Teatr XIX wieku
.png)
Teatr XIX wieku opisuje szeroki zakres ruchów w kulturze teatralnej Europy i Stanów Zjednoczonych w XIX wieku. Na Zachodzie są to romantyzm , melodramat , dobrze zrealizowane sztuki Scribe'a i Sardou , farsy Feydeau , dramaty problemowe naturalizmu i realizmu , opera Wagnera Gesamtkunstwerk sztuki i opery Gilberta i Sullivana, komedie salonowe Wilde'a, symbolizm i protoekspresjonizm w późnych dziełach Augusta Strindberga i Henrika Ibsena .
Melodramat
Począwszy od Francji, po zniesieniu monopoli teatralnych podczas rewolucji francuskiej , melodramat stał się najpopularniejszą formą teatralną stulecia. Sam melodramat wywodzi się z klasycznej Grecji, ale termin melodramat pojawił się dopiero w 1766 roku i wszedł do powszechnego użytku dopiero po 1800 roku. Sztuki Augusta von Kotzebue i René Charlesa Guilberta de Pixérécourt ustanowił melodramat jako dominującą formę dramatyczną początku XIX wieku. W szczególności Kotzebue był najpopularniejszym dramaturgiem swoich czasów, napisał ponad 215 sztuk, które były wystawiane na całym świecie. Jego sztuka The Stranger (1789) jest często uważana za klasyczną sztukę melodramatyczną. Chociaż monopole i dotacje zostały przywrócone za czasów Napoleona , melodramat teatralny nadal był bardziej popularny i przyciągał większą widownię niż dramaty i opery sponsorowane przez państwo.
Melodramat obejmował mnóstwo efektów scenicznych , niezwykle emocjonalny, ale skodyfikowany styl gry aktorskiej oraz rozwijającą się technologię sceniczną, która rozwinęła sztukę teatralną w kierunku wspaniałej inscenizacji. Był to także wysoce reaktywny teatr, który nieustannie się zmieniał i dopasowywał do nowych kontekstów społecznych, nowych odbiorców i nowych wpływów kulturowych. To po części pomaga wyjaśnić jego popularność w XIX wieku. David Grimsted w swojej książce Melodrama Unveiled (1968) twierdzi, że:
Jej konwencje były fałszywe, jej język sztywny i pospolity, jej charaktery stereotypowe, a jej moralność i teologia rażące uproszczenia. Jednak jego atrakcyjność była wielka i zrozumiała. Poważnie traktował życie zwykłych ludzi i szanował ich najwyższą czystość i mądrość. […] A jego moralna przypowieść walczyła o pogodzenie społecznych lęków i wspaniałości życia z ufnością tamtego okresu w absolutne standardy moralne, postęp człowieka w górę i życzliwą opatrzność, która zapewniła triumf czystym.
W XIX wieku w Paryżu rozkwitł melodramat w wielu teatrach, które znajdowały się na popularnym Boulevard du Crime , zwłaszcza w Gaîté . Wszystko to miało się jednak skończyć, gdy większość tych teatrów została zburzona podczas odbudowy Paryża przez barona Haussmanna w 1862 roku.
Pod koniec XIX wieku termin melodramat zawęził się prawie wyłącznie do określonego gatunku rozrywki salonowej: mniej lub bardziej rytmicznie wypowiadanych słów (często poezji) - nie śpiewanych, czasem mniej lub bardziej odegranych, przynajmniej o pewnej dramatycznej strukturze lub fabuła - zsynchronizowana z akompaniamentem muzyki (zwykle fortepianu). Traktowano go z pogardą jako gatunek dla autorów i kompozytorów niższej rangi (prawdopodobnie także dlatego nie pamięta się praktycznie żadnych realizacji tego gatunku).
Romantyzm w Niemczech i Francji
W Niemczech istniała tendencja do historycznej dokładności kostiumów i scenerii , rewolucja w architekturze teatralnej oraz wprowadzenie teatralnej formy niemieckiego romantyzmu . Pod wpływem prądów XX-wiecznej filozofii i sztuk wizualnych pisarze niemieccy coraz bardziej fascynowali się swoją krzyżacką przeszłością i narastał w nich romantyczny nacjonalizm . Sztuki Gottholda Ephraima Lessinga , Johanna Wolfganga von Goethego , Friedricha Schillera i innych Sturm und Drang , dramatopisarze, zainspirowali rosnącą wiarę w uczucia i instynkty jako przewodniki moralnego zachowania. Romantycy czerpali z filozofii Immanuela Kanta, aby sformułować teoretyczne podstawy sztuki „romantycznej”. Według romantyków sztuka ma ogromne znaczenie, ponieważ nadaje odwiecznym prawdom konkretną, materialną formę, którą może uchwycić ograniczony aparat zmysłów człowieka. Wśród tych, którzy nazywali się w tym okresie romantykami, byli August Wilhelm Schlegel i Ludwig Tieck najbardziej interesowali się teatrem. Po pewnym czasie romantyzm został przyjęty we Francji dzięki sztukom Victora Hugo , Alexandre Dumas , Alfreda de Musseta i George Sand .
W latach trzydziestych XIX wieku we Francji teatr walczył z Comédie Française , która utrzymywała silną neoklasyczną władzę nad repertuarem i zachęcała nowych dramaturgów do tradycyjnych sposobów pisania tragicznego. Punktem kulminacyjnym tego starcia była premiera Hernaniego Victora Hugo w 1830 roku. Tłum, który przybył na premierę, był pełen konserwatystów i cenzorów, którzy wygwizdali przedstawienie za nieprzestrzeganie klasycznych norm i chcieli powstrzymać przedstawienie przed pójściem do przodu. Ale Hugo zorganizował Romantyczną Armię bohemy i radykalnych pisarzy, aby zapewnić, że otwarcie będzie musiało nastąpić. Wynikające z tego zamieszki oznaczały odrzucenie we Francji tradycji klasycznych i triumf romantyzmu.
Jednak w latach czterdziestych XIX wieku entuzjazm dla dramatu romantycznego we Francji osłabł i zastąpił go nowy „Teatr zdrowego rozsądku”.
Dobrze wykonane zagranie
We Francji „ dobrze zrobiona sztuka ” Eugene'a Scribe'a (1791–1861) stała się popularna wśród dramaturgów i publiczności. Po raz pierwszy opracowana przez Scribe'a w 1825 roku, forma ma silny neoklasyczny posmak, obejmujący napiętą fabułę i punkt kulminacyjny, który ma miejsce pod koniec sztuki. Historia opiera się na kluczowej informacji ukrytej przed niektórymi postaciami, ale znanej innym (i publiczności). Powtarzającym się zabiegiem stosowanym w dobrze wykonanej sztuce jest używanie listów lub papierów wpadających w niepowołane ręce, aby wywołać zwroty akcji i punkty kulminacyjne. Napięcie i tempo narastają ku kulminacyjnej scenie, w której bohater triumfuje w nieprzewidzianym odwróceniu losu.
Sam Scribe napisał ponad 400 sztuk tego typu, używając czegoś, co w zasadzie stanowiło literacką fabrykę z pisarzami, którzy dostarczali historię, inny dialog, trzeci dowcipy i tak dalej. Chociaż był bardzo płodny i popularny, nie był pozbawiony krytyków: Théophile Gautier kwestionował, jak to możliwe, że „autor bez poezji, liryzmu, stylu, filozofii, prawdy czy naturalizmu może być odnoszącym największe sukcesy pisarzem swojej epoki, pomimo sprzeciw literatury i krytyki?”
Jego struktura została wykorzystana przez realistycznych dramatopisarzy Alexandre Dumas, Fils , Emile Augier i Victorien Sardou . W szczególności Sardou był jednym z najpopularniejszych dramaturgów na świecie w latach 1860-1900. Dostosował dobrze wykonaną sztukę do każdego rodzaju dramatu, od komedii po spektakle historyczne. W Wielkiej Brytanii dramatopisarze, tacy jak Wilkie Collins , Henry Arthur Jones i Arthur Pinero , podjęli ten gatunek, a Collins opisał dobrze wykonaną sztukę jako: „Rozśmiesz ich; niech płaczą; każ im czekać”. George’a Bernarda Shawa uważał, że sztuki Sardou są uosobieniem dekadencji i bezmyślności, w jakie pogrążył się teatr końca XIX wieku, stan, który nazwał „Sardoodledom”.
Teatr w Wielkiej Brytanii
We wczesnych latach XIX wieku ustawa licencyjna zezwalała na wystawianie sztuk tylko w dwóch londyńskich teatrach zimą: Drury Lane i Covent Garden . Te dwa ogromne teatry zawierały dwie loże królewskie, ogromne galerie i dół z ławami, gdzie ludzie mogli wchodzić i wychodzić podczas przedstawień. Być może najbardziej wymownym epizodem popularności teatru na początku XIX wieku są teatralne zamieszki Old Price z 1809 roku. Po spaleniu Convent Garden John Philip Kemble , dyrektor teatru, postanowił podnieść ceny w lożach i na trzecim piętrze. Publiczność nienawidziła nowych cen, które ich zdaniem pozbawiły ich dostępu do krajowego miejsca spotkań i doprowadziły do trzymiesięcznych zamieszek, aż w końcu Kemble został zmuszony do publicznego przeprosin i ponownego obniżenia cen. Aby uniknąć ograniczeń, nieopatentowane teatry wzdłuż Strand , takie jak Sans Pareil , przeplatały sceny dramatyczne muzycznymi przerywnikami i komiksami po tym, jak Urząd Lorda Szambelana zezwolił im na wystawianie Burlettas – co doprowadziło do powstania nowoczesnej West End . Poza obszarem metropolitalnym Londynu teatry takie jak Astley's Amphitheatre i Coburg również mogły działać poza zasadami. Gwałtownie rosnąca popularność tych form sprawiła, że system patentowy przestał działać, a granice między nimi zaczęły się zacierać w latach trzydziestych XIX wieku, aż w końcu w 1843 roku zniesiono ustawę o licencjach wraz z ustawą o teatrach . Parlament miał nadzieję, że ucywilizuje to publiczność i doprowadzi do bardziej wykształconego dramaturga - zamiast tego stworzył eksplozję sal koncertowych , komedii i sensacyjnych melodramatów.
Percy Bysshe Shelley i Lord Byron byli najważniejszymi dramaturgami literackimi swoich czasów (chociaż sztuki Shelleya wystawiano dopiero pod koniec stulecia). Szekspir był niezwykle popularny i zaczął być wystawiany z tekstami bliższymi oryginałowi, ponieważ drastyczne przepisywanie XVII i XVIII-wiecznych wersji teatralnych było stopniowo usuwane w pierwszej połowie wieku. Sztuki Kotzebue zostały przetłumaczone na język angielski, a A Tale of Mystery Thomasa Holcrofta był pierwszym z wielu angielskich melodramatów. Pierce'a Egana , Douglas William Jerrold , Edward Fitzball , James Roland MacLaren i John Baldwin Buckstone zapoczątkowali trend w kierunku bardziej współczesnych i wiejskich historii zamiast zwykłych historycznych lub fantastycznych melodramatów. James Sheridan Knowles i Edward Bulwer-Lytton stworzyli „dżentelmeński” dramat, który wraz z arystokracją zaczął przywracać dawny prestiż teatru .
W teatrach przez całe stulecie dominowali aktorzy-menedżerzy , którzy zarządzali placówkami i często odgrywali główne role. Henry Irving , Charles Kean i Herbert Beerbohm Tree to przykłady menedżerów, którzy stworzyli produkcje, w których byli gwiazdami. Szczególnie Irving dominował w Lyceum Theatre przez prawie 30 lat, od 1871 do 1899 roku, i był czczony przez publiczność jako bohater. Kiedy zmarł w 1905 roku, król Edward VII i Theodore Roosevelt przesłać kondolencje. Wśród tych aktorów-menedżerów Szekspir był często najpopularniejszym pisarzem, ponieważ jego sztuki dawały im wielkie możliwości dramatyczne i rozpoznawalność. Spektakl sceniczny tych przedstawień był często ważniejszy niż sztuka, a teksty były często skracane, aby maksymalnie wyeksponować główne role. Wprowadzili jednak również istotne reformy w procesie teatralnym. Na przykład William Charles Macready jako pierwszy wprowadził odpowiednie próby do procesu. Wcześniej główni aktorzy rzadko ćwiczyli swoje role z resztą obsady: Edmundem Keanem najsłynniejszą wskazówką, którą skierował do innych aktorów, było: „stań przede mną za sceną i zrób, co w twojej mocy”.
Nadal popularne były melodramaty, lekkie komedie, opery, szekspirowski i klasyczny dramat angielski, pantomimy , tłumaczenia francuskich fars, a od lat 60. XIX wieku francuskie operetki, podobnie jak wiktoriańska burleska . Dramaturgami odnoszącymi największe sukcesy byli James Planché i Dion Boucicault , których zamiłowanie do wprowadzania najnowszych wynalazków naukowych jako ważnych elementów jego fabuł wywarło znaczny wpływ na produkcję teatralną. Jego pierwszy duży sukces, London Assurance (1841) był komedią w stylu Sheridana, ale pisał w różnych stylach, w tym w melodramacie. TW Robertson napisał popularne komedie domowe i wprowadził bardziej naturalistyczny styl aktorski i sceniczny na brytyjską scenę w latach sześćdziesiątych XIX wieku.
W 1871 roku producent John Hollingshead zebrał librecistę WS Gilberta i kompozytora Arthura Sullivana , aby stworzyć świąteczną rozrywkę, nieświadomie dając początek jednemu z wielkich duetów w historii teatru. Tak wielkim sukcesem było 14 oper komicznych Gilberta i Sullivana , takich jak HMS Pinafore (1878) i The Mikado (1885), że mieli ogromny wpływ na rozwój teatru muzycznego w XX wieku. To, wraz ze znacznie ulepszonym oświetleniem ulicznym i transportem w Londynie i Nowym Jorku, doprowadziło do późnego wiktoriańskiego i edwardiańskiego boomu na budowę teatrów na West Endzie i na Broadwayu. Pod koniec wieku edwardiańska komedia muzyczna zdominowała scenę muzyczną.
W latach 90. XIX wieku komedie Oscara Wilde'a i George'a Bernarda Shawa oferowały wyrafinowany komentarz społeczny i były bardzo popularne.
Teatr w Stanach Zjednoczonych
W Stanach Zjednoczonych Filadelfia była dominującym ośrodkiem teatralnym aż do lat dwudziestych XIX wieku . Tam Thomas Wignell założył Chestnut Street Theatre i zgromadził grupę aktorów i dramaturgów, w skład której wchodzili William Warren , Susanna Rowson i Thomas Abthorpe Cooper, który później został uznany za czołowego aktora w Ameryce Północnej. W powijakach po rewolucji amerykańskiej wielu Amerykanów ubolewało nad brakiem „rodzimego dramatu”, nawet gdy dramatopisarze tacy jak Royall Tyler , William Dunlap , James Nelson Barker , John Howard Payne i Samuel Woodworth położyli podwaliny pod amerykański dramat niezależny od Wielkiej Brytanii. Jednym z powodów niedostatku oryginalnych sztuk w tym okresie może być to, że dramatopisarze rzadko otrzymywali wynagrodzenie za swoją pracę, a adaptacja lub tłumaczenie zagranicznej pracy było dla menedżerów znacznie tańsze. Tradycja głosiła, że wynagrodzenie miało głównie formę występu charytatywnego dla pisarza w trzecią noc biegu, ale wielu menedżerów omijało ten zwyczaj, po prostu zamykając pokaz przed trzecim występem.
Znany jako „ojciec amerykańskiego dramatu”, Dunlap dorastał, oglądając sztuki wystawiane przez brytyjskich oficerów i był mocno zanurzony w kulturze teatralnej, mieszkając w Londynie tuż po rewolucji. Jako kierownik John Street Theatre i Park Theatre w Nowym Jorku przywiózł do kraju sztuki i walory teatralne, które widział. Podobnie jak wielu ówczesnych dramatopisarzy-dyrektorów, Dunlap zaadaptował lub przetłumaczył melodramatyczne dzieła francuskich lub niemieckich dramaturgów, ale napisał także około 29 oryginalnych dzieł, w tym Ojca (1789) , André (1798) i Ojciec Włoch (1799).
W latach 1820-1830 poprawa materialnych warunków życia w Ameryce i rosnące zapotrzebowanie klasy średniej na rozrywkę doprowadziły do budowy nowych teatrów w Nowym Jorku, Filadelfii, Bostonie i Waszyngtonie, w tym Catham Garden , Federal Street , Tremont , Ogród Nibla i Bowery . We wczesnej części tego okresu Filadelfia nadal była głównym ośrodkiem teatralnym: przedstawienia często otwierano w Baltimore we wrześniu lub październiku, po czym przenosiły się do większych teatrów w Filadelfii do kwietnia lub maja, po czym następował sezon letni w Waszyngtonie lub Aleksandria . Jednak rywalizacja i większe siły ekonomiczne doprowadziły do serii bankructw pięciu głównych firm teatralnych w ciągu zaledwie ośmiu miesięcy między 1 października 1828 a 27 maja 1829. W związku z tym oraz importem gwiazdorskich wykonawców, takich jak Clara Fisher, Nowy Jork przejął jako dominujące miasto w teatrze amerykańskim.
W latach trzydziestych XIX wieku romantyzm rozkwitł w Europie i Ameryce, a pisarze tacy jak Robert Montgomery Bird wyszli na pierwszy plan. Ponieważ romantyzm kładł nacisk na odwieczne prawdy i motywy nacjonalistyczne, doskonale pasował do rodzącej się tożsamości narodowej Stanów Zjednoczonych. Bird's The Gladiator został dobrze przyjęty, kiedy miał swoją premierę w 1831 roku i został wykonany na Drury Lane w Londynie w 1836 roku z Edwinem Forrestem jako Spartakusem, z The Courier ogłaszając, że „Ameryka w końcu potwierdziła swoją zdolność do wyprodukowania dramaturga najwyższej klasy”. Zajmując się powstaniem niewolników w starożytnym Rzymie , Gladiator pośrednio atakuje instytucję niewolnictwa w Stanach Zjednoczonych , „przekształcając Antebellum w neoklasycznych buntowników”. Forrest grał tę rolę podczas ponad tysiąca przedstawień na całym świecie do 1872 roku. Po sukcesie ich wczesnej współpracy Bird i Forrest pracowali razem nad kolejnymi premierami Oralloosa, syna Inków i Broker z Bogoty . Ale sukces Gladiatora doprowadził do nieporozumień kontraktowych, a Bird argumentował, że Forrest, który zarobił dziesiątki tysięcy na sztukach Birda, był mu winien więcej niż 2000 dolarów, które mu zapłacono.
Pokazy Minstrela pojawiły się jako krótkie burleski i komiczne Entr'actes na początku lat trzydziestych XIX wieku. Zostały one rozwinięte do pełnej postaci w następnej dekadzie. W 1848 roku pokazy minstreli o czarnej twarzy były narodową formą sztuki, tłumacząc sztukę formalną, taką jak opera, na popularne terminy dla szerokiej publiczności. Każdy program składał się z komiksów, występów rozrywkowych, tańców i występów muzycznych, które kpiły z ludzi pochodzenia afrykańskiego. Pokazy były wykonywane przez rasy kaukaskiej w makijażu lub z czarną twarzą na potrzeby odgrywania roli czarnoskórych . Piosenki i szkice Minstrela zawierały kilka postaci ze Stocka , najpopularniejsze niewolnika i dandysa . Zostały one dalej podzielone na podarchetypy, takie jak mamuśka , jej odpowiednik stara ciemna , prowokująca mulatka i czarny żołnierz . Minstrels twierdzili, że ich piosenki i tańce były autentycznie czarne, chociaż zakres wpływu czarnych pozostaje przedmiotem dyskusji.
Gwiezdni aktorzy zgromadzili niezwykle lojalnych fanów, porównywalnych z nowoczesnymi celebrytami lub gwiazdami sportu. Jednocześnie widzowie zawsze traktowali teatry jako miejsca wyrażania swoich uczuć, nie tylko wobec aktorów, ale także wobec innych widzów różnych klas czy przekonań politycznych, a teatralne zamieszki były w Nowym Jorku na porządku dziennym. Przykładem potęgi tych gwiazd są zamieszki na Astor Place w 1849 roku, wywołane konfliktem między amerykańską gwiazdą Edwinem Forrestem a angielskim aktorem Williamem Charlesem Macreadym . Zamieszki dotknęły imigrantów i natywistów przeciwko sobie, w wyniku czego zginęło co najmniej 25 osób, a ponad 120 zostało rannych.
W czasach przed wojną secesyjną w całych Stanach Zjednoczonych wystawiano także wiele rodzajów bardziej politycznych dramatów. Gdy Ameryka pchała się na zachód w latach 30. i 40. XIX wieku, teatry zaczęły wystawiać sztuki, które romantyzowały i maskowały traktowanie rdzennych Amerykanów, takich jak Pocahontas , Wódz Pawnee, De Soto i Metamora czy Ostatni z Wampanoagów . Około pięćdziesiąt z tych sztuk zostało wyprodukowanych w latach 1825-1860, w tym burleskowe przedstawienia „szlachetnego dzikusa” Johna Broughama . Reagując na bieżące wydarzenia, wielu dramaturgów pisało krótkie komedie, które poruszały najważniejsze problemy dnia. Na przykład Removing the Deposits była farsą wyprodukowaną w 1835 roku w Bowery w reakcji na walkę Andrew Jacksona z bankami oraz wigami i demokratami, a Love of No Politics była sztuką, która dotyczyła walki między dwiema amerykańskimi partiami politycznymi.
W 1852 roku Harriet Beecher Stowe opublikowała powieść przeciw niewolnictwu Chata wuja Toma i bez żadnych silnych praw autorskich została natychmiast udramatyzowana na scenach w całym kraju. W National Theatre w Nowym Jorku odniósł ogromny sukces i wystawiał ponad dwieście przedstawień do dwunastu razy w tygodniu do 1854 roku. Adaptacja George'a Aikena była produkcją składającą się z sześciu aktów, która była samodzielna, bez żadnych innych rozrywek lub zamiennik. Reakcja Minstrelsy'ego na Chatę Wuja Toma wskazuje na plantację treść w danym momencie. Akty Toma w dużej mierze zastąpiły inne narracje o plantacjach, szczególnie w trzecim akcie. Te szkice czasami wspierały powieść Stowe'a, ale równie często wywracały ją do góry nogami lub atakowały autora. Jakikolwiek był zamierzony przekaz, zwykle gubił się w radosnej, slapstickowej atmosferze utworu. Postacie takie jak Simon Legree czasami znikały, a tytuł często zmieniano na coś bardziej wesołego, jak „Happy Uncle Tom” czy „Chata wujka taty”. wujek Tom był często przedstawiany jako nieszkodliwy lizanie butów, którego należy wyśmiać. Zespoły tzw Tommer specjalizowały się w takich burleskach, a pokazy teatralne Tom zintegrowały elementy przedstawienia minstrela i przez pewien czas z nim konkurowały.
Po wojnie secesyjnej na scenie amerykańskiej dominowały melodramaty, przedstawienia minstreli, komedie, farsy, cyrki, wodewile, burleski, opery, operetki, musicale, rewie muzyczne, pokazy medycyny, salony gier i pokazy Dzikiego Zachodu. Wielu amerykańskich dramaturgów i pracowników teatralnych ubolewało nad „porażką amerykańskiego dramatopisarza”, w tym Augustin Daly , Edward Harrigan , Dion Boucicault i Bronson Howard . Jednak gdy pod koniec XIX wieku miasta i obszary miejskie rozkwitły po imigracji, przewrót społeczny i innowacje w technologii, komunikacji i transporcie wywarły głęboki wpływ na teatr amerykański.
W Bostonie, choć wykluczeni ze społeczeństwa Gilded Age , irlandzcy amerykańscy wykonawcy zaczęli odnosić sukcesy, w tym Lawrence Barrett , James O'Neill , Dan Emmett , Tony Hart , Annie Yeamans , John McCullough , George M. Cohan i Laurette Taylor oraz Irish na scenie zdominowali dramatopisarze, w tym Daly, Harrigan i James Herne .
W 1883 roku bracia Kiralfy spotkali się z Thomasem Edisonem w Menlo Park, aby sprawdzić, czy żarówkę elektryczną można włączyć do baletu muzycznego Excelsior , który mieli zaprezentować w ogrodach Niblo w Nowym Jorku. Edison, który sam był showmanem, zdał sobie sprawę z potencjału tego przedsięwzięcia w zakresie stworzenia popytu na swój wynalazek i wspólnie zaprojektowali finał spektaklu, który miał być oświetlony przez ponad pięćset żarówek przymocowanych do kostiumów tancerzy i scenerii. Kiedy program został otwarty 21 sierpnia, od razu stał się hitem, a następnie był wystawiany w Buffalo, Chicago, Denver i San Francisco. W ten sposób narodziło się oświetlenie elektryczne w teatrze, które radykalnie zmieniło nie tylko oświetlenie sceniczne, ale także zasady projektowania scenografii.
Wiek pozłacany był także złotym wiekiem tournee w amerykańskim teatrze: podczas gdy Nowy Jork był mekką ambitnych, utalentowanych i szczęśliwych, w pozostałej części kraju sieć dużych i małych teatrów wspierała ogromny przemysł znane gwiazdy, małe trupy, pokazy minstreli, wodewile i cyrki. Na przykład w 1895 roku Burt Theatre w Toledo , Ohio oferowało popularne melodramaty do trzydziestu centów za miejsce i oglądało średnio 45 000 widzów miesięcznie na 488 przedstawieniach 64 różnych sztuk. Średnio 250–300 przedstawień, z których wiele pochodziło z Nowego Jorku, przemierzało kraj każdego roku w latach 1880–1910. W międzyczasie właściciele odnoszących sukcesy teatrów zaczęli rozszerzać swój zasięg, jak imperium teatralne BF Keitha i Edwarda F. Albee, które rozciągało się na ponad siedemset teatrów, w tym Pałac w Nowym Jorku. Doprowadziło to do powstania Syndykatu Teatralnego w 1896 roku.
Znaczenie Nowego Jorku jako centrum teatralnego wzrosło w latach 70. XIX wieku wokół Union Square , aż stało się głównym ośrodkiem teatralnym, a dzielnica teatralna powoli przesuwała się na północ od dolnego Manhattanu, aż w końcu dotarła do śródmieścia pod koniec wieku.
Na scenie muzycznej Harrigan i Hart wprowadzali innowacje, wprowadzając komiksowe sztuki muzyczne z lat 70. XIX wieku, ale dominował import z Londynu, poczynając od wiktoriańskiej burleski , następnie Gilberta i Sullivana z 1880 r., A na końcu (w konkurencji z George'em M. Cohanem i musicalami autorstwa Gershwins) edwardiańskie komedie muzyczne z przełomu wieków i lat dwudziestych XX wieku.
Meiningen Ensemble i Richarda Wagnera
W Niemczech dramat wszedł w stan upadku, z którego podniósł się dopiero w latach 90. XIX wieku. Głównymi dramatopisarzami tego okresu byli Otto Ludwig i Gustav Freytag . Brak nowych dramaturgów nie był zbyt odczuwalny, ponieważ w repertuarze przeważały sztuki Szekspira , Lessinga, Goethego i Schillera. Najważniejszą siłą teatralną w późnych XIX-wiecznych Niemczech był Jerzy II, książę Saxe-Meiningen i jego Meiningen Ensemble pod kierunkiem Ludwiga Chronegka . Spektakle Zespołu są często uważane za najwierniejsze pod względem historycznym XIX wieku, chociaż jego głównym celem było służenie interesom dramatopisarza. W produkcjach Ensemble wykorzystano szczegółowe, zgodne z historią kostiumy i meble, co nie miało precedensu w ówczesnej Europie. Meiningen Ensemble stoi na początku nowego ruchu w kierunku ujednoliconej produkcji (lub tego, co Richard Wagner nazwałby Gesamtkunstwerk ) i dojścia reżysera (kosztem aktora) do roli dominującego artysty w sztuce teatralnej.
Meiningen Ensemble podróżował po Europie od 1874 do 1890 roku i wszędzie odnosił niezrównane sukcesy. Publiczność zmęczyła się regularnym, płytkim teatrem rozrywkowym i zaczęła domagać się bardziej twórczej i stymulującej intelektualnie formy ekspresji, jaką był w stanie zapewnić Zespół. Meiningen Ensemble można więc postrzegać jako prekursorów ruchu art-teatralnego, który pojawił się w Europie pod koniec lat 80. XIX wieku.
Ryszard Wagner (1813–1883) odrzucał współczesny trend ku realizmowi i argumentował, że dramaturg powinien być twórcą mitów, który portretuje idealny świat poprzez wyrażanie wewnętrznych impulsów i aspiracji narodu. Wagner używał muzyki, aby pokonać osobiste zachcianki wykonawców. Melodia i tempo muzyki pozwoliły mu mieć większą osobistą kontrolę nad występem niż w przypadku mówionego dramatu . Podobnie jak w przypadku Meininger Ensemble, Wagner uważał, że autor-kompozytor powinien nadzorować każdy aspekt produkcji, aby połączyć wszystkie elementy w „ mistrzowskie dzieło sztuki”. Wagner wprowadził również nowy rodzaj widowni , w której zniesiono boczne loże, doły i galerie, które były charakterystyczną cechą większości europejskich teatrów, i zastąpił je widownią w kształcie wachlarza na 1745 miejsc, szeroką na 50 stóp (15 m) przy proscenium i 115 stóp (35 m) z tyłu. Dzięki temu każde miejsce na widowni mogło cieszyć się pełnym widokiem na scenę i oznaczało, że nie było „dobrych” miejsc .
Powstanie realizmu w Rosji
W Rosji najwybitniejszymi dramatopisarzami byli Aleksandr Gribojedow , Aleksander Puszkin i Nikołaj Polewoj . Podobnie jak gdzie indziej, w Rosji dominował melodramat i teatr muzyczny. Bardziej realistyczny dramat zaczął się pojawiać w sztukach Mikołaja Gogola i aktorstwie Michaiła Szczepkina . Pod ścisłym nadzorem rządu rosyjski teatr znacznie się rozwinął. książę Aleksander Szachowski otworzyli państwowe teatry i szkoły szkoleniowe, po wyjeździe do Paryża próbowali podnieść poziom rosyjskiej produkcji, wprowadzili przepisy dotyczące rządzących trupami, które obowiązywały do 1917 roku.
Rosji wcześniej niż w innych częściach Europy w XIX wieku i przybrał bardziej bezkompromisową formę. Począwszy od sztuk Iwana Turgieniewa (który wykorzystywał „domowe detale, aby ujawnić wewnętrzne zamieszanie”), Aleksandra Ostrowskiego (który był pierwszym zawodowym dramatopisarzem Rosji), Aleksieja Pisemskiego (którego Gorzki los (1859) antycypował naturalizm ) i Lwa Tołstoja (którego Moc ciemności (1886) jest „jednym z najskuteczniejszych sztuk naturalistycznych”), tradycja realizmu psychologicznego w Rosji zakończyła się utworzeniem Moskiewskiego Teatru Artystycznego przez Konstantina Stanisławskiego i Władimira Niemirowicza-Danczenkę .
Ostrowskiemu często przypisuje się stworzenie specyficznie rosyjskiego dramatu. Jego sztuki Dość głupoty w każdym mędrcu (1868) i Burza (1859) czerpią z życia, które znał najlepiej, życia klasy średniej. Inni ważni rosyjscy dramatopisarze XIX wieku to Aleksander Suchowo-Kobylin (którego Śmierć Tarelkina (1869) antycypował Teatr Absurdu ) i Michaił Saltykow-Szczedrin .
Naturalizm i realizm
Naturalizm , ruch teatralny zrodzony z O powstawaniu gatunków Karola Darwina ( 1859) oraz ówczesnych warunków politycznych i ekonomicznych, znalazł swojego głównego orędownika w Émile Zoli . W swoim eseju „Naturalizm w teatrze” (1881) dowodził, że poezja jest wszędzie, a nie w przeszłości czy abstrakcji: „W małym mieszkaniu burżua jest więcej poezji niż we wszystkich pustych, zjedzonych przez robaki pałacach historii”.
Realizację pomysłów Zoli utrudniał brak zdolnych dramaturgów piszących dramat naturalistyczny. André Antoine pojawił się w latach osiemdziesiątych XIX wieku ze swoim Théâtre Libre , który był otwarty tylko dla członków i dlatego był zwolniony z cenzury. Szybko zyskał aprobatę Zoli i zaczął wystawiać dzieła naturalistyczne i inne realistyczne dzieła zagraniczne. Antoine był wyjątkowy w swojej scenografii, ponieważ budował zestawy z nienaruszoną „ czwartą ścianą ”, decydując tylko, którą ścianę usunąć później. Najważniejsi dramatopisarze francuscy tego okresu byli po raz pierwszy przesłuchani przez Antoine'a, w tym Georges Porto-Riche, François de Curel i Eugène Brieux .
Twórczość Henry'ego Arthura Jonesa i Arthura Winga Pinero zapoczątkowała nowy kierunek na scenie angielskiej. Podczas gdy ich praca utorowała drogę, rozwój bardziej znaczącego dramatu zawdzięcza się przede wszystkim dramatopisarzowi Henrikowi Ibsenowi .
Ibsen urodził się w Norwegii w 1828 roku. Napisał 25 sztuk, z których najsłynniejsze to Dom lalki (1879), Duchy (1881), Dzika kaczka (1884) i Hedda Gabler (1890). A Doll's House i Ghosts zszokowały konserwatystów: odejście Nory z A Doll's House było postrzegane jako atak na rodzinę i dom, a aluzje do chorób wenerycznych i wykroczeń seksualnych w Ghosts zostały uznane za głęboko obraźliwe dla standardów przyzwoitości publicznej. Ibsen udoskonalił dobrze wykonaną formułę gry Scribe'a, aby bardziej pasowała do realistycznego stylu. Dał wzór pisarzom szkoły realistycznej. Ponadto jego prace Rosmersholm (1886) i When We Dead Awaken (1899) przywołują poczucie tajemniczych sił działających w ludzkim przeznaczeniu, które miało być głównym tematem symbolizmu i tak zwanego „ teatru absurdu ”.
Po Ibsenie teatr brytyjski przeżywał rewitalizację dzięki twórczości George'a Bernarda Shawa , Oscara Wilde'a i (w rzeczywistości od 1900 roku) Johna Galsworthy'ego . W przeciwieństwie do większości ponurych i niezwykle poważnych prac ich współczesnych, Shaw i Wilde pisali głównie w formie komiksu .
Zmiany technologiczne
Oświetlenie sceniczne
Osiemnastowieczny teatr był oświetlany świecami i lampami oliwnymi, które służyły głównie do oświetlenia, aby publiczność mogła oglądać przedstawienie, bez żadnego innego celu. Zmieniło się to na początku XIX wieku wraz z wprowadzeniem oświetlenia gazowego który był powoli przyjmowany przez główne teatry w latach 1810 i 1820, aby zapewnić oświetlenie domu i sceny. Wprowadzenie oświetlenia gazowego zrewolucjonizowało oświetlenie sceniczne. Zapewniło to nieco bardziej naturalne i odpowiednie światło dla gry i scenicznej przestrzeni za łukiem proscenium. Chociaż nie było możliwości kontrolowania świateł gazowych, wkrótce miało się to zmienić. W Wielkiej Brytanii teatry w Londynie rozwinęły światło reflektorów na scenie pod koniec lat trzydziestych XIX wieku. W Paryżu elektryczna lampa z łukiem węglowym po raz pierwszy wszedł do użytku w latach czterdziestych XIX wieku. Oba te rodzaje oświetlenia można było obsługiwać ręcznie i ogniskować za pomocą dołączonego obiektywu, co dało teatrowi po raz pierwszy możliwość skupienia światła na konkretnych wykonawcach.
Od lat osiemdziesiątych XIX wieku teatry zaczęto stopniowo elektryfikować, a Savoy Theatre stał się pierwszym teatrem na świecie, który w 1881 roku wprowadził w pełni zelektryfikowany system oświetlenia teatralnego. Richard D'Oyly Carte , który zbudował Savoy, wyjaśnił, dlaczego wprowadził elektryczne światło: „Największymi wadami przyjemności z przedstawień teatralnych są bez wątpienia zanieczyszczone powietrze i upał, które przenikają wszystkie teatry. Jak wszyscy wiedzą, każdy palnik gazowy zużywa tyle samo tlenu, co wielu ludzi, a przy tym wytwarza ogromne ciepło. żarówki nie zużywają tlenu i nie wytwarzają odczuwalnego ciepła”. Warto zauważyć, że wprowadzenie światła elektrycznego zbiegło się w czasie ze wzrostem realizmu: nowe formy oświetlenia zachęcały do bardziej realistycznych szczegółów scenicznych i subtelniejszego, bardziej realistycznego stylu aktorskiego.
Sceniczny projekt
Jedno z najważniejszych przejść scenicznych w stulecie polegało na przejściu od często używanej dwuwymiarowej scenografii do trójwymiarowej scenografii. Wcześniej, jako dwuwymiarowe środowisko, sceneria nie zapewniała otaczającego, fizycznego środowiska dla dramatycznej akcji rozgrywającej się na scenie. Zmieniło się to, gdy w pierwszej połowie wieku wprowadzono zestawy trójwymiarowe. To, w połączeniu ze zmianą widowni i dynamiki sceny, a także postępem w architekturze teatru, który pozwolił na zmiany ukrytych scen, teatr stał się bardziej reprezentacyjny niż prezentacyjny i zapraszał widzów do przeniesienia się do wymyślonego „innego” świata. Na początku XIX wieku pojawiła się również innowacja ruchomej panoramy: scenografia namalowana na długim płótnie, który można było rozwinąć na scenie za pomocą obracających się szpul, stworzyła iluzję ruchu i zmiany lokalizacji.
Zobacz też
Źródła
- teatr XIX wieku. Muzeum Wiktorii i Alberta, 2015. Sieć. 1 listopada 2015 r.
- Baily, Leslie (1956). Księga Gilberta i Sullivana (wyd. Czwarte). Londyn: Cassell. OCLC 21934871.
- Banham, Martin, wyd. 1998. The Cambridge Guide to Theatre. Cambridge: Cambridge UP. ISBN 0-521-43437-8 .
- Baugh, Christopher (2005). Teatr, wydajność i technologia. Londyn: Palgrave Macmillan.
- Benedetti, Jan. 1999. Stanisławski: jego życie i sztuka . Wydanie poprawione. Oryginalne wydanie opublikowane w 1988 r. Londyn: Methuen. ISBN 0-413-52520-1 .
- ---. 2005. Sztuka aktora: podstawowa historia aktorstwa, od czasów klasycznych po współczesność. Londyn: Methuen. ISBN 0-413-77336-1 .
- Booth, Michael R. 1995. „Teatr XIX wieku”. W Johnie Russellu Brownie. 1995. Oksfordzka ilustrowana historia teatru . Oksford: Oxford University Press. ISBN 0-19-212997-X .
- Brockett, Oscar G. i Franklin J. Hildy. 2003. Historia Teatru . Wydanie dziewiąte, wydanie międzynarodowe. Boston: Allyn i Bacon. ISBN 0-205-41050-2 .
- Cardwell, Douglas (maj 1983). „Dobrze wykonana gra Eugène Scribe”. Amerykańskie Stowarzyszenie Nauczycieli Języka Francuskiego 56 (6): 878–879. Źródło 12 maja 2012 r.
- Fischer-Lichte, Erika. 2001. Historia europejskiego dramatu i teatru . Nowy Jork: Taylor i Francis. ISBN 0-415-18059-7 .
- Grimsted, Dawid. 1968. Odsłonięty melodramat: amerykański teatr i kultura, 1800–50. Chicago: U of Chicago P. ISBN 978-0-226-30901-9 .
- „dobrze zrobiona sztuka”. Encyklopedia Britannica Online. Encyclopædia Britannica, 2015. Internet. 1 listopada 2015 r.
- Stephenson, Laura i in. (2013). Zapomniane komedie XIX-wiecznego teatru. Clarion Publishing, Staunton, Wirginia. ISBN 978-1492881025 .
|
Historia XIX wieku
| |
|---|---|
| Dziesięciolecia | |
| Tematy | |
| Listy | |
