Epicki teatr

Bertolta Brechta w 1954 r

Teatr epicki ( niem . teatr episches ) to ruch teatralny powstały na początku do połowy XX wieku na podstawie teorii i praktyki wielu praktyków teatralnych , którzy odpowiedzieli na klimat polityczny tamtych czasów, tworząc nowe dramaty polityczne . Teatr epicki nie ma odnosić się do skali czy zakresu dzieła, ale raczej do formy, jaką przybiera. Epicki teatr kładzie nacisk na perspektywę publiczności i reakcję na utwór za pomocą różnych technik, które celowo powodują, że indywidualnie angażują się w inny sposób. Celem teatru epickiego nie jest zachęcenie widzów do zawieszenia niedowierzania, ale raczej zmuszenie ich do zobaczenia ich świata takim, jaki jest.

Historia

Termin „ teatr epicki ” pochodzi od Erwina Piscatora , który ukuł go podczas swojego pierwszego roku jako dyrektor berlińskiej Volksbühne (1924–27). Piscator miał na celu zachęcenie dramaturgów do zajęcia się kwestiami związanymi z „współczesną egzystencją”. Ta nowa tematyka byłaby następnie wystawiana za pomocą efektów dokumentalnych, interakcji z publicznością i strategii mających na celu kultywowanie obiektywnej reakcji. Teatr epicki obejmuje sposób gry aktorskiej, który wykorzystuje to, co Brecht nazywa gestusem . Jedna z najważniejszych estetycznych Brechta przedkładała funkcję nad sterylną, dychotomiczną opozycję między formą a treścią . Teatr epicki i jego różnorodne formy są odpowiedzią na ideę Richarda Wagnera „ Gesamtkunstwerk ”, czyli „sztuki totalnej”, która zakłada, że ​​każde dzieło sztuki składa się z innych form sztuki. Ponieważ teatr epicki jest tak bardzo skoncentrowany na specyficznej relacji między formą a treścią, te dwie idee są ze sobą sprzeczne, pomimo faktu, że Brecht był pod silnym wpływem Wagnera. Brecht omówił priorytety i podejście teatru epickiego w swoim dziele „ Krótkie organum dla teatru ”. Chociaż wiele koncepcji i praktyk związanych z brechtowskim teatrem epickim istniało od lat, a nawet stuleci, Brecht ujednolicił je, rozwinął podejście i spopularyzował.

Pod koniec swojej kariery Brecht wolał określenie „teatr dialektyczny” na określenie rodzaju teatru, którego był pionierem. Z jego późniejszej perspektywy termin „teatr epicki” stał się pojęciem zbyt formalnym, aby mógł być już używany. Według Manfreda Wekwertha , jednego z ówczesnych reżyserów Brechta w Berliner Ensemble , termin ten odnosi się do „ dialektyzacji ” wydarzeń, które powoduje takie podejście do tworzenia teatru.

Teatr epicki różni się od innych form teatru, zwłaszcza od wczesnego podejścia naturalistycznego , a później od „ realizmu psychologicznego ” opracowanego przez Konstantego Stanisławskiego . Podobnie jak Stanisławski, Brecht nie lubił płytkiego spektaklu, manipulacyjnych fabuł i wzmożonych emocji melodramatu ; ale tam, gdzie Stanisławski próbował wywołać prawdziwe ludzkie zachowanie w grze aktorskiej za pomocą technik systemu Stanisławskiego i całkowicie pochłonąć publiczność fikcyjnym światem sztuki, Brecht postrzegał ten typ teatru jako eskapistyczny. Społeczne i polityczne zainteresowania Brechta również różniły się od surrealizmu i teatru okrucieństwa , rozwiniętych w pismach i dramaturgii Antonina Artauda , ​​który starał się oddziaływać na publiczność instynktownie, psychicznie, fizycznie i irracjonalnie. Podczas gdy oba wywoływały „szok” na widowni, praktyki teatru epickiego obejmowałyby również późniejszy moment zrozumienia i zrozumienia.

Techniki

Verfremdungseffekt

Chociaż nie został wymyślony przez Brechta, Verfremdungseffekt , znany w języku angielskim jako „efekt wyobcowania” lub „efekt wyobcowania”, został spopularyzowany przez Brechta i jest jedną z najważniejszych cech teatru epickiego.

Niektóre ze sposobów osiągnięcia Verfremdungseffekt polegają na tym, że aktorzy grają wiele postaci, przestawiają plan na oczach publiczności i „przełamują czwartą ścianę ”, rozmawiając z publicznością. Wykorzystanie narratora w The Caucasian Chalk Circle to kolejny przykład Verfremdungseffekt w pracy. Oświetlenie może być również używane do naśladowania efektu. Na przykład zalanie teatru jasnymi światłami (nie tylko sceny) i ustawienie sprzętu oświetleniowego na scenie może zachęcić widzów do pełnego uznania, że ​​przedstawienie jest jedynie przedstawieniem, a nie rzeczywistością.

Podobnie jak w przypadku zasady konstrukcji dramatycznej związanej z epicką formą dramatu mówionego połączonego lub tego, co Brecht nazywa „ dramatem niearystotelesowskim ”, epickie podejście do produkcji teatralnej wykorzystuje technikę montażu fragmentacji, kontrastu i sprzeczności oraz przerw . Podczas gdy francuski dramaturg Jean Genet wyraża w swoich dramatach światopogląd zupełnie odmienny od tego, który można znaleźć u Brechta, w liście do reżysera Rogera Blina na temat najodpowiedniejszego podejścia do inscenizacji jego Ekranów w 1966 roku radzi epickie podejście do jego produkcji :

Każda scena i każda sekcja w obrębie sceny musi być dopracowana i zagrana tak rygorystycznie iz taką samą dyscypliną, jak gdyby była to krótka sztuka, kompletna sama w sobie. Bez żadnych smug. I bez najmniejszej sugestii, że kolejna scena lub fragment w obrębie sceny ma następować po tych, które miały miejsce wcześniej.

Historyzacja

Historyzację stosuje się również w celu narysowania powiązań między wydarzeniem historycznym a podobnym wydarzeniem bieżącym. Można to zobaczyć w sztukach Mother Courage and Her Children oraz The Good Person of Sechwan , obu napisanych przez Brechta, które komentują aktualny problem społeczny lub polityczny za pomocą kontekstów historycznych.

Również Brecht radził traktować każdy element spektaklu niezależnie, jak zwrot w sali muzycznej , który jest w stanie samodzielnie stać. Typowe techniki produkcji w teatrze epickim obejmują uproszczoną, nierealistyczną scenografię przeciwstawioną selektywnemu realizmowi w kostiumach i rekwizytach, a także ogłoszenia lub podpisy wizualne, które przerywają i podsumowują akcję. Brecht używał komedii , aby zdystansować swoją publiczność od przedstawionych wydarzeń i był pod silnym wpływem musicali i wykonawców z wesołych miasteczek, umieszczając muzykę i piosenki w swoich sztukach.

Aktorstwo w teatrze epickim wymaga od aktorów wiarygodnego odgrywania postaci, bez przekonywania publiczności ani samych siebie, że „stali się” postaciami. Nazywa się to Gestus, gdy aktor przyjmuje fizyczne ucieleśnienie komentarza społecznego. Aktorzy często zwracają się do publiczności bezpośrednio poza charakterem („przełamywanie czwartej ściany”) i odgrywają wiele ról. Brecht uważał, że ważne jest, aby wybory dokonywane przez bohaterów były wyraźne, i starał się opracować styl gry, w którym było oczywiste, że bohaterowie wybierają jedną akcję zamiast drugiej. Na przykład postać może powiedzieć: „Mogłem zostać w domu, ale zamiast tego poszedłem do sklepów”. Nazwał to „naprawianiem Not / But ”.

Znani praktycy

Zobacz też

Źródła

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Epic_theatre&oldid=1116973853 ”