Teatr w Stanach Zjednoczonych

Teatr w Stanach Zjednoczonych jest częścią starej europejskiej tradycji teatralnej i pozostawał pod silnym wpływem teatru brytyjskiego . Centralnym ośrodkiem amerykańskiej sceny teatralnej jest Manhattan z oddziałami Broadwayu , Off-Broadwayu i Off-Off-Broadwayu . Wiele gwiazd filmowych i telewizyjnych osiągnęło wielki przełom, pracując w nowojorskich produkcjach. Poza Nowym Jorkiem wiele miast ma profesjonalne regionalne lub lokalne zespoły teatralne które produkują własne sezony, a niektóre prace są produkowane regionalnie z nadzieją na ostateczne przeniesienie się do Nowego Jorku. Teatr amerykański ma również aktywną teatralną społeczności , która opiera się głównie na lokalnych wolontariuszach, którzy mogą nie robić aktywnie kariery teatralnej.

Wczesna historia

Edwin Forrest , popularny wczesny amerykański aktor

Zanim w 1607 roku powstała pierwsza angielska kolonia, istniały hiszpańskie dramaty i plemiona rdzennych Amerykanów, które wystawiały przedstawienia teatralne. Przedstawicielstwa nadal odbywały się na terytoriach zajętych przez Hiszpanię, które później stały się Stanami Zjednoczonymi. Na przykład w Presidio of Los Adaes na Nowych Filipinach (obecnie w Luizjanie ) 12 października 1721 roku wystawiono kilka sztuk.

Chociaż teatr został zbudowany w Williamsburgu w Wirginii w 1716 roku, a oryginalny Dock Street Theatre został otwarty w Charleston w Południowej Karolinie w 1736 roku, narodziny teatru zawodowego w koloniach angielskich mogły się rozpocząć, gdy Lewis Hallam przybył ze swoim zespołem teatralnym do Williamsburga w 1752. Lewis i jego brat William , którzy przybyli w 1754 roku, jako pierwsi zorganizowali kompletną kompanię aktorów w Europie i sprowadzili ich do kolonii . Przywieźli repertuar popularnych wówczas w Londynie sztuk, w tym Hamleta , Othello , Oficer rekrutacyjny i Ryszard III . Kupiec wenecki był ich pierwszym przedstawieniem, pokazanym początkowo 15 września 1752 r. Napotykając sprzeciw organizacji religijnych, Hallam i jego firma wyjechali na Jamajkę w 1754 lub 1755 r . ^{[ Potrzebne źródło ]} Wkrótce potem Lewis Hallam Jr. założył American Company otworzyła teatr w Nowym Jorku i zaprezentowała pierwszą profesjonalnie zmontowaną amerykańską sztukę — The Prince of Parthia , reż. Thomasa Godfreya — w 1767 r.

W XVIII wieku prawa zabraniające wystawiania sztuk teatralnych zostały uchwalone w Massachusetts w 1750 r., w Pensylwanii w 1759 r., a na Rhode Island w 1761 r., a przedstawienia zostały zakazane w większości stanów podczas wojny o niepodległość Stanów Zjednoczonych za namową Kongresu Kontynentalnego . W 1794 roku rektor Yale College , Timothy Dwight IV , w swoim „Essay on the Stage” oświadczył, że „oddanie się zamiłowaniu do zabawy oznacza nic innego jak utratę najcenniejszego skarbu: nieśmiertelnej duszy”. ^{[ potrzebne źródło ]}

Mimo takich praw kilku pisarzy próbowało swoich sił w dramatopisarstwie. Najprawdopodobniej pierwsze sztuki napisane w Ameryce zostały napisane przez autorów urodzonych w Europie - wiemy, że oryginalne sztuki pisane przez Hiszpanów, Francuzów i Anglików sięgają 1567 roku - chociaż żadne sztuki nie były drukowane w Ameryce aż do Androboros Roberta Huntera w 1714 roku . Jednak we wczesnych latach większość wyprodukowanych sztuk pochodziła z Europy; dopiero przy Księciu Partii Godfreya z 1767 roku otrzymujemy profesjonalnie wyprodukowaną sztukę napisaną przez Amerykanina, choć była to namiastka opery komicznej Thomasa Forresta w ostatniej chwili Rozczarowanie; lub The Force of łatwowierność i chociaż pierwsza sztuka poważnie traktująca tematy amerykańskie, Ponteach; lub The Savages of America Roberta Rogersa została opublikowana w Londynie rok wcześniej. „Cato”, sztukę o rewolucji, wystawiono dla Jerzego Waszyngtona i jego żołnierzy w Valley Forge zimą 1777–1778.

Okres rewolucyjny był impulsem dla dramaturgów, dla których debaty polityczne były podatnym gruntem zarówno dla satyry, jak widać w pracach Mercy Otis Warren i pułkownika Roberta Munforda, jak i dla sztuk o bohaterstwie, jak w dziełach Hugh Henry'ego Brackenridge'a . W okresie powojennym narodziła się amerykańska komedia społeczna w Kontraście Royalla Tylera , która stworzyła bardzo naśladowaną wersję postaci „Yankee”, tutaj nazwanej „Jonathan”. Ale nie było profesjonalnych dramaturgów aż do Williama Dunlapa , którego praca jako dramatopisarza, tłumacza, menadżera i historyka teatru przyniosła mu tytuł „ojca dramatu amerykańskiego”; oprócz tłumaczenia sztuk Augusta von Kotzebue i francuskich melodramatów Dunlap pisał sztuki w różnych stylach, z których André i Ojciec ; lub amerykański Shandyism są jego najlepszymi.

XIX wiek

Teatr przedwojenny

Przy 825 Walnut Street w Filadelfii w Pensylwanii znajduje się Walnut Street Theatre , czyli „The Walnut”. Założony w 1809 roku przez Cyrk Pepina i Brescharda „The Walnut” jest najstarszym teatrem w Ameryce. Pierwsza teatralna produkcja The Walnut, The Rivals , została wystawiona w 1812 roku. Obecni byli prezydent Thomas Jefferson i markiz de Lafayette .

Teatrom prowincjonalnym często brakowało ciepła i minimalnego wyposażenia teatralnego („rekwizytów”) i scenerii . Wraz z ekspansją kraju na zachód , niektórzy przedsiębiorcy prowadzili pływające teatry na barkach lub łodziach rzecznych , które kursowały z miasta do miasta. Duże miasto mogło sobie pozwolić na długi „bieg” - lub okres, w którym zespół objazdowy wystawiał kolejne, wielokrotne przedstawienia - spektaklu, aw 1841 r. W Nowym Jorku przez bezprecedensowe trzy tygodnie pokazywano jedną sztukę. ^{[ potrzebne źródło ]}

John Drew , słynny amerykański aktor, grający rolę Petruchia z Poskromienia złośnicy

Powszechnie wystawiano dzieła Williama Szekspira . Amerykańskie sztuki z tego okresu były głównie melodramatami , których słynnym przykładem była Chata wuja Toma , zaadaptowana przez George'a Aikena , z powieści Harriet Beecher Stowe pod tym samym tytułem .

W 1821 roku William Henry Brown założył African Grove Theatre w Nowym Jorku. Była to trzecia próba stworzenia teatru afroamerykańskiego, ale była to najbardziej udana ze wszystkich. Towarzystwo wystawiło nie tylko Szekspira, ale także wystawiło pierwszą sztukę napisaną przez Afroamerykanina, The Drama of King Shotaway . Teatr został zamknięty w 1823 roku. Teatr afroamerykański był stosunkowo uśpiony, z wyjątkiem sztuki The Escape z 1858 roku ; lub A Leap for Freedom autorstwa Williama Wellsa Browna , który był byłym niewolnikiem. Prace afroamerykańskie nie były ponownie rozpatrywane aż do lat dwudziestych XX wieku Renesans Harlemu .

Popularną formą teatru w tym czasie był pokaz minstreli , w którym występowali biali (a czasem, zwłaszcza po wojnie secesyjnej, czarni ) aktorzy ubrani w „ blackface ” (malowanie twarzy itp. Ciemnym makijażem, aby naśladować kolorystykę afrykańskiego lub Afroamerykanin).” Gracze zabawiali publiczność za pomocą komiksów, parodii popularnych sztuk teatralnych i musicali oraz ogólnej błazeństwa i komedii slapstickowych, a wszystko to z dużym wykorzystaniem stereotypów rasowych i motywów rasistowskich . ^{[ potrzebne źródło ]}

Przez cały XIX wiek kultura teatralna kojarzona była z hedonizmem , a nawet przemocą; aktorzy (zwłaszcza kobiety) byli postrzegani jako niewiele lepsi niż prostytutki. Jessie Bond napisała, że w połowie XIX wieku: „Scena była na niskim poziomie, elżbietańska chwała i gruzińska sztuczność odeszły w przeszłość, tragedia na szczudłach i wulgarna farsa były wszystkim, co niedoszły widz miał do wyboru. a teatr stał się miejscem o złej reputacji”. 15 kwietnia 1865 roku, niecały tydzień po zakończeniu wojny secesyjnej w Stanach Zjednoczonych , Abraham Lincoln , oglądając w teatrze Forda w Waszyngtonie, został zamordowany przez popularnego w całym kraju aktora teatralnego tamtego okresu, Johna Wilkesa Bootha .

Wiktoriańska burleska , forma sprośnego teatru komiksowego, kpiącego ze sztuki i kultury wysokiej, została sprowadzona z Anglii około 1860 roku, aw Ameryce stała się formą farsy , w której kobiety w męskich rolach kpiły z ówczesnej polityki i kultury. Krytykowana za swoją seksualność i szczerość, ta forma rozrywki została wypędzona z „legalnej sceny” i zdegradowana do salonów i barów . ^{[ potrzebne źródło ]} Producentki, takie jak Lydia Thompson zostali zastąpieni przez swoich męskich odpowiedników, którzy złagodzili politykę i podkręcili seksualność, aż w końcu burleskowe pokazy stały się niczym więcej niż ładnymi dziewczynami w skąpych ubraniach śpiewającymi piosenki, podczas gdy męscy komicy opowiadali sprośne dowcipy.

Dramat okresu przedwojennego był raczej formą pochodną, naśladującą europejskie melodramaty i tragedie romantyczne, ale rodzimy w treści, odwołujący się do popularnego nacjonalizmu poprzez dramatyzowanie bieżących wydarzeń i portretowanie amerykańskiego bohaterstwa. Ale dramatopisarze byli ograniczeni przez zestaw czynników, w tym potrzebę opłacalności sztuk, średnie gusta amerykańskich widzów teatralnych oraz brak ochrony praw autorskich i wynagrodzeń dla dramaturgów. W tym czasie najlepszą strategią dla dramaturga było zostać aktorem i/lub menadżerem, na wzór Johna Howarda Payne'a , Diona Boucicaulta i Johna Broughama . . W tym okresie popularność zyskały pewne rodzime typy postaci, zwłaszcza „Yankee”, „Murzyn” i „Indianin”, czego przykładem są postacie Jonathana , Sambo i Metamory . W międzyczasie zwiększona imigracja przyniosła wiele sztuk teatralnych o Irlandczykach i Niemcach, które często łączyły się z obawami dotyczącymi wstrzemięźliwości i rzymskokatolików. W tym okresie pojawiły się także sztuki o amerykańskiej ekspansji na Zachód (w tym sztuki o mormonizmie) oraz o prawach kobiet. Wśród najlepszych sztuk tego okresu są sztuki Jamesa Nelsona Barkera Zabobon; lub Ojciec Fanatyk , Moda Anny Cory Mowatt ; lub Life in New York , Putnam, the Iron Son of '76 Nathaniela Bannistera , The Octoroon Dion Boucicault ; lub Życie w Luizjanie i Witchcraft Corneliusa Mathewsa ; lub męczenników z Salem . W tym samym czasie Ameryka stworzyła nowe formy dramatyczne w Tom Shows , showboat Theatre i minstreli show .

Teatr powojenny

Artyści pokazu Minstrela Rollin Howard (w kostiumie kobiecym) i George Griffin, ok. 1855.

Podczas powojennej Północy teatr rozkwitał, ponieważ powojenny boom pozwolił na dłuższe i częstsze produkcje. Pojawienie się amerykańskiego transportu kolejowego umożliwiło firmom produkcyjnym, aktorom i dużym, wyszukanym planom łatwe podróżowanie między miastami, co umożliwiło stałe teatry w małych miastach. Wynalezienie i praktyczne zastosowanie oświetlenia elektrycznego doprowadziło również do zmian i ulepszeń stylów scenografii, a także zmian w wystroju wnętrz teatralnych i miejsc siedzących.

W 1896 roku Charles Frohman , Al Hayman , Abe Erlanger , Mark Klaw , Samuel F. Flenderson i J. Fred Zimmerman senior utworzyli Theatrical Syndicate , który ustanowił usystematyzowaną sieć rezerwacji w całych Stanach Zjednoczonych i stworzył monopol na zarządzanie, który kontrolował każdy aspekt umów i rezerwacji aż do przełomu XIX i XX wieku, kiedy to bracia Shubert założyli konkurencyjną agencję The Shubert Organization .

Dla dramaturgów okres powojenny przyniósł więcej korzyści finansowych i szacunku estetycznego (w tym profesjonalnej krytyki) niż wcześniej. Pod względem formy spektakle, melodramaty i farsy pozostały popularne, ale dramat poetycki i romantyzm prawie całkowicie wymarły z powodu nowego nacisku na realizm, który został przyjęty zarówno przez poważny dramat, melodramat, jak i komedię. Ten realizm nie był całkiem europejskim realizmem Duchów Ibsena , ale połączeniem realizmu scenicznego (np . Metoda”) z mniej romantycznym spojrzeniem na życie, które towarzyszyło kulturowemu zawirowaniu tamtego okresu. Najbardziej ambitne wysiłki w kierunku realizmu w tym okresie podjął James Herne , na którego wpływ wywarły idee Ibsena, Hardy'ego i Zoli dotyczące realizmu, prawdy, i jakość literacka; jego najważniejsze osiągnięcie, Margaret Fleming , wprowadza w życie zasady, które wyjaśnił w swoim eseju „Art for Truth's Sake in the Drama” . nie przemawiał do publiczności - krytycy i widzowie uważali, że za bardzo skupiał się na niestosownych tematach i zawierał niewłaściwe sceny, takie jak Margaret karmiąca na scenie nieślubnego syna swojego męża - inne formy dramatycznego realizmu stawały się coraz bardziej popularne w melodramacie ( np . Under the Gaslight ) oraz w lokalnych sztukach kolorystycznych ( Shenandoah Bronsona Howarda ) . Inni kluczowi dramatopisarze tego okresu to David Belasco , Steele MacKaye , William Dean Howells , Dion Boucicault i Clyde'a Fitcha .

XX wiek

Wodewil był powszechny na przełomie XIX i XX wieku i wyróżnia się silnym wpływem na wczesne produkcje filmowe, radiowe i telewizyjne w kraju. (Zrodziło się to z wcześniejszej amerykańskiej praktyki polegającej na występowaniu śpiewaków i nowatorskich aktów między aktami w standardowej sztuce). George Burns był bardzo długowiecznym amerykańskim komikiem, który zaczynał w społeczności wodewilowej, ale później cieszył się karierą bieganie do lat 90.

Niektóre teatry wodewilowe zbudowane między około 1900 a 1920 rokiem również przetrwały, chociaż wiele z nich przechodziło okresy alternatywnego użytkowania, najczęściej jako kina, aż do drugiej połowy wieku wiele populacji miejskich upadło, a multipleksy zbudowano na przedmieściach. Od tego czasu wiele z nich zostało przywróconych do pierwotnego lub prawie oryginalnego stanu i prawie sto lat później przyciąga nowych widzów.

Ta okładka magazynu Judge z 21 lutego 1925 r. autorstwa Ralpha Bartona zawiera karykatury różnych osobistości filmowych i teatralnych z lat dwudziestych XX wieku; kliknij karykaturę, aby przejść do artykułu w Wikipedii odpowiedniej osoby.

Na początku XX wieku legalny teatr 1752 (nie wodewilowy) stał się zdecydowanie bardziej wyrafinowany w Stanach Zjednoczonych, podobnie jak w Europie. Gwiazdy tej epoki, takie jak Ethel Barrymore i John Barrymore , były często postrzegane jako ważniejsze niż sam program. Rozwój kinematografii doprowadził również do wielu zmian w teatrze. Popularność musicali mogła częściowo wynikać z faktu, że wczesne filmy nie miały dźwięku, a zatem nie mogły konkurować, aż do The Jazz Singer z 1927 roku, który w ruchomym obrazie połączył mowę i muzykę. W tym okresie rozkwitły bardziej złożone i wyrafinowane dramaty, a style gry aktorskiej stały się bardziej stonowane. Już w 1915 roku aktorów odciągano od teatru na srebrny ekran , a wodewil zaczynał stawiać czoła ostrej konkurencji.

Podczas gdy rewie składające się głównie z niepowiązanych ze sobą piosenek, skeczy, rutyn komediowych i tancerek ( Ziegfeld girls ) dominowały przez pierwsze 20 lat XX wieku, teatr muzyczny ostatecznie rozwinął się poza to. Jednym z pierwszych dużych kroków był Show Boat , z muzyką Jerome'a Kerna i tekstami autorstwa Oscara Hammersteina . Zawierał piosenki i sceny niemuzyczne, które zostały zintegrowane w celu rozwinięcia fabuły serialu. Następnym wielkim krokiem naprzód była Oklahoma! , z tekstami Hammersteina i muzyką Richarda Rodgersa . Jego „balety marzeń” wykorzystywały taniec do rozwijania fabuły i rozwijania postaci.

Amatorskie zespoły wykonawcze zawsze miały miejsce obok profesjonalnych zespołów aktorskich. Amateur Comedy Club, Inc. został założony w Nowym Jorku 18 kwietnia 1884 roku. Został zorganizowany przez siedmiu dżentelmenów, którzy oderwali się od Madison Square Dramatic Organization, społecznie znanej firmy, której przewodniczyli pani James Brown Potter i David Belasco . ACC wystawił swój pierwszy spektakl 13 lutego 1885 roku. Od tamtej pory występuje nieprzerwanie, co czyni go najstarszym, nieprzerwanie występującym towarzystwem teatralnym w Stanach Zjednoczonych. Do wybitnych nowojorczyków, którzy byli członkami ACC, należą Theodore, Frederick i John Steinway z rodziny producentów fortepianów; Gordon Grant, artysta morski; Christopher La Farge, architekt; Van H. Cartmell, wydawca; Albert Sterner , malarz; oraz Edward Fales Coward, krytyk teatralny i dramaturg. Elsie De Wolfe , Lady Mendl, znana później jako pierwsza na świecie profesjonalna dekoratorka wnętrz, występowała w produkcjach klubowych na początku XX wieku, podobnie jak Hope Williams i Julie Harris w latach czterdziestych.

Teatr początku XX wieku był zdominowany przez rodzinę Barrymore — Ethel Barrymore , John Barrymore i Lionel Barrymore . Inne wielkie gwiazdy to Laurette Taylor , Jeanne Eagels i Eva Le Gallienne . Ogromna zmiana społeczna, która nastąpiła podczas Wielkiego Kryzysu, miała również wpływ na teatr w Stanach Zjednoczonych. Spektakle wcielały się w role społeczne, identyfikując się z imigrantami i bezrobotnymi. The Federal Theatre Project , program New Deal stworzony przez Franklin D. Roosevelt , pomagał w promocji teatru i zapewniał pracę aktorom. W programie znalazło się wiele wyszukanych i kontrowersyjnych sztuk, takich jak It Can't Happen Here Sinclaira Lewisa i The Cradle Will Rock Marca Blitzsteina . Z kolei legendarny producent Brock Pemberton (założyciel Tony Awards ) był jednym z tych, którzy uważali, że jest to bardziej niż kiedykolwiek czas na komiksową rozrywkę, aby zapewnić ucieczkę od panujących trudnych warunków społecznych: typowe dla jego produkcji było Lawrence’a Rileya komedia Personal Appearance (1934), której sukces na Broadwayu (501 przedstawień) potwierdził Pembertona.

Lata międzywojenne były latami skrajności. Sztuki Eugene'a O'Neilla były punktem kulminacyjnym poważnych dramatów prowadzących do wybuchu wojny w Europie. Za horyzontem (1920), za który otrzymał swoją pierwszą nagrodę Pulitzera; później zdobył Pulitzerów za Annę Christie (1922) i Strange Interlude (1928), a także Nagrodę Nobla w dziedzinie literatury . Alfred Lunt i Lynn Fontanne pozostawali popularną parą aktorską w latach trzydziestych XX wieku.

Rok 1940 okazał się przełomowy dla teatru afroamerykańskiego. Frederick O'Neal i Abram Hill założyli ANT, czyli American Negro Theatre , najbardziej znaną afroamerykańską grupę teatralną lat czterdziestych. Ich scena była mała i znajdowała się w piwnicy biblioteki w Harlemie, a większość przedstawień pisali Afroamerykanie. Natural Man Theodore'a Browne'a (1941), Walk Hard Abrama Hilla (1944) i Garden of Time Owena Dodsona (1945). Wielu znanych aktorów przeszło szkolenie w ANT, w tym między innymi Harry Belafonte , Sidney Poitier , Alice i Alvin Childress , Osceola Archer, Ruby Dee , Earle Hyman , Hilda Simms .

W połowie XX wieku w teatrze występowało wiele wielkich czołowych dam, w tym Helen Hayes , Katherine Cornell , Tallulah Bankhead , Judith Anderson i Ruth Gordon . Teatr muzyczny widział takie gwiazdy jak Ethel Merman , Beatrice Lillie , Mary Martin i Gertrude Lawrence .

Teatr po II wojnie światowej

Znaczek O'Neilla wydany w 1967 roku

Po II wojnie światowej teatr amerykański doszedł do siebie. Kilku amerykańskich dramaturgów, takich jak Arthur Miller i Tennessee Williams , zyskało światową sławę.

W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku eksperymenty artystyczne rozprzestrzeniły się również na teatr, a sztuki takie jak Hair zawierały odniesienia do nagości i kultury narkotykowej. Musicale również pozostały popularne, a musicale takie jak West Side Story i A Chorus Line pobiły poprzednie rekordy. W tym samym czasie programy takie jak Company Stephena Sondheima zaczęły dekonstruować formę muzyczną praktykowaną w połowie wieku, odchodząc od tradycyjnej fabuły i realistycznych scenerii zewnętrznych, aby zbadać wewnętrzny stan głównego bohatera; jego Szaleństwa opierały się na pastiszach rewii w stylu Ziegfeld Follies ; jego Pacific Overtures wykorzystywał japońskie praktyki teatralne kabuki ; a Merrily We Roll Along opowiedział swoją historię od tyłu. Podobnie produkcja Chicago Boba Fosse'a przywróciła musicalowi jego wodewilowe korzenie.

Fakty i liczby powojennego teatru

Publiczność i kasa w powojennym amerykańskim teatrze stale się zmniejszały z powodu niezgłoszonej „ofensywy” telewizji i radia na klasyczny, legalny teatr . Według Jamesa F. Reilly'ego, dyrektora wykonawczego League of New York Theatres , między 1930 a 1951 rokiem liczba legalnych teatrów w Nowym Jorku spadła z 68 do 30. Poza tym podatek od wstępu obciąża teatr od 1918 roku. Od tamtej pory nigdy nie został złagodzony i został podwojony w 1943 roku Całkowita liczba miejsc siedzących w trzydziestu najbardziej renomowanych legalnych teatrach wynosiła w 1951 r. 35 697 miejsc. Od 1937 r. w samym Nowym Jorku 14 byłych legalnych teatrów o normalnej pojemności 16 955 miejsc zostało przejętych na potrzeby audycji radiowych lub przedstawień telewizyjnych .

Pod koniec lat 90. i 2000. teatr amerykański zaczął czerpać z kina i opery. Na przykład Julie Taymor , reżyserka Króla Lwa, wyreżyserowała Czarodziejski flet w Metropolitan Opera . Również musicale na Broadwayu powstały wokół Mary Poppins Disneya , Tarzan , Mała syrenka i tego, od którego wszystko się zaczęło, Pięknej i Bestii , co mogło przyczynić się do rewitalizacji Times Square w latach 90. Również Mela Brooksa The Producers i Young Frankenstein są oparte na jego przebojach.

Dramat

Program z Teatru Marka Hellingera My Fair Lady (1913)

We wczesnych latach XX wieku, przed I wojną światową, głównym kierunkiem rozwoju dramatu nadal był realizm. Ale począwszy od około 1900 roku, nastąpiło odrodzenie dramatu poetyckiego w Stanach Zjednoczonych, odpowiadające podobnemu odrodzeniu w Europie (np. Yeats , Maeterlinck i Hauptmann ). Najbardziej godnym uwagi przykładem tego trendu była „trylogia biblijna” Williama Vaughna Moody'ego , która również ilustruje powstanie dramatu religijnego w tych samych latach, co widać w produkcji Ben-Hur z 1899 r . I dwóch adaptacjach Quo vadis z 1901 r. . Jednak Moody jest najbardziej znany z dwóch sztuk prozatorskich, The Great Divide (1906, później zaadaptowany do trzech wersji filmowych ) i The Faith Healer (1909), które razem wskazują drogę do współczesnego dramatu amerykańskiego, kładąc nacisk na konflikty emocjonalne, które leżą u podstaw współczesnych konfliktów społecznych. Inni kluczowi dramatopisarze z tego okresu (oprócz kontynuacji prac Howellsa i Fitcha) to Edward Sheldon , Charles Rann Kennedy i jedna z odnoszących największe sukcesy dramatopisarek w amerykańskim dramacie, Rachel Crothers , której zainteresowanie problematyką kobiecą widać w takich sztukach jak On i Ona (1911).

Jessica Tandy , Kim Hunter i Marlon Brando w oryginalnej broadwayowskiej produkcji Tramwaju zwanego pożądaniem (1947)

W okresie międzywojennym amerykański dramat osiągnął dojrzałość, w dużej mierze dzięki pracom Eugene'a O'Neilla i Provincetown Players . Eksperymenty O'Neilla z formą teatralną i jego połączenie naturalistycznych i ekspresjonistycznych zainspirowały innych dramaturgów do korzystania z większej swobody w swoich dziełach, czy to rozszerzając techniki realizmu , jak w Trifles Susan Glaspell , czy też zapożyczając w większym stopniu z niemieckiego ekspresjonizmu (np. , Ryż Elmera The Adding Machine ), inne wyraźne ruchy tego okresu to dramat ludowy/regionalizm ( nagrodzony Pulitzerem film Paula Greena In Abraham's Bosom ), dramaty widowiskowe (Green's The Lost Colony , opowiadający o tajemniczej kolonii Roanoke ) oraz nawet powrót do dramatu poetyckiego ( Winterset Maxwella Andersona ). Jednocześnie kryzys gospodarczy Wielkiego Kryzysu doprowadził do rozwoju dramatu protestacyjnego, co widać w Federal Theatre Project produkcjach Living Newspaper oraz w dziełach Clifforda Odetsa (np. Waiting for Lefty ), a także w dramatach moralistycznych, jak w The Little Foxes Lillian Hellman i The Children's Hour . Inne kluczowe postacie tej epoki to George S. Kaufman , George Kelly , Langston Hughes , SN Behrman , Sidney Howard , Robert E. Sherwood oraz grupa dramaturgów, którzy podążali ścieżką filozoficznych poszukiwań O'Neilla, Philip Barry , Thornton Wilder ( Nasze miasto ) i William Saroyan ( Czas twojego życia ). Krytyka teatralna dotrzymywała kroku dramatowi, na przykład w pracach George'a Jeana Nathana oraz w licznych książkach i czasopismach poświęconych teatrowi amerykańskiemu, które ukazały się w tym czasie.

W South Pacific (1949) „ Happy Talk ”: Cable ( William Tabbert ) ogląda Liat ( Betta St. John ) i Bloody Mary ( Hall ).

Ranga, jaką amerykański dramat osiągnął w okresie międzywojennym, została ugruntowana w pokoleniu po drugiej wojnie światowej, kiedy to do ostatnich dzieł O'Neilla i jego pokolenia dołączyły tak wybitne postaci, jak Tennessee Williams i Arthur Miller , a także przez dojrzewanie muzycznej formy teatralnej. Inni kluczowi dramatopisarze to William Inge , Arthur Laurents i Paddy Chayefsky w latach pięćdziesiątych XX wieku, ruch awangardowy Jacka Richardsona, Arthura Kopita , Jacka Gelbera i Edward Albee lata 60. i dojrzewanie czarnego dramatu przez Lorraine Hansberry , Jamesa Baldwina i Amiri Baraka . W teatrze muzycznym ważne postacie to Rodgers i Hammerstein , Lerner i Loewe , Betty Comden i Adolph Green , Richard Adler i Jerry Ross , Frank Loesser , Jule Styne , Jerry Bock , Meredith Willson i Stephen Sondheim .

Okres rozpoczynający się w połowie lat sześćdziesiątych, wraz z uchwaleniem ustawodawstwa dotyczącego praw obywatelskich i jego reperkusjami, przyniósł powstanie teatru „agenda” porównywalnego z latami trzydziestymi. Wielu głównych dramaturgów z połowy wieku nadal tworzyło nowe dzieła, ale dołączyły do nich nazwiska takie jak Sam Shepard , Neil Simon , Romulus Linney , David Rabe , Lanford Wilson , David Mamet i John Guare . Wielu ważnych dramaturgów było kobietami, w tym Beth Henley , Marsha Norman , Wendy Wasserstein , Megan Terry , Paula Vogel i María Irene Fornés . Rozwój ruchów dumy etnicznej doprowadził do większych sukcesów dramaturgów z mniejszości rasowych, takich jak czarnoskórzy dramatopisarze Douglas Turner Ward , Adrienne Kennedy , Ed Bullins , Charles Fuller , Suzan-Lori Parks , Ntozake Shange , George C. Wolfe i August Wilson , którzy stworzył dramatyczną historię Stanów Zjednoczonych swoim cyklem sztuk teatralnych, Cykl Pittsburgha , jeden na każdą dekadę XX wieku. Teatr azjatycko-amerykański jest reprezentowany na początku lat 70. przez Franka Chin i odniósł międzynarodowy sukces dzięki M. Butterfly Davida Henry'ego Hwanga . Teatr latynoski rozwinął się od występów lokalnych aktywistów Teatro Campesino skupionego na Chicano Luisa Valdeza do jego bardziej formalnych sztuk, takich jak Zoot Suit , a później do wielokrotnie nagradzanej pracy kubańskich Amerykanów Fornés (wiele Obies) i jej ucznia Nilo Cruz (Pulitzer), dramatopisarzom z Puerto Rico, José Rivera i Miguelowi Piñero , a także nagrodzonemu nagrodą Tony musicalowi o dominikanach w Nowym Jorku, In the Heights . Wreszcie, powstanie ruchu na rzecz praw gejów i kryzys AIDS doprowadziły do powstania wielu ważnych dramaturgów gejowskich i lesbijskich, w tym Christophera Duranga , Holly Hughes , Karen Malpede , Terrence'a McNally'ego , Larry'ego Kramera , Tony'ego Kushnera , którego Anioły w Ameryce zdobył nagrodę Tony dwa lata z rzędu, a kompozytor i dramaturg Jonathan Larson , którego musical Rent działał przez ponad dwanaście lat.

Współczesny teatr amerykański

Bernadette Peters w Cyganie

Chociaż wcześniejsze style teatralne, takie jak przedstawienia minstreli i akty wodewilowe , zniknęły z krajobrazu, teatr nadal pozostaje popularną współczesną formą sztuki amerykańskiej. Produkcje na Broadwayu nadal bawią miliony widzów teatralnych, mimo że produkcje stały się bardziej wyszukane i droższe. Jednocześnie teatr służył również jako platforma ekspresji i miejsce poszukiwania tożsamości dla niedostatecznie reprezentowanych społeczności mniejszościowych, które założyły własne zespoły i stworzyły własne gatunki dzieł, w tym stworzone przez Augusta Wilsona , Tony'ego Kushnera , David Henry Hwang , John Guare i Wendy Wasserstein . Mniejsze teatry miejskie pozostają źródłem innowacji, a teatry regionalne pozostają ważną częścią życia teatralnego. Dramat jest również nauczany w szkołach średnich i na uczelniach, czego nie robiono w poprzednich epokach, a wielu interesuje się teatrem poprzez ten gatunek.

Zobacz też

Dalsza lektura

Boto, Ludwik. W tym teatrze: 100 lat przedstawień, opowiadań i gwiazd na Broadwayu (2002) online
Brockett, Oscar G. i Robert R. Findlay. „Stulecie innowacji: historia europejskiego i amerykańskiego teatru i dramatu od 1870 roku”. (1973). online
Brown, gen. Show time: chronologia Broadwayu i teatru od jego początków do współczesności (1997) online
Burke, Sally. American Feminist Playwrights (1996) online
Fiszer, Jakub. wyd. Słownik historyczny współczesnego teatru amerykańskiego: 1930-2010 (2 t. 2011)
Krasner, Dawid. Amerykański dramat 1945-2000: wprowadzenie (2006)
Krasner, Dawid. Piękne korowód: afroamerykański teatr, dramat i przedstawienie w renesansie Harlemu, 1910-1927 (2002) online
Krutch, Joseph Wood. Amerykański dramat od 1918 roku: nieformalna historia (1939) online
McGovern, Dennis. Śpiewaj, Luizo! : 150 gwiazd teatru muzycznego wspomina 50 lat na Broadwayu (1993) na podstawie wywiadów. online
Mathews, Jane DeHart. Federal Theatre, 1935-1939: Plays, Relief and Politics (Princeton UP 1967) online
Miller, Jordan Yale i Winifred L. Frazer. Amerykański dramat między wojnami (1991) online
Palmer, David, wyd. Wizje tragedii we współczesnym dramacie amerykańskim (Bloomsbury, 2018).
Richardson, Gary A. Amerykański dramat do I wojny światowej (1997) online
Roudane, Matthew C. Amerykański dramat od 1960: historia krytyczna (1996) online
Shiach, Don. Dramat amerykański 1900–1990 (2000)
Wacha, Jan. Od Broadwayu do Cleveland: historia Teatru Hanna (2007) w Cleveland. Ohio w Internecie
Watt, Stephen i Gary A. Richardson. Dramat amerykański: kolonialny do współczesnego (1994)
Weales, Gerald Clifford. Amerykański dramat od II wojny światowej (1962)

Linki zewnętrzne

538 fotografii ludzi, budynków i scen amerykańskiego teatru; te pochodzą sprzed 1923 roku i nie są objęte prawami autorskimi.