Roberta Altmana
.jpg)
.svg){kind=small}
Robert Bernard Altman ( / 20 ɔː l t m ə n / AWLT -mən ; lutego 1925 - 20 listopada 2006) był amerykańskim reżyserem , scenarzystą i producentem . Był pięciokrotnie nominowany do Oscara dla najlepszego reżysera i jest uważany za trwałą postać ery Nowego Hollywood .
Styl filmowania Altmana obejmował wiele gatunków, ale zwykle z „ wywrotowym ” akcentem, który zazwyczaj opierał się na satyrze i humorze, aby wyrazić swoje osobiste poglądy. Altman zyskał reputację „antyhollywoodzkiego” i nonkonformisty zarówno w swoich tematach, jak i stylu reżyserskim. Aktorzy szczególnie lubili pracować pod jego kierunkiem, ponieważ zachęcał ich do improwizacji, inspirując tym samym ich własną kreatywność.
preferował duże obsady zespołowe i opracował technikę nagrywania wielościeżkowego, która dawała nakładające się dialogi wielu aktorów. Dało to widzowi bardziej naturalne, dynamiczne i złożone wrażenia. Wykorzystał także wysoce mobilną pracę kamery i obiektywy zmiennoogniskowe, aby uwydatnić aktywność odbywającą się na ekranie. Krytyczka Pauline Kael , pisząc o swoim stylu reżyserskim, powiedziała, że Altman potrafił „zrobić filmowe fajerwerki prawie z niczego”. Do najsłynniejszych osiągnięć reżyserskich Altmana należą M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), Długie pożegnanie (1973), Nashville (1975), 3 kobiety (1977), Gracz (1992), Na skróty (1993) i Gosford Park (2001).
W 2006 roku Akademia Sztuki i Wiedzy Filmowej uhonorowała dorobek Altmana Honorową Nagrodą Akademii . Nigdy nie zdobył konkurencyjnego Oscara pomimo siedmiu nominacji. Jego filmy M*A*S*H , McCabe i pani Miller , The Long Goodbye i Nashville zostały wybrane do National Film Registry Stanów Zjednoczonych . Altman jest jednym z trzech filmowców, których filmy zdobyły Złotego Niedźwiedzia w Berlinie i Złotego Lwa w Wenecji oraz Złotą Palmę w Cannes (dwa pozostałe to Henri-Georges Clouzot i Michelangelo Antonioni ).
Wczesne życie
Altman urodził się 20 lutego 1925 roku w Kansas City w stanie Missouri jako syn Helen (z domu Matthews), potomkini Mayflower z Nebraski i Bernarda Clementa Altmana, bogatego sprzedawcy ubezpieczeń i amatorskiego hazardzisty, który pochodził z klasy wyższej. rodzina. Pochodzenie Altmana było niemieckie, angielskie i irlandzkie; jego dziadek ze strony ojca, Frank Altman senior, zangielizował pisownię nazwiska rodowego z „Altmann” na „Altman”. Altman miał katolika wychowanie, ale nie kontynuował wyznawania ani praktykowania religii jako dorosły, chociaż określano go jako „rodzaj katolika” i katolickiego reżysera. Kształcił się w jezuickich , w tym w Rockhurst High School w Kansas City. Ukończył Akademię Wojskową Wentworth w Lexington w stanie Missouri w 1943 roku.
Wkrótce po ukończeniu studiów Altman dołączył do Sił Powietrznych Armii Stanów Zjednoczonych w wieku 18 lat. Podczas II wojny światowej Altman wykonał ponad 50 bombardowań jako drugi pilot B-24 Liberator z 307. Grupą Bombową na Borneo i Holenderskie Indie Wschodnie . Po zwolnieniu w 1947 Altman przeniósł się do Kalifornii. Pracował w reklamie firmy, która wynalazła maszynę do tatuażu do identyfikacji psów. RKO scenariusz do filmu Bodyguard z 1948 roku , który napisał wspólnie z George'em W. George'em. Natychmiastowy sukces Altmana zachęcił go do przeniesienia się do Nowego Jorku, gdzie próbował zrobić karierę pisarza. Odnosząc niewielki sukces, wrócił do Kansas City w 1949 roku; gdzie przyjął posadę reżysera i scenarzysty filmów przemysłowych dla firmy Calvin . Altman wyreżyserował około 65 filmów przemysłowych i dokumentalnych dla Calvin Company. W swojej wczesnej pracy nad filmami industrialnymi Altman eksperymentował z techniką narracji i rozwinął swoje charakterystyczne użycie nakładających się dialogów. W lutym 2012 roku wczesny film Calvina wyreżyserowany przez Altmana, Modern Football (1951), został znaleziony przez filmowca Gary'ego Hugginsa.
Kariera
1950
Pierwsze wyprawy Altmana do reżyserii telewizyjnej miały miejsce w serialu dramatycznym DuMont Pulse of the City (1953–1954) oraz w jednym z odcinków westernowego serialu The Sheriff of Cochise z 1956 roku . W 1956 roku został zatrudniony przez miejscowego biznesmena do napisania i wyreżyserowania filmu fabularnego w Kansas City o przestępczości nieletnich . Film zatytułowany The Delinquents , nakręcony za 60 000 dolarów, został zakupiony przez United Artists za 150 000 dolarów i wydany w 1957 roku. Choć prymitywny, ten film o eksploatacji nastolatków zawierał podstawy późniejszej pracy Altmana polegającej na wykorzystaniu swobodnych, naturalistycznych dialogów. Dzięki temu sukcesowi Altman po raz ostatni przeniósł się z Kansas City do Kalifornii. Współreżyserował The James Dean Story (1957), film dokumentalny, który pojawił się w kinach, aby wykorzystać niedawną śmierć aktora i sprzedawany jego wschodzącemu kultowi. Obie prace zwróciły uwagę Alfreda Hitchcocka , który zatrudnił Altmana jako reżysera jego serii antologii CBS Alfred Hitchcock Presents . Po zaledwie dwóch odcinkach Altman zrezygnował z powodu różnic z producentem, ale ta ekspozycja umożliwiła mu udaną karierę telewizyjną. W ciągu następnej dekady Altman pracował obficie w telewizji (i prawie wyłącznie w serialach), reżyserując wiele odcinków Whirlybirds , Milioner , US Marshal , Rozwiązywanie problemów , Szalone lata 20. , Bonanza , Przystanek autobusowy , Kraft Mystery Theatre , Walka! , a także pojedyncze odcinki kilku innych znanych seriali, w tym Hawaiian Eye , Maverick (odcinek czwartego sezonu „Bolt From the Blue”, również napisany przez Altmana, z udziałem Rogera Moore'a ), Lawman , Surfside 6 , Petera Gunna i Route 66 .
1960
W latach sześćdziesiątych Altman dał się poznać jako reżyser telewizyjny ze względu na swoją zdolność do szybkiej i wydajnej pracy przy ograniczonym budżecie. Chociaż często był zwalniany z projektów telewizyjnych za odmowę przestrzegania mandatów sieci, Altman zawsze był w stanie zdobyć nowe zadania. W 1964 roku producenci postanowili rozszerzyć „Once Upon a Savage Night”, jeden z jego odcinków Kraft Suspense Theatre , do wydania jako film telewizyjny pod tytułem Nightmare in Chicago . W odcinku „The Hunt” z 1963 roku w jego obsadzie znaleźli się James Caan i Bruce Dern .
Dwa lata później Altman został zatrudniony do wyreżyserowania niskobudżetowego filmu o podróżach kosmicznych Countdown , ale został zwolniony w ciągu kilku dni od zakończenia projektu, ponieważ odmówił montażu filmu do rozsądnej długości. Ponownie pracował z Caanem, który prowadził obsadę z Robertem Duvallem . Kolejny film wyreżyserował dopiero w That Cold Day in the Park (1969), który był krytyczną i kasową katastrofą.
W ciągu dekady Altman zaczął wyrażać w swoich pracach podteksty polityczne. W szczególności wyraził nastroje antywojenne dotyczące wojny w Wietnamie . Z tego powodu kariera Altmana nieco ucierpiała, gdy zaczął być kojarzony z ruchem antywojennym .
lata 70
W 1969 roku Altmanowi zaproponowano scenariusz do MASH , adaptacji mało znanej powieści z czasów wojny koreańskiej , satyrycznej na życie w siłach zbrojnych; przeszło tuzin innych filmowców. Altman wahał się przed podjęciem produkcji, a sesja była tak burzliwa, że Elliott Gould i Donald Sutherland próbowali zwolnić Altmana z powodu jego niekonwencjonalnych metod filmowania. Niemniej jednak MASH został powszechnie okrzyknięty klasykiem po wydaniu w 1970 roku. Zdobył Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1970 roku i zdobył pięć nominacji do Oscara . Był to najbardziej dochodowy film Altmana, wydany w okresie narastających nastrojów antywojennych w Stanach Zjednoczonych. Filmoteka Akademii zachowała MASH w 2000 roku.
Teraz uznawany za wielki talent, Altman odniósł krytyczny sukces filmem McCabe & Mrs. Miller (1971), rewizjonistycznym westernem , w którym zjadliwe piosenki Leonarda Cohena podkreślają szorstką wizję amerykańskiego pogranicza; The Long Goodbye (1973), kontrowersyjna adaptacja powieści Raymonda Chandlera (na scenariuszu Leigh Brackett ), która obecnie ma znaczący wpływ na podgatunek neo-noir ; Złodzieje tacy jak my (1974), adaptacja powieści Edwarda Andersona, nakręcona wcześniej przez Nicholas Ray , jak żyją nocą (1949); California Split (1974), komediodramat hazardowy nakręcony częściowo w Reno w stanie Nevada ; i Nashville (1975), który miał silny motyw polityczny w stosunku do świata muzyki country . Gwiazdy filmu napisały własne piosenki; Keith Carradine zdobył Oscara za piosenkę „ I’m Easy ”. Chociaż jego filmy często spotykały się z dzielącymi uwagami, wielu wybitnych krytyków filmowych tamtej epoki (w tym Pauline Kael , Vincent Canby i Roger Ebert ) pozostali niezłomnie wierni jego reżyserskiemu stylowi przez całą dekadę.
Widzowie potrzebowali trochę czasu, aby docenić jego filmy, a on nie chciał zadowolić urzędników studia. W 1970 roku, po wydaniu MASH, założył Lion's Gate Films, aby mieć swobodę niezależnej produkcji. Firmy Altmana nie należy mylić z obecną firmą Lionsgate , kanadyjsko-amerykańską firmą rozrywkową. Filmy, które nakręcił za pośrednictwem swojej firmy, to między innymi Brewster McCloud , Wesele , 3 kobiety i Kwintet .
lata 80
W 1980 roku wyreżyserował film muzyczny Popeye . Wyprodukowany przez Roberta Evansa i napisany przez Julesa Feiffera , film został oparty na komiksie / kreskówce o tym samym tytule , aw jego debiucie filmowym wystąpili Shelley Duvall i komik Robin Williams . Zaprojektowany jako narzędzie do zwiększenia komercyjnej siły Altmana po serii docenionych przez krytyków, ale nieudanych komercyjnie niskobudżetowych filmów z późnych lat 70. (w tym 3 kobiety , Wesele i Kwintet ), produkcja była kręcona w plenerze na Malcie . Wkrótce został nękany przez intensywne używanie narkotyków i alkoholu przez większość obsady i ekipy, w tym reżysera; Altman podobno starł się z Evansem, Williamsem (który zagroził, że opuści film) i autorem piosenek Harrym Nilssonem (który odszedł w połowie zdjęć, pozostawiając Van Dyke Parks , aby dokończył orkiestracje). Chociaż film zarobił 60 milionów dolarów na całym świecie przy budżecie 20 milionów dolarów i był drugim najbardziej dochodowym filmem wyreżyserowanym przez Altmana do tego momentu, nie spełnił oczekiwań studia i został uznany za rozczarowanie kasowe.
W 1981 roku reżyser sprzedał Lion's Gate producentowi Jonathanowi Taplinowi po tym, jak jego satyra polityczna Health (nakręcona na początku 1979 roku z myślą o wydaniu bożonarodzeniowym) została odłożona na półkę przez wieloletniego dystrybutora 20th Century Fox po letnich testach i pokazach festiwalowych w całym 1980 roku. Odejście wieloletniego partyzanta Altmana Alan Ladd Jr. z Fox również odegrał decydującą rolę w zapobieganiu premierze filmu.
Nie mogąc zapewnić sobie dużego finansowania w epoce hitu po Nowym Hollywood ze względu na swoją zmienną reputację i szczególnie burzliwe wydarzenia związane z produkcją Popeye'a , Altman zaczął „reżyserować literackie dzieła dramatyczne przy skromnych budżetach na scenę, domowe wideo, telewizję i ograniczone kinowej premierze”, w tym uznanym Secret Honor i Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean , krytycznie antypodejskiej adaptacji sztuki, którą Altman wyreżyserował na Broadwayu.
W 1982 Altman wystawił inscenizację The Rake's Progress Igora Strawińskiego na Uniwersytecie Michigan , gdzie jednocześnie prowadził zajęcia ze swoich filmów. Wkrótce potem wrócił do kręcenia filmu Secret Honor ze studentami. W 2008 roku Biblioteka Uniwersytetu Michigan nabyła archiwum Altmana. Był także współautorem przeboju Johna Andersona z 1983 roku „ Black Sheep ”.
Komedia dla nastolatków O.C. i Stiggs (1985), nieudany powrót do hollywoodzkiego kręcenia filmów, scharakteryzowany retrospektywnie przez Brytyjski Instytut Filmowy jako „prawdopodobnie najmniej udany film Altmana”, otrzymał spóźnioną, ograniczoną premierę komercyjną w 1987 roku po tym, jak został odłożony na półkę przez MGM .
Zaadaptowany przez Altmana i Sama Sheparda dla The Cannon Group z nominowanej do nagrody Pulitzera sztuki Sheparda , Fool for Love (1985) przedstawiał dramaturga-aktora obok Kim Basinger , Harry'ego Deana Stantona i Randy'ego Quaida ; wypadł lepiej niż większość jego filmów z tamtej epoki, zarabiając 900 000 dolarów w kraju przy budżecie 2 milionów dolarów i pozytywnych recenzjach Rogera Eberta i Vincenta Canby'ego . Mimo to powszechna popularność wśród publiczności nadal mu umykała.
Nadal odzyskiwał odrobinę przychylności krytyków swoim telewizyjnym mockumentem Tanner '88 (1988), współpracą z Garrym Trudeau, osadzoną w środowisku kampanii prezydenckiej w Stanach Zjednoczonych, za którą zdobył nagrodę Primetime Emmy .
lata 90
W 1990 roku Altman wyreżyserował Vincent & Theo , biograficzny film o Vincencie van Goghu , który miał być miniserialem telewizyjnym do emisji w Wielkiej Brytanii. Kinowa wersja filmu odniosła skromny sukces w Stanach Zjednoczonych, wyznaczając znaczący punkt zwrotny w krytycznym odrodzeniu reżysera.
Na poważnie ożywił swoją karierę filmem The Player (1992), satyrą na Hollywood. Współprodukowany przez wpływowego Davida Browna ( Żądło , Szczęki , Kokon ) film był nominowany do trzech Oscarów, w tym dla najlepszego reżysera . Chociaż nie zdobył Oscara, otrzymał nagrodę dla najlepszego reżysera na Festiwalu Filmowym w Cannes , nagrodę BAFTA i Nowojorskie Koło Krytyków Filmowych .
Następnie Altman wyreżyserował Short Cuts (1993), ambitną adaptację kilku opowiadań Raymonda Carvera , które przedstawiały życie różnych mieszkańców Los Angeles na przestrzeni kilku dni. Duża obsada filmu i przeplatanie się wielu różnych historii były podobne do jego filmów z dużą obsadą z lat 70.; zdobył Złotego Lwa na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1993 roku i kolejną nominację do Oscara dla najlepszego reżysera.
Reszta lat 90. przyniosła Altmanowi ograniczony sukces. Jego wydany w 1994 roku Prêt-à-Porter (znany również jako Ready to Wear ) zyskał znaczny rozgłos przed premierą, ale okazał się komercyjną i krytyczną klapą, chociaż otrzymał kilka nominacji do nagród na koniec roku, w tym dwie nominacje do Złotego Globu i zdobył nagrodę Nagroda National Board of Review dla najlepszego aktora zespołu . W 1996 Altman wyreżyserował Kansas City , wyrażając swoją miłość do jazzu lat 30. poprzez skomplikowaną historię porwania. Historia otrzymała letnie lub pozytywne recenzje, ale prawie nic nie przyniosła w kasie, podobnie jak thriller prawniczy z 1998 roku The Gingerbread Man .
Zakończył dekadę na wysokim poziomie, wydając w 1999 roku Cookie's Fortune , dziwaczną czarną komedię o samobójstwie bogatej wdowy, jego pierwszym filmem od prawie 6 lat, który odzyskał budżet i który przyniósł mu ogólnie pozytywne pochwały od krytyków. W 1999 roku został wybrany członkiem Amerykańskiej Akademii Sztuki i Nauki .
2000s
Gosford Park (2001), brytyjska tajemnica morderstwa w wiejskim domu z dużą obsadą , znalazł się na listach wielu krytyków dziesięciu najlepszych filmów tamtego roku. Zdobył Oscara za najlepszy scenariusz oryginalny ( Julian Fellowes ) oraz sześć innych nominacji, w tym dwie dla Altmana, jako najlepszy reżyser i najlepszy film.
Współpraca z niezależnymi studiami, takimi jak zamknięte obecnie Fine Line, Artisan (które zostało wchłonięte przez dzisiejsze Lionsgate ) i USA Films (obecnie Focus Features ), dała Altmanowi przewagę w tworzeniu filmów, które zawsze chciał robić bez ingerencji ze strony studia. . Filmowa wersja publicznej serii radiowej Garrisona Keillora A Prairie Home Companion została wydana w czerwcu 2006 roku. Altman wciąż rozwijał nowe projekty aż do swojej śmierci, w tym film oparty na Hands on a Hard Body: The Documentary (1997).
W 2006 roku Akademia Sztuki i Wiedzy Filmowej przyznała Altmanowi Honorową Nagrodę Akademii za całokształt twórczości. Podczas swojego przemówienia wyjawił, że około dziesięć lub jedenaście lat wcześniej przeszedł przeszczep serca. Reżyser zażartował następnie, że być może Akademia działała przedwcześnie, uznając dorobek jego pracy, ponieważ czuł, że może mieć przed sobą jeszcze cztery dekady życia.
Styl i technika reżyserska
Maverick i autor
Po udanej karierze telewizyjnej Altman rozpoczął nową karierę w przemyśle filmowym, gdy był w średnim wieku. Rozumiał twórcze ograniczenia narzucone przez gatunek telewizyjny, a teraz postanowił reżyserować i pisać filmy, które wyrażałyby jego osobiste wizje dotyczące amerykańskiego społeczeństwa i Hollywood. Jego filmy byłyby później opisywane jako „ autorystyczne ataki” i „idiosynkratyczne wariacje” tradycyjnych filmów, zazwyczaj wykorzystujące subtelną komedię lub satyrę jako sposób wyrażania swoich obserwacji.
Jego filmy były zazwyczaj związane z tematami politycznymi, ideologicznymi i osobistymi, a Altman był znany z „odmowy kompromisu z własną wizją artystyczną”. Był opisywany jako „antyhollywoodzki”, często ignorujący presję społeczną, która dotykała innych w branży, co utrudniało mu obejrzenie wielu jego filmów. Powiedział, że jego niezależność jako filmowca pomogła mu ogólnie:
Nie wydaje mi się, żeby istniał żyjący filmowiec, lub ktokolwiek kiedykolwiek żył, który miał lepszy wstrząs niż ja. Nigdy nie byłem bez projektu i zawsze był to projekt z mojego własnego wyboru. Więc nie wiem, o ile może być lepiej. Nie zostałem potentatem, nie buduję zamków i nie mam ogromnej osobistej fortuny, ale byłem w stanie robić to, co chciałem robić i robiłem to dużo.
„Altman był prawdziwym filmowym indywidualistą”, stwierdza autor Ian Freer , ponieważ sprzeciwiał się komercyjnemu konformizmowi przemysłu filmowego: „Był plagą establishmentu filmowego, a jego twórczość rzucała bystre, zjadliwe spojrzenie na szeroki wachlarz kultura amerykańska, często eksplozja gatunków i archetypów postaci; Altman był zafascynowany ludźmi z niedoskonałościami, ludźmi takimi, jakimi są naprawdę, a nie takimi, jakimi chcielibyście wierzyć w filmach”. Reżyser Alan Rudolph , podczas specjalnego hołdu dla Altmana, określa swój styl filmowy jako „Altmanesque”.
Swoim niezależnym stylem reżyserskim zyskał złą reputację wśród scenarzystów i osób zajmujących się filmową stroną biznesową. Przyznaje: „Mam złą reputację wśród pisarzy, wypracowaną przez lata:„ Och, on nie robi tego, co piszesz, bla bla bla ”. ... Ring Lardner był na mnie bardzo wkurzony, „za nieprzestrzeganie jego scenariusza. Altman nie dogadywał się też dobrze z szefami wytwórni, raz uderzył dyrektora wykonawczego w nos i wrzucił go do basenu, ponieważ nalegał, by wyciąć sześć minut z filmu, nad którym pracował.
Jego reputacja wśród aktorów była lepsza. W przypadku nich jego niezależność czasami rozciągała się na dobór aktorów, często wbrew konsensusowi. Cher , na przykład, przypisuje mu rozpoczęcie kariery zarówno sztuką teatralną, jak i filmem Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). „Bez Boba nigdy nie miałbym kariery filmowej. Wszyscy mówili mu, żeby mnie nie obsadzał. Wszyscy… Nikt nie dałby mi spokoju. Jestem przekonany, że Bob był jedynym, który był na tyle odważny, aby to zrobić”. Inni, jak Julianne Moore , opisują pracę z nim:
Wiesz, cała ta rozmowa o Bobie jako irytującej, trudnej osobie? Cóż, nigdy nie był taki w stosunku do aktora lub kreatywnej osoby, którą widziałem. Nigdy nigdy nigdy. Oszczędził to wszystko dla pieniędzy ludzi.
Reżyser Robert Dornhelm powiedział, że Altman „patrzył na film jako na czyste, artystyczne miejsce”. Na przykład w przypadku Short Cuts (1993) dystrybutor „błagał go”, aby skrócił o kilka minut długość, aby zachować komercyjną opłacalność: „Bob pomyślał po prostu, że antychryst próbuje zniszczyć jego sztukę. Byli to ludzie o dobrych intencjach który chciał, żeby dostał to, na co zasłużył, co było wielkim komercyjnym hitem. Ale kiedy chodziło o sztukę lub pieniądze, był ze sztuką ”.
Sally Kellerman , zauważając umyślną postawę Altmana, z żalem spoglądała wstecz na rezygnację z szansy zagrania w jednym z jego filmów:
Właśnie skończyłem kręcić Last of the Red Hot Lovers, kiedy pewnego dnia Bob zadzwonił do mnie do domu. „Sally, chcesz być na moim zdjęciu po następnym?” on zapytał. – Tylko jeśli to dobra rola – powiedziałem. Rozłączył się ze mną.
Bob był tak samo uparty i arogancki jak ja w tamtym czasie, ale smutne jest to, że oszukałem się, odmawiając pracy z kimś, kogo tak bardzo kochałem, z kimś, kto sprawiał, że granie było zarówno zabawne, jak i łatwe i kto ufał swoim aktorom. Bob kochał aktorów. Gwiazdy ustawiłyby się w kolejce, by pracować za darmo dla Boba Altmana.
Tematy i przedmioty
W przeciwieństwie do reżyserów, których twórczość mieści się w różnych gatunkach filmowych , takich jak westerny, musicale, filmy wojenne czy komedie, twórczość Altmana została zdefiniowana przez różnych krytyków jako bardziej „antygatunkowa”. Wynika to częściowo z satyrycznego i komediowego charakteru wielu jego filmów. Geraldine Chaplin , córka Charliego Chaplina , porównała humor w jego filmach do filmów swojego ojca:
Są zabawni we właściwy sposób. Zabawne w krytyczny sposób — o tym, czym jest świat iw jakim żyjemy. Obaj byli geniuszami na swój sposób. Zmieniają twoje postrzeganie rzeczywistości. Mają swój świat i swój humor. Ten humor jest tak rzadki.
Altman dał jasno do zrozumienia, że nie lubi „opowiadania historii” w swoich filmach, w przeciwieństwie do sposobu, w jaki kręcono większość filmów telewizyjnych i głównego nurtu. Według biografa Altmana, Mitchella Zuckoffa , „nie podobało mu się słowo„ historia ”, wierząc, że fabuła powinna być drugorzędna w stosunku do badania czystego (lub jeszcze lepiej, nieczystego) ludzkiego zachowania”. Zuckoff opisuje cele leżące u podstaw wielu filmów Altmana: „Uwielbiał chaotyczną naturę prawdziwego życia, ze sprzecznymi perspektywami, zaskakującymi zwrotami akcji, niewyjaśnionymi akcjami i niejednoznacznymi zakończeniami. Szczególnie kochał wiele głosów, czasem kłócących się, czasem zgadzających się, idealnie nakładających się, przyjęcie koktajlowe lub scena uliczna uchwycona tak, jak ją przeżywał. Julianne Moore , po obejrzeniu kilku jego filmów, przypisuje stylowi reżyserskiemu Altmana jej decyzję o zostaniu aktorką filmową, a nie teatralną:
Odczułem to naprawdę mocno. Pomyślałem: „Nie wiem, kim jest ten facet, ale właśnie to chcę robić. Chcę wykonywać taką pracę”. Odtąd oglądałem jego filmy, kiedy tylko mogłem, a on zawsze był moim absolutnie ulubionym reżyserem ze względu na to, co mówił tematycznie i emocjonalnie oraz co czuł do ludzi.
Autor filmowy Charles Derry pisze, że filmy Altmana „charakterystycznie zawierają spostrzegawcze obserwacje, wymowne wymiany zdań i momenty krystalicznie czystego objawienia ludzkiej głupoty”. Ponieważ Altman był bystrym obserwatorem społeczeństwa i „szczególnie interesował się ludźmi”, zauważa Derry, wielu z jego filmowych bohaterów miało „tę niechlujną niedoskonałość związaną z istotami ludzkimi takimi, jakimi są, z życiem takim, jakim się żyje”. W rezultacie jego filmy są często pośrednią krytyką amerykańskiego społeczeństwa.
W wielu filmach Altmana zawartość satyryczna jest oczywista: na przykład MASH (1970) to satyryczna czarna komedia, której akcja toczy się podczas wojny koreańskiej; McCabe & Mrs. Miller (1971) to satyra na westerny; autor Matthew Kennedy stwierdza, że Nashville (1975) to „genialna satyra na Amerykę bezpośrednio przed dwusetną rocznicą”; Wesele (1978) to satyra na amerykańskie rytuały małżeńskie i hipokryzję; Sam Altman powiedział, że Gracz (1992) był „bardzo łagodną satyrą” na hollywoodzki przemysł filmowy i Vincent Canby zgodził się, stwierdzając, że „jako satyra Gracz łaskocze. Nie leje się krew”. Satyra jego filmów czasami prowadziła do ich niepowodzenia w kasie, jeśli dystrybutor nie rozumiał ich satyrycznego charakteru. Altman obwinia niepowodzenie kasowe The Long Goodbye (1973) za błędny marketing filmu jako thrillera:
Kiedy obraz się otworzył, była to wielka, wielka klapa. ... Poszedłem do Davida Pickera i powiedziałem: „Nie możesz tego zrobić. Nic dziwnego, że ten pieprzony obraz zawodzi. Sprawia złe wrażenie. Sprawiasz, że wygląda to jak thriller, a to nie jest, to satyra.
Podobnie Altman obwinia niepowodzenie OC & Stiggs , że jest reklamowany jako typowy „film dla nastolatków”, a nie jako „satyra na film dla nastolatków”, jak go nakręcił.
Dialog improwizacji
Altman lubił historie wyrażające wzajemne relacje między kilkoma postaciami, bardziej zainteresowany motywacją postaci niż zawiłymi fabułami. Dlatego miał tendencję do szkicowania tylko podstawowej fabuły filmu, odnosząc się do scenariusza jako „planu” akcji. Zachęcając swoich aktorów do improwizowania dialogów, Altman stał się w ten sposób znany jako „reżyser aktorski”, reputacja, która przyciągnęła wielu wybitnych aktorów do pracy w jego dużych obsadach. Artyści lubią pracować z Altmanem po części dlatego, że „zapewnia im swobodę rozwijania swoich postaci i często zmienia scenariusz poprzez improwizację i współpracę” — zauważa Derry. Richard Baskin mówi, że „Bob był raczej niezwykły w swoim sposobie pozwalania ludziom robić to, co robili. Ufał, że zrobisz to, co zrobiłeś, i dlatego zabiłbyś dla niego”.
Geraldine Chaplin , która grała w Nashville , wspomina jedną ze swoich pierwszych prób:
Powiedział: „Czy przyniosłeś swoje scenariusze?” Powiedzieliśmy tak. Powiedział: „Cóż, wyrzuć je. Nie potrzebujesz ich. Musisz wiedzieć, kim jesteś, gdzie jesteś iz kim”. ... To było jak bycie na scenie z pełną salą co sekundę. Wszystkie występy cyrkowe, które miałaś w swoim ciele, zrobiłabyś tylko dla niego.
Altman regularnie pozwalał swoim aktorom rozwijać postać poprzez improwizację podczas prób lub czasami podczas samego kręcenia. Taka improwizacja była rzadkością w filmie ze względu na wysokie koszty produkcji filmowej, która wymaga starannego planowania, precyzyjnych scenariuszy i prób, zanim kosztowny film zostanie naświetlony. Niemniej jednak Altman wolał wykorzystywać improwizację jako narzędzie pomagające swoim aktorom w rozwijaniu ich postaci. Altman powiedział, że „kiedy zaczniemy kręcić, jest to bardzo ustalone. Improwizacja jest źle rozumiana. Nie tylko puszczamy ludzi”. Chociaż starał się unikać dyktowania każdemu ruchowi aktora, wolał pozwolić mu kontrolować:
Kiedy obsadzam film, większość mojej twórczej pracy jest zakończona. Muszę tam być, aby włączyć przełącznik i dodać im otuchy jako postać ojca, ale oni wykonują całą pracę. ... Wszystko, co próbuję zrobić, to ułatwić aktorowi, ponieważ kiedy zaczniesz kręcić, aktor jest artystą. ... Muszę dać im pewność siebie i upewnić się, że mają pewną ochronę, aby mogli być kreatywni. ... Pozwalam im robić to, dla czego zostali aktorami przede wszystkim: tworzyć.
Carol Burnett pamięta, jak Altman przyznał, że wiele pomysłów w jego filmach pochodzi od aktorów. „Nigdy nie słyszysz, żeby reżyser tak mówił. To była naprawdę zdumiewająca rzecz” - powiedziała. Inni, tacy jak Jennifer Jason Leigh , stali się kreatywni:
Inspirowałby cię z czystej konieczności do wymyślania rzeczy, o których nie wiedziałeś, że jesteś zdolny, o których nie wiedziałeś, że masz w sobie. Był tak autentycznie psotny i tak cholernie zabawny.
Lubił pracować z wieloma tymi samymi wykonawcami, w tym z Shelley Duvall i Bertem Remsenem (po 7 filmów); Paul Dooley (6 filmów); Michael Murphy (5 filmów); Jeff Goldblum , Lily Tomlin , Lyle Lovett , Henry Gibson , David Arkin i John Schuck (po 4 filmy); Tim Robbins , Carol Burnett , Belita Moreno , Richard E. Grant , Geraldine Chaplin , Craig Richard Nelson , Sally Kellerman i Keith Carradine (po 3 filmy). Krin Gabbard dodaje, że Altman lubił angażować aktorów, którzy „rozkwitają jako improwizatorzy”, takich jak Elliott Gould , który zagrał w trzech jego filmach, MASH , The Long Goodbye i California Split . Gould wspomina, że podczas kręcenia MASH , swojej pierwszej pracy aktorskiej z Altmanem, on i gwiazda kostiumowa Donald Sutherland nie sądził, żeby Altman wiedział, co robi. Napisał wiele lat później: „Myślę, że z perspektywy czasu Donald i ja byliśmy dwoma elitarnymi, aroganckimi aktorami, którzy naprawdę nie rozumieli geniuszu Altmana”. Inni członkowie obsady natychmiast docenili styl reżyserski Altmana. René Auberjonois wyjaśnia:
Myśleliśmy, że takie są filmy. By były tak radosnym przeżyciem. Jeśli miałeś jakąkolwiek karierę, szybko zauważyłeś, że większość reżyserów tak naprawdę nie ufa aktorom, tak naprawdę nie chce widzieć aktorów grających. To była różnica w przypadku Boba Altmana. Kochał aktorów i chciał zobaczyć aktorstwo.
W przeciwieństwie do telewizji i tradycyjnych filmów, Altman unikał także „konwencjonalnego opowiadania historii” i opowiadał się za „zamieszaniem prawdziwego życia”, zauważa Albert Lindauer. Wśród różnych technik pozwalających osiągnąć ten efekt, jego filmy często obejmują „obfitość dźwięków i obrazów, wielkie obsady lub szalone postacie, wiele wątków lub ich brak… i poleganie na improwizacji”. Kilka miesięcy przed śmiercią Altman próbował podsumować motywy swojego stylu filmowego:
Bardziej utożsamiam tę pracę z malarstwem niż z teatrem czy literaturą. Historie mnie nie interesują. Zasadniczo bardziej interesuje mnie zachowanie. Nie reżyseruję, ja oglądam. Muszę być zachwycony, jeśli oczekuję, że publiczność będzie zachwycona. Ponieważ to, co naprawdę chcę zobaczyć od aktora, jest czymś, czego nigdy wcześniej nie widziałem, więc nie mogę im powiedzieć, co to jest. Staram się zachęcać aktorów, aby nie zmieniali się. Radzenie sobie z rozmową jako rozmową. Myślę, że na tym polega ta praca. Ma stworzyć strefę komfortu, aby aktor mógł wyjść poza to, co myślał, że może zrobić.
Techniki dźwiękowe
Altman był jednym z nielicznych filmowców, którzy podczas kręcenia „zwracali pełną uwagę na możliwości dźwięku”. Próbował odtworzyć naturalne dźwięki konwersacji, nawet przy dużej obsadzie, podłączając ukryte mikrofony do aktorów, a następnie nagrywając ich rozmowę za pomocą wielu ścieżek dźwiękowych. Podczas kręcenia filmu nosił zestaw słuchawkowy, aby mieć pewność, że ważne dialogi będą słyszalne, bez ich podkreślania. Dało to widzom „gęste wrażenia dźwiękowe”, pozwalając im usłyszeć wiele fragmentów dialogów, tak jakby słuchali różnych prywatnych rozmów. Altman zdał sobie sprawę, że chociaż duże obsady szkodzą komercyjnie filmowi, „Lubię widzieć, jak dużo się dzieje”.
Altman po raz pierwszy użył nakładających się ścieżek dźwiękowych w MASH (1970), technice dźwiękowej, którą autor filmu Michael Barson opisuje jako „zapierającą dech w piersiach innowację w tamtych czasach”. Opracował go, powiedział Altman, aby zmusić widzów do zwrócenia uwagi i zaangażowania się w film tak, jakby byli aktywnym uczestnikiem. Według niektórych krytyków, jedno z bardziej ekstremalnych zastosowań tej techniki występuje w McCabe and Mrs. Miller (1971), również uważanym za jeden z jego najlepszych filmów.
Historyk / badacz filmu Robert P. Kolker zwrócił uwagę, że jednoczesność dźwiękowa i wizualna w filmach Altmana była krytyczna, ponieważ kładła nacisk na wielość wydarzeń, co wymagało od widzów, aby stali się aktywnymi widzami.
Odlewy zespołowe
Nakładające się dialogi między dużymi grupami aktorów zwiększają złożoność filmów Altmana i często były one krytykowane jako pojawiające się przypadkowo lub rozłączone podczas pierwszego oglądania. Niektórzy z jego krytyków zmienili zdanie po ponownym ich obejrzeniu. Brytyjski krytyk filmowy David Thomson wystawił Nashville (1975) złą recenzję po obejrzeniu go po raz pierwszy, ale później napisał: „Ale powrót do Nashville i niektórych wcześniejszych filmów… skłonił mnie do refleksji: Pozostaje zagadkowe, jak zorganizowany lub celowe jest Nashville ... Mozaika lub mieszanka pozwala na wolność i ludzką specyfikę, które Renoir mógł podziwiać. ”Podczas kręcenia filmu aktorzy byli zainspirowani, a współgwiazda Ronee Blakley była przekonana o ostatecznym sukcesie filmu:
Tak, myślałem, że będzie świetnie, cała praca była tak dobra, każdy aktor był zainspirowany, a zespół Altmana był niezwykle kompetentny, a on był tym rzadkim rodzajem geniuszu, który wie, co działa, a co nie w momencie to się dzieje.
Thomson później rozpoznał te aspekty jako część stylu Altmana, poczynając od MASH (1970): „ MASH zaczął rozwijać kluczowy styl Altmana, polegający na nakładaniu się, rozmyciu dźwięku i obrazów tak śliskich przy zoomie, że nie było poczucia kompozycji. sprawia, że Nashville jest tak absorbujące”. Altman wyjaśnił, że takie nakładające się na siebie dialogi w jego filmach były bliższe rzeczywistości, zwłaszcza w przypadku dużych grup: „Jeśli masz czternaście osób przy stole, wydaje mi się mało prawdopodobne, aby tylko dwie z nich były rozmawiając." Paulina Kal pisze, że Altman, „mistrz dużych zespołów, luźnej akcji i nakładających się głosów, pokazuje, że… potrafi zrobić filmowe fajerwerki prawie z niczego”.
Fotografia
Charakterystyczny styl reżyserski Altmana przeniósł się na jego preferencje dotyczące pracy kamery. Wśród nich było użycie panoramicznych kompozycji, mających na celu uchwycenie wielu osób lub czynności odbywających się na ekranie w tym samym czasie. W przypadku niektórych filmów, takich jak McCabe i Mrs. Miller , wraz z operatorem Vilmosem Zsigmondem stworzył potężną wizualną atmosferę , na przykład sceny z płynną pracą kamery, obiektywami zmiennoogniskowymi i efektem zadymienia przy użyciu specjalnych filtrów przeciwmgielnych. Reżyser Stanley Kubrick powiedział Altmanowi, że „praca kamery była cudowna” i zapytał: „Jak to zrobiłeś?”
W Nashville Altman zastosował zestawy z wyczuwalnymi kolorami czerwieni, bieli i błękitów. W przypadku The Long Goodbye nalegał, aby Zsigmond utrzymał kamerę w ruchu, mocując ją do poruszających się obiektów. Zsigmond twierdzi, że Altman „chciał zrobić coś innego” w tym filmie i powiedział mu, że „chciał, aby kamera się poruszała - przez cały czas. W górę. W dół. Do środka i na zewnątrz. Na boki. Operator Roger Deakins , omawiając użycie obiektywów zmiennoogniskowych, powiedział: „Nagrywanie filmu z obiektywem zmiennoogniskowym byłoby dla mnie ekscytujące, gdyby był to ten obserwacyjny, wędrowny wygląd, z którego słynął Robert Altman. wysięgnik i przelatuj nad sceną i wybieraj te ujęcia po drodze – całkiem niezły sposób pracy”.
Zsigmond wspomina również, że praca z Altmanem była fajna:
Raczej lubiliśmy robić rzeczy „improwizować”. Altman jest świetnym improwizatorem. W ciągu pierwszych kilku dni zdjęć „tworzył” różne podejścia w mgnieniu oka. Pokazywał mi, jak chciał, aby kamera się poruszała — zawsze się poruszała. Co było zabawne. Aktorzy to pokochali, a ja zawsze miałem wyzwanie, aby znaleźć sposób na nakręcenie tego, co wymyślił Altman.
Zdjęcia Vilmosa Zsigmonda do McCabe i Pani Miller otrzymały nominację do Nagrody Brytyjskiej Akademii Filmowej .
Partytury muzyczne
Używając muzyki w swoich filmach, Altman był znany z dużej wybiórczości, często wybierając muzykę, którą osobiście lubił. Reżyser Paul Thomas Anderson , który z nim pracował, zauważa, że „Wykorzystanie muzyki przez Altmana jest zawsze ważne”, dodając: „Bob kochał swoją muzykę, prawda? Mój Boże, kochał swoją muzykę”. Ponieważ był „wielkim fanem” Leonarda Cohena , na przykład mówiąc, że „po prostu się naćpał i grał takie rzeczy” przez cały czas, wykorzystał trzy swoje piosenki w McCabe and Mrs. Miller (1971) oraz kolejny do ostatniej sceny w Weselu (1978).
W przypadku Nashville (1975) Altman miał wiele nowych piosenek country napisanych przez swoją obsadę, aby stworzyć realistyczną atmosferę. Włączył „nawiedzająco powtarzaną melodię” w The Long Goodbye (1973) i zatrudnił Harry'ego Nilssona i Van Dyke Parks do napisania muzyki do Popeye'a (1980).
Wielu ekspertów muzycznych pisało o wykorzystaniu muzyki przez Altmana, w tym Richard R. Ness, który napisał o partyturze do wielu filmów Altmana w artykule, uważanym za cenne źródło zrozumienia techniki filmowej Altmana. Podobnie profesor kinematografii Krin Gabbard napisał analizę wykorzystania muzyki jazzowej przez Altmana w Short Cuts (1993), zauważając, że niewielu krytyków rozważało „znaczenie muzyki” w filmie.
Jazz był również znaczący w Kansas City (1996). W tym filmie muzyka jest uważana za podstawę fabuły. Altman stwierdza, że „cały pomysł polegał na tym, aby historia nie była zbyt szczegółowa”, ale aby sam film był „raczej rodzajem jazzu”. Technika Altmana polegająca na uczynieniu tematu filmu formą muzyki została uznana za „eksperyment, którego nikt wcześniej nie próbował”, a Altman przyznał, że jest to ryzykowne. „Nie wiedziałem, czy to zadziała. ... Jeśli ludzie to rozumieją, to naprawdę im się to podoba”.
Wpływ
Reżyserzy, na których wywarł wpływ Altman, to Paul Thomas Anderson , Wes Anderson , Judd Apatow , Richard Linklater , Alejandro González Iñárritu , Noah Baumbach , David Gordon Green , bracia Safdie , Harmony Korine i Michael Winterbottom .
Filmografia
| Rok | Tytuł | Dystrybucja |
|---|---|---|
| 1957 | Przestępcy | Zjednoczeni Artyści |
| 1967 | Odliczanie | Warner Bros. |
| 1969 | Ten zimny dzień w parku | Commonwealth United Entertainment |
| 1970 | ZACIER | 20th Century Fox |
| Brewstera McClouda | Metro-Goldwyn-Mayer | |
| 1971 | McCabe i pani Miller | Warner Bros. |
| 1972 | Obrazy | Zdjęcia z Kolumbii |
| 1973 | Długie pożegnanie | Zjednoczeni Artyści |
| 1974 | Złodzieje jak my | |
| Split w Kalifornii | Zdjęcia z Kolumbii | |
| 1975 | Nashville | Najważniejsze zdjęcia |
| 1976 | Buffalo Bill i Indianie, czyli lekcja historii Siedzącego Byka |
Zjednoczeni Artyści |
| 1977 | 3 Kobiety | 20th Century Fox |
| 1978 | Wesele | |
| 1979 | Kwintet | |
| Idealna para | ||
| 1980 | Zdrowie | |
| Popeye | Najważniejsze zdjęcia | |
| 1982 | Wróć do Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean |
Zdjęcia z Cinecomu |
| 1983 | Streamery | Zjednoczeni Artyści |
| 1984 | Tajny honor | Zdjęcia z Cinecomu |
| 1985 | Głupiec z miłości | Grupa armat |
| 1987 | OC i Stiggs | Metro-Goldwyn-Mayer |
| Poza terapią | Obrazy Nowego Świata | |
| 1990 | Wincentego i Teo | Metro-Goldwyn-Mayer |
| 1992 | Gracz | Cechy cienkiej linii |
| 1993 | skróty | |
| 1994 | Prêt-à-Porter | Filmy Miramax |
| 1996 | Kansas City | Cechy cienkiej linii |
| 1998 | Pierniczkowy ludzik | Rozrywka PolyGram |
| 1999 | Fortuna Cookie | Październikowe filmy |
| 2000 | Dr T i kobiety | Rozrywka rzemieślnicza |
| 2001 | Park Gosforda | Funkcje ostrości |
| 2003 | Firma | Klasyka Sony Pictures |
| 2006 | Towarzysz domu prerii | Kino nowej linii |
Nagrody i wyróżnienia
Altman otrzymał różne nagrody i nominacje, w tym siedem nominacji do Oscara , zdobywając Honorowego Oscara w 2006 roku. Otrzymał siedem nominacji do nagrody Brytyjskiej Akademii Filmowej, zdobywając dwukrotnie za The Player (1992) i Gosford Park (2001). Otrzymał nagrodę Primetime Emmy za najlepszą reżyserię serialu dramatycznego za Tanner '88 (1988). Otrzymał także pięć nominacji do Złotego Globu , zdobywając nagrodę Złotego Globu dla najlepszego reżysera Park Gosforda . Otrzymał także różne nagrody na festiwalach filmowych, w tym prestiżową Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes za film M*A*S*H oraz nagrodę Festiwalu Filmowego w Cannes dla najlepszego reżysera za film Gracz . Otrzymał także Złotego Niedźwiedzia na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Berlinie oraz Złotego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji . W 1994 roku otrzymał nagrodę Directors Guild of America za całokształt twórczości .
| Rok | Tytuł | nagrody Akademii | Nagrody BAFTA | Złote Globy | |||
|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Nominacje | Zwycięstwa | Nominacje | Zwycięstwa | Nominacje | Zwycięstwa | ||
| 1970 | ZACIER | 5 | 1 | 6 | 1 | 6 | 1 |
| 1971 | McCabe i pani Miller | 1 | 1 | ||||
| 1972 | Obrazy | 1 | 1 | 1 | |||
| 1975 | Nashville | 5 | 1 | 5 | 1 | 11 | 1 |
| 1977 | 3 Kobiety | 1 | |||||
| 1978 | Wesele | 2 | 1 | ||||
| 1982 |
Wróć do Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean |
1 | |||||
| 1992 | Gracz | 3 | 5 | 2 | 4 | 2 | |
| 1993 | skróty | 1 | 2 | 1 | |||
| 1994 | Prêt-à-Porter | 2 | |||||
| 2001 | Park Gosforda | 7 | 1 | 9 | 2 | 5 | 1 |
| Całkowity | 21 | 3 | 30 | 6 | 33 | 6 | |
Życie osobiste
Rodzina
Altman był trzykrotnie żonaty: jego pierwszą żoną była LaVonne Elmer. Byli małżeństwem od 1947 do 1949 roku i mieli córkę Christine. Jego drugą żoną była Lotus Corelli. Byli małżeństwem od 1950 do 1955 roku i mieli dwóch synów, Michaela i Stephena . W wieku czternastu lat Michael napisał słowa do „ Suicide Is Painless ”, piosenki przewodniej do filmu Altmana MASH . Stephen jest scenografem , który często pracował z ojcem. Trzecią żoną Altmana była Kathryn Reed. Byli małżeństwem od 1957 roku do jego śmierci w 2006 roku. Mieli dwóch synów, Roberta i Mateusza. Altman został ojczymem Konni Reed, kiedy poślubił Kathryn.
Kathryn Altman, która zmarła w 2016 roku, była współautorką książki o Altmanie, która została opublikowana w 2014 roku. Była konsultantką i narratorką filmu dokumentalnego Altman z 2014 roku i przemawiała na wielu retrospektywnych pokazach filmów jej męża.
Domy
W latach 60. Altman mieszkał przez lata w Mandeville Canyon w Brentwood w Kalifornii . Mieszkał w Malibu przez całe lata 70., ale sprzedał ten dom i firmę produkcyjną Lion's Gate w 1981 roku. „Nie miałem wyboru”, powiedział The New York Times . „Nikt nie odbierał telefonu” po flopie Popeye'a . Przeniósł swoją rodzinę i siedzibę firmy do Nowego Jorku, ale ostatecznie wrócił do Malibu, gdzie mieszkał aż do śmierci.
Poglądy polityczne
W listopadzie 2000 roku Altman twierdził, że przeniósłby się do Paryża, gdyby wybrano George'a W. Busha , ale żartował, że miał na myśli Paryż w Teksasie, kiedy to się stało. Zauważył, że „państwo byłoby w lepszej sytuacji, gdyby on (Bush) był poza nim”. Altman był zdeklarowanym marihuany i służył jako członek rady doradczej NORML . Był także ateistą i działaczem antywojennym. Był jedną z wielu osób publicznych, w tym lingwisty Noama Chomsky'ego i aktorki Susan Sarandon , którzy podpisali dokument „ Nie w naszym imieniu ”. "deklaracja sprzeciwiająca się inwazji na Irak w 2003 roku . Julian Fellowes uważa, że antywojenna i anty-Bushowska postawa Altmana kosztowała go Oscara dla najlepszego reżysera za Gosford Park .
Altman gardził serialem telewizyjnym M * A * S * H , który pojawił się po jego filmie z 1970 roku, cytując go jako antytezę tego, o czym był jego film, i cytując jego antywojenne przesłania jako „rasistowskie”. W komentarzu DVD z 2001 roku dla MASH jasno określił powody, dla których nie pochwalał serialu.
Śmierć i dziedzictwo
Altman zmarł na białaczkę w Cedars-Sinai Medical Center w Los Angeles 20 listopada 2006 roku w wieku 81 lat.
Inny reżyser filmowy, Paul Thomas Anderson, zadedykował Altmanowi swój film Aż poleje się krew z 2007 roku. Anderson pracował jako rezerwowy reżyser w A Prairie Home Companion dla celów ubezpieczeniowych na wypadek, gdyby schorowany 80-letni Altman nie był w stanie dokończyć zdjęć.
Podczas uroczystego hołdu dla Altmana kilka miesięcy po jego śmierci został opisany jako „filmowiec z pasją” i autor , który odrzucił konwencję, tworząc coś, co reżyser Alan Rudolph nazwał filmowym stylem „Altmanesque”. Wolał duże obsady aktorów i naturalne, nakładające się rozmowy, i zachęcał swoich aktorów do improwizacji i wyrażania wrodzonej kreatywności bez obawy o porażkę. Lily Tomlin porównała go do „wielkiego, łagodnego patriarchy, który zawsze troszczył się o ciebie jako aktora”, dodając, że „nie boisz się z nim ryzykować”.
Wiele jego filmów jest opisywanych jako „kwaśne satyry i studia nad postaciami z kontrkultury, które na nowo zdefiniowały i ożywiły współczesne kino”. Chociaż jego filmy obejmowały większość gatunków filmowych, takich jak westerny, musicale, filmy wojenne czy komedie, był uważany za „antygatunkowego”, a jego filmy były „szczerze wywrotowe”. Był znany z tego, że nienawidził „fałszywości”, którą widział w większości filmów głównego nurtu, i „chciał je eksplodować” poprzez satyrę.
Aktor Tim Robbins , który zagrał w wielu filmach Altmana, opisuje niektóre z unikalnych aspektów jego metody reżyserskiej:
Stworzył na swoich planach wyjątkowy i cudowny świat,… gdzie psotny tata spuścił ze smyczy „dziecięcych aktorów” do zabawy. Gdzie twoja wyobraźnia była zachęcana, pielęgnowana, wyśmiewana, obejmowana i altmanizowana. Słodka anarchia, której wielu z nas nie czuło od czasu szkolnego podwórka, wywołana dzikim sercem Boba.
Archiwa osobiste Altmana znajdują się na Uniwersytecie Michigan i obejmują około 900 pudełek z dokumentami osobistymi, skryptami, aktami prawnymi, biznesowymi i finansowymi, fotografiami, rekwizytami i powiązanymi materiałami. Altman nakręcił Secret Honor na uniwersytecie, a także wyreżyserował tam kilka oper.
Od 2009 roku nagroda Roberta Altmana jest przyznawana reżyserowi, reżyserowi obsady i obsadzie filmowej podczas corocznych nagród Independent Spirit Awards .
W 2014 roku ukazał się pełnometrażowy film dokumentalny Altman , który przedstawia jego życie i twórczość za pomocą klipów filmowych i wywiadów.
Zobacz też
przypisy
Bibliografia
- „Bibliografia Roberta Altmana” . UC Berkeley.
- Syska, Rafał (2008). Zachowaj dystans. Filmowy świat Roberta Altmana . Kraków: Wściekły. ISBN 978-83-60236-36-9 .
Dalsza lektura
- Caso, Frank (2015). Robert Altman w American Grain . Londyn: Reaktion Books. ISBN 978-1-78023-522-6 .
- Komentarz reżysera do DVD McCabe & Mrs. Miller , skupiając się na tym filmie, obejmuje również w pewnym stopniu ogólną metodologię Altmana jako reżysera.
- Judith M. Kass. Robert Altman: American Innovator wczesna (1978) ocena pracy reżysera i jego zainteresowania hazardem. Część Popular Library autorstwa Leonarda Maltina .
- Angielski zespół Maxïmo Park ma piosenkę zatytułowaną „Robert Altman”, będącą stroną b ich singla „ Our Velocity ”
- The Criterion Collection wydało kilka filmów Altmana na DVD (Short Cuts, 3 Women, Tanner '88, Secret Honor), które zawierają komentarze audio i wywiady wideo z nim, które rzucają światło na jego styl reżyserski.
- Warren, Karol (2006). Crouse, Jeffey (red.). „Cavell, Altman i Cassavetes”. Międzynarodowy film . Wydanie specjalne Stanleya Cavella. Tom. 4, nie. 22. s. 14–20.
- Rick Armstrong, „Robert Altman: Critical Essays” Aktorzy, historycy, filmoznawcy i teoretycy kultury zastanawiają się nad Altmanem i jego pięćdziesięcioletnią karierą… (McFarland, 18 lutego 2011)
- Mitchell Zuckoff, Robert Altman: Biografia ustna. Nowy Jork: Alfred A. Knopf, 2009. ISBN 978-0-307-26768-9
- Opis i szczegółowe informacje na temat ścieżki dźwiękowej Short Cuts, aby uzyskać bardziej szczegółowe informacje na temat tego tytułu.
- Helene Keyssar, Ameryka Roberta Altmana. Oksford, 1991
Linki zewnętrzne
- Pomoce do wyszukiwania dokumentów Roberta Altmana (1945-2007) , Biblioteka Zbiorów Specjalnych Uniwersytetu Michigan
- Roberta Altmana z IMDb
- Robert Altman w internetowej bazie danych Broadway
- Robert Altman w internetowej bazie danych Off-Broadway
- Robert Altman w Criterion Collection
- Posłuchaj Roberta Altmana omawiającego swoją karierę – nagranie z Biblioteki Brytyjskiej.
- Bibliografia Roberta Altmana za pośrednictwem UC Berkeley Media Resources Center
- Wciąż do psot - The Guardian , 1 maja 2004 r
- Wywiad z odwróconym strzałem
- Ebert's Altman Home Companion Zarchiwizowano 8 lutego 2013 r. W Wayback Machine
- Wywiad z Geraldem Pearym
- Literatura o Robercie Altmanie
- „Altman: Czy poszedłbyś na film, który został okrzyknięty arcydziełem?” Roger Ebert Zarchiwizowane 22 lipca 2012 r. w Wayback Machine
- Wywiad z magazynem Bomb Zarchiwizowano 13 listopada 2011 r. W Wayback Machine
- Artysta miesiąca: Robert Altman z Hyena Productions zarchiwizowany 6 listopada 2011 r. W Wayback Machine
- Filmy Roberta Altmana , Piekło jest dla łączników , 30 czerwca 2014
- Robert Altman Obituary, Stephen Rea, „Field Day Review 3” (Dublin, 2007)
- Filmy
| Ogólny | |
|---|---|
| Biblioteki Narodowe | |
| Instytuty badawcze sztuki | |
| Słowniki biograficzne | |
| Naukowe bazy danych | |
| Inny | |
- 1925 urodzeń
- 2006 zgonów
- XX-wieczni amerykańscy dramatopisarze i dramatopisarze
- XX-wieczni amerykańscy pisarze płci męskiej
- Amerykańscy scenarzyści XX wieku
- Ateiści XX wieku
- Amerykańscy dramatopisarze i dramatopisarze XXI wieku
- Amerykańscy pisarze płci męskiej XXI wieku
- Amerykańscy scenarzyści XXI wieku
- Ateiści XXI wieku
- Laureaci Honorowej Nagrody Akademii
- Amerykańscy działacze przeciwko wojnie w Iraku
- amerykańskich ateistów
- amerykańscy aktywiści konopi
- amerykańscy dokumentaliści
- amerykańscy reżyserzy filmowi
- amerykańscy montażyści filmowi
- amerykańscy producenci filmowi
- amerykańscy dramatopisarze i dramatopisarze
- amerykańscy aktorzy filmowi
- amerykańscy scenarzyści
- amerykańscy scenarzyści telewizyjni
- amerykańscy reżyserzy teledysków
- amerykańscy libreciści operowi
- Amerykanie pochodzenia angielskiego
- Amerykanie pochodzenia niemieckiego
- Amerykanie pochodzenia irlandzkiego
- amerykańskich satyryków
- amerykańscy komentatorzy społeczni
- amerykańscy reżyserzy telewizyjni
- amerykańscy producenci telewizyjni
- Laureaci nagrody BAFTA dla najlepszego reżysera
- Laureaci Złotego Globu dla najlepszego reżysera
- Wyróżnienia CAS Career Achievement Award
- Nagroda Festiwalu Filmowego w Cannes dla zwycięzców dla najlepszego reżysera
- Zgony z powodu raka w Kalifornii
- Zgony z powodu białaczki
- Reżyserzy zdobywców Złotego Niedźwiedzia
- Dyrektorzy zdobywców Złotego Lwa
- Dyrektorzy zdobywcy Złotej Palmy
- Stypendyści Amerykańskiej Akademii Sztuki i Nauki
- Reżyserzy filmowi z Los Angeles
- Reżyserzy filmowi z Missouri
- Producenci filmowi z Kalifornii
- Producenci filmowi z Missouri
- Teoretycy filmu
- Byli katolicy
- Biorcy przeszczepu serca
- Honorowi laureaci Złotego Niedźwiedzia
- Badacze humoru
- Independent Spirit Award dla zwycięzców dla najlepszego reżysera
- Teoretycy mediów masowych
- Ludzie z kanionu Mandeville w Los Angeles
- Filmowcy postmodernistyczni
- Zdobywcy nagrody Primetime Emmy
- Scenarzyści z Kalifornii
- Scenarzyści z Missouri
- Oficerowie Sił Powietrznych Armii Stanów Zjednoczonych
- Personel Sił Powietrznych Armii Stanów Zjednoczonych z okresu II wojny światowej
- Wentworth Military Academy i absolwenci college'u
- Reżyserzy filmowi zachodni (gatunkowi).
- Pisarze o aktywizmie i zmianie społecznej
- Pisarze z Kansas City w stanie Missouri