Teatr muzyczny

„Komedia muzyczna” przekierowuje tutaj. Aby zapoznać się z gatunkiem filmowym, zobacz Film muzyczny . Aby zapoznać się z gatunkiem eksperymentalnym, zobacz Teatr muzyczny .
The Black Crook był hitem musicalowym na Broadwayu w 1866 roku.

Teatr muzyczny to forma przedstawienia teatralnego , która łączy w sobie piosenki, dialog mówiony , grę aktorską i taniec. Historia i zawartość emocjonalna musicalu – humor, patos , miłość, złość – są przekazywane za pomocą słów, muzyki, ruchu i technicznych aspektów rozrywki jako zintegrowanej całości. Chociaż teatr muzyczny pokrywa się z innymi formami teatralnymi, takimi jak opera i tańcem, można go wyróżnić przez równe znaczenie, jakie przypisuje się muzyce w porównaniu z dialogiem, ruchem i innymi elementami. Od początku XX wieku dzieła sceniczne teatru muzycznego nazywano po prostu musicalami .

Chociaż muzyka była częścią dramatycznych przedstawień od czasów starożytnych, nowoczesny zachodni teatr muzyczny pojawił się w XIX wieku, z wieloma elementami strukturalnymi ustanowionymi przez dzieła Gilberta i Sullivana w Wielkiej Brytanii oraz Harrigana i Harta w Ameryce. Po nich pojawiły się liczne edwardiańskie komedie muzyczne i muzyczne dzieła teatralne amerykańskich twórców, takich jak George M. Cohan na przełomie XIX i XX wieku. Musicale Princess Theatre (1915–1918) były artystycznymi krokami naprzód poza rewiami i inne pieniące się rozrywki z początku XX wieku i doprowadziły do ​​takich przełomowych dzieł, jak Show Boat (1927), Of Thee I Sing (1931) i Oklahoma! (1943). Niektóre z najbardziej znanych musicali z następnych dziesięcioleci to My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), The Phantom of the Opera (1986 ), Wynajem (1996), Producenci (2001), Wicked (2003) i Hamilton (2015).

Musicale grane są na całym świecie. Mogą być prezentowane w dużych miejscach, takich jak wysokobudżetowe na Broadwayu lub West Endzie w Nowym Jorku lub Londynie. Alternatywnie, musicale mogą być wystawiane w mniejszych miejscach, takich jak teatry poboczne , off-Broadway , off-off-Broadway , teatry regionalne lub lokalne produkcje teatralne lub w trasie . Musicale są często prezentowane przez zespoły amatorskie i szkolne w kościołach, szkołach i innych miejscach występów. Poza Stanami Zjednoczonymi i Wielką Brytanią istnieją tętniące życiem sceny teatrów muzycznych w Europie kontynentalnej, Azji, Australazji, Kanadzie i Ameryce Łacińskiej.

Definicje i zakres

Zarezerwuj musicale

A Gaiety Girl (1893) był jednym z pierwszych przebojów musicali

Od XX wieku „musical książkowy” jest definiowany jako sztuka muzyczna, w której piosenki i tańce są w pełni zintegrowane z dobrze skonstruowaną historią o poważnych celach dramatycznych i która jest w stanie wywołać prawdziwe emocje inne niż śmiech. Trzema głównymi składnikami musicalu książkowego są muzyka , teksty i książka . Książka lub scenariusz musicalu odnosi się do fabuły, rozwoju postaci i struktury dramatycznej, w tym dialogu mówionego i wskazówek scenicznych, ale może również odnosić się do dialogu i tekstu razem, które są czasami określane jako libretto (po włosku „mała książeczka”). Muzyka i teksty razem tworzą partyturę musicalu i obejmują piosenki, muzykę incydentalną i sceny muzyczne, które są „sekwencjami teatralnymi osadzonymi w muzyce, często łączącymi piosenkę z mówionym dialogiem”. Za interpretację musicalu odpowiada jego zespół kreatywny, w skład którego wchodzi reżyser , kierownik muzyczny , zwykle choreograf , a czasem orkiestrator . . Produkcja musicalu jest również twórczo charakteryzowana przez aspekty techniczne, takie jak scenografia , kostiumy , właściwości sceniczne (rekwizyty) , oświetlenie i dźwięk . Zespół kreatywny, projekty i interpretacje generalnie zmieniają się z oryginalnej produkcji na kolejne produkcje. Niektóre elementy produkcji mogą jednak zostać zachowane z oryginalnej produkcji, na przykład choreografia Boba Fosse'a w Chicago .

Nie ma ustalonej długości musicalu. Chociaż może to obejmować od krótkiej jednoaktowej rozrywki do kilku aktów i kilkugodzinnej długości (lub nawet kilkuwieczornej prezentacji), większość musicali trwa od półtorej do trzech godzin. Musicale są zwykle prezentowane w dwóch aktach, z jedną krótką przerwą , a pierwszy akt jest często dłuższy niż drugi. Pierwszy akt na ogół przedstawia prawie wszystkie postacie i większość muzyki i często kończy się wprowadzeniem dramatycznego konfliktu lub komplikacji fabuły, podczas gdy drugi akt może wprowadzić kilka nowych piosenek, ale zwykle zawiera powtórki ważnych tematów muzycznych i rozwiązuje konflikt lub komplikacja. Musical książkowy jest zwykle zbudowany z czterech do sześciu głównych melodii tematycznych, które są powtarzane w dalszej części programu, chociaż czasami składa się z serii piosenek niezwiązanych bezpośrednio muzycznie. Dialogi mówione są na ogół przeplatane numerami muzycznymi, chociaż „dialogi śpiewane” lub recytatyw może być używany, zwłaszcza w tak zwanych musicalach „ prześpiewanych ”, takich jak Jesus Christ Superstar , Falsettos , Les Misérables , Evita i Hamilton . Kilka krótszych musicali na Broadwayu i na West Endzie w XXI wieku zostało przedstawionych w jednym akcie.

Momenty o największej intensywności dramatycznej w musicalu książkowym są często wykonywane w piosence. Przysłowiowo „kiedy emocje stają się zbyt silne, by mówić, śpiewasz; kiedy stają się zbyt silne, by śpiewać, tańczysz”. W musicalu książkowym piosenka jest idealnie dopasowana do postaci (lub postaci) i ich sytuacji w historii; chociaż w historii musicalu zdarzały się okresy (np. od lat 90. XIX wieku do lat 20. XX wieku), kiedy ta integracja muzyki i historii była niepewna. Jak krytyk The New York Times, Ben Brantley, opisał ideał piosenki w teatrze, recenzując odrodzenie Gypsy w 2008 roku : „Nie ma żadnej separacji między piosenką a charakterem, co dzieje się w tych niezwykłych momentach, kiedy musicale sięgają w górę, aby osiągnąć swoje idealne powody”. Zazwyczaj w pięciominutowej piosence śpiewa się o wiele mniej słów niż w pięciominutowym bloku dialogów. Dlatego w musicalu jest mniej czasu na rozwinięcie dramatyzmu niż w zwykłej sztuce o równoważnej długości, ponieważ musical zwykle poświęca więcej czasu muzyce niż dialogom. W ramach skompresowanej natury musicalu scenarzyści muszą rozwinąć postacie i fabułę.

Materiał prezentowany w musicalu może być oryginalny lub zaczerpnięty z powieści ( Wicked i Man of La Mancha ), sztuk teatralnych ( Hello, Dolly! i Carousel ), klasycznych legend ( Camelot ), wydarzeń historycznych ( Evita ) lub filmów ( Producenci i Billy Elliot ). Z drugiej strony wiele udanych dzieł teatru muzycznego zostało zaadaptowanych na potrzeby filmów muzycznych , takich jak West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliverze! i Chicago .

Porównania z operą

George’a Gershwina

Teatr muzyczny jest blisko spokrewniony z teatralną formą opery , ale zazwyczaj rozróżnia się je na podstawie kilku czynników. Po pierwsze, musicale generalnie kładą większy nacisk na dialogi mówione. Jednak niektóre musicale są w całości akompaniowane i śpiewane, podczas gdy niektóre opery, takie jak Czarodziejski flet i większość operetek , mają dialog bez akompaniamentu. Po drugie, musicale zwykle zawierają więcej tańca jako istotną część opowiadania historii, szczególnie przez głównych wykonawców, a także przez chór. Po trzecie, musicale często wykorzystują różne gatunki muzyki popularnej lub przynajmniej popularne style śpiewu i muzyki.

Wreszcie, musicale zwykle unikają pewnych konwencji operowych. W szczególności musical jest prawie zawsze wystawiany w języku publiczności. Na przykład musicale produkowane na Broadwayu lub na West Endzie są niezmiennie śpiewane po angielsku, nawet jeśli pierwotnie zostały napisane w innym języku. Podczas gdy śpiewak operowy jest przede wszystkim śpiewakiem, a dopiero w drugiej kolejności aktorem (i rzadko musi tańczyć), wykonawca teatru muzycznego jest często przede wszystkim aktorem, ale musi być także śpiewakiem i tancerzem. Ktoś, kto jest równie utalentowany we wszystkich trzech, jest określany jako „potrójne zagrożenie”. Kompozytorzy muzyki do musicali często rozważają wymagania wokalne ról z myślą o wykonawcach teatru muzycznego. Dziś na ogół używają dużych teatrów wystawiających musicale mikrofony i wzmacnianie głosów śpiewających aktorów w sposób, który byłby generalnie odrzucony w kontekście operowym.

Niektóre dzieła (np. George'a Gershwina , Leonarda Bernsteina i Stephena Sondheima ) zostały przerobione na produkcje „teatru muzycznego” i „operowe”. Podobnie, niektóre starsze operetki lub lekkie opery (takie jak The Pirates of Penzance Gilberta i Sullivana ) zostały wyprodukowane w nowoczesnych adaptacjach, które traktują je jako musicale. W przypadku niektórych dzieł style produkcji są prawie tak samo ważne jak muzyczna lub dramatyczna treść dzieła przy określaniu, do której formy sztuki należy utwór. Sondheim powiedział: „Naprawdę myślę, że kiedy coś gra na Broadwayu, jest to musical, a kiedy gra w operze, to opera. To wszystko. To teren, okolica, oczekiwania publiczności sprawiają, że jest to coś lub coś innego. " Nadal istnieje nakładanie się formy między lżejszymi formami operowymi a bardziej złożonymi muzycznie lub ambitnymi musicalami. W praktyce często trudno jest rozróżnić różne rodzaje teatru muzycznego, w tym „sztukę muzyczną”, „komedię muzyczną”, „operetkę” i „lekką operę”.

Podobnie jak w operze, śpiewowi w teatrze muzycznym towarzyszy na ogół zespół instrumentalny zwany orkiestrą dołową , znajdujący się w obniżonym miejscu przed sceną. Podczas gdy opera zwykle wykorzystuje konwencjonalną orkiestrę symfoniczną , musicale są zazwyczaj aranżowane dla zespołów liczących od 27 do zaledwie kilku muzyków . Musicale rockowe zwykle wykorzystują niewielką grupę głównie instrumentów rockowych , a niektóre musicale mogą wymagać tylko pianina lub dwóch instrumentów. Muzyka w musicalach wykorzystuje szereg „stylów i wpływów, w tym operetka , techniki klasyczne, muzyka ludowa , jazz [i] lokalne lub historyczne style, [które] są odpowiednie dla scenerii . "

Tradycje wschodnie i inne formy

Chińscy artyści operowi

Istnieją różne wschodnie tradycje teatralne, które obejmują muzykę, takie jak opera chińska , opera tajwańska , japoński teatr Noh i indyjski teatr muzyczny , w tym dramat sanskrycki , indyjski taniec klasyczny , teatr Parsi i Yakshagana . Indie od XX wieku wyprodukowały wiele filmów muzycznych, określanych jako musicale „ Bollywood ”, aw Japonii serię musicali 2,5D opartych na popularnym anime a komiksy manga rozwinęły się w ostatnich dziesięcioleciach.

Krótsze lub uproszczone „juniorskie” wersje wielu musicali są dostępne dla szkół i grup młodzieżowych, a bardzo krótkie utwory stworzone lub przystosowane do występów przez dzieci są czasami nazywane minimusicalami .

Historia

Wczesne poprzedniki

Osobny artykuł: Rozwój teatru muzycznego

Początków teatru muzycznego w Europie można doszukiwać się w teatrze starożytnej Grecji , gdzie muzyka i taniec były częścią komedii i tragedii scenicznych w V wieku pne. Muzyka z dawnych form zaginęła jednak i miały one niewielki wpływ na późniejszy rozwój teatru muzycznego. W XII i XIII wieku dramaty religijne uczyły liturgii . Grupy aktorów korzystały z zewnętrznych wagonów Pageant (scen na kołach), aby opowiedzieć każdą część historii. Formy poetyckie przeplatały się niekiedy z dialogami prozą, a pieśni liturgiczne ustępowały miejsca nowym melodiom.

Widok Rodos autorstwa Johna Webba , do namalowania na tylnej przesłonie podczas pierwszego wykonania Oblężenia Rodos (1656)

W europejskim renesansie starsze formy ewoluowały w dwie poprzedniczki teatru muzycznego: commedia dell'arte , w której hałaśliwi klauni improwizowali znane historie, a później opera buffa . W Anglii sztuki elżbietańskie i jakobińskie często zawierały muzykę, a krótkie sztuki muzyczne zaczęto włączać do wieczornych dramatycznych rozrywek. Maski dworskie opracowane w okresie Tudorów , które obejmowały muzykę, taniec, śpiew i grę aktorską, często z drogimi kostiumami i złożoną scenografią . Rozwinęły się one w śpiewane sztuki, które są rozpoznawalne jako angielskie opery, z których pierwsza jest zwykle uważana za Oblężenie Rodos (1656). W międzyczasie we Francji Molière przekształcił kilka swoich farsowych komedii w muzyczne rozrywki z piosenkami (muzykę dostarczył Jean-Baptiste Lully ) i tańcem pod koniec XVII wieku. Wpłynęły one na krótki okres angielskiej opery kompozytorów takich jak John Blow i Henry Purcell .

Od XVIII wieku najpopularniejszymi formami teatru muzycznego w Wielkiej Brytanii były ballady operowe , takie jak The Beggar's Opera Johna Gaya , zawierające teksty napisane do melodii popularnych piosenek tamtych czasów (często udających operę ), a później pantomimy , która rozwinęła się z commedia dell'arte i opery komicznej z przeważnie romantycznymi wątkami fabularnymi, jak The Bohemian Girl Michaela Balfe'a ( 1845). Tymczasem na kontynencie singspiel , comédie en wodewil , opéra comique , zarzuela i inne formy lekkiej rozrywki muzycznej. The Beggar's Opera była pierwszą zarejestrowaną długotrwałą sztuką jakiegokolwiek rodzaju, która miała 62 kolejne przedstawienia w 1728 roku. Minęło prawie sto lat, zanim jakakolwiek sztuka pobiła 100 przedstawień, ale rekord wkrótce osiągnął 150 pod koniec lat dwudziestych XIX wieku. Inne formy teatru muzycznego rozwinęły się w Anglii w XIX wieku, takie jak music hall , melodramat i burletta , które zostały spopularyzowane częściowo dlatego, że większość londyńskich teatrów miała licencję tylko na sale muzyczne i nie wolno było wystawiać sztuk bez muzyki.

Ameryka kolonialna nie miała znaczącej obecności teatralnej aż do 1752 roku, kiedy londyński przedsiębiorca William Hallam wysłał grupę aktorów do kolonii zarządzanych przez jego brata Lewisa . W Nowym Jorku latem 1753 roku wystawiali ballady-opery, takie jak The Beggar's Opera i ballady-farsy. W latach czterdziestych XIX wieku PT Barnum prowadził kompleks rozrywkowy na dolnym Manhattanie. Inny wczesny teatr muzyczny w Ameryce składał się z form brytyjskich, takich jak burletta i pantomima, ale nazwa utworu niekoniecznie określała, czym był. Ekstrawagancja na Broadwayu z 1852 roku Magic Deer reklamował się jako „A Serio Comico Tragico Operatical Historyczna ekstrawagancka burletyczna opowieść o zaklęciu”. Teatr w Nowym Jorku stopniowo przenosił się ze śródmieścia do śródmieścia od około 1850 roku i pojawił się na Times Square dopiero w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Nowojorskie występy pozostawały daleko w tyle za londyńskimi, ale „muzyczna burletta” Laury Keene Seven Sisters (1860) pobiła poprzedni rekord nowojorskiego teatru muzycznego, wystawiając 253 przedstawienia.

1850 do 1880

plakat, ok. 1879

Około 1850 roku francuski kompozytor Hervé eksperymentował z formą komiksowego teatru muzycznego, którą nazwał opérette . Najbardziej znanymi kompozytorami operetki byli Jacques Offenbach od lat pięćdziesiątych do siedemdziesiątych XIX wieku oraz Johann Strauss II w latach siedemdziesiątych i osiemdziesiątych XIX wieku. Płodne melodie Offenbacha w połączeniu z dowcipną satyrą jego librecistów stworzyły model dla późniejszego teatru muzycznego. Adaptacje francuskich operetek (grane głównie w kiepskich, ryzykownych przekładach), burleski muzyczne , music hall, pantomima i burletta zdominowały londyńską scenę muzyczną do lat 70. XIX wieku.

W Ameryce muzyczne rozrywki teatralne z połowy XIX wieku obejmowały prymitywną rewię , która ostatecznie przekształciła się w wodewil , przedstawienia minstreli , które wkrótce przekroczyły Atlantyk do Wielkiej Brytanii, oraz wiktoriańską burleskę , po raz pierwszy spopularyzowaną w Stanach Zjednoczonych przez brytyjskie zespoły. Niezwykle udany musical, którego premiera odbyła się w Nowym Jorku w 1866 roku, The Black Crook , był oryginalnym muzycznym spektaklem teatralnym, który był zgodny z wieloma współczesnymi definicjami musicalu, w tym z tańcem i oryginalną muzyką, która pomogła opowiedzieć historię. Spektakularna produkcja, słynąca ze skąpych kostiumów, doczekała się rekordowych 474 przedstawień. Ten sam rok, The Black Domino / Between You, Me and the Post był pierwszym programem, który nazwał się „komedią muzyczną”. Komicy Edward Harrigan i Tony Hart produkowali i występowali w musicalach na Broadwayu w latach 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) do 1885. Te muzyczne komedie przedstawiały postacie i sytuacje zaczerpnięte z codziennego życia niższych klas Nowego Jorku i stanowiły znaczący krok naprzód w kierunku bardziej legalna forma teatralna. W rolach głównych wystąpili wysokiej klasy piosenkarze ( Lilllian Russell , Vivienne Segal i Fay Templeton ) zamiast dam o wątpliwej reputacji, które występowały we wcześniejszych formach muzycznych.

Wraz z poprawą transportu, zmniejszeniem ubóstwa w Londynie i Nowym Jorku, a oświetleniem ulicznym zapewniającym bezpieczniejsze podróżowanie nocą, liczba klientów rosnącej liczby teatrów ogromnie wzrosła. Przedstawienia trwały dłużej, co prowadziło do lepszych zysków i poprawy wartości produkcji, a mężczyźni zaczęli sprowadzać do teatru swoje rodziny. Pierwszym utworem teatru muzycznego, który przekroczył liczbę 500 kolejnych przedstawień, była francuska operetka The Chimes of Normandy w 1878 roku. Angielska opera komiczna przejęła wiele udanych pomysłów europejskiej operetki, z których żaden nie był bardziej udany niż seria kilkunastu długo emitowanych Opery komiczne Gilberta i Sullivana , w tym HMS Pinafore (1878) i The Mikado (1885). Były to sensacje po obu stronach Atlantyku oraz w Australii i pomogły podnieść standard tego, co uznano za udany program. Przedstawienia te były przeznaczone dla publiczności rodzinnej, co stanowiło wyraźny kontrast z ryzykownymi burleskami, sprośnymi występami muzycznymi i francuskimi operetkami, które czasami przyciągały tłumy poszukujące mniej zdrowej rozrywki. Tylko kilka dziewiętnastowiecznych utworów muzycznych przekroczyło serię The Mikado , na przykład Dorothy , który został otwarty w 1886 roku i ustanowił nowy rekord liczbą 931 przedstawień. Wpływ Gilberta i Sullivana na późniejszy teatr muzyczny był głęboki, tworząc przykłady „integracji” musicali, tak aby teksty i dialogi tworzyły spójną historię. Ich prace były podziwiane i kopiowane przez wczesnych autorów i kompozytorów musicali w Wielkiej Brytanii i Ameryce.

1890 do nowego stulecia

Dalsze informacje: edwardiańska komedia muzyczna
Okładka partytury wokalnej Sidneya Jonesa The Geisha

A Trip to Chinatown (1891) był długodystansowym mistrzem Broadwayu (do Irene w 1919 r.), Występując w 657 przedstawieniach, ale biegi w Nowym Jorku były stosunkowo krótkie, z kilkoma wyjątkami, w porównaniu z biegami w Londynie, aż do lat dwudziestych XX wieku. Gilbert i Sullivan byli szeroko piraceni, a także naśladowani w Nowym Jorku przez produkcje takie jak Robin Hood Reginalda De Kovena (1891) i El Capitan Johna Philipa Sousy ( 1896). A Trip to Coontown (1898) była pierwszą komedią muzyczną w całości wyprodukowaną i wykonaną przez Afroamerykanie na Broadwayu (w dużej mierze inspirowani rutynowymi występami minstreli ), a następnie pokazy zabarwione ragtime'em . Setki komedii muzycznych wystawiono na Broadwayu w latach 90. XIX wieku i na początku XX wieku, składających się z piosenek napisanych w nowojorskiej Tin Pan Alley , w tym autorstwa George'a M. Cohana , który pracował nad stworzeniem amerykańskiego stylu różniącego się od dzieł Gilberta i Sullivana. Po najbardziej udanych pokazach w Nowym Jorku często odbywały się rozległe trasy koncertowe po całym kraju.

W międzyczasie musicale zawładnęły londyńską sceną gejowskich lat dziewięćdziesiątych , na czele z producentem George'em Edwardesem , który dostrzegł, że publiczność chce nowej alternatywy dla komicznych oper w stylu sabaudzkim i ich intelektualnej, politycznej, absurdalnej satyry. Eksperymentował z nowoczesnym, przyjaznym rodzinie stylem teatru muzycznego, z przewiewnymi, popularnymi piosenkami, zgryźliwymi, romantycznymi przekomarzaniami i stylowym spektaklem w Gaiety i inne jego teatry. Czerpały one z tradycji opery komicznej i wykorzystywały elementy burleski oraz utworów Harrigana i Harta. Zastąpił sprośne kobiety z burleski swoim „szacowanym” korpusem Gaiety Girls, aby dopełnić muzyczną i wizualną zabawę. Sukces pierwszego z nich, In Town (1892) i A Gaiety Girl (1893), wyznaczył styl na następne trzy dekady. Fabuły były na ogół lekkie, romantyczne, „biedna dziewczyna kocha arystokratę i wygrywa go wbrew wszelkim przeciwnościom”, z muzyką Ivana Carylla , Sidneya Jonesa i Lionela Moncktona . Programy te były natychmiast szeroko kopiowane w Ameryce, a edwardiańska komedia muzyczna zmiotła wcześniejsze formy muzyczne opery komicznej i operetki. Gejsza (1896) była jedną z najbardziej udanych w latach 90. XIX wieku, działała przez ponad dwa lata i odniosła wielki międzynarodowy sukces.

The Belle of New York (1898) stał się pierwszym amerykańskim musicalem wystawianym przez ponad rok w Londynie. Brytyjska komedia muzyczna Florodora (1899) odniosła popularny sukces po obu stronach Atlantyku, podobnie jak A Chinese Honeymoon (1901), który miał rekordowe 1074 występy w Londynie i 376 w Nowym Jorku. Po przełomie XIX i XX wieku Seymour Hicks połączył siły z Edwardesem i amerykańskim producentem Charlesem Frohmanem , by stworzyć kolejną dekadę popularnych programów. Inne trwałe edwardiańskie muzyczne komedie to The Arcadians (1909) i Dziewczyna kwakrów (1910).

Początek 20 wieku

Wiktora Herberta

Praktycznie wyeliminowane z anglojęzycznej sceny przez konkurencję ze strony wszechobecnych edwardiańskich komedii muzycznych, operetki powróciły do ​​Londynu i Broadwayu w 1907 roku wraz z Wesołą wdową , a adaptacje kontynentalnych operetek stały się bezpośrednimi konkurentami musicali. Franz Lehár i Oscar Straus skomponowali nowe operetki, które były popularne w języku angielskim aż do I wojny światowej. W Ameryce Victor Herbert wyprodukował szereg trwałych operetek, w tym The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modniarka (1905), Czerwony młyn (1906) i Niegrzeczna Marietta (1910).

W latach 1910-tych zespół PG Wodehouse'a , Guya Boltona i Jerome'a ​​Kerna , idąc w ślady Gilberta i Sullivana , stworzył " Prince Theatre show" i utorował drogę późniejszej twórczości Kerna, pokazując, że musical może łączyć lekkie, popularne rozrywka z ciągłością między swoją historią a piosenkami. Historyk Gerald Bordman napisał:

Te programy zbudowały i dopracowały formę, z której wyewoluowały prawie wszystkie późniejsze główne komedie muzyczne. ... Postacie i sytuacje były, w granicach licencji na komedię muzyczną, wiarygodne, a humor wynikał z sytuacji lub charakteru postaci. Znakomicie płynne melodie Kerna zostały wykorzystane do rozwinięcia akcji lub rozwinięcia charakterystyki. ... [edwardiańska] komedia muzyczna była często winna wstawiania piosenek w sposób przypadkowy. Musicale Princess Theatre przyniosły zmianę podejścia. PG Wodehouse, najbardziej spostrzegawczy, piśmienny i dowcipny autor tekstów swoich czasów, oraz zespół Boltona, Wodehouse'a i Kerna wywarli wpływ odczuwalny do dziś.

Publiczność chodząca do teatru potrzebowała eskapistycznej rozrywki w mrocznych czasach I wojny światowej i gromadziła się w teatrze. Hitowy musical Irene z 1919 roku miał 670 przedstawień, co było rekordem na Broadwayu, który utrzymywał się do 1938 roku. Brytyjska publiczność teatralna wspierała znacznie dłuższe występy, takie jak The Maid of the Mountains (1352 przedstawienia), a zwłaszcza Chu Chin Chow . Jego seria 2238 występów była ponad dwa razy dłuższa niż jakikolwiek poprzedni musical, ustanawiając rekord, który trwał prawie czterdzieści lat. Rewie takie jak The Bing Boys Are Here in Britain i te z Florenz Ziegfeld i jego naśladowcy w Ameryce byli również niezwykle popularni.

Nuty z Sally , 1920

Musicale z szalonych lat dwudziestych , zapożyczone z wodewilu, musicalu i innych lekkich rozrywek, miały tendencję do podkreślania wielkich układów tanecznych i popularnych piosenek kosztem fabuły. Typowe dla tej dekady były beztroskie produkcje, takie jak Sally ; Pani, bądź dobra ; Nie, nie, Nanette ; O Kaju! ; i Śmieszna Twarz . Pomimo niezapomnianych historii, w tych musicalach występowały takie gwiazdy jak Marilyn Miller i Fred Astaire , a także wyprodukowano dziesiątki trwałych popularnych piosenek Kerna, George'a i Iry Gershwinów , Irvinga Berlina , Cole'a Portera oraz Rodgersa i Harta . W muzyce popularnej dominowały muzyczne standardy teatralne, takie jak „ Fascynujący rytm ”, „ Herbata dla dwojga ” czy „ Ktoś mnie pilnuje ”. Wiele przedstawień to rewie , serie skeczy i piosenek z niewielkim lub żadnym powiązaniem między nimi. Najbardziej znanymi z nich były coroczne Ziegfeld Follies , spektakularne rewie pieśni i tańca na Broadwayu z ekstrawagancką scenografią, wyszukanymi kostiumami i pięknymi chórzystkami. Te okulary podniosły również walory produkcyjne, a montaż musicalu generalnie stał się droższy. Shuffle Along (1921), afroamerykański program był hitem na Broadwayu. W latach dwudziestych XX wieku pojawiło się również nowe pokolenie kompozytorów operetek, takich jak Rudolf Friml i Sigmund Romberg , którzy stworzyli serię popularnych hitów na Broadwayu.

W Londynie gwiazdy-pisarze, takie jak Ivor Novello i Noël Coward , stały się popularne, ale prymat brytyjskiego teatru muzycznego od XIX wieku do 1920 roku był stopniowo zastępowany przez amerykańskie innowacje, zwłaszcza po I wojnie światowej, jak Kern i inni kompozytorzy z Tin Pan Alley zaczęli wprowadzać do teatrów nowe style muzyczne, takie jak ragtime i jazz , a bracia Shubert przejęli kontrolę nad teatrami na Broadwayu. scenarzysta teatru muzycznego Andrew Lamb zauważa: „Operowe i teatralne style dziewiętnastowiecznych struktur społecznych zostały zastąpione stylem muzycznym lepiej pasującym do dwudziestowiecznego społeczeństwa i jego rodzimego idiomu. To z Ameryki wyłonił się styl bardziej bezpośredni, aw Ameryce był zdolne do rozkwitu w rozwijającym się społeczeństwie mniej skrępowanym przez dziewiętnastowieczną tradycję”. We Francji comédie musicale powstawało w latach na początku XX wieku dla takich gwiazd jak Yvonne Printemps .

Pokaż Łódź i Wielki Kryzys

Wychodząc daleko poza stosunkowo frywolne musicale i sentymentalne operetki dekady, Broadway's Show Boat (1927) stanowił jeszcze pełniejszą integrację książki i partytury niż musicale Princess Theatre, z dramatycznymi tematami opowiedzianymi poprzez muzykę, dialogi, scenerię i ruch . Osiągnięto to poprzez połączenie liryzmu muzyki Kerna z umiejętnym librettem Oscara Hammersteina II. . Pewien historyk napisał: „Dochodzimy do zupełnie nowego gatunku - sztuki muzycznej w odróżnieniu od komedii muzycznej. Teraz… wszystko inne było podporządkowane tej sztuce. Teraz… nastąpiła całkowita integracja piosenek, humoru i numerów produkcji w pojedyncza i nierozerwalna jednostka artystyczna”.

Rodgersa i Harta

Gdy Wielki Kryzys rozpoczął się podczas krajowej trasy koncertowej Show Boat po Broadwayu , publiczność wróciła do głównie lekkiej, eskapistycznej rozrywki z piosenkami i tańcem. Publiczność po obu stronach Atlantyku miała niewiele pieniędzy do wydania na rozrywkę, a tylko kilka przedstawień scenicznych w dowolnym miejscu przekroczyło liczbę 500 przedstawień w ciągu dekady. W rewii The Band Wagon (1931) wystąpili partnerzy taneczni Fred Astaire i jego siostra Adele , a Porter's Anything Goes (1934) potwierdził Ethel Merman przez wiele lat pełniła funkcję Pierwszej Damy teatru muzycznego. Coward i Novello nadal dostarczali staromodne, sentymentalne musicale, takie jak The Dancing Years , podczas gdy Rodgers i Hart wrócili z Hollywood, aby stworzyć serię odnoszących sukcesy przedstawień na Broadwayu, w tym On Your Toes (1936, z Rayem Bolgerem , pierwszy broadwayowski musical dla dramatycznie wykorzystują taniec klasyczny), Babes in Arms (1937) i The Boys from Syracuse (1938). Porter dodał, że Du Barry była damą (1939). Najdłużej granym utworem teatru muzycznego lat 30. XX wieku był Hellzapoppin (1938), rewia z udziałem publiczności, w której zagrano 1404 przedstawień, ustanawiając nowy rekord na Broadwayu.

Mimo to kilka kreatywnych zespołów zaczęło korzystać z innowacji firmy Show Boat . Of Thee I Sing (1931), satyra polityczna Gershwinów, była pierwszym musicalem nagrodzonym nagrodą Pulitzera . As Thousands Cheer (1933), rewia Irvinga Berlina i Mossa Harta , w której każda piosenka lub szkic była oparta na nagłówku gazety, była pierwszym przedstawieniem na Broadwayu, w którym Afroamerykanka Ethel Waters wystąpiła u boku białych aktorów. Liczby Watersa obejmowały „ Czas kolacji ”, lament kobiety nad jej mężem, który został zlinczowany. Porgy and Bess (1935) The Gershwins zawierał całą afroamerykańską obsadę i mieszankę idiomów operowych, folkowych i jazzowych. The Cradle Will Rock (1937), wyreżyserowany przez Orsona Wellesa , był wysoce politycznym utworem pro- związkowym , który pomimo kontrowersji, jakie go otaczały, miał 108 przedstawień. Rodgersa i Harta Wolałbym mieć rację (1937) był polityczną satyrą z George'em M. Cohanem jako prezydentem Franklinem D. Rooseveltem , i Kurta Weilla „ Knickerbocker Holiday” przedstawia wczesną historię Nowego Jorku, jednocześnie dobrodusznie satyrując dobre intencje Roosevelta.

Film stanowił wyzwanie dla sceny. Nieme filmy miały tylko ograniczoną konkurencję, ale pod koniec lat dwudziestych XX wieku filmy takie jak The Jazz Singer można było wyświetlać ze zsynchronizowanym dźwiękiem. Filmy „Talkie” po niskich cenach skutecznie zabiły wodewil na początku lat trzydziestych XX wieku. Pomimo problemów ekonomicznych lat trzydziestych XX wieku i konkurencji ze strony filmu musical przetrwał. W rzeczywistości nadal ewoluował tematycznie poza gagi i showgirls musicale gejowskich lat dziewięćdziesiątych i szalonych lat dwudziestych oraz sentymentalny romans operetki, dodając wiedzę techniczną oraz szybką inscenizację i naturalistyczny styl dialogów prowadzony przez reżysera George'a Abbotta .

Złoty wiek (1940 do 1960)

Rodgers i Hammerstein (z lewej i prawej) oraz Irving Berlin (w środku) w St. James Theatre w 1948 roku

1940

Lata czterdzieste zaczęły się od większej liczby hitów Portera, Irvinga Berlina , Rodgersa i Harta, Weilla i Gershwina, niektóre z ponad 500 występami, gdy gospodarka się odbiła, ale artystyczne zmiany wisiały w powietrzu.

Oklahoma Rodgersa i Hammersteina ! (1943) zakończył rewolucję zapoczątkowaną przez Show Boat , ściśle integrując wszystkie aspekty teatru muzycznego, ze spójną fabułą, piosenkami, które wspierały akcję opowieści, zawierały balety snów i inne tańce, które rozwijały fabułę i rozwijały postacie , zamiast wykorzystywać taniec jako pretekst do paradowania skąpo ubranych kobiet po scenie. Rodgers i Hammerstein zatrudnili choreografkę baletu Agnes de Mille , którzy używali codziennych ruchów, aby pomóc bohaterom wyrazić swoje pomysły. Przeciwstawił się muzycznym konwencjom, podnosząc kurtynę pierwszego aktu nie na grupę chórzystek, ale raczej na kobietę ubijającą masło, z głosem spoza sceny śpiewającym pierwsze wersety Oh, What a Beautiful Mornin 'bez akompaniamentu . Zebrał entuzjastyczne recenzje, wywołał szał kasowy i otrzymał nagrodę Pulitzera . Brooks Atkinson napisał w The New York Times że pierwszy numer spektaklu zmienił historię teatru muzycznego: „Po takiej zwrotce, śpiewanej do skocznej melodii, banały starej sceny muzycznej stały się nie do zniesienia”. Było to pierwsze „przebojowe” przedstawienie na Broadwayu, w którym odbyło się łącznie 2212 przedstawień i które zostało przerobione na przebój filmowy. Pozostaje jednym z najczęściej produkowanych projektów zespołu. William A. Everett i Paul R. Laird napisali, że był to „pokaz, taki jak Show Boat , stał się kamieniem milowym, aby późniejsi historycy piszący o ważnych momentach w teatrze XX wieku zaczęli identyfikować epoki według ich stosunku do Oklahomy! ".

Portrait of a woman in her mid-thirties, with long curly hair and wearing an old-fashioned blouse with string tie
Mary Martin zagrała w kilku hitach Broadwayu z tej epoki

„Po Oklahomie! Rodgers i Hammerstein byli najważniejszymi współtwórcami formy musicalu… Przykłady, które dali w tworzeniu żywotnych sztuk, często bogatych w myśl społeczną, dostarczyły niezbędnej zachęty innym utalentowanym pisarzom do tworzenia muzycznych sztuk o ich własny". Dwaj współpracownicy stworzyli niezwykłą kolekcję najbardziej lubianych i najtrwalszych klasyków teatru muzycznego, w tym Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) oraz The Sound of Music (1959). Niektóre z tych musicali traktują o poważniejszej tematyce niż większość wcześniejszych programów: czarny charakter w Oklahomie! jest podejrzanym o morderstwo i psychopatą ze zamiłowaniem do lubieżnych pocztówek; Karuzela dotyczy znęcania się nad małżonkami, kradzieży, samobójstw i życia pozagrobowego; South Pacific bada krzyżowanie ras jeszcze dokładniej niż Show Boat ; a bohater The King and I umiera na scenie.

Kreatywność spektaklu pobudziła współczesnych Rodgersowi i Hammersteinowi i zapoczątkowała „złoty wiek” amerykańskiego teatru muzycznego. Americana była wystawiana na Broadwayu w „złotym wieku”, gdy zaczął napływać wojenny cykl przedstawień. Przykładem tego jest On the Town (1944), napisany przez Betty Comden i Adolpha Greena , skomponowany przez Leonarda Bernsteina i choreografię Jerome Robbins . Akcja rozgrywa się w czasie wojny i dotyczy trzech marynarzy przebywających na 24-godzinnym urlopie na lądzie w Nowym Jorku, podczas którego każdy z nich się zakochuje. Spektakl sprawia również wrażenie kraju o niepewnej przyszłości, podobnie jak marynarze i ich kobiety. Irving Berlin wykorzystał karierę strzelca wyborowego Annie Oakley jako podstawę do swojej Annie Get Your Gun (1946, 1147 występów); Burton Lane , EY Harburg i Fred Saidy połączyli satyrę polityczną z irlandzką fantazją w swojej fantazji Finian's Rainbow (1947, 725 przedstawień); a Cole Porter znalazł inspirację w Poskromieniu złośnicy Williama Szekspira dla Pocałuj mnie, Kate (1948, 1077 przedstawień). Amerykańskie musicale przytłoczyły staromodne brytyjskie programy w stylu Coward / Novello, których jednym z ostatnich wielkich sukcesów był Perchance to Dream Novello (1945, 1021 przedstawień). Formuła musicali Złotego Wieku odzwierciedlała jedno lub więcej z czterech szeroko rozpowszechnionych wyobrażeń o „amerykańskim śnie”: ta stabilność i wartość wynikają ze związku miłosnego usankcjonowanego i ograniczonego przez protestanckie ideały małżeństwa; że małżeństwo powinno założyć moralny dom z dziećmi z dala od miasta, na przedmieściach lub w małym miasteczku; że funkcja kobiety była gospodynią domową i matką; i że Amerykanie mają w sobie niezależnego i pionierskiego ducha lub że ich sukces jest dziełem ich samych.

1950

Dalsze informacje: Film muzyczny
Julie Andrews z Richardem Burtonem w Camelot (1960)

Lata pięćdziesiąte były kluczowe dla rozwoju amerykańskiego musicalu. Eklektyczne postacie Damona Runyona były podstawą filmu Guys and Dolls Franka Loessera i Abe Burrowsa (1950, 1200 przedstawień) ; a gorączka złota była scenerią dla filmu Alana Jaya Lernera i Fredericka Loewe Paint Your Wagon (1951). Stosunkowo krótki siedmiomiesięczny okres tego programu nie zniechęcił Lernera i Loewe do ponownej współpracy, tym razem My Fair Lady (1956), adaptacja Pigmaliona George'a Bernarda Shawa z Rexem Harrisonem i Julie Andrews w rolach głównych , która przy 2717 przedstawieniach przez wiele lat była rekordzistą. Na podstawie wszystkich tych musicali powstały popularne hollywoodzkie filmy. Dwa hity brytyjskich twórców w tej dekadzie to The Boy Friend (1954), który miał 2078 przedstawień w Londynie i był amerykańskim debiutem Andrewsa, oraz Salad Days (1954), z 2283 przedstawieniami.

Kolejny rekord ustanowiła The Threepenny Opera , która miała 2707 przedstawień, stając się najdłużej emitowanym musicalem off-Broadway aż do The Fantasticks . Produkcja była również przełomowa, pokazując, że musicale mogą przynosić zyski poza Broadwayem w małej skali, w formacie małej orkiestry. Zostało to potwierdzone w 1959 roku, kiedy wznowienie utworu Leave It to Jane Jerome'a ​​Kerna i PG Wodehouse'a trwało ponad dwa lata. Sezon off-broadwayowski 1959–1960 obejmował kilkanaście musicali i rewii, w tym Little Mary Sunshine , The Fantasticks and Ernest in Love , muzyczna adaptacja przeboju Oscara Wilde'a z 1895 roku The Importance of Being Earnest .

Leonarda Bernsteina , 1971

West Side Story (1957) przetransportował Romea i Julię do współczesnego Nowego Jorku i przekształcił zwaśnione rodziny Montague i Capulet w przeciwstawne gangi etniczne, Jets i Sharks. Książka została zaadaptowana przez Arthura Laurentsa , z muzyką Leonarda Bernsteina i tekstami autorstwa nowicjusza Stephena Sondheima . Został przyjęty przez krytyków, ale nie był popularnym wyborem dla „niebieskowłosych dam z poranku”, które wolały małe miasteczko River City w stanie Iowa z The Music Man Meredith Willson (1957) od zaułków Upper West Side na Manhattanie . Najwyraźniej wyborcy nagrody Tony byli podobnego zdania, ponieważ faworyzowali tę pierwszą nad drugą. West Side Story miał przyzwoity przebieg 732 występów (1040 na West Endzie), podczas gdy The Music Man trwał prawie dwa razy dłużej, z 1375 występami. Jednak West Side Story z 1961 roku odniósł ogromny sukces. Laurents i Sondheim ponownie połączyli siły przy Gypsy (1959, 702 występy) z Jule Styne dostarczając muzykę do zakulisowej opowieści o najbardziej zdeterminowanej matce scenicznej wszechczasów, striptizerce Gypsy Rose Lee , matce Rose. Oryginalna produkcja miała 702 występy i doczekała się czterech kolejnych wznowień, z Angelą Lansbury , Tyne Daly , Bernadette Peters i Patti LuPone , które później zmierzyły się z rolą rozsławioną przez Ethel Merman.

Chociaż reżyserzy i choreografowie mieli duży wpływ na styl teatru muzycznego co najmniej od XIX wieku, George Abbott i jego współpracownicy i następcy odegrali kluczową rolę w pełnej integracji ruchu i tańca z produkcjami teatru muzycznego w Złotym Wieku. Abbott wprowadził balet jako narzędzie do opowiadania historii w On Your Toes w 1936 roku, po którym nastąpił balet i choreografia Agnes de Mille w Oklahomie! . Po tym, jak Abbott współpracował z Jerome Robbinsem w On the Town i innych spektaklach Robbins łączył role reżysera i choreografa, podkreślając moc tańca w opowiadaniu historii w West Side Story , Zabawna rzecz wydarzyła się w drodze na forum (1962) i Skrzypek na dachu (1964). Bob Fosse opracował choreografię dla Abbotta w The Pajama Game (1956) i Damn Yankees (1957), dodając do tych hitów figlarną seksualność. Był później reżyserem-choreografem dla Sweet Charity (1968), Pippin (1972) i Chicago (1975). Inni znani reżyserzy-choreografowie to Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne i Susan Stroman . Do wybitnych reżyserów należeli Hal Prince , który również zaczynał od Abbotta, oraz Trevor Nunn .

W Złotym Wieku firmy motoryzacyjne i inne duże korporacje zaczęły zatrudniać talenty z Broadwayu do pisania korporacyjnych musicali , prywatnych programów, które oglądali tylko ich pracownicy lub klienci. Lata pięćdziesiąte zakończyły się ostatnim hitem Rodgersa i Hammersteina , The Sound of Music , który stał się także kolejnym hitem Mary Martin. Miał 1443 występy i podzielił się nagrodą Tony dla najlepszego musicalu. Wraz z niezwykle udaną wersją filmową z 1965 roku stał się jednym z najpopularniejszych musicali w historii.

1960

W 1960 roku The Fantasticks został po raz pierwszy wyprodukowany poza Broadwayem. Ten intymny, alegoryczny spektakl był po cichu wystawiany przez ponad 40 lat w Sullivan Street Theatre w Greenwich Village , stając się zdecydowanie najdłużej emitowanym musicalem w historii. Jego autorzy wyprodukowali w latach 60. inne nowatorskie prace, takie jak Celebration i I Do! Ja robię! , pierwszy dwuznakowy musical na Broadwayu. Lata 60. przyniosły wiele hitów, takich jak Skrzypek na dachu (1964; 3242 przedstawienia), Hello, Dolly! (1964; 2844 przedstawień), Zabawna dziewczyna (1964; 1348 przedstawień) i Man of La Mancha (1965; 2328 przedstawień), a także kilka bardziej ryzykownych utworów, takich jak Cabaret , zanim zakończył się wraz z pojawieniem się musicalu rockowego . Dwóch ludzi miało znaczący wpływ na historię teatru muzycznego rozpoczynającą się w tej dekadzie: Stephen Sondheim i Jerry Herman .

Bernadette Peters (pokazana w 2008) zagrała w pięciu musicalach Sondheim

Pierwszym projektem, do którego Sondheim napisał zarówno muzykę, jak i teksty, była A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 występy), z książką opartą na twórczości Plauta autorstwa Burta Shevelove i Larry'ego Gelbarta , z udziałem Zero Mostela . Sondheim przeniósł musical poza koncentrację na romantycznych wątkach typowych dla wcześniejszych epok; jego prace były zwykle mroczniejsze, badając bardziej szorstkie strony życia, zarówno teraźniejszego, jak i przeszłego. Inne wczesne prace Sondheima to „Każdy może gwizdać”. (1964, który miał tylko dziewięć przedstawień, pomimo gwiazd Lee Remick i Angela Lansbury ) oraz odnoszące sukcesy Company (1970), Follies (1971) i A Little Night Music (1973). Później Sondheim znalazł inspirację w mało prawdopodobnych źródłach: otwarcie Japonii na zachodni handel dla Pacific Overtures (1976), legendarny morderczy fryzjer szukający zemsty w epoce industrialnej Londynu dla Sweeneya Todda (1979), obrazy Georgesa Seurata dla Sunday in the Park with George (1984), bajki do Into the Woods (1987) oraz zbiór zabójców prezydenckich w Assassins (1990).

Podczas gdy niektórzy krytycy argumentowali, że niektórym musicalom Sondheima brakuje komercyjnego uroku, inni chwalili ich liryczne wyrafinowanie i muzyczną złożoność, a także wzajemne oddziaływanie tekstów i muzyki w jego programach. Niektóre z godnych uwagi innowacji Sondheima obejmują przedstawienie prezentowane w odwrotnej kolejności ( Merrily We Roll Along ) oraz wspomniany wyżej Nobody Can Whistle , w którym pierwszy akt kończy się, gdy obsada informuje publiczność, że są szaleni.

Jerry Herman odegrał znaczącą rolę w amerykańskim teatrze muzycznym, poczynając od swojej pierwszej broadwayowskiej produkcji Milk and Honey (1961, 563 spektakle), opowiadającej o powstaniu państwa Izrael , a kończąc na hitach Hello, Dolly! (1964, 2844 przedstawień), Mame (1966, 1508 przedstawień) i La Cage aux Folles (1983, 1761 przedstawień). Nawet jego mniej udane programy, takie jak Dear World (1969) oraz Mack i Mabel (1974), miały niezapomniane wyniki ( Mack i Mabel został później przerobiony na londyński hit). Pisząc zarówno słowa, jak i muzykę, wiele melodii Hermana stało się popularnymi standardami, w tym „ Hello, Dolly! ”, „We Need a Little Christmas”, „I Am What I Am”, „Mame”, „The Best of Times” , „Before the Parade Passes By”, „Put On Your Sunday Clothes”, „It Takes a Moment”, „Bosom Buddies” i „I Won't Send Roses”, nagrane przez takich artystów jak Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbry Streisand , Petuli Clark i Bernadette Peters. Śpiewnik Hermana był tematem dwóch popularnych rewii muzycznych, Jerry's Girls (Broadway, 1985) i Showtune (off-Broadway, 2003).

Musical zaczął odchodzić od stosunkowo wąskich ram lat pięćdziesiątych. Muzyka rockowa została wykorzystana w kilku musicalach na Broadwayu, poczynając od Hair , który zawierał nie tylko muzykę rockową, ale także nagość i kontrowersyjne opinie na temat wojny w Wietnamie , stosunków rasowych i innych kwestii społecznych.

Tematy społeczne

Po Show Boat i Porgy and Bess , a także w miarę postępu walki w Ameryce i innych krajach o prawa obywatelskie mniejszości , Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg i inni zostali ośmieleni do napisania większej liczby musicali i oper, które miały na celu normalizację społecznej tolerancji dla mniejszości i wezwali Harmonia rasowa. Dzieła wczesnego Złotego Wieku, które skupiały się na tolerancji rasowej, obejmowały Finian's Rainbow i South Pacific . Pod koniec Złotego Wieku kilka programów poruszało tematy i kwestie żydowskie, takie jak Skrzypek na dachu , Mleko i miód , Blitz! a później Rags . Oryginalna koncepcja, która stała się West Side Story, została osadzona na Lower East Side podczas obchodów Wielkanocy i Paschy; rywalizujące ze sobą gangi miały być żydowskimi i włoskimi katolikami . Zespół kreatywny zdecydował później, że konflikt polsko-biały z portorykańskim był świeższy.

Tolerancja jako ważny temat w musicalach jest kontynuowana w ostatnich dziesięcioleciach. Ostateczna ekspresja West Side Story pozostawiła przesłanie tolerancji rasowej. Pod koniec lat 60. musicale stały się rasowo zintegrowane, a czarno-białi członkowie obsady nawet wcielali się w swoje role, tak jak to zrobili w Hair . Homoseksualizm był również badany w musicalach, począwszy od Hair , a nawet bardziej otwarcie w La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch i innych programach ostatnich dziesięcioleci. Parada jest delikatną eksploracją zarówno antysemityzmu, jak i historycznego amerykańskiego rasizmu , a Ragtime w podobny sposób bada doświadczenia imigrantów i mniejszości w Ameryce.

1970 do chwili obecnej

lata 70

Po sukcesie Hair , musicale rockowe rozkwitły w latach 70., z Jesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita i Two Gentlemen of Verona . Niektóre z nich zaczęły się jako „ albumy koncepcyjne ”, które następnie zostały zaadaptowane na scenę, w szczególności Jesus Christ Superstar i Evita . Inne nie miały dialogu lub w inny sposób przypominały operę, z dramatycznymi, emocjonalnymi motywami; te czasami zaczynały się jako albumy koncepcyjne i były określane jako opery rockowe . Programy takie jak Raisin , Dreamgirls , Purlie i The Wiz przyniosły znaczący wpływ Afroamerykanów na Broadway. Bardziej zróżnicowane gatunki i style muzyczne zostały włączone do musicali zarówno na Broadwayu, jak i poza nim. W tym samym czasie Stephen Sondheim odniósł sukces w niektórych swoich musicalach, jak wspomniano powyżej.

A Chorus Line była jedną z 55 produkcji, które Public Theatre Josepha Pappa sprowadził na Broadway

W 1975 roku musical taneczny A Chorus Line wyłonił się z nagranych sesji w stylu terapii grupowej, które Michael Bennett prowadził z „Cyganami” - tymi, którzy śpiewają i tańczą wspierając czołowych graczy - ze społeczności Broadwayu. Z setek godzin taśm James Kirkwood Jr. i Nick Dante stworzyli książkę o przesłuchaniu do musicalu, zawierającą wiele prawdziwych historii z sesji; niektórzy, którzy uczestniczyli w sesjach, w końcu zagrali w programie wariacje siebie lub innych. Z muzyką Marvina Hamlischa i tekstami autorstwa Edward Kleban , A Chorus Line po raz pierwszy został otwarty w Public Theatre Josepha Pappa na dolnym Manhattanie. To, co początkowo planowano jako ograniczone zaangażowanie, ostatecznie przeniosło się do Shubert Theatre na Broadwayu na serię 6137 przedstawień, stając się najdłużej wystawianą produkcją w historii Broadwayu do tego czasu. Program zgarnął nagrody Tony i zdobył nagrodę Pulitzera , a jego przebój What I Did for Love stał się standardem.

Publiczność na Broadwayu witała musicale, które różniły się stylem i treścią od złotego wieku. John Kander i Fred Ebb badali powstanie nazizmu w Niemczech w Kabarecie oraz morderstwa i media w Chicago z czasów prohibicji , które opierały się na starych technikach wodewilowych . Pippin , autorstwa Stephena Schwartza , został osadzony w czasach Karola Wielkiego . Autobiograficzny film Federico Felliniego 8½ stał się Dziewięć Maury'ego Yestona . Pod koniec dekady Evita i Sweeney Todd byli prekursorami mrocznych, wysokobudżetowych musicali lat 80., które opierały się na dramatycznych historiach, rozległych ścieżkach dźwiękowych i spektakularnych efektach. W tym samym czasie staromodne wartości nadal były uwzględniane w takich przebojach jak Annie , 42nd Street , My One and Only , a także w popularnych wznowieniach No, No, Nanette i Irene . Chociaż w latach 70. powstało wiele filmowych wersji musicali, niewiele z nich odniosło sukces krytyczny lub kasowy, z godnymi uwagi wyjątkami Skrzypek na dachu , Kabaret i Grease .

lata 80

Camerona Mackintosha

Lata 80. przyniosły wpływ europejskich „ megamusicali ” na Broadway, West End i inne miejsca. Zazwyczaj zawierają one ścieżkę dźwiękową inspirowaną popem, duże obsady i spektakularne dekoracje oraz efekty specjalne – spadający żyrandol (w The Phantom of the Opera ); lądowanie helikoptera na scenie (w Miss Saigon ) – i duże budżety. Niektóre były oparte na powieściach lub innych dziełach literackich. Brytyjski zespół składający się z kompozytora Andrew Lloyda Webbera i producenta Camerona Mackintosha zapoczątkował megamuzyczny fenomen swoim musicalem Cats z 1981 roku. , oparty na wierszach TS Eliota , który wyprzedził A Chorus Line , stając się najdłużej wystawianym przedstawieniem na Broadwayu. Lloyd Webber kontynuował Starlight Express (1984), występujący na rolkach; The Phantom of the Opera (1986; także z Mackintoshem), wywodzący się z powieści o tym samym tytule ; i Sunset Boulevard (1993), z filmu o tym samym tytule z 1950 roku . Phantom przewyższyłby Cats stać się najdłużej granym przedstawieniem w historii Broadwayu, rekordem, który wciąż posiada. Francuski zespół Claude-Michela Schönberga i Alaina Boublila napisał Les Misérables na podstawie powieści o tym samym tytule , której londyńska produkcja z 1985 roku została wyprodukowana przez Mackintosha i stała się i nadal jest najdłużej granym musicalem w historii West Endu i Broadwayu . Zespół wyprodukował kolejny hit z Miss Saigon (1989), który został zainspirowany operą Pucciniego Madama Butterfly .

Ogromne budżety megamusicali na nowo zdefiniowały oczekiwania dotyczące finansowego sukcesu na Broadwayu i West Endzie. We wcześniejszych latach przedstawienie można było uznać za hit po serii kilkuset przedstawień, ale przy wielomilionowych kosztach produkcji przedstawienie musi trwać latami, aby przynieść zysk. Megamusicale były również reprodukowane w produkcjach na całym świecie, zwielokrotniając ich potencjał zysku, jednocześnie poszerzając globalną widownię teatru muzycznego.

lata 90

Audra McDonald

W latach 90. pojawiło się nowe pokolenie kompozytorów teatralnych, w tym Jason Robert Brown i Michael John LaChiusa , którzy zaczynali od produkcji poza Broadwayem. Najbardziej rzucającym się w oczy sukcesem tych artystów był spektakl Rent Jonathana Larsona (1996), rockowy musical (oparty na operze Cyganeria ) o walczącej społeczności artystów na Manhattanie. Podczas gdy koszt biletów na musicale na Broadwayu i West Endzie przekraczał budżet wielu widzów teatralnych, Rent został wprowadzony na rynek w celu zwiększenia popularności musicali wśród młodszej publiczności. Zawierał młodą obsadę i ścieżkę dźwiękową silnie inspirowaną rockiem; musical stał się hitem. Jego młodzi fani, wielu z nich to studenci, nazywający siebie RENTheads], obozowali w Nederlander Theatre w nadziei na wygranie na loterii 20-dolarowych biletów w pierwszym rzędzie, a niektórzy widzieli przedstawienie dziesiątki razy. Inne programy na Broadwayu poszły w Rent , oferując mocno obniżone bilety na dzień występu lub bilety na miejsca stojące, chociaż często zniżki są oferowane tylko studentom.

Lata 90. to także wpływ wielkich korporacji na produkcję musicali. Najważniejszym z nich było Disney Theatrical Productions , które zaczęło adaptować na scenę niektóre animowane musicale Disneya , poczynając od Pięknej i Bestii (1994), Króla Lwa (1997) i Aidy (2000). Eltona Johna . Król Lew to najbardziej kasowy musical w historii Broadwayu. Kim jest Tommy (1993), teatralna adaptacja opery rockowej Tommy , osiągnęła dobrą liczbę 899 przedstawień, ale została skrytykowana za oczyszczenie historii i „teatralizowanie muzyczne” muzyki rockowej.

Pomimo rosnącej liczby musicali na dużą skalę w latach 80. i 90., wielu niskobudżetowych musicali na mniejszą skalę odniosło sukces krytyczny i finansowy, takich jak Falsettoland i Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical and Blood Bracia . Tematyka tych utworów jest bardzo zróżnicowana, a muzyka waha się od rocka do popu, ale często są one produkowane poza Broadwayem lub dla mniejszych londyńskich teatrów, a niektóre z tych inscenizacji zostały uznane za pomysłowe i innowacyjne.

2000-obecnie

Trendy

W nowym stuleciu producenci i inwestorzy, pragnąc zagwarantować zwrot znacznych inwestycji, przyjęli zażyłość. Niektórzy zaryzykowali (zwykle skromnie budżetowo) przy nowych i kreatywnych materiałach, takich jak Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Obok normalności (2009), Amerykański idiota (2010) i Księga Mormona (2011). Hamiltona (2015), przekształcił „niedostatecznie udramatyzowaną historię Ameryki” w niezwykły hip-hopowy hit. W 2011 roku Sondheim przekonywał, że ze wszystkich form „współczesnej muzyki pop” rap jest „najbliższy tradycyjnemu teatrowi muzycznemu” i „jedną ze ścieżek do przyszłości”.

Jednak większość produkcji XXI wieku na dużym rynku obrała bezpieczną drogę, odradzając znane taryfy, takie jak Fiddler on the Roof , A Chorus Line , South Pacific , Gypsy , Hair , West Side Story i Grease , lub z adaptacjami inne sprawdzone materiały, takie jak literatura ( The Scarlet Pimpernel , Wicked and Fun Home ), mając nadzieję, że dzięki temu programy będą miały wbudowaną publiczność. Ten trend jest szczególnie trwały w przypadku adaptacji filmowych, w tym ( Producenci , Spamalot , Lakier do włosów , Legalna blondynka , Kolor purpury , Xanadu , Billy Elliot , Shrek , Kelnerka i Dzień świstaka ). Niektórzy krytycy argumentowali, że ponowne wykorzystanie wątków filmowych, zwłaszcza tych z filmów Disneya (takich jak Mary Poppins i Mała Syrenka ), porównują musical z Broadwayu i West Endu do atrakcji turystycznej, a nie kreatywnego rynku zbytu.

Obsada Hamilton spotyka prezydenta Obamę w 2015 roku

Obecnie jest mniej prawdopodobne, że jeden producent, taki jak David Merrick czy Cameron Mackintosh , wspiera produkcję. Na Broadwayu dominują sponsorzy korporacyjni i często tworzone są sojusze w celu wystawiania musicali, które wymagają inwestycji w wysokości 10 milionów dolarów lub więcej. W 2002 roku napisy końcowe dla Thoroughly Modern Millie wymieniały dziesięciu producentów, a wśród nich były podmioty złożone z kilku osób. Zazwyczaj teatry off-broadwayowskie i regionalne produkują mniejsze, a przez to tańsze musicale, a rozwój nowych musicali coraz częściej odbywa się poza Nowym Jorkiem i Londynem lub w mniejszych miejscach. Na przykład, Spring Awakening , Fun Home i Hamilton powstały poza Broadwayem, zanim trafiły na Broadway.

Kilka musicali powróciło do formatu spektakli, który odniósł taki sukces w latach 80., przywołując ekstrawagancje , które były czasami prezentowane w całej historii teatru, odkąd starożytni Rzymianie wystawiali pozorowane bitwy morskie. Przykłady obejmują muzyczne adaptacje Władcy Pierścieni (2007), Przeminęło z wiatrem (2008) i Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). W tych musicalach uczestniczyli autorzy piosenek z niewielkim doświadczeniem teatralnym, a drogie produkcje generalnie przynosiły straty. I odwrotnie, Senny opiekun , Avenue Q , 25. coroczna impreza Putnam County Spelling Bee , Xanadu i Fun Home była prezentowana w produkcjach na mniejszą skalę, w większości nieprzerwanych, z krótkimi czasami wyświetlania i odniosła sukces finansowy. W 2013 roku Time poinformował, że trendem poza Broadwayem był teatr „wciągający”, cytując takie programy jak Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) i Here Lies Love (2013), w których inscenizacja odbywa się wokół i w obrębie widowni. Programy ustanowiły wspólny rekord, z których każdy otrzymał 11 nominacji do Lucille Lortel Awards i zawierają współczesne partytury.

W 2013 roku Cyndi Lauper była „pierwszą kompozytorką, która zdobyła [Tony for] Best Score bez współpracownika płci męskiej” za napisanie muzyki i tekstów do Kinky Boots . W 2015 roku, po raz pierwszy, składający się wyłącznie z kobiet zespół scenarzystów , Lisa Kron i Jeanine Tesori , zdobył nagrodę Tony za najlepszą oryginalną ścieżkę dźwiękową (i najlepszą książkę dla Kron) do Fun Home , chociaż prace autorów piosenek płci męskiej nadal są produkowane więcej często.

Musicale z szafy grającej

Innym trendem było stworzenie minimalnej fabuły, która pasowałaby do kolekcji piosenek, które już stały się hitami. Po wcześniejszym sukcesie Buddy – The Buddy Holly Story , były to Movin' Out (2002, na podstawie utworów Billy'ego Joela ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, z klasycznym rockiem 1980) i wiele innych. Ten styl jest często określany jako „ musical z szafy grającej”. Podobne, ale bardziej fabularne musicale zostały zbudowane wokół kanonu określonej grupy popowej, w tym Mamma Mia! (1999, na podstawie piosenek ABBA ), Our House (2002, na podstawie piosenek Madness ) i We Will Rock You (2002, na podstawie piosenek Queen ).

Musicale filmowe i telewizyjne
Dalsze informacje: Film muzyczny
Zac Efron i Zendaya (na zdjęciu) wraz z Hugh Jackmanem wnieśli gwiazdorską moc do The Greatest Showman

Musicale filmowe na żywo były prawie martwe w latach 80. i na początku lat 90., z wyjątkiem Victor / Victoria , Little Shop of Horrors i filmu Evita z 1996 roku . W nowym stuleciu Baz Luhrmann rozpoczął odrodzenie musicalu filmowego Moulin Rouge! (2001). To było po Chicago (2002); Upiór w operze (2004); Czynsz (2005); Dziewczyny ze snów (2006); Lakier do włosów , Zaczarowana i Sweeney Todd (wszystko w 2007 r.); Mamma Mia! (2008); Dziewięć (2009); Les Misérables i Pitch Perfect (oba w 2012), Into The Woods , Ostatnie pięć lat (2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), A Star Is Born i Mary Poppins Returns (oba 2018), Rocketman (2019) oraz West Side Story w wersji In the Heights i Stevena Spielberga (oba w 2021 r.), m.in. Jak Grinch ukradł Boże Narodzenie dr Seussa ! (2000) i The Cat in the Hat (2003), zamieniły książki dla dzieci w musicale filmowe na żywo. Po ogromnym sukcesie Disneya i innych domów z animowanymi musicalami filmowymi, poczynając od Małej Syrenki w 1989 roku i emitowanymi przez całe lata 90 . musicale filmowe ukazały się w pierwszej dekadzie XXI wieku. Gatunek powrócił na początku 2010 roku Zaplątani (2010), Rio (2011) i Kraina lodu (2013). W Azji Indie nadal produkują liczne musicale filmowe „Bollywood”, a Japonia produkuje musicale filmowe „Anime” i „Manga”.

popularne były telewizyjne filmy muzyczne , takie jak Cygan (1993), Kopciuszek (1997) i Annie (1999). Kilka musicali wyprodukowanych dla telewizji w pierwszej dekadzie XXI wieku to adaptacje wersji scenicznej, takie jak South Pacific (2001), The Music Man (2003) i Once Upon a Mattress (2005) oraz telewizyjna wersja sceny musical Legalna blondynka w 2007 roku. Dodatkowo kilka musicali zostało nakręconych na scenie i wyemitowanych w Telewizji Publicznej, m.in. Kontakt w 2002 roku i Pocałuj mnie, Kate i Oklahoma! w 2003 roku. Nakręcony dla telewizji musical High School Musical (2006) i jego kilka kontynuacji odniosły szczególny sukces i zostały przystosowane do musicali scenicznych i innych mediów.

Dove Cameron wystąpiła w takich musicalach telewizyjnych jak Descendants , Hairspray Live! i Schmigadoon!

W 2013 roku NBC rozpoczęła serię telewizyjnych transmisji musicali na żywo z The Sound of Music Live! Chociaż produkcja zebrała mieszane recenzje, odniosła sukces w rankingach. Dalsze transmisje obejmowały Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz na żywo! (NBC 2015), audycja w Wielkiej Brytanii, The Sound of Music Live ( ITV 2015) Grease: Live ( Fox 2016), Hairspray Live! (NBC, 2016), Świąteczna historia na żywo! (Fox, 2017) i Rent: Live (Lis 2019).

Niektóre programy telewizyjne mają odcinki jako musical. Przykłady obejmują odcinki Ally McBeal , Xena: Warrior Princess („Gorzka suita” i „Lyre, Lyre, Heart's On Fire”), Psych („ Psych: The Musical ”), Buffy the Vampire Slayer („ Jeszcze raz z uczuciem ”) "), That's So Raven , Daria , Laboratorium Dextera , Atomówki , Flash , Dawno, dawno temu , Oz , Scrubs (jeden odcinek został napisany przez twórców Avenue Q ), Batman: The Brave and the Bold ( „Mayhem of the Music Meister” ) i That '70s Show (setny odcinek „ That '70s Musical ”) . Inne obejmowały sceny, w których postacie nagle zaczynają śpiewać i tańczyć w stylu teatru muzycznego podczas odcinka, na przykład w kilku odcinkach The Simpsons , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Burgery Boba i Family Guy . Seriale telewizyjne, które szeroko wykorzystywały format muzyczny, obejmowały Cop Rock , Flight of the Conchords , Glee , Smash i Crazy Ex-Girlfriend .

Powstały również musicale przeznaczone do internetu, w tym Dr. Horrible's Sing-Along Blog , opowiadające o tanim super-złoczyńcy granym przez Neila Patricka Harrisa . Został napisany podczas strajku pisarzy WGA . Od 2006 roku reality show są wykorzystywane do wspierania rynku muzycznego odrodzenia poprzez organizowanie konkursów talentów w celu obsadzenia głównych ról (zwykle kobiet). Przykładami są: Jak rozwiązać problem jak Maria? , Grease: Jesteś tym, którego chcę! Każde marzenie się spełni , Legalna blondynka: musical - W poszukiwaniu Elle Woods , Zrobiłbym wszystko i Over the Rainbow . W 2021 r. Schmigadoon! była parodią i hołdem dla musicali Golden Age z lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku.

Zamknięcie teatru w latach 2020–2021
Marquee of the In the Heart of the Beast Theatre w Minneapolis w stanie Minnesota podczas pandemii COVID-19

Pandemia COVID-19 spowodowała zamknięcie teatrów i festiwali teatralnych na całym świecie na początku 2020 roku, w tym wszystkich teatrów na Broadwayu i West Endzie. Wiele instytucji zajmujących się sztukami scenicznymi próbowało dostosować się lub zmniejszyć straty, oferując nowe (lub rozszerzone) usługi cyfrowe. W szczególności zaowocowało to transmisją online wcześniej nagranych występów wielu firm, a także projektami crowdsourcingowymi na zamówienie. Na przykład The Sydney Theatre Company zlecili aktorom sfilmowanie siebie w domu, dyskutujących, a następnie wykonujących monolog jednej z postaci, które wcześniej grali na scenie. Obsady musicali, takich jak Hamilton i Mamma Mia! zjednoczeni w rozmowach Zoom, aby zabawiać osoby prywatne i publiczność. Niektóre występy były transmitowane na żywo lub prezentowane na zewnątrz lub w inny sposób „zdystansowany społecznie”, czasami umożliwiając widzom interakcję z obsadą. Transmitowano radiowe festiwale teatralne. Powstały wirtualne, a nawet społecznościowe musicale, takie jak Ratatouille the Musical . Sfilmowane wersje głównych musicali, np Hamilton , ukazały się na platformach streamingowych. Andrew Lloyd Webber udostępnił nagrania swoich musicali na YouTube.

Z powodu zamknięć i utraty sprzedaży biletów wiele teatrów znalazło się w niebezpieczeństwie finansowym. Niektóre rządy oferowały sztuce doraźną pomoc. Niektóre rynki teatrów muzycznych zaczęły się ponownie otwierać na początku 2021 r., przy czym teatry na West Endzie odkładały ponowne otwarcie z czerwca na lipiec, a Broadway od września. Jednak w całym 2021 roku gwałtowne wzrosty pandemii spowodowały niektóre zamknięcia nawet po ponownym otwarciu rynków.

Międzynarodowe musicale

Stany Zjednoczone i Wielka Brytania były najbardziej aktywnymi źródłami musicali książkowych od XIX do większości XX wieku (chociaż Europa produkowała różne formy popularnej lekkiej opery i operetki, na przykład hiszpańską Zarzuelę , w tym okresie, a nawet wcześniej). Jednak lekka scena muzyczna w innych krajach stała się bardziej aktywna w ostatnich dziesięcioleciach.

Musicale z innych krajów anglojęzycznych (zwłaszcza z Australii i Kanady) często dobrze sobie radzą lokalnie, a czasami docierają nawet na Broadway lub West End (np. The Boy from Oz i The Drowsy Chaperone ). Republika Południowej Afryki ma aktywną scenę teatru muzycznego, z rewiami takimi jak African Footprint i Umoja oraz musicalami książkowymi, takimi jak Kat and the Kings i Sarafina! tournée międzynarodowe. Lokalnie musicale takie jak Vere , Love i Green Onions , Z powodzeniem wyprodukowano Over the Rainbow: zupełnie nowy, całkowicie gejowski… ekstrawagancję oraz Bangbroek Mountain i In Briefs – queerowy mały musical .

Japońska żeńska Takarazuka Revue w przedstawieniu „Parisette” z 1930 roku

Udane musicale z Europy kontynentalnej obejmują pokazy z (między innymi) Niemiec ( Elixier i Ludwig II ), Austrii ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart! i Rebecca ), Czech ( Dracula ), Francji ( Starmania , Notre-Dame de Paris , Les Misérables , Romeo et Juliette i Mozart, l'opéra rock ) i Hiszpanii ( Hoy no me puedo levantar i Musical Sancho Pansa ).

W Japonii ostatnio nastąpił rozwój rodzimej formy teatru muzycznego, zarówno animowanego, jak i aktorskiego, opartego głównie na anime i mandze , takiego jak Kiki's Delivery Service i Tenimyu . Popularna Czarodziejka z Księżyca miała dwadzieścia dziewięć musicali Czarodziejka z Księżyca , obejmujących trzynaście lat. Począwszy od 1914 roku, seria popularnych rewii była wykonywana przez całkowicie żeńską Takarazuka Revue , która obecnie wystawia pięć zespołów wykonawczych. Gdzie indziej w Azji, indyjskie Bollywood musical, głównie w postaci filmów, cieszy się ogromnym powodzeniem.

Począwszy od trasy koncertowej Les Misérables w 2002 roku , różne zachodnie musicale były importowane do Chin kontynentalnych i wystawiane w języku angielskim. Próby zlokalizowania zachodnich produkcji w Chinach rozpoczęły się w 2008 roku, kiedy Fame został wyprodukowany w języku mandaryńskim z pełną chińską obsadą w Centralnej Akademii Dramatu w Pekinie. Od tego czasu inne zachodnie produkcje były wystawiane w Chinach w języku mandaryńskim z chińską obsadą. Pierwszą chińską produkcją w stylu zachodniego teatru muzycznego był The Gold Sand z 2005 roku. Ponadto Li Dun, znany chiński producent, wyprodukował Motyle , oparty na klasycznej chińskiej tragedii miłosnej, z 2007 roku oraz Love U Teresa z 2011 roku.

Produkcje amatorskie i szkolne

Nastoletnia Naples Players całkowicie nowoczesna Millie , 2009

Musicale są często prezentowane przez zespoły amatorskie i szkolne w kościołach, szkołach i innych miejscach występów. Chociaż teatr amatorski istnieje od wieków, nawet w Nowym Świecie, François Cellier i Cunningham Bridgeman napisali w 1914 roku, że przed końcem XIX wieku aktorzy amatorzy byli traktowani z pogardą przez profesjonalistów. Po utworzeniu amatorskich Gilberta i Sullivana uzyskała licencję na wystawianie oper sabaudzkich , profesjonaliści uznali, że stowarzyszenia amatorskie „wspierają kulturę muzyczną i teatralną. Są one obecnie akceptowane jako przydatne szkoły szkoleniowe dla legalnej sceny, az szeregów ochotników wyrosło wielu współczesnych faworytów”. Narodowe Stowarzyszenie Operowe i Dramatyczne została założona w Wielkiej Brytanii w 1899 roku. W 1914 roku doniesiono, że prawie 200 amatorskich stowarzyszeń dramatycznych produkowało w Wielkiej Brytanii dzieła Gilberta i Sullivana. Podobnie na początku XX wieku w Stanach Zjednoczonych powstało ponad 100 teatrów społecznych. Liczba ta wzrosła do około 18 000 w Stanach Zjednoczonych. Educational Theatre Association w USA zrzesza prawie 5000 szkół członkowskich.

Znaczenie

Król Lew na Broadwayu

Broadway League ogłosiła, że ​​w sezonie 2007–2008 zakupiono 12,27 miliona biletów na przedstawienia na Broadwayu za kwotę brutto prawie miliarda dolarów. Liga poinformowała ponadto, że w sezonie 2006–2007 około 65% biletów na Broadway zostało zakupionych przez turystów, a turyści zagraniczni stanowili 16% uczestników. The Society of London Theatre poinformowało, że rok 2007 ustanowił rekord frekwencji w Londynie. Łączna liczba widzów w głównych teatrach komercyjnych i dotowanych w centrum Londynu wyniosła 13,6 miliona, a łączne przychody z biletów wyniosły 469,7 miliona funtów. Międzynarodowa scena muzyczna jest coraz bardziej aktywna w ostatnich dziesięcioleciach. Niemniej jednak Stephen Sondheim skomentował w roku 2000:

Na Broadwayu masz dwa rodzaje przedstawień – revival i ten sam rodzaj musicali w kółko, wszystkie spektakle. Dostajesz bilety na Króla Lwa z rocznym wyprzedzeniem i zasadniczo rodzina… przekazuje swoim dzieciom ideę, że tym właśnie jest teatr – spektakularnym musicalem, który widzisz raz w roku, sceniczną wersją filmu. W ogóle nie ma to nic wspólnego z teatrem. Wiąże się to z widzeniem tego, co znajome. ... Nie sądzę, że teatr sam w sobie umrze , ale nigdy nie będzie tym, czym był. ... To atrakcja turystyczna”.

Jednak zauważając sukces w ostatnich dziesięcioleciach oryginalnego materiału i twórczego ponownego wyobrażenia sobie filmu, sztuk teatralnych i literatury, historyk teatru John Kenrick przeciwstawił się:

Czy musical umarł? ... Absolutnie nie! Wymiana pieniędzy? Zawsze! Musical zmieniał się od czasu, gdy Offenbach dokonał swojej pierwszej przeróbki w latach pięćdziesiątych XIX wieku. A zmiana jest najwyraźniejszym znakiem, że musical jest wciąż żywym, rozwijającym się gatunkiem. Czy kiedykolwiek wrócimy do tak zwanego „złotego wieku”, z musicalami w centrum kultury popularnej? Prawdopodobnie nie. Gust publiczny przeszedł fundamentalne zmiany, a sztuka komercyjna może płynąć tylko tam, gdzie pozwala na to płacąca publiczność.

Zobacz też

Uwagi i odniesienia

Cytowane książki

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne


Zasoby biblioteczne dotyczące teatru muzycznego
Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Musical_theatre&oldid=1136897923 ”