Filmografia
Honory i dziedzictwo
Lumet został doceniony przez Akademię Sztuki i Wiedzy Filmowej za następujące filmy:
- 30. ceremonia wręczenia Oscarów (1957): Najlepszy reżyser , nominacja, 12 gniewnych ludzi
- 48. ceremonia wręczenia Oscarów (1975): Najlepszy reżyser, nominacja, Dog Day Afternoon
- 49. ceremonia wręczenia Oscarów (1976): najlepszy reżyser, nominacja, sieć
- 55. ceremonia rozdania Oscarów (1981): najlepszy scenariusz adaptowany , nominacja, Prince of the City
- 56. ceremonia wręczenia Oscarów (1982): Najlepszy reżyser, nominacja, Werdykt
- 77. ceremonia rozdania Oscarów (2004): Honorowa Nagroda Akademii , wygrana
Lumet otrzymał także Złotego Niedźwiedzia na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Berlinie za film 12 gniewnych ludzi . Otrzymał cztery nominacje do Złotej Palmy na Festiwalu Filmowym w Cannes za filmy Długi dzień w noc (1962), Wzgórze (1965), Spotkanie (1969) i Nieznajomy wśród nas (1992). Otrzymał także nominację do Złotego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji za film Prince of the City (1981).
Według historyka filmu Bowlesa, Lumetowi udało się zostać czołowym twórcą dramatów, częściowo dlatego, że „jego najważniejszym kryterium [podczas reżyserowania] nie jest to, czy działania jego bohaterów są dobre, czy złe, ale to, czy ich działania są autentyczne”. A tam, gdzie te działania są „usprawiedliwione sumieniem jednostki, daje to jego bohaterom niezwykłą siłę i odwagę do znoszenia presji, nadużyć i niesprawiedliwości innych”. W ten sposób jego filmy nieustannie dawały nam „kwintesencję bohatera działającego wbrew autorytetowi grupy rówieśniczej i potwierdzającego własny kodeks wartości moralnych”.
Opublikowane wspomnienia Lumeta o jego życiu w filmie, Making Movies (1996), są „niezwykle beztroskie i zaraźliwe w swoim entuzjazmie dla samego rzemiosła filmowego”, pisze Bowles, „i wyraźnie kontrastują z tonem i stylem większości jego Być może znakiem rozpoznawczym Lumeta jako reżysera jest jego praca z aktorami – i wyjątkowa umiejętność tworzenia wysokiej jakości, czasem niezwykłych kreacji nawet z najbardziej nieoczekiwanych stron” Jake Coyle, pisarz dla Associated Press , zgadza się: „Podczas gdy Lumet przez lata był stosunkowo niedoceniany, aktorzy konsekwentnie grali niektóre ze swoich najbardziej pamiętnych kreacji pod jego kierownictwem. Od Katharine Hepburn po Faye Dunaway , od Henry'ego Fondy po Paula Newmana , Lumet jest znany jako reżyser aktorski”, a dla niektórych, jak Ali MacGraw , jest uważany za „marzenie każdego aktora”.
Lumet jest jednym z najważniejszych reżyserów filmowych w historii kina amerykańskiego, a jego twórczość pozostawiła niezatarty ślad zarówno w widzach, jak iw historii samego filmu.
— Frank Pierson były prezes Akademii Filmowej
W przekonaniu, że „fascynujące historie i niezapomniane kreacje Lumeta były jego mocną stroną”, reżyser i producent Steven Spielberg opisał Lumeta jako „jednego z najwybitniejszych reżyserów w długiej historii filmu”. Al Pacino , usłyszawszy o śmierci Lumeta, stwierdził, że swoimi filmami „pozostawia wielką spuściznę, ale co więcej, dla bliskich mu ludzi pozostanie najbardziej cywilizowanym człowiekiem i najmilszym człowiekiem, jakiego kiedykolwiek znałem ". Bostoński Herald pisarz James Verniere zauważa, że „w czasie, gdy amerykański przemysł filmowy chce zobaczyć, jak nisko może upaść, Sidney Lumet pozostaje mistrzem moralnie złożonego amerykańskiego dramatu”. Po jego śmierci inni nowojorscy reżyserzy Woody Allen i Martin Scorsese złożyli hołd Lumetowi. Allen nazwał go „kwintesencją nowojorskiego filmowca”, a Scorsese powiedział, że „nasza wizja miasta została wzmocniona i pogłębiona przez takie klasyki, jak Serpico , Dog Day Afternoon , a przede wszystkim niezwykły Prince of the City”. Lumet zebrał też pochwały od burmistrza Nowego Jorku Michaela Bloomberga , który nazwał go „jednym z wielkich kronikarzy naszego miasta”.
Nie zdobył indywidualnego Oscara, chociaż otrzymał Honorową Nagrodę Akademii w 2005 roku, a 14 jego filmów było nominowanych do różnych Oscarów, takich jak Network , który był nominowany do 10, zdobywając 4. W 2005 roku Lumet otrzymał Oscara Nagroda za całokształt twórczości za „wspaniałe zasługi dla scenarzystów, wykonawców i sztuki filmowej.
Kilka miesięcy po śmierci Lumeta w kwietniu 2011 r. Komentator telewizyjny Lawrence O'Donnell wyemitował hołd dla Lumeta, a retrospektywne obchody jego pracy odbyły się w nowojorskim Lincoln Center z udziałem wielu mówców i gwiazd filmowych. W październiku 2011 roku organizacja Human Rights First zainaugurowała przyznanie nagrody „Sidney Lumet Award for Integrity in Entertainment” za program telewizyjny The Good Wife, wraz z wręczeniem nagród dwóm działaczom z Bliskiego Wschodu, którzy pracowali na rzecz wolności i demokracji. Lumet współpracował z Human Rights First nad projektem medialnym związanym z przedstawianiem tortur i przesłuchań w telewizji.
| Rok | Tytuł | nagrody Akademii | Nagrody BAFTA | Złote Globy | |||
|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Nominacje | Zwycięstwa | Nominacje | Zwycięstwa | Nominacje | Zwycięstwa | ||
| 1957 | 12 gniewnych ludzi | 3 | 2 | 1 | 4 | ||
| 1962 | Podróż długiego dnia w noc | 1 | 1 | ||||
| 1964 | lombard | 1 | 2 | 1 | 1 | ||
| Niezawodny | 1 | ||||||
| 1965 | Wzgórze | 6 | 1 | ||||
| 1966 | Grupa | 1 | 1 | ||||
| 1967 | Śmiertelna sprawa | 5 | |||||
| 1970 | King: sfilmowana płyta… Montgomery do Memphis | 1 | |||||
| 1973 | Przestępstwo | 1 | |||||
| Serpico | 2 | 3 | 2 | 1 | |||
| 1974 | Morderstwo w Orient Expressie | 6 | 1 | 10 | 3 | ||
| 1975 | Psie popołudnie | 6 | 1 | 6 | 2 | 7 | |
| 1976 | Sieć | 10 | 4 | 9 | 1 | 5 | 4 |
| 1977 | Equus | 3 | 5 | 1 | 2 | 2 | |
| 1978 | Czarodziej | 4 | 5 | 1 | 2 | 2 | |
| 1981 | Książę Miasta | 1 | 3 | ||||
| 1982 | Werdykt | 5 | 5 | ||||
| 1984 | Rozmowy Garbo | 1 | |||||
| 1986 | Rano po | 1 | 3 | ||||
| 1988 | Działa na pustym | 2 | 5 | 1 | |||
| 1990 | Pytania i odpowiedzi | 1 | |||||
| Całkowity | 46 | 6 | 56 | 11 | 43 | 10 | |
Życie osobiste i śmierć
Lumet był czterokrotnie żonaty; pierwsze trzy małżeństwa zakończyły się rozwodem. Był żonaty z aktorką Ritą Gam od 1949 do 1955; artystce i spadkobierczyni Glorii Vanderbilt od 1956 do 1963; do Gail Jones (córki Leny Horne ) od 1963 do 1978; oraz Mary Bailey Gimbel (była żona Petera Gimbela ) od 1980 do jego śmierci. Miał dwie córki z Jonesem: Amy, która była żoną PJ O'Rourke w latach 1990-1993, oraz aktorkę/scenarzystkę Jenny , która zagrała główną rolę w jego filmie Q&A. . Napisała także scenariusz do filmu Rachel wychodzi za mąż (2008), a także współtworzyła dwa seriale telewizyjne z Alexem Kurtzmanem , sequel Milczenia owiec Clarice i Star Trek: Strange New Worlds .
Lumet zmarł w wieku 86 lat 9 kwietnia 2011 roku w swojej rezydencji na Manhattanie na chłoniaka . Zapytany w wywiadzie z 1997 roku, jak chciał „wyjść”, Lumet odpowiedział: „Nie myślę o tym. Nie jestem religijny. Wiem, że nie chcę zajmować żadnej przestrzeni. Spal mnie i rozsyp moje prochy nad Delikatesami Katza ”.
Linki zewnętrzne
- Sidneya Lumeta z IMDb
- Sidney Lumet w internetowej bazie danych Broadway
- Sidney Lumet w internetowej bazie danych Off-Broadway
- „Last Word” New York Times 21 kwietnia 2011, wideo (14 minut)
- Archive of American Television, wywiad TV Legends, wideo z 1999 r., 6 części, 3 godziny
- Wywiad Fresh Air z 2006 roku (audio)
- Sidney Lumet: Książę Nowego Jorku
| Międzynarodowy | |
|---|---|
| Krajowy | |
| Akademicy | |
| Artyści | |
| Ludzie | |
| Inny | |
- 1924 urodzeń
- 2011 zgonów
- XX-wieczni amerykańscy aktorzy płci męskiej
- Amerykańscy Żydzi XXI wieku
- Amerykańscy aktorzy XXI wieku
- Laureaci Honorowej Nagrody Akademii
- amerykańscy aktorzy filmowi
- amerykańscy scenarzyści płci męskiej
- Amerykanie pochodzenia polsko-żydowskiego
- amerykańscy reżyserzy telewizyjni
- amerykańscy reżyserzy teatralni
- Laureaci Złotego Globu dla najlepszego reżysera
- Absolwenci obozu Rising Sun
- Absolwenci Uniwersytetu Columbia
- Zgony z powodu raka w Nowym Jorku (stan)
- Zgony z powodu chłoniaka
- Reżyserzy zdobywców Złotego Niedźwiedzia
- Reżyserzy filmowi z Nowego Jorku
- Producenci filmowi z Nowego Jorku (stan)
- Producenci filmowi z Pensylwanii
- Żydowscy amerykańscy aktorzy płci męskiej
- żydowscy reżyserzy teatralni
- Rodzina Lumetów
- Personel wojskowy z Filadelfii
- Ludzie z Lower East Side
- Scenarzyści z Nowego Jorku (stan)
- Scenarzyści z Pensylwanii
- Producenci telewizyjni z Nowego Jorku
- Producenci telewizyjni z Pensylwanii
- Personel armii Stanów Zjednoczonych z okresu II wojny światowej
- Żołnierze armii Stanów Zjednoczonych
- Pisarze z Filadelfii
- Artyści teatru jidysz