Rozwój teatru muzycznego

Obraz Williama Hogartha oparty na The Beggar's Opera (ok. 1728), kluczowym poprzedniku teatru muzycznego

Rozwój teatru muzycznego odnosi się do historycznego rozwoju spektakli teatralnych połączonych z muzyką, których kulminacją była zintegrowana forma współczesnego teatru muzycznego , który łączy w sobie piosenki, dialog mówiony , grę aktorską i taniec. Chociaż muzyka była częścią dramatycznych przedstawień od czasów starożytnych, współczesny zachodni teatr muzyczny rozwinął się z kilku linii poprzedników, które ewoluowały przez kilka stuleci aż do XVIII wieku, kiedy Ballad Opera i pantomima pojawiły się w Anglii i jej koloniach jako najpopularniejsze formy teatru. rozrywka muzyczna.

W XIX wieku, w następstwie rozwoju europejskiej operetki , wiele elementów strukturalnych współczesnego teatru muzycznego powstało dzięki twórczości Gilberta i Sullivana w Wielkiej Brytanii oraz Harrigana i Harta w Ameryce. Po nich pojawiły się edwardiańskie komedie muzyczne , które rozpoczęły się w latach 90. XIX wieku w Anglii, oraz dzieła teatru muzycznego amerykańskich twórców, takich jak George M. Cohan na początku XX wieku. Musicale Princess Theatre w Nowym Jorku podczas pierwszej wojny światowej i inne inteligentne programy, takie jak Of Thee I Sing (1931), były artystycznymi krokami naprzód poza rewie i inne pieniące się rozrywki z początku XX wieku i doprowadziły do ​​​​nowoczesnego musicalu „książkowego” , gdzie piosenki i tańce są w pełni zintegrowane z dobrze zrobioną historią z poważnymi celami dramatycznymi, która jest w stanie wywołać prawdziwe emocje inne niż śmiech.

Wczesne poprzednicy: od starożytności do średniowiecza

Starożytny teatr w Delfach .

Początków teatru muzycznego w Europie można doszukiwać się w teatrze starożytnej Grecji , gdzie muzyka i taniec były częścią komedii i tragedii scenicznych w V wieku pne. Dramatopisarze Ajschylos i Sofokles skomponowali własną muzykę towarzyszącą ich sztukom i opracowali choreografię do tańców chóru . Komedie rzymskie Plauta z III wieku pne zawierały układy pieśni i tańca wykonywane z orkiestracją. Rzymianie wprowadzili również innowacje techniczne. Na przykład, aby kroki taneczne były lepiej słyszalne w dużych teatrach plenerowych, rzymscy aktorzy przyczepiali do swoich scenicznych butów metalowe chipy zwane sabilla , tworząc pierwsze buty do stepowania . Muzyka ze wszystkich tych form zaginęła jednak i miały one niewielki wpływ na późniejszy rozwój teatru muzycznego.

W średniowieczu teatr w Europie składał się głównie z wędrownych minstreli i małych zespołów wykonawczych śpiewających i oferujących komedie slapstickowe. W XII i XIII wieku dramaty religijne, takie jak Sztuka Heroda i Sztuka Daniela, uczyły liturgii , osadzone w śpiewach kościelnych. Później powstały „ misterium ”, które opowiadało historię biblijną w sekwencji zabawnych części. Po mieście poruszało się kilka wozów widowiskowych (scen na kołach), a grupa aktorów opowiadała swoją część historii. Po zakończeniu grupa jechała dalej swoim wozem, a następna grupa przybywała, aby opowiedzieć swoją część historii. Te sztuki rozwinęły się w autonomiczną formę teatru muzycznego, w której formy poetyckie przeplatały się czasem z dialogami prozy i śpiewami liturgicznymi. Poezja została opatrzona zmodyfikowanymi lub zupełnie nowymi melodiami.

Od renesansu do XIX wieku

Widok Rodos autorstwa Johna Webba , do namalowania na tylnej przesłonie podczas pierwszego wykonania Oblężenia Rodos (1856)

W europejskim renesansie starsze formy ewoluowały w commedia dell'arte , włoską tradycję, w której hałaśliwi klauni improwizowali poprzez znane historie, a później operę buffa . W Anglii sztuki elżbietańskie i jakobińskie często zawierały muzykę, z występami na organach, lutniach, altówkach i piszczałkach do godziny przed iw trakcie występu. Sztuki, być może szczególnie cięższe historie i tragedie, były często przerywane krótką sztuką muzyczną, być może wywodzącą się z włoskiego intermezzo , z muzyką, dowcipami i tańcami, lub następowała po nich część zwana jigg, często składająca się ze skandalicznych lub oszczercze dialogi z popularnymi melodiami (zapowiadające Ballad Opera ). W okresie Tudorów rozwinęły się również maski dworskie , które obejmowały muzykę, taniec, śpiew i grę aktorską, często z drogimi kostiumami i złożoną scenografią , czasami autorstwa znanego architekta, takiego jak Inigo Jones , przedstawiając pełną szacunku alegorię pochlebną dla szlachetnego lub królewskiego mecenasa. Ben Jonson napisał wiele masek, często współpracując z Jonesem. William Shakespeare często umieszczał w swoich sztukach sekcje przypominające maskę.

Muzyczne sekcje masek rozwinęły się w śpiewane sztuki, które są rozpoznawalne jako angielskie opery, z których pierwsza jest zwykle uważana za Oblężenie Rodos (1656) Williama Davenanta , pierwotnie wystawiona w prywatnym przedstawieniu. W międzyczasie we Francji Molière przekształcił kilka swoich farsowych komedii w muzyczne rozrywki z piosenkami (muzykę dostarczył Jean Baptiste Lully ) i tańcem pod koniec XVII wieku. Jego Psyche była wzorem dla angielskiej opery Thomasa Shadwella The Skąpiec wyprodukowanej w 1672 roku . Davenant wyprodukował Burzę w 1667 roku, która była pierwszą fabułą Szekspira z muzyką, a następnie została zaadaptowana przez Shadwella do opery w 1674 roku (skomponowana przez Matthew Locke'a i innych). Około 1683 roku John Blow skomponował Wenus i Adonis , często uważaną za pierwszą prawdziwie anglojęzyczną operę. Po Blow nastąpił Henry Purcell i krótki okres angielskiej opery . Po śmierci Karola II w 1685 roku angielska opera zaczęła wychodzić z mody.

W XVIII wieku najpopularniejszymi formami teatru muzycznego w Wielkiej Brytanii były opery balladowe , takie jak The Beggar 's Opera Johna Gaya (1728), które zawierały teksty napisane do melodii popularnych piosenek tamtych czasów (często udających operę) i później rozwijająca się forma pantomimy i oper komicznych z oryginalnymi partyturami i głównie romantycznymi wątkami fabularnymi, jak The Bohemian Girl Michaela Balfe'a ( 1845). Tymczasem na kontynencie powstawały singspiel , comédie en vaudeville , opéra comique i inne formy lekkiej rozrywki muzycznej. Inne formy teatru muzycznego rozwinęły się w XIX wieku, takie jak music hall i melodramat . W szczególności melodramaty i burlety zostały spopularyzowane częściowo dlatego, że większość londyńskich teatrów miała licencję tylko na sale muzyczne i nie wolno było wystawiać sztuk bez muzyki. Niektóre nielicencjonowane teatry omijały ograniczenia prawne, organizując rzekomo bezpłatne pokazy muzyczne, serwując herbatę po szalenie zawyżonych cenach. W 1820 roku nowe zarządzenie ograniczyło wszystkie nielicencjonowane produkcje teatralne do nie więcej niż sześciu piosenek, które miały być organiczną częścią sztuki, a nie przerwą lub dygresją. W każdym razie to, jak nazywano utwór, niekoniecznie określało, czym był. Ekstrawagancja na Broadwayu The Magic Deer (1852) reklamowała się jako „A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment”.

Pierwszą nagraną długo wystawianą sztuką jakiegokolwiek rodzaju była The Beggar's Opera , która miała 62 kolejne przedstawienia w 1728 roku. Minęło prawie sto lat, zanim pierwsza sztuka przekroczyła 100 przedstawień, z Tomem i Jerrym , na podstawie książki Życie w Londynie (1821), a rekord wkrótce osiągnął 150 pod koniec lat dwudziestych XIX wieku. Ameryka Kolonialna nie miała znaczącej obecności teatralnej aż do 1752 roku, kiedy londyński przedsiębiorca William Hallam wysłał do kolonii zespół dwunastu aktorów, którego kierownikiem był jego brat Lewis . Założyli teatr w Williamsburgu w Wirginii i otworzyli z The Merchant of Venice i The Anatomist . Zespół przeniósł się do Nowego Jorku latem 1753 roku, wykonując ballady-opery, takie jak The Beggar's Opera i ballady-farsy, takie jak Damon i Phillida . W latach czterdziestych XIX wieku PT Barnum prowadził kompleks rozrywkowy na dolnym Manhattanie. Inny wczesny teatr muzyczny w Ameryce składał się z form brytyjskich, takich jak burletta i pantomima. Teatr w Nowym Jorku stopniowo przenosił się ze śródmieścia do śródmieścia od około 1850 roku, szukając tańszych cen nieruchomości, i pojawił się na Times Square dopiero w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Pierwszym „długogranym” musicalem na Broadwayu był przebój The Elves z 1857 roku, zatytułowany „The Elves” na 50 występów. Nowojorskie występy nadal pozostawały daleko w tyle za londyńskimi, ale „muzyczna burletta” Laury Keene Seven Sisters (1860) pobiła poprzednie nowojorskie rekordy z seria 253 przedstawień.

1850 do 1880

The Black Crook (1866), który niektórzy historycy uważają za pierwszy nowoczesny musical

Około 1850 roku francuski kompozytor Hervé eksperymentował z formą komicznego teatru muzycznego, który zaczęto nazywać opérette . Najbardziej znanymi kompozytorami operetki byli Jacques Offenbach od lat pięćdziesiątych do siedemdziesiątych XIX wieku oraz Johann Strauss II w latach siedemdziesiątych i osiemdziesiątych XIX wieku. Płodne melodie Offenbacha w połączeniu z dowcipną satyrą jego librecistów stworzyły wzór dla późniejszego teatru muzycznego. W 1957 roku Mark Lubbock prześledził rozwój teatru muzycznego od Offenbacha do Gilberta i Sullivana , a ostatecznie do Irvinga Berlina , Rodgersa i Hammersteina , pisząc: „Offenbach jest niewątpliwie najbardziej znaczącą postacią w historii„ musicalu ”. W XIX wieku w Anglii teatr muzyczny składał się głównie z musicali , adaptacji francuskich operetek (granych w kiepskich, ryzykownych tłumaczeniach) i muzycznych burlesek (której kulminację można było oglądać w Gaiety Theatre od 1868 roku). , powstało kilka rodzinnych rozrywek, takich jak niemieckie Reed Entertainments .

W Ameryce muzyczne rozrywki teatralne z połowy XVIII wieku obejmowały prymitywną rewię, która ostatecznie przekształciła się w wodewil , przedstawienia minstreli , które wkrótce przekroczyły Atlantyk do Wielkiej Brytanii, oraz wiktoriańską burleskę, po raz pierwszy spopularyzowaną w Stanach Zjednoczonych przez brytyjskie zespoły. Pierwszym oryginalnym dziełem teatralnym w języku angielskim, które jest zgodne z nowoczesną koncepcją musicalu, dodając taniec i oryginalną muzykę, które pomogły opowiedzieć historię, jest powszechnie uważany The Black Crook , którego premiera odbyła się w Nowym Jorku 12 września 1866 roku. trwał oszałamiająco pięć i pół godziny, ale pomimo swojej długości miał rekordowe 474 występy, w dużej mierze z powodu skąpo odzianego żeńskiego chóru baletowego. W tym samym roku The Black Domino / Between You, Me and the Post był pierwszym programem, który nazwał się „komedią muzyczną”. Komicy Edward Harrigan i Tony Hart wyprodukowali i wystąpili w musicalach na Broadwayu w latach 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) a 1885, z książką i tekstami autorstwa Harrigana oraz muzyką jego teścia Davida Brahama. Te muzyczne komedie przedstawiały postacie i sytuacje zaczerpnięte z codziennego życia niższych klas Nowego Jorku i stanowiły znaczący krok od burletty, pokazów minstreli, różnorodności i burleski w kierunku bardziej legalnej formy teatralnej . Wystąpili wysokiej klasy piosenkarki ( Lilllian Russell , Vivienne Segal i Fay Templeton ) zamiast dam o wątpliwej reputacji, które występowały we wcześniejszych formach muzycznych.

plakat, ok. 1879

Długość występów w teatrze zmieniała się szybko mniej więcej w tym samym czasie, gdy pojawił się nowoczesny musical. Wraz z poprawą transportu, zmniejszeniem ubóstwa w Londynie i Nowym Jorku, a oświetleniem ulicznym zapewniającym bezpieczniejsze podróżowanie nocą, liczba potencjalnych klientów rosnącej liczby teatrów ogromnie wzrosła. Przedstawienia mogłyby trwać dłużej i nadal przyciągać widzów, co prowadziłoby do lepszych zysków i lepszych wartości produkcji. Pierwszą sztuką, która osiągnęła 500 kolejnych przedstawień, była londyńska (niemuzyczna) komedia Our Boys , której premiera odbyła się w 1875 roku, która ustanowiła zdumiewający nowy rekord 1362 przedstawień. Ten bieg nie został dorównany na scenie muzycznej aż do I wojny światowej , ale teatr muzyczny wkrótce przekroczył znak 500 występów w Londynie, przede wszystkim dzięki serii kilkunastu wieloletnich hitów opery komicznej Gilberta i Sullivana , przyjaznych rodzinie , w tym HMS Pinafore w 1878 r. i The Mikado w 1885 r. Były to sensacje po obu stronach Atlantyku i wraz z innymi zmianami w teatrze podniosły standard tego, co uznano za udany bieg. Tylko kilka dziewiętnastowiecznych utworów muzycznych przewyższyło zasięg Mikado: The Chimes of Normandy ( Les Cloches de Corneville ) miały 705 wykonań w 1878 roku w Londynie oraz przebój Alfreda Celliera i BC Stephensona z 1886 roku, Dorothy (pokaz w połowie drogi między opera komiczna i komedia muzyczna), ustanowił nowy rekord 931 występami.

Wpływ Gilberta i Sullivana na późniejszy teatr muzyczny był głęboki, tworząc przykłady „integracji” musicali, tak aby teksty i dialogi miały na celu rozwinięcie spójnej historii. Ich dzieła podziwiali i kopiowali pierwsi autorzy i kompozytorzy musicali, tacy jak Ivan Caryll , Lionel Monckton , PG Wodehouse i Victor Herbert , a później Jerome Kern , Ira Gershwin , Lorenz Hart , Alan Jay Lerner , Yip Harburg , Irving Berlin , Ivor Novello , Oscara Hammersteina II i Andrew Lloyda Webbera . Inni brytyjscy kompozytorzy lat 70. i 80. XIX wieku to Edward Solomon i F. Osmond Carr . Najpopularniejsze brytyjskie przedstawienia, poczynając od oper sabaudzkich , cieszyły się także dochodowymi produkcjami nowojorskimi i tournee po Wielkiej Brytanii, Ameryce, Europie, Australazji i Afryce Południowej. Te programy były taryfą dla „szacowanej” publiczności, co stanowiło wyraźny kontrast w stosunku do ryzykownych burlesek, melodramatów, przedstawień minstreli, sprośnych występów muzycznych i francuskich operetek, które dominowały na scenie przed Gilbertem i Sullivanem i przyciągały czasami obskurny tłum szukający mniej zdrowej rozrywki .

1890 do nowego stulecia

A Gaiety Girl (1893) był jednym z pierwszych przebojów musicali

Wycieczka do Chinatown Charlesa H. Hoyta ( 1891) była długodystansowym mistrzem Broadwayu (do Irene w 1919), występując w 657 przedstawieniach. Opery komiczne Gilberta i Sullivana były zarówno pirackie, jak i naśladowane w Nowym Jorku przez takie produkcje, jak Robin Hood Reginalda de Kovena (1891) i El Capitan Johna Philipa Sousy ( 1896). A Trip to Coontown (1898) była pierwszą komedią muzyczną w całości wyprodukowaną i wykonaną przez Afroamerykanów w teatrze na Broadwayu (w dużej mierze inspirowaną rutynowymi występami minstreli ), a następnie Clorindy, czyli Origin of the Cakewalk z odcieniem ragtime'u ( 1898) i bardzo udany W Dahomeju (1902). Setki komedii muzycznych wystawiono na Broadwayu w latach 90. XIX wieku i na początku XX wieku, składających się z piosenek napisanych w nowojorskiej Tin Pan Alley przez kompozytorów takich jak Gus Edwards , John Walter Bratton i George M. Cohan ( Little Johnny Jones (1904)). Mimo to biegi w Nowym Jorku były stosunkowo krótkie, z kilkoma wyjątkami w porównaniu z biegami w Londynie, aż do lat dwudziestych XX wieku. Wycieczki były jednak często obszerne, zaczynając od oryginalnej obsady na Broadwayu.

W międzyczasie musicale rozprzestrzeniły się na londyńską scenę w gejowskich latach dziewięćdziesiątych . George Edwardes opuścił kierownictwo Savoy Theatre Richarda D'Oyly Carte'a . Przejął Gaiety Theatre i początkowo poprawił jakość starych burlesek. Dostrzegł, że widzowie chcieli nowej alternatywy dla sabaudzkim i ich intelektualnej, politycznej, absurdalnej satyry. Eksperymentował z nowoczesnym, przyjaznym rodzinie stylem teatru muzycznego, z przewiewnymi, popularnymi piosenkami, zgryźliwymi, romantycznymi przekomarzaniami i stylowymi spektaklami w Gaiety, Daly's Theatre i innych miejscach. Czerpały one z tradycji opery komicznej, a także wykorzystywały elementy burleski oraz utworów Harrigana i Harta. Zastąpił sprośne kobiety z burleski swoim „szacowanym” korpusem tanecznym, śpiewając Gaiety Girls, aby dopełnić muzyczną i wizualną zabawę. Sukces pierwszego z nich, In Town w 1892 i A Gaiety Girl w 1893, utwierdził Edwardesa w obranej ścieżce. Te „komedie muzyczne”, jak je nazywał, zrewolucjonizowały londyńską scenę i nadały ton na następne trzy dekady.

Okładka partytury wokalnej Sidneya Jonesa The Geisha

Wczesne hity Edwardesa Gaiety obejmowały serię lekkich, romantycznych programów „biedna dziewczyna kocha arystokratę i wygrywa go na przekór wszystkiemu”, zwykle ze słowem „Dziewczyna” w tytule, w tym The Shop Girl (1894) i A Runaway Girl ( 1898 ), z muzyką Ivana Carylla i Lionela Moncktona . Przedstawienia te były natychmiast szeroko kopiowane w innych londyńskich teatrach (a wkrótce w Ameryce), a edwardiańska komedia muzyczna zmiotła wcześniejsze formy muzyczne opery komicznej i operetki. W Daly's Theatre Edwardes zaprezentował nieco bardziej złożone hity komediowe. The Geisha (1896) Sidneya Jonesa z tekstami Harry'ego Greenbanka i Adriana Rossa , a następnie Jones' San Toy (1899) działały przez ponad dwa lata, a także odniosły wielki międzynarodowy sukces, na przykład w australijskich produkcjach JC Williamsona .

Brytyjska komedia muzyczna Florodora (1899) Lesliego Stuarta i Paula Rubensa odbiła się szerokim echem po obu stronach Atlantyku, podobnie jak A Chinese Honeymoon (1901) brytyjskiego autora tekstów George’a Dance’a i urodzonego w Ameryce kompozytora Howarda Talbota . ustanawiając rekord 1074 występów w Londynie i 376 w Nowym Jorku. Historia dotyczy par, które spędzają miesiąc miodowy w Chinach i nieumyślnie łamią przepisy dotyczące całowania się (odcienie The Mikado ). The Belle of New York (1898) miał 697 występów w Londynie po krótkim występie w Nowym Jorku, stając się pierwszym amerykańskim musicalem wystawianym przez ponad rok w Londynie. Po przełomie XIX i XX wieku Seymour Hicks (który połączył siły z amerykańskim producentem Charlesem Frohmanem ) napisał popularne programy z kompozytorem Charlesem Taylorem i innymi, a Edwardes i Ross nadal produkowali takie hity, jak The Toreador (1901), A Country Girl ( 1902), The Orchid (1903), The Girls of Gottenberg (1907) i Our Miss Gibbs (1909). Inne edwardiańskie muzyczne komedie to The Arcadians (1909) i The Quaker Girl (1910).

Operetka i I wojna światowa

Wiktora Herberta

Praktycznie wyeliminowane z anglojęzycznej sceny przez konkurencję wszechobecnych edwardiańskich komedii muzycznych w latach 90. XIX wieku, operetki powróciły do ​​Londynu i Broadwayu w 1907 roku wraz z Wesołą wdową , a operetki i musicale stały się przez pewien czas bezpośrednimi konkurentami. We wczesnych latach XX wieku anglojęzyczne adaptacje XIX-wiecznych operetek kontynentalnych, a także operetki nowej generacji kompozytorów europejskich, takich jak między innymi Franz Lehár i Oscar Straus , rozprzestrzeniły się po całym anglojęzycznym świecie. W Ameryce Victor Herbert wyprodukował szereg słynnych operetek ( The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) i Naughty Marietta (1910)), często z librecistą Harry'ego B. Smitha , a także kilka kameralnych sztuk muzycznych w nowoczesnych oprawach. W krajach anglojęzycznych podczas I wojny światowej niemieckojęzyczna operetka straciła na popularności.

wyróżniał się zespół PG Wodehouse'a , Guya Boltona i Jerome'a ​​Kerna . Podążając śladami Gilberta i Sullivana , ich „ Princess Theatre show” utorowało drogę późniejszej pracy Kerna, pokazując, że musical może łączyć lekką, popularną rozrywkę z ciągłością między historią a piosenkami:

„Te programy zbudowały i dopracowały formę, z której wyewoluowały prawie wszystkie późniejsze główne komedie muzyczne.… Postacie i sytuacje były, w granicach licencji na komedię muzyczną, wiarygodne, a humor pochodził z sytuacji lub charakteru postaci. Wyjątkowo płynne melodie Kerna zostały wykorzystane do rozwinięcia akcji lub rozwinięcia charakteryzacji. Integracja pieśni i historii jest okresowo ogłaszana jako przełom w… teatrze muzycznym. Wielka opera zawsze to robiła i łatwo jest wykazać taką integrację w przypadku Gilberta i Sullivan czy francuska opera bouffe . Jednak wczesna komedia muzyczna była często winna wstawiania piosenek w sposób przypadkowy. Musicale Princess Theatre przyniosły zmianę podejścia. PG Wodehouse, najbardziej spostrzegawczy, piśmienny i dowcipny autor tekstów swoich czasów, a zespół Boltona, Wodehouse'a i Kerna miał wpływ odczuwalny do dziś.

George’a Gershwina

Publiczność chodząca do teatru potrzebowała eskapistycznej rozrywki w mrocznych czasach I wojny światowej i gromadziła się w teatrze. Hitowy musical Harry'ego Tierneya i Josepha McCarthy'ego z 1919 roku, Irene , miał 670 przedstawień, co było rekordem na Broadwayu, który utrzymywał się aż do Hellzapoppin z 1938 roku . Brytyjska publiczność wspierała znacznie dłuższe biegi, takie jak Maid of the Mountains (1352 występy), a zwłaszcza Chu Chin Chow . Jego seria 2238 występów była ponad dwa razy większa niż w jakimkolwiek poprzednim musicalu, ustanawiając rekord, który utrzymywał się przez prawie czterdzieści lat, aż do Salad Days . Niezwykle popularne były również rewie, takie jak The Bing Boys Are Here w Wielkiej Brytanii oraz Florenza Ziegfelda i jego naśladowców w Ameryce. W latach dwudziestych XX wieku pojawiło się nowe pokolenie kompozytorów operetek, takich jak Rudolf Friml i Sigmund Romberg .

Prymat brytyjskiego teatru muzycznego od XIX wieku do 1920 roku został stopniowo zastąpiony przez amerykańską innowację w XX wieku. Rywalem i odpowiednikiem Edwardesa w USA był Charles Frohman i jego Theatrical Syndicate . Muzyczne rozrywki George'a M. Cohana i Herberta po przełomie wieków ustąpiły miejsca przedstawieniom Princess Theatre i obfitości innych musicali, gdy Kern i inni kompozytorzy z Tin Pan Alley zaczęli wprowadzać nowe style muzyczne, takie jak ragtime i jazz , do teatry. Bracia Shubert przejęli kontrolę nad teatrami na Broadwayu po wojnie, gdy nowi pisarze, tacy jak bracia Gershwin ( George i Ira ), Irving Berlin oraz Rodgers i Hart, zaczęli produkować przedstawienia. Pisarz teatru muzycznego Andrew Lamb zauważa: „Triumf dzieł amerykańskich nad europejskimi w pierwszych dziesięcioleciach XX wieku nastąpił na tle zmieniającego się tła społecznego. Operowe i teatralne style dziewiętnastowiecznych struktur społecznych zostały zastąpione bardziej trafnym stylem muzycznym dostosowany do społeczeństwa XX wieku i jego języka ojczystego. To z Ameryki wyłonił się bardziej bezpośredni styl, aw Ameryce był w stanie rozkwitnąć w rozwijającym się społeczeństwie mniej skrępowanym dziewiętnastowieczną tradycją.

Szalone lata dwudzieste i Wielki Kryzys

Nuty z Sally , 1920

Musicale z szalonych lat dwudziestych , zapożyczone z wodewilu, musicalu i innych lekkich rozrywek, miały tendencję do podkreślania gwiazdorskich aktorów i aktorek, wielkich układów tanecznych i popularnych piosenek kosztem fabuły. Typowe dla tej dekady były beztroskie produkcje, takie jak Sally ; Pani bądź dobra ; słoneczny ; Nie, nie, Nanette ; O Kaju! i Śmieszna Twarz . Chociaż książki z tych programów mogły być niezapomniane, zawierały gwiazdy takie jak Marilyn Miller i Fred Astaire i wyprodukowały dziesiątki trwałych popularnych piosenek („ standardów ”), w szczególności autorstwa Jerome'a ​​Kerna, braci Gershwin, Irvinga Berlina, Cole'a Portera , Vincent Youmans oraz zespół Richarda Rodgersa i Lorenza Harta . Przez pierwszą połowę XX wieku w muzyce popularnej dominowali kompozytorzy i autorzy tekstów teatru muzycznego. Te musicale i produkowane przez nich standardy, w tym „ Fascinating Rhythm ”, „ Tea for Two ” i „ Someto Watch Over Me ”, stały się popularne po obu stronach Atlantyku.

Wiele przedstawień to rewie , serie skeczy i piosenek z niewielkim lub żadnym powiązaniem między nimi. Najbardziej znanymi z nich były coroczne Ziegfeld Follies , spektakularne rewie pieśni i tańca na Broadwayu z ekstrawagancką scenografią, wyszukanymi kostiumami i pięknymi chórzystkami. Te okulary podniosły również walory produkcyjne, a montaż musicalu generalnie stał się droższy. Shuffle Along , przedstawienie w całości z udziałem Afroamerykanów, było hitem na Broadwayu. W Londynie popularne stały się gwiazdy takie jak Ivor Novello i Noël Coward . W międzyczasie operetki, których prawie nie było na anglojęzycznej scenie od I wojny światowej, przeżyły ostatni przypływ popularności; dzieła kompozytorów z Europy kontynentalnej odniosły sukces, podobnie jak dzieła Sigmunda Romberga i Rudolfa Frimla w Ameryce, w tym odpowiednio Rose-Marie i The Student Prince . Ostatnim przebojem operetki tamtej epoki na Broadwayu był Księżyc w nowiu Romberga z 1928 roku.

Wykraczając daleko poza stosunkowo frywolne musicale i sentymentalne operetki dekady, Show Boat , którego premiera odbyła się 27 grudnia 1927 roku w Ziegfeld Theatre w Nowym Jorku, reprezentował jeszcze pełniejszą integrację książki i partytury niż musicale Princess Theatre, z dramatyczne tematy opowiedziane poprzez muzykę, dialogi, scenografię i ruch. Osiągnięto to poprzez połączenie liryzmu muzyki Kerna z umiejętnym kunsztem Oscara Hammersteina II , który zaadaptował powieść Edny Ferber i napisał teksty do serialu. Pewien historyk napisał: „Dochodzimy do zupełnie nowego gatunku - sztuki muzycznej w odróżnieniu od komedii muzycznej. Teraz… chodziło o sztukę, a wszystko inne było jej podporządkowane. Teraz… nastąpiła całkowita integracja numery piosenek, humoru i produkcji w jedną i nierozerwalną całość artystyczną”. Jednak Bordman argumentuje: „ Show Boat to z pewnością operetka z wieloma pasażami arioso , muzyczną głębią i powagą oraz romantyczną historią osadzoną w typowy dla operetki sposób dawno temu i daleko”. Niemniej jednak, gdy Wielki Kryzys rozpoczął się podczas krajowej trasy koncertowej Show Boat po Broadwayu , publiczność wróciła do lekkiej, aroganckiej, eskapistycznej rozrywki i żadna kontynuacja nie została wyprodukowana tak poważnie traktująca poważne tematy społeczne aż do Oklahomy! w 1943 roku

Film stanowił wyzwanie dla sceny. Początkowo filmy były nieme i stanowiły jedynie ograniczoną konkurencję dla teatru. Ale pod koniec lat dwudziestych filmy takie jak Śpiewak jazzowy można było wyświetlać ze zsynchronizowanym dźwiękiem. Filmy „Talkie” po niskich cenach skutecznie zabiły wodewil na początku lat trzydziestych XX wieku. Historia _ _ miejsce, kto mógłby żądać od publiczności płacenia wyższych kwot za mniej imponujące występy na żywo?”

1930 do Oklahomy!

Ethel Merman

Wielki Kryzys dotknął publiczność teatralną po obu stronach Atlantyku, ponieważ ludzie mieli niewiele pieniędzy do wydania na rozrywkę. Tylko kilka przedstawień scenicznych przekroczyło liczbę 500 przedstawień na Broadwayu lub w Londynie w ciągu dekady.

Wiele programów kontynuowało beztroski styl śpiewu i tańca ich poprzedników z lat dwudziestych XX wieku. W rewii The Band Wagon (1931) wystąpili partnerzy taneczni Fred Astaire i jego siostra Adele , a Cole Porter's Anything Goes (1934) potwierdziło pozycję Ethel Merman jako Pierwszej Damy teatru muzycznego, tytuł, który utrzymywała przez wiele lat. Brytyjscy pisarze, tacy jak Noël Coward i Ivor Novello, nadal tworzyli staromodne, sentymentalne musicale, takie jak The Dancing Years . Podobnie Rodgers & Hart wrócili z Hollywood, by wyprodukować serię broadwayowskich hitów, w tym On Your Toes (1936, z Rayem Bolgerem , pierwszym musicalem na Broadwayu, w którym dramatycznie wykorzystano taniec klasyczny), Babes In Arms (1937) i The Boys From Syracuse (1938) i Cole Porter napisali podobny ciąg hitów, w tym Anything Goes (1934) i DuBarry Was a Lady (1939). Najdłużej wystawianym utworem teatru muzycznego lat trzydziestych XX wieku był Hellzapoppin (1938), rewia z udziałem publiczności, która zagrała 1404 spektakli, ustanawiając nowy rekord Broadwayu, który ostatecznie pobił Oklahoma! pięć lat później.

Rodgersa i Harta

Jednak kilka kreatywnych zespołów zaczęło opierać się na innowacjach Show Boat , eksperymentując z muzyczną satyrą, aktualnymi książkami i zakresem operowym. Of Thee I Sing (1931), satyra polityczna z muzyką George'a Gershwina i tekstami Iry Gershwina i Morriego Ryskinda , był pierwszym musicalem, który otrzymał nagrodę Pulitzera . As Thousands Cheer (1933), rewia Irvinga Berlina i Mossa Harta , w której każda piosenka lub szkic była oparta na nagłówku gazety, była pierwszym przedstawieniem na Broadwayu, w którym Afroamerykanka Ethel Waters wystąpiła u boku białych aktorów. Liczby Watersa obejmowały „ Supper Time ”, kobiecy lament nad mężem, który został zlinczowany. Porgy and Bess (1935), autorstwa braci Gershwin i DuBose Heyward , zawierał całą afroamerykańską obsadę i mieszankę operowych, ludowych i jazzowych idiomów. Weszła na stałe do repertuaru operowego i pod pewnymi względami zapowiadała takie „operowe” musicale, jak West Side Story czy Sweeney Todd . The Cradle Will Rock (1937), z książką i partyturą Marca Blitzsteina i reżyserią Orsona Wellesa , był wysoce politycznym utworem pro- związkowym , który pomimo kontrowersji wokół niego zdołał wystawić 108 przedstawień. Richard Rodgers i Lorenz Hart 's I'd Attraction Be Right (1937) była satyrą polityczną z George'em M. Cohanem jako prezydentem Franklinem D. Rooseveltem , a Knickerbocker Holiday Kurta Weilla , oparty na pismach źródłowych Washingtona Irvinga , przedstawiał Nowy Jork wczesnej historii, jednocześnie dobrodusznie satyrując dobre intencje prezydenta Franklina D. Roosevelta .

Pomimo problemów ekonomicznych dekady i konkurencji ze strony filmu, musical przetrwał. W rzeczywistości ruch w kierunku satyry politycznej w Of Thee I Sing , I'd Only Be Right i Knickerbocker Holiday , wraz z muzycznym wyrafinowaniem musicali Gershwina, Kerna, Rodgersa i Weilla oraz dynamiczną inscenizacją i naturalistycznym stylem dialogów stworzyły reżysera George'a Abbotta , pokazał, że teatr muzyczny zaczyna ewoluować poza gagi i showgirls musicale gejowskich lat dziewięćdziesiątych i szalonych lat dwudziestych oraz sentymentalny romans operetki. Oklahoma Rodgersa i Hammersteina ! (1943) zakończył rewolucję zapoczątkowaną przez Show Boat , ściśle integrując wszystkie aspekty teatru muzycznego, ze spójną i poważniejszą fabułą oraz piosenkami i tańcami, które wspierały akcję opowieści i rozwijały bohaterów. Był to także pierwszy „przebój” na Broadwayu, w którym odbyło się łącznie 2212 przedstawień, i który stał się przebojem filmowym.

Zobacz też

Uwagi i odniesienia

Cytowane książki

Dalsza lektura

  •   Bordman, Gerald (1978). Amerykański Teatr Muzyczny: Kronika . Nowy Jork: Oxford University Press. VIII, 749 s. ISBN 0-19-502356-0
  •   Bryant, Jye (2018). Pisanie i wystawianie nowego musicalu: podręcznik . Bezpośrednie wydawnictwo Kindle. ISBN 9781730897412 .
  • Ganzl, Kurt. Encyklopedia Teatru Muzycznego (3 tomy). Nowy Jork: Schirmer Books, 2001.
  • Stempel, Larry. Showtime: A History of the Broadway Musical Theatre (WW Norton, 2010) 826 stron; obszerna historia od połowy XIX wieku.
  • Traubner, Ryszard. Operetka: historia teatralna . Garden City, NY: Doubleday & Company, 1983

Linki zewnętrzne

Pobrano z „ https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Development_of_musical_theatre&oldid=1139228736 ”